11.23: Volviéndose moderno

Figura\(\PageIndex{1}\). Édouard Manet, Un bar en el Folies-Bergère, óleo sobre lienzo, 1882 (Courtauld Gallery, Londres)

La gente usa el término “moderno” en una variedad de formas, a menudo muy vagamente, con muchas asociaciones implícitas de nuevas, contemporáneas, actualizadas y tecnológicas. Conocemos la diferencia entre un país moderno y un país del tercer mundo y generalmente tiene menos que ver con el arte y más con la tecnología y el progreso industrial, cosas como plomería interior, fácil acceso a bienes de consumo, libertad de expresión y derechos de voto. En el siglo XIX, sin embargo, la modernidad y su vinculación con el arte tenían ciertas asociaciones específicas que las personas comenzaron a reconocer y utilizar como barómetros para distinguirse a sí mismas y a su cultura de las formas y actitudes de principios del siglo XIX.

Cronológicamente, el Modernismo se refiere al periodo de 1850 a 1960. Comienza con el Movimiento Realista y termina con el Expresionismo Abstracto. Eso es poco más de cien años. Durante ese período el mundo occidental experimentó algunos cambios significativos que transformaron a Europa y Estados Unidos de sociedades tradicionales que se basaban en la agricultura a modernas con ciudades y fábricas y transporte masivo. Aquí hay algunas características importantes que comparten todas las sociedades modernas.

1. El capitalismo reemplazó las fortunas desembarcadas y se convirtió en el sistema económico de la modernidad en el que las personas intercambiaban mano de obra por un salario fijo y usaban sus salarios para comprar cada vez más artículos de consumo en lugar de producir esos artículos ellos Este cambio económico afectó dramáticamente las relaciones de clase porque ofrecía oportunidades de gran riqueza a través de la iniciativa individual, la industrialización y la tecnología, algo así como la explosión tecnológica y dot.com de finales del siglo XX y principios del XXI. La revolución industrial que comenzó en Inglaterra a finales del siglo XVIII y rápidamente se extendió por Europa (golpeó a Estados Unidos inmediatamente después de la Guerra Civil) transformó las relaciones económicas y sociales, ofreció un número cada vez mayor de bienes de consumo más baratos y cambió las nociones de educación. ¿Quién necesitaba los clásicos cuando una educación de orientación comercial/técnica era la clave del éxito financiero? La revolución industrial también fomentó un sentido de competencia y progreso que nos sigue influyendo en la actualidad.
2. La cultura urbana reemplazó a la cultura agraria a medida que crecían la industrialización y Las ciudades fueron los sitios de nueva riqueza y oportunidad con sus fábricas y potencial manufacturero. Las personas que se trasladaban de pequeñas granjas, pueblos a grandes ciudades ayudaron a descomponer la cultura y los valores tradicionales. También hubo nuevas complicaciones como la creciente delincuencia urbana, la prostitución, la enajenación y la despersonalización. En un pueblo pequeño probablemente conocías al zapatero que te hacía los zapatos y una relación tan personal a menudo se expandía a la economía cotidiana; podrías cambiar comida o mano de obra por un nuevo par de zapatos o retrasar los pagos. Este tipo de alojamientos que formaban una subestructura a la vida agraria fueron arrasados con la urbanización. Los habitantes de la ciudad compraron zapatos que fueron fabricados, transportados por ferrocarriles, exhibidos en escaparates y comprados sólo por dinero en efectivo. Las líneas de montaje, la mano de obra anónima y la publicidad crearon más artículos de consumo pero también un creciente sentido de despersonalización. La brecha entre los “ricos” y los “no tienen” se incrementó y fueron más visibles en la ciudad.
3. Los avances tecnológicos como la industrialización, ferrocarriles, alumbrado de gas, tranvías, sistemas de fábricas, plomería interior, electrodomésticos y avances científicos se hicieron rápidamente y estos cambios afectaron drásticamente la forma en que las personas vivían y pensaban sobre sí mismas. Una consecuencia fue que las personas de las zonas industrializadas se consideraban progresistas y modernas y consideraban las culturas subdesarrolladas de los países subdesarrollados como primitivas y atrasadas.
4. La modernidad se caracteriza por el aumento del laicismo y la disminución de la autoridad religiosa. La gente no abandonó la religión sino que le prestaba menos atención. Las religiones organizadas eran cada vez menos capaces de dictar estándares, valores y temas. Las bellas artes pasaron de representar la experiencia humana y su relación con la creación de Dios, a un enfoque en las emociones personales y experiencias espirituales individuales que no se basaban en ninguna religión organizada e institucionalizada.
5. El mundo moderno era extremadamente optimista —la gente veía estos cambios como positivos. Acogieron con beneplácito la innovación y defendieron el progreso. El cambio se convirtió en un significante de modernidad. Cualquier cosa que fuera tradicional y estática señalaba anticuada, anticuada, conservadora y debía ser evitada por el nuevo público moderno. La Europa moderna y Estados Unidos interiorizaron estas posiciones y utilizaron la modernidad como una forma de determinar y validar su superioridad. El siglo XIX fue también un periodo de tremendo crecimiento y expansión colonial, en nombre del progreso y del beneficio social y todas estas actividades fueron encabezadas por países occidentales recién industrializados.

Muchos artistas se identificaron estrechamente con la modernidad y abrazaron las nuevas técnicas e innovaciones, el espíritu de progreso, invención, descubrimiento, creatividad y cambio. Querían participar en la creación del mundo moderno y estaban ansiosos por probar nuevas ideas en lugar de seguir las pautas más conservadoras del arte académico. Esto no quiere decir que estos artistas de mediados del siglo XIX fueron los primeros en desafiar a una generación o conjunto de ideas mayores. Muchos artistas académicos habían discutido sobre temas formales, estilos y temas pero esto era muy parecido a un acuerdo bondadoso dentro de un club; todos en el grupo estuvieron de acuerdo en estar en desacuerdo.

A mediados de la década de 1850, los desacuerdos académicos educados estaban siendo sacados de la Academia y sacándolos a la calle. Los artistas buscaban cada vez más al sector privado el mecenazgo, aprovechando ese creciente grupo de coleccionistas burgueses o de clase media con dinero para gastar y casas para llenar de pinturas. Esta nueva audiencia de clase media que ganaba su dinero a través de la industrialización y la manufactura tenía mucho “ingreso disponible”, y querían imágenes que pudieran entender, que fueran fáciles de ver, que encajaran en sus hogares, abordaran temas que les gustaban. No para ellos los ciclos históricos de dioses, santos y héroes con sus complejas asociaciones intelectuales y referencias; en cambio, querían paisajes, escenas de género y bodegones. No eran menos educados que los compradores anteriores, sino educados con un enfoque y un conjunto de prioridades diferentes. La realidad estaba aquí y ahora, el progreso era inevitable, y el nuevo héroe de la vida moderna era el hombre moderno.

La modernidad es entonces un compuesto de contextos: un tiempo, un espacio y una actitud. Lo que hace que un lugar o un objeto sea “moderno” depende de estas condiciones.

La Vanguardia

A lo largo del siglo XIX hubo artistas que produjeron cuadros que no etiquetamos como “arte moderno” generalmente porque las técnicas o temas estaban asociados con los estilos, técnicas y enfoques académicos conservadores. Por otro lado, a los artistas modernos se les llamaba a menudo la “vanguardia”. Este fue originalmente un término militar que describía al hombre punto (el primer soldado en salir) —el que más riesgo corría. El socialista francés Henri de Saint-Simon utilizó por primera vez el término a principios de 1820 para describir a un artista cuya obra serviría a las necesidades del pueblo, de una sociedad socialista más que a las clases dominantes. La vanguardia también se utiliza para identificar a artistas cuyos temas y técnicas pictóricas eran radicales, marcándolos de los estilos más tradicionales o académicos, pero no con ninguna ideología política particular en mente. La vanguardia se convirtió en una especie de término genérico para una serie de movimientos artísticos centrados en la idea de autonomía e independencia artísticas. En algunos casos la vanguardia se asoció estrechamente con el activismo político, especialmente con los movimientos socialistas o comunistas; en otros casos, la vanguardia se alejó de la política y se centró principalmente en la estética. La vanguardia nunca fue un grupo cohesivo de artistas y lo que era vanguardia en una nación no era necesariamente lo mismo en otras.

Por último, aunque los artistas modernos estuvieron trabajando en muchos países de Europa y Estados Unidos, la mayor parte del arte XIX y gran parte del arte moderno del siglo XX se centra en Francia y es producido por artistas franceses. A diferencia de Inglaterra, que era políticamente estable en el siglo XIX, Francia pasó por una variedad de gobiernos e insurrecciones, todas las cuales proporcionaron un entorno político y cultural único que fomentó lo que conocemos como arte moderno.