5.4: Formas seccionales

Las formas seccionales ocurren cuando la pieza musical contiene múltiples secciones identificables. A veces estas secciones son completamente diferentes y no se repiten. A menudo es que una pieza musical volverá a una sección. Esto crea un sentido de expectativa cumplido dentro de la música.

Formas seccionales con ciclos

Gamelan

Los ciclos en capas que cambian en diferentes secciones de una pieza son una característica de varios géneros musicales asiáticos. En ocasiones las piezas tendrán una sección de introducción antes de que comiencen los ciclos. En el gamelano javanés hay ciclos rítmicos y melódicos en el núcleo de la forma. En ketawang (ciclo de 16 latidos), cada ciclo de gong constituye la forma repetitiva de la pieza. Melodías cíclicas de diferentes longitudes y velocidades se acoplan en la parte superior del ciclo del gong. El tambor kendhang guía a los instrumentistas señalando los cambios a lo largo del ciclo constante del gong.

Música árabe

En gran parte de la música egipcia (árabe) las secciones de la música a menudo se repiten tantas veces como el intérprete elija. En las representaciones tradicionales las melodías (maqam) son variadas y expandidas a través de la improvisación en cada ciclo. El objetivo estético final es provocar un estado de excitación emocional o éxtasis. El esfuerzo por explorar y realzar una emoción a través de la música es notable. Esta práctica da como resultado actuaciones donde es común que una pieza dure más de una hora. Oum Kulthum es una famosa cantante egipcia que es venerada por su emotivo impacto. Actuó con una orquesta (takht) llena de músicos virtuosos. Fue favorecida por su presentación tradicional árabe en un momento en que las influencias y la estética occidentales se desafiaban en Egipto. Mucha música que interpretó se ha convertido en parte de un cañón de música árabe. Una de las canciones que popularizó se titula Ana Fi Intizarak. En esta pieza hay varias secciones que se construyen durante más de treinta minutos a medida que Kulthum aumenta la emoción. El arreglo formal de estas secciones es complejo porque se basa en el poema que se está cantando. Ocasionalmente la pieza vuelve a un coro instrumental que se escucha en la introducción. El musicólogo, compositor, intérprete y erudito árabe David Marcus escribió en un correo electrónico al autor:

“En cuanto a letra y emoción, la cantante de Ana Fi Intizarak se está volviendo cada vez más angustiada en cada verso, ya que espera e imagina que cada paso es la llegada de su amante, que nunca viene. Es como si lentamente se estuviera volviendo loca, y luego cada coro de Ya Reyt (“¡Ojalá nunca me hubiera enamorado!”) libera la energía. La canción está en árabe egipcio coloquial (o hablado), a diferencia del árabe formal (o clásico)”. (Marcus, 2017)

La forma cíclica permitió a Kulthum personalizar cada actuación extendiendo o contrayendo la duración de las obras en función del contenido emocional, la respuesta de la audiencia y la creatividad.

Música Hindustani

En las tradiciones musicales hindustaníes, las exploraciones improvisadoras de ragas y talas viajan a través de secciones formales que se unen en forma de badhat. El formulario contiene una serie de guías que facilitan el desempeño virtuoso resultante de años de estudio y práctica. La forma general del badhat es un crescendo gradual de intensidad que alcanza su punto máximo al final del trabajo. Los músicos cultivan la “raga” o escala según las tradiciones combinadas con su propia creatividad. Construyen la intensidad de la música sobre la tala cíclica. En la música donde no hay melodía/solo tala la percusión va acompañada de un ciclo melódico llamado lahara.

Hay varias secciones que ofrecen guías dentro de forma badhat. El primero es el alap. La sección alap sirve de introducción a las notas de la raga que se está realizando. Esto ofrece al público la oportunidad de escuchar notas principales, motivos e ideas extra-musicales (como mood=rasa) que serán utilizadas a lo largo de la pieza. La sección alap es identificable porque es una improvisación melódica (con dron) que no tiene pulso de fondo constante.

Jor es una sección transicional que facilita el paso del alap a la sección principal de melodía conocida como gat. En el jor el instrumento melódico se vuelve más rítmicamente activo al agregar un pulso. Esto es parte de la acumulación general de intensidad que ocurre en forma de barhat.

La sección gat contiene la melodía (s) principal (s) de la interpretación. Esta melodía sirve de base para la improvisación melódica y rítmica en toda la sección gat. El gat se realiza sobre una tala (modo rítmico) y se acompaña del instrumento de percusión (generalmente tabla).

Jhala es una sección intensa que sirve como clímax musical y final. En la jhala, los músicos suelen alternar tocando cuerdas melódicas/trasteadas con las cuerdas fijas de pitche/drone en el instrumento. Esto sirve tanto para intensificar el ritmo como para reforzar la nota primaria del trapo llamado sa (a la que se afinan las cuerdas del dron). Jhalas ocurren al final de la actuación pero también pueden existir al final del jor antes de que comience la tala.

En un desempeño típico el crecimiento de la raga a través de la forma badhat puede progresar durante media hora. El comienzo es tranquilo y lento y el final es una ardiente muestra de habilidad virtuosa. El crecimiento que ocurre desde el inicio lento hasta el final virtuoso y rápido a menudo se compara con el crecimiento de una planta de semilla a flor. La interpretación de una raga es devocional y se ve no sólo como una práctica musical sino también espiritual, siendo el objetivo final Nada Brahma (“el sonido de Dios”). (Bakan 2012, 135)

Formas seccionales en la música pop

Al analizar la forma de la música pop, a menudo se utilizan los términos verso, coro y puente. Cada uno de estos términos representa secciones contrastantes de la música. En muchos géneros pop y folk la melodía que se escucha en el coro se considera la melodía principal o “gancho” de la pieza. A menudo los versos tienen letras que cuentan una historia y el coro expresa la emoción. Si el verso y el coro se repiten con solo alteración lírica entonces pueden considerarse una sección y la forma puede llamarse estrófica. Cuando las secciones del puente ofrecen contraste con el verso y el coro, a menudo crea una forma llamada forma de canción estándar. La Figura 2 ilustra cómo esta forma se utiliza a menudo en la música popular.

Figura 2: Forma de canción

Una forma simple que a menudo se utiliza para describir la estructura de las melodías se llama forma binaria. En forma binaria la melodía tiene dos secciones distintas. Ejemplos de melodías binarias son las piezas Turkey in the Straw, Yankee Doodle y Greensleeves. Estas piezas muestran el contraste de la sección A y la sección B. Este contraste suele ser tanto melódico como armónico.

Figura 3: Forma binaria de muestra

Formas seccionales de la música del arte occidental

En la música occidental la realización de marcadores formales (melodía a menudo identificable) es una estética muy valorada. Los oyentes suelen ser conscientes del diseño de formas complejas y, por lo tanto, escuchan cómo los compositores usan la forma para crear una obra de arte. Escuchan el desarrollo y variación de temas y motivos melódicos. En muchos géneros los oyentes incluso escuchan los tempos esperados y progresiones armónicas. A través de la conciencia de la forma se puede realizar una mayor comprensión de la música artística occidental.

Podría decirse que la más importante de las formas artísticas occidentales es una forma multimovimiento llamada ciclo de la sonata. Los ciclos de sonata se pusieron de moda como forma en el periodo de estilo clásico (1750-1820). Fue en este punto que los compositores establecieron muchos de los géneros que escuchamos en las salas de conciertos modernas. Los cuatro géneros que utilizan el ciclo sonata son la sonata, el concierto, el cuarteto de cuerda y la sinfonía. Debido a que todos usan el ciclo de la sonata, suelen tener un primer movimiento rápido (allegro), un segundo movimiento lento y un movimiento de cierre rápido. La sonata y el concierto solo tienen estos tres movimientos mientras que los cuartetos de cuerda y sinfonías también tienen un cuarto movimiento, un baile (minueto y trío) insertado entre el movimiento lento y el movimiento rápido de cierre. Las pausas suelen ocurrir entre movimientos en la performance de estos géneros. En estas pausas músicos y miembros del público se ajustan y se preparan para el siguiente movimiento. En el siglo ^XX se convirtió en norma no aplaudir entre movimientos, sino guardar aplausos hasta el final de toda la obra.

Las sinfonías son obras para orquestas (también conocidas como orquestas sinfónicas o orquestas filarmónicas) que se componen utilizando la forma de ciclo de sonata de cuatro movimientos. Los cuartetos de cuerda utilizan la misma forma que una sinfonía pero están escritos para una instrumentación de dos violines, una viola y un 'violonchelo (cuarteto de cuerda). Los conciertos y sonatas se escriben utilizando el ciclo de tres movimientos. Un concierto es una obra para instrumento solista acompañada de una orquesta. El término sonata puede resultar confuso debido a sus múltiples usos relacionados. El género llamado sonata tiene muchas variaciones históricas pero generalmente se considera una obra para un instrumento solista (o instrumento con acompañamiento de piano) que se compone utilizando el ciclo de sonata tres movimientos rápido-lento-rápido estructura. Como se mencionó anteriormente el segundo uso del término sonata es en la forma llamada ciclo sonata. El tercer uso está en el término forma sonata- allegro. Esto se refiere a la forma del primer movimiento del ciclo de la sonata.

Figura 4: Ciclo de Sonata = utilizado en sonatas,

En la forma sonata-allegro (primer movimiento), los compositores utilizan tres melodías como material fuente para construir la pieza. Estas melodías se llaman temas. El tema uno es el tema más importante de la pieza. El primer paso para escuchar la forma de sonata es reconocer el tema uno y escuchar por cada aparición del mismo. Hay tres secciones principales de la forma Sonata-allegro llamadas exposición, desarrollo y recapitulación. En la exposición se presentan los tres temas (expuestos).
El primer tema será en el área clave tónica. Por ejemplo: En la Sinfonía No. 1 en Do mayor el primer tema se escribirá en Do mayor. A continuación se presentan secciones de transición en las que la música modula (cambia el área clave) a una clave relativa. Por ejemplo: En la Sinfonía No. 1 en C mayor tema dos podrían estar en el área clave dominante de Sol mayor. El tema de cierre estará en la misma clave que el tema 2. Se repiten las exposiciones.

La sección de desarrollo de la forma sonata-allegro contiene la menor cantidad de estructura establecida. En esta sección el compositor puede presentar temas fuera de orden, fragmentar temas, secuenciar temas, o desarrollarlos de otras maneras. El objetivo final del desarrollo es establecer la cadencia de la espalda a la tónica para el retorno del tema 1 en la recapitulación. La recapitulación es otra presentación de los temas de la exposición en el mismo orden. La principal diferencia es que todos los temas serán presentados en el área tónica clave.

Figura 5: Forma Sonata-allegro

Como todas las demás formas discutidas también puede haber una introducción y/o una coda. En codas, los compositores envuelven la pieza enfatizando el acorde tónico (acorde casero). Esto se hace dibujando material cadencial. Una cadencia es un punto de descanso proporcionado por la progresión armónica. Las cadencias más fuertes en la música tonal son V-I (dominante a tónica). Los centros tonales o áreas clave son partes importantes de las formas sonatas. Se espera que todos los movimientos comiencen y terminen en clave tónica. El camino armónico lejos de la tónica también está determinado por la forma de la sonata. Ver figura 4 para un mapa de la forma sonata-allegro. Músicos y entusiastas de formación clásica pasan mucho tiempo analizando la música para identificar cada marcador formal.

Formulario programático

En películas, videojuegos, programas de televisión, cuentos folclóricos épicos y otros géneros la música se compone para apoyar una historia. A menudo las formas utilizadas para la música estarán directamente relacionadas con la historia. A los compositores que realizan partituras se les suele pedir que creen un acompañamiento personalizado que siga la acción en pantalla. Si el compositor quiere crear música que identifique o admita personajes, temas o acciones, entonces podría componer un tema musical que sea representativo. Solo hay que escuchar la Marcha Imperial de las películas de Star Wars para obtener una imagen visual de Darth Vader. Esto se debe a que cuando John Williams anotó estas películas utilizó el concepto de “leitmotiv” que se había utilizado en la ópera durante un siglo. “Leitmotiv” es un término que Wagner utilizó para describir temas que representan personajes, ideas u otros objetos en sus dramas musicales (óperas).

Dentro de una ópera, cantata, oratorio u otros géneros de arte occidental que tengan narrativa e involucren cantar, es común tener tres actos que incluyen cada uno arias, recitativas y piezas de coro. Arias son las “canciones exitosas” de la ópera y pueden estar compuestas para solistas, dúos o grupos de cantantes. En el aria las emociones del personaje a menudo se revelan y exponen sobre ellas. Imagina la emotiva canción de estreno en cualquier película de Disney. Esto es similar a las arias de ópera. El recitativo avanza la trama entre estas arias. Por lo general, las arias tienen algún tipo de forma seccional repetitiva. Los recitativos suelen ser no repetitivos porque siguen el texto. Si no hay unidades organizativas o estructuras repetitivas presentes en la música, entonces la forma se llama a través de compuesta.

Analizando la forma:

1. ¿La música tiene una forma preconcebida o es improvisada?

2. ¿La forma de la música es una sección que se repite una y otra vez?

3. ¿Se establece la forma para el género?

4. ¿Notas algún marcador formal repetitivo?