8.2: Artistas renacentistas

Filippo Brunelleschi (1377-1446) nació en Francia y se convirtió en uno de los arquitectos más conocidos de la época. La arquitectura al inicio del Renacimiento fue un renacimiento del clasicismo, alejándose del estilo gótico tradicional de diseño y construcción. La iglesia principal de Florencia, Italia, la Cattedrale di Santa Maria del Fiore (Catedral de Santa María de la Flor) (8.3), comenzó en 1296 con base en el estilo gótico. El diseño del edificio incluía una inmensa cúpula octogonal, y la iglesia teóricamente iba a ser la más grande construida en el mundo. El único problema -desde hace 200 años, nadie pudo producir un plan viable para construir la cúpula- por lo que la cúpula se dejó destapada y abierta a los elementos. A partir de los conceptos de antigüedad, Filippo Brunelleschi revivió las técnicas de construcción de perspectiva lineal adoptadas por los griegos y romanos y diseñó una cúpula para adaptarse a la abertura.

8.3 Cúpula de la catedral

En 1418, después de convencer a los padres de la ciudad de su diseño radical para construir dos cúpulas, una dentro de la otra, Brunelleschi se adjudicó el contrato para construir la cúpula. El sistema de doble pared (fig. 8.4) a partir de ladrillos ligeros, permitió que el domo se elevara más alto y más sustancial que nunca. La cúpula se construyó a 43.2 metros de altura, y Brunelleschi inventó un diseño de ladrillo en espiga (8.5) en espiral hacia arriba, agregando soporte mientras el peso se desplazaba hacia afuera a los soportes de la cúpula. Brunelleschi tuvo que diseñar, crear y utilizar numerosas máquinas de elevación para elevar los materiales a los trabajadores. La cúpula era una maravilla matemática y arquitectónica, y los visitantes aún pueden subir a la linterna para disfrutar de magníficas vistas de Florencia.

8.4 Plano de cúpula Brunelleschi

8.5 Exterior domo Brunelleschi

Originalmente, Brunelleschi quería que el interior de la cúpula cubierta de oro reflejara la luz, sin embargo, murió, y la cúpula simplemente estaba encalada. Posteriormente, el duque de Florencia encargó a los artistas que pintaran el interior de la cúpula con historias (8.6) que representaran El Juicio Final de la Biblia.

8.6 Dentro de la cúpula

LECTURA: Cúpula de Brunelleschi: Construcción y Estructura

Donato di Niccolo di Betto (alias Donatello) (1386-1466), nacido en Florencia, el centro del nuevo movimiento, fue uno de los artistas renacentistas originales. Cosimo De Medici, el primer líder de la dinastía Medici, patrocinó Donatello, y en 1430, Donatello creó la primera escultura desnuda independiente de David (8.7). Donatello estudió arte griego y romano junto con Brunelleschi antes de diseñar la estatua.

Figura\(\PageIndex{1}\): Pegar Leyenda Aquí

8.7 David 8.8 David de cerca

La postura tradicional de una escultura independiente fue una de las primeras desde las estatuas griegas y romanas del pasado antiguo, haciendo que esta estatua fuera revolucionaria y emocionante de ver. El cuerpo alto y ágil del joven David descansa sobre una pierna y su espada, dejando que la otra pierna se incline hacia adelante sobre la cabeza de Goliat. David tiene una sonrisa encantadora (8.8); sus manos están a su lado contra una piel lisa y pulida y sus largos mechones rizados fluyen desde debajo de su casco.

La provocativa estatua se encontraba sobre una columna en medio del patio del Palazzo Medici en lugar de la plaza del pueblo, lo que indica que puede haber sido polémico exhibir una figura masculina desnuda en esta época del siglo XV. Donatello se adelantó sin duda a su tiempo como artista, liderando la revolución renacentista de aceptación y cualidades humanistas en el arte.

Tommaso di Ser Giovanni di Simone (alias Masaccio) (1401-1428) fue uno de los mejores pintores del periodo quattrocento del renacimiento. Durante su breve permanencia como pintor, tuvo una profunda influencia en otros artistas y sus métodos de usar la perspectiva, cambiando para siempre la pintura occidental. Desafortunadamente, murió a la temprana edad de veintiséis años.

Quattrocento: el ^siglo XV como período del arte o la arquitectura italiana

Alejándose del estilo gótico tradicional y plano, Masaccio utilizó la perspectiva (del latín al “transparente”) en su pintura, una desviación de los métodos de pintura estándar. Su uso de una perspectiva lineal de un punto cambió la pintura y el dibujo para siempre. El punto de fuga (8.9) comienza como un conjunto de líneas paralelas como una vía de tren, desapareciendo hacia el otro lado de la imagen. Su magnífico cuadro, la Trinidad (8.10), ubicado en la iglesia, Santa Maria Novella en Florencia, es un gran fresco sobre una tumba.

8.9 Perspectiva de la Trinidad

8.10 Trinidad

Los arcos triunfales romanos en el Foro Romano pueden haber sido la inspiración para Masaccio. Sus bóvedas de cañón se dibujan con la perspectiva exacta que muestra el artesonado retrocediendo al fondo. La ilusión realista del espacio crea profundidad con el uso de las columnas y el techo. Cristo en la cruz es el centro de la pintura, el cuerpo pintado de forma musculosa mirando hacia abajo a María. Todo el cuadro se encuentra encima de una tumba abierta con la inscripción: “Como soy ahora, así serás tú. Como estás ahora, así que una vez fui yo”. El increíble espacio cavernoso muestra el punto de perspectiva justo debajo del fondo de la cruz. Los avances significativos que Masaccio utilizó en esta pintura pasaron a influir en los grandes artistas del Renacimiento.

En 1436, Johannes Gensfleisch Zur Laden zum Gutenberg (1398-1468) inventó la prensa de impresión de tipo móvil (8.11) en Europa. Inventor, artesano, herrero y editor, era bien educado y pertenecía a una familia adinerada. Los libros durante la Europa del siglo XIV fueron cada uno único, los monjes en los monasterios copiaban cada uno a mano. Gutenberg vio una oportunidad cuando las bibliotecas se abrieron por primera vez, y los académicos querían acceder a muchas copias de los mismos libros. Gutenberg comenzó a experimentar con el texto, cortándolo en letras individuales, pegándolos a pequeños bloques de madera para usar como sellos, cada bloque entintado individualmente. Después inventó el texto metálico y un molde de bloques de letras, por lo que todo el texto era igual en tamaño, dando a los tipógrafos la capacidad de formar líneas o páginas de impresión. El formulario fue entintado y prensado a mano sobre papel. Gutenberg utilizó un diseño similar a las prensas de vino o manzana con un diseño de tornillo para presión.

8.11 Modelo de la imprenta

Durante dos años, Gutenberg y su personal trabajaron en la impresión de la biblia en texto negro, iluminada a mano con tintas de colores. La primera edición de 180 libros idénticos tuvo mucho éxito e inició la revolución de la impresión. Dos años después de que Gutenberg inventara la prensa, la producción de libros aumentó y el analfabetismo cayó. Si bien una imprenta se inventó en China y Corea unos siglos antes, la tecnología no había migrado a Europa. La imprenta de Gutenberg es considerada como uno de los inventos más críticos de la historia europea.

Andrea Mantegna (1431-1506) fue una pintora italiana que fue estudiante de arqueología romana e informada por antigüedades, influencia que se manifiesta en los fondos de la mayor parte de las obras de arte de Mantegna. Fue un maestro de la ilusión óptica y practicó el dibujo de las perspectivas antes de comenzar una pintura. San Sebastián, (8.12) pintado en 1480, representa al santo atado a una columna griega, empalado con flechas. La pálida y agonizante figura de San Sebastián se contradice con el cielo azul y las nubes blancas hinchadas entre un pueblo y la columna a la que está atado. La influencia arquitectónica griega enmarca la piel pálida y la túnica blanca del santo con el mármol gris-blanco de las columnas.

8.12 San Sebastián

8.13 Cristo como Redentor sufriente

Otra hermosa pintura de Mantegna es Cristo como el Redentor Sufriente (8.13). El cuadro se completó quince a veinte años después de San Sebastián y representa el crecimiento en la habilidad de Mantegna como artista. Cristo está envuelto en un drapeado blanco, flanqueado por dos ángeles. Al fondo se encuentra la tumba, del recién enterrado y ahora resucitado Cristo recién emergido, haciendo de la pintura una historia completa, manteniendo al mismo tiempo el foco en Cristo en el centro.

Alessandro di Mariano di Vanni Filpepi (alias Sandro Botticelli) (1445-1510) fue un pintor renacentista temprano que asistió a la escuela florentina bajo el patrocinio de Lorenzo de Medici. Botticelli aprendió a los catorce años a fray Filippo Lippi y se encontró en medio de la edad de oro del arte renacentista.

En 1485, Botticelli pintó una de las pinturas más icónicas del Renacimiento, El nacimiento de Venus, (8.14), basada en una antigua diosa del amor, y una estatua griega de Medici tenía en su colección. De pie sobre una concha marina después de nacer del mar, Venus flota con gracia hacia la orilla. El dios del viento Zephyer la sopla suavemente a la orilla, donde un asistente la saluda con una túnica roja que fluye.

8.14 El nacimiento de Venus

8.15 Cerca de Venus

El fondo es poco realista y no tiene la profundidad que se ve en la pintura de Maccacio, y una ilusión apasionante, los cuerpos no fundados en tierra, parecen estar flotantes, poco característicos de los artistas renacentistas. El cuerpo y la cara sensuales (8.15) de la Venus, pintados en suaves colores pastel, carecen de profundidad, su rostro melancólico, su cabello movido por el viento, toda pintura temática inusual según los estándares renacentistas.

Jheronimus van Aken (también conocido como Hieronymus Bosch) (1450-1516) fue un pintor holandés temprano y conocido por los paisajes excéntricos y las imágenes detalladas que representan crónicas morales y religiosas. La obra más famosa de Bosch es el Jardín de las Delicias Terrestres, pintado en 1490. El tríptico, pintado sobre paneles de madera de roble, se articula con pintura en blanco y negro en la cubierta exterior, y una representación colorida del cielo, la tierra y el infierno con los paneles abiertos. La portada de la pintura es en blanco y negro (8.16) que representa a la tierra como un globo terráqueo, sin embargo, un paisaje plano con nubes reunidas en la parte superior que se asemejan a la atmósfera. Cuando los paneles se cierran, las hermosas curiosidades coloridas pintadas en su interior son inesperadas.

8.16 Jardín de Delicias Terrestres exterior 8.17 Panel Jardín de Delicias Terrenales

8.18 Jardín de las Delicias Terrenales

Al abrir las alas se revela una imagen radiante de la tierra (8.17), habitada con numerosas personas desnudas en todos los estados de poses humorísticas pero siniestras. El Renacimiento permitió la libertad para la imaginería religiosa, y Bosch tomó la idea y renderizó una pintura inventiva y lúdica tan adelantada a su tiempo, podría haber sido pintada hoy.

Cuando el tríptico está abierto, el ojo se mueve alrededor de las imágenes, las emociones en alerta máxima como si vivieran en un sueño. Una parte del panel (8.18) retrata a personas comiendo fruta gigante, aves sobredimensionadas volando, carreras de caballos, todo con imágenes repulsivas y hermosas una al lado de la otra. La pintura es un compuesto de un mundo onírico, un mundo donde nadie crece ni tiene responsabilidades. En una calidad pictórica de ciencia ficción, el espectador es conducido a través de un mundo imaginario entre el cielo y el infierno. Hieronymus Bosch era un hombre adelantado a su tiempo; desafortunadamente, no dejó ninguna palabra escrita sobre sus ideas, pinturas o dibujos. Bosch ha dejado al espectador para pasear y explorar por su cuenta, el Jardín de las Delicias Terrestres.

Leonardo di ser Piero da Vinci (también conocido como Leonardo da Vinci) (1452-1519) es uno de los pintores más famosos del Renacimiento, arquitecto, científico, matemático, astrónomo, botánico, escritor, ingeniero, inventor, músico y escultor. Leonardo Da Vinci nació en una prominente familia toscana y se mudó a Florencia a la edad de diecisiete años para comenzar su carrera artística. Leonardo se unió al gremio de artistas y pronto floreció en la atmósfera intelectual. Da Vinci rebotó de patrón a patrón, pintando, dibujando y diseñando. Dibujó anatomía de cadáveres robados, aprendiendo cómo funcionaban el (8.19) cuerpo y cerebro y dibujó imágenes elaboradamente detalladas de los elementos del cuerpo humano, incluido un feto en el útero (8.20). Leonardo tenía una insaciable curiosidad por el conocimiento, lo que llevó a miles de dibujos en las ciencias.

8.19 Fisiología cerebral

8.20 Feto en el útero

Leonardo Da Vinci dejó un gran cuerpo de dibujos de sus conceptos científicos para que los estudiáramos. Uno puede imaginar a Leonardo observando el mundo natural, mirando cada detalle y pensando en cada línea. Antes incluso de levantar un pincel, Leonardo completó una serie de dibujos, estableciendo el escenario para la pintura real. Leonardo sólo pintó diecinueve cuadros en su vida; sin embargo, fue un prolífico ilustrador y escritor. Su guión italiano fue escrito al revés y se puede leer fácilmente frente a un espejo.

8.21 Maquina Voladora

Leonardo diseñó y diseñó una amplia variedad de herramientas, máquinas y otros inventos conceptuales. Uno de los dibujos más icónicos es el (8.22) Hombre de Vitruvio, dibujado en 1492, con tinta sobre papel, el hombre rodeado de un círculo basado en proporciones humanas ideales. En las revistas de Leonardo, página tras página describe dibujos de máquinas voladoras, instrumentos musicales, bombas, cañones y muchos otros. El marco central del ornitóptero de potencia humana (8.21) muestra una estructura ligera diseñada para permitir que una persona vuele. Las alas mecánicas le dan al ornitóptero su poder de elevación.

8.22 El hombre de Vitruvio

LECTURA: Dibujos de Leonardo da Vinci

La obra de Leonardo sigue guiando e inspirando a artistas, filósofos y científicos siglos después de su muerte. El genio de la obra e impulso por el conocimiento de Da Vinci lo coloca en la parte superior de la lista de grandes artistas de todos los tiempos. El enigma de la Mona Lisa (8.23) sigue siendo uno de los misterios de Leonardo. Todos quieren saber quién era ella, ¿es un autorretrato disfrazado, hay números pintados en sus ojos, están entre las muchas teorías sobre la pintura? Se suponía que iba a ser un retrato de la esposa de un comerciante de telas, un retrato que Leonardo no le dio al comerciante. La imagen está pintada de media longitud mientras se sienta en una silla, vestida con ropa sin remarcar. Hay una apariencia de ventana detrás de ella mientras muestra la sonrisa emblemática. La maravilla completa de la pintura es lo que nos atrae a la pintura.

8.23 Mona Lisa

Albrecht Durer (1452-1519) fue un tallador, pintor y grabador alemán, estableciendo una reputación en toda Europa cuando tenía veintitantos años. Durer creó un vasto cuerpo de obra con motivos clásicos, y retratos religiosos, uno de sus grabados más famosos es Melencolia I, (8.24), una composición alegórica con muchos temas icónicos. El grabado se completó en 1514 e incluyó herramientas de un carpintero, un cuadrado mágico, un reloj de arena que mostraba el tiempo agotándose, una escala, brújula y la figura alada abatida en primer plano con la cabeza apoyada en su mano. Melencolia 1 está vinculada a la astrología, la teología y la filosofía, sugiriendo que es un autorretrato del propio artista, tal vez una idea de las limitaciones del reino terrestre y la incapacidad de imaginar estados avanzados de contemplación conceptual.

Durero siempre creyó que podía lograr proporciones y medidas perfectas en sus figuras y creó a Adán y Eva (8.25) en posiciones idealizadas, rodeadas de animales, reflejando la perfección. Durer utilizó miles de líneas finas para desarrollar la imagen y luego agregó su nombre en el letrero sobre el hombro de Adán. No hizo la impresión como pieza final de obra de arte, más bien una impresión para ser reproducida y distribuida anunciando su habilidad, un anuncio renacentista.

8.24 Melencolia I 8.25 Adán y Eva

Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simini (alias Miguel Ángel) (1475-1564) nació durante el alto Renacimiento, uno de los artistas más famosos como escultor, pintor, arquitecto, ingeniero y poeta. Su genio y habilidades artísticas sin igual y su estilo orgánico dieron vida al mármol, reflejado en todas las estatuas que creó. Uno de sus primeros encargos importantes fue una estatua de la Pieta (8.26) para uno de los altares laterales en la iglesia de San Pedro en Roma. El escritor de la época declaró: “Ningún escultor... jamás podría alcanzar este nivel de diseño y gracia, ni siquiera él, ni siquiera con trabajo manual, terminar, pulir y cortar el mármol tan hábilmente como lo hizo aquí Miguel Ángel, porque en esta estatua se revela todo el valor y poder de la escultura”. Los pliegues de su vestido aparecen para acunar el cuerpo sin vida de Cristo, un cuerpo esculpido en exquisito y sublime detalle, su rostro tierno en la muerte.

8.26 Pieta

8.27 David

8.28 Pierna y mano

8.29 Cabeza

David (8.27), una de las obras maestras más impresionantes de mármol blanco brillante de Carrera, fue la escultura más masiva de Miguel Ángel, que medía 4.10 metros, y exhibiendo a un joven perfecto, musculoso, contemplativo y listo para la pelea. Generalmente, la mayoría de los artistas retratan a David después de la batalla con Goliat, cuya cabeza yace en el suelo. No obstante, David de Miguel Ángel queda atrapado en la tensa posición previa a la batalla. Los detalles tallados por Miguel Ángel (8.28) eran mucho más avanzados que otros escultores, en sus manos, los tendones son visibles debajo de la piel, las venas corriendo por su brazo. La mirada en el rostro de David (8.29) está profundamente pensada en la próxima batalla, convocando el coraje para el aún expresando el suave velo del miedo.

Miguel Ángel también fue un gran pintor a pesar de que pensaba que la pintura debía dejarse a otros; sin embargo, sabía que tenía que pintar el techo de la Capilla Sixtina (8.30) o enfrentar la ira del papa. El techo tiene más de 20 metros de altura, y Miguel Ángel diseñó andamios para que pudiera pararse bajo el techo curvo y pintar. Inició la obra en 1508, dibujando figuras y preparando el techo para los frescos.

8.30 Capilla Sixtina

El techo central consta de nueve paneles del Libro del Génesis, comenzando desde la historia de la creación hasta Noé y el diluvio. El mismo panel central es la icónica mano extendida de Dios (8.31), dando vida a Adán, cuyo dedo se extendió a Dios, pero no del todo conmovedor, creando el magnetismo entre el hombre y Dios. La Sibila libia (8.32) con sus rasgos helenísticos es una de las figuras más profundas en el techo. Pintada con su vestido regio naranja, está levantando un libro grande de la estantería. Los poderosos brazos y la espalda están retorciendo el cuerpo, haciendo que su ropa se pliegue a medida que fluyen alrededor de sus piernas, creando una ilusión de tensión.

8.31 Creación de Adán

8.32 Sibila libia

Para pintar el estilo fresco, Miguel Ángel cubrió una pequeña sección del techo en yeso y luego lo pintó en el yeso húmedo, que se secó en pocos días, revelando la imagen final. Una y otra vez, Miguel Ángel pintó mientras se movía lentamente por el techo, cuatro largos años sobre el andamio, con el cuello inclinado hacia arriba hasta completar el fresco de techo más icónico del mundo.

En 1979, se inició la restauración en la Capilla Sixtina para limpiar y reparar los frescos del techo y reacondicionarlos a su gloria anterior como los dio a conocer por primera vez Miguel Ángel. El proceso de restauración se inició en 1980 para limpiar el hollín y la suciedad de 500 años y reparar grietas en el yeso, un proceso de larga duración que no se completó hasta 1994. La imagen (8.33) de Daniel en el lado izquierdo es como apareció la imagen después de 500 años de suciedad, y a la derecha es el resultado del proceso de restauración para restablecer la belleza original. El legado de Miguel Ángel continúa mucho más allá del Renacimiento, y ha seguido siendo recordado como uno de los más grandes artistas de todos los tiempos.

Raffaello Sanzio da Urbino (también conocido como Rafael) (1483-1520) fue un pintor italiano residente en Florencia, contemporáneo de Leonardo y Miguel Ángel. A pesar de que murió a la temprana edad de treinta y siete años, dejó un considerable cuerpo de trabajo. Rafael encargó pintar las paredes de la biblioteca vaticana, un edificio justo al lado de la Capilla Sixtina, donde Miguel Ángel pintaba simultáneamente el techo de la capilla. La biblioteca era una pequeña sala, y Rafael pintó un fresco alegórico diferente en cada pared que representaba las cuatro ramas del conocimiento humano; filosofía, teología, poesía y justicia, una en cada pared.

El primer cuadro en la pared este, Rafael, pintó la famosa Escuela de Atenas (8.34), retratando el conocimiento del futuro. En el centro de la pintura, Aristóteles en azul y marrón y Platón en rojo y morado, sosteniendo sus libros parecen estar caminando hacia adelante. En la esquina inferior izquierda, Pitágoras está demostrando la importancia de las matemáticas. Hay estatuas de dioses griegos antiguos a ambos lados de los grandes artesonados que unen la antigüedad con el Renacimiento. El segundo cuadro sobre la pared oeste, La disputa (8.35), representa la teología dividida horizontalmente en vida terrenal y vida celestial. En la mitad superior, Cristo es representado en un banco de nubes, rodeado de santos. Las figuras espirituales en la mitad inferior representan a los papas, sacerdotes y líderes de la iglesia, reuniendo el conocimiento celestial a través de la hostia divina.

8.34 Escuela de Atenas

8.35 La Controversia

El tercer cuadro de la pared sur, El cardenal y las virtudes teológicas (8.36), ilustra las cualidades cardinales como personificadas por tres mujeres: Fortaleza, Prudencia y Templanza. Fortaleza es sostener una rama de un roble sacudido por el cupido, Caridad. Prudence se mira en un espejo mostrando dos caras con el cupido Hope sosteniendo una antorcha, y Temperance está custodiando al cupido Faith. El cuarto cuadro en la pared norte, El Parnaso (8.37), ilustra el Parnaso de Montaña donde reside Apolo. Veintisiete personas de Grecia flanquean a Apolo, quien se encuentra en el centro bajo un laurel, tocando un instrumento musical. Las nueve musas que retratan el arte, nueve poetas de la antigüedad y nueve poetas contemporáneos flanquean a Apolo.

8.36 El cardenal y las virtudes teológicas

8.37 El Parnaso

Las cuatro pinturas juntas cuentan una historia del viaje al período renacentista. La armonía compositiva es evidente en todos los frescos, y el contrapunto visual de los diferentes grupos de personas crea un conjunto superior de frescos. Todos estos frescos demuestran el enfoque único e ilustrativo de Rafael sobre la pintura.

Properzia de Rossi (1490-1530) fue una escultora italiana cuyo talento surgió a temprana edad. Debido a que era difícil para las chicas jóvenes encontrar algún entrenamiento excepto en el manejo de un hogar, de Rossi aprendió a tallar huesos de durazno y albaricoque, un material inusual para usar para cualquiera. Las pequeñas esculturas generalmente basadas en temas religiosos, y después de tallar su intrincada escena de la crucifixión en un pozo de durazno, reconoció su talento, recibió formación en mármol en la universidad. Adquirió un encargo para un panel de bajorrelieve y esculpió a la esposa de José y Potifar (8.38) mostrando su talento para tallar mármol, talento poco bien recibido por otros artistas que frecuentemente la desacreditaban.

8.38 La esposa de José y Potifar

Sofonisba Anguissola (1532-1625) tuvo la suerte de estar en una familia de la nobleza que creía en la formación para las artes. Durante este periodo, la mayoría de las mujeres no pudieron convertirse en aprendices de un artista maestro y tuvieron que aprender de un miembro de la familia. No obstante, su padre pudo encontrar una artista que la formara en la pintura y la importancia del diseño. Una carta escrita por su padre describía lo afortunada que era de conocer, y quizás estudiar, con Miguel Ángel. Pintó más de doce autorretratos, una imagen llamativa para un artista de esta época. En un autorretrato temprano (8.39), se representa pintando a la Virgen y al niño, aunque se detuvo a mitad de trazo y luciendo como si estuviera interrumpida. Su posterior autorretrato (8.40) fue pintado cuando tenía setenta y ocho años, siendo una maestra de los retratos.

8.39 Autorretrato 1556

8.40 Autorretrato 1610

Como artista femenina, Anguissola no tuvo acceso a modelos masculinos y frecuentemente usaba a los miembros de su familia para pintar retratos grupales. Pintó a sus otros hermanos en The Chess Game (8.41), una hermana mirando hacia afuera, la sutil sonrisa en su rostro parece decir, yo gané el juego. La atención al detalle de Anguissola implicó cambiar las texturas de la ropa de brocado, los delicados cordones y el cabello perfectamente trenzado. Estos retratos familiares y sus autorretratos, la atención a la elegancia pintada de la ropa y su perfección vista en los rostros, ayudaron a Anguissola a construir su reputación. Cuando apenas tenía veintiséis años, fue invitada a convertirse en pintora en la Corte Española, pasando varios años creando pinturas oficiales de la corte de la realeza y otros dignatarios. Utilizando colores apagados y más oscuros, el retrato oficial de Felipe II de España (8.42) muestra el delicado encaje alrededor de su cuello y botones perfectos en su vestido, un indicio de su exitosa carrera.

8.41 El Juego de Ajedrez (Lucia, Minerva, Elena)

8.42 Felipe II de España

Lucía Anguissola (1536 ó 1538 — 1565 a 1568) era la hermana menor de Sofonisba Anguissola, ambas recibieron educación en humanidades y artes y se convirtieron en pintoras. Desafortunadamente, Lucía murió a la temprana edad de treinta y no tuvo la oportunidad de establecer una cartera extensa. El hombre de la pintura es Retrato de Pietro Maná (8.x), se cree que es un pariente de la familia Anguissola. Fue pintado con una paleta limitada con tonos marrones y grises, un sentido de personalidad en su rostro demostrando la capacidad de Anguissola como artista.

8.43 Autorretrato

Tiziano Vecelli (también conocido como Tiziano) (1490-1576) fue un pintor italiano y parte de la escuela de arte veneciana. Tiziano es bien conocido por su uso dinámico del color, representando una tela hermosa y realista en sus pinturas. La Asunción de la Virgen (8.44) mide 23 pies de altura y es uno de los retablos más grandes de Tiziano. Asistida por ángeles, María se mueve del mundo terrenal al mundo celestial. Las figuras de gran tamaño en la parte inferior de la pintura tienen las manos extendidas como si trataran de ayudar a María en su ascenso al cielo. El escorzo de María se rinde exquisitamente, y mirando hacia las nubes, y está rodeada por un halo de luz dorada luminosa.

8.44 Asunción de la Virgen

Un pintor veneciano, Jacopo Robusti (alias Tintoretto) (1518-1594), fue uno de los grandes pintores manieristas italianos del Renacimiento. Tintoretto asistió a la escuela veneciana de arte y fue influenciado por Miguel Ángel, Vasari y Giorgione cuando pintó (8.45) Hallazgo del Cuerpo de San Marcos. Una de las primeras pinturas de Tintoretto y mostró un dominio del dibujo y la pintura con el uso de la perspectiva de un punto.

8.45 Hallar el Cuerpo de San Marcos

Al mirar el arte, parece que el espectador podría entrar en la pintura y bajar por el largo pasillo. El exquisito uso de la luz iluminando el cuerpo, dibujando el ojo hacia la esquina izquierda, luego viajando hacia arriba para ver una figura noble está apuntando a la gente para evitar que asalten tumbas más. En la parte posterior de la imagen hay dos figuras abriendo la tumba, encontrando el cuerpo de San Marcos, y arrastrándolo hacia afuera. A través del colapso del tiempo y el espacio, los espectadores ven a San Marcos tirado en el suelo en primer plano; y a San Marcos también la noble figura de pie en la parte delantera izquierda, gesticulando a la gente para que deje de asaltar las tumbas. El largo pasillo de la tumba es oscuro; sin embargo, los detalles arquitectónicos se iluminan con la más tenue luz, dándole una profundidad extrema y los dramáticos efectos de la perspectiva. La pintura se completó en 1566 y forma parte de un ciclo de pinturas para el patrón San Marcos de Venecia.

La era del Renacimiento fue uno de los períodos más importantes para el desarrollo de la conciencia humana, el individualismo y la autoconciencia, un audaz contraste con la Edad Media que dominó Europa durante siglos. El Renacimiento inició la conversación sobre la ciencia, el arte, las matemáticas, la ingeniería y el avance cultural. Fue un periodo de rejuvenecimiento de la antigüedad, época en la que la innovación dirigía el movimiento artístico.