Saltar al contenido principal
LibreTexts Español

9.3: Música renacentista

  1. Última actualización
  2. Guardar como PDF
  • Page ID
    97421

    • \( \newcommand{\vecs}[1]{\overset { \scriptstyle \rightharpoonup} {\mathbf{#1}} } \) \( \newcommand{\vecd}[1]{\overset{-\!-\!\rightharpoonup}{\vphantom{a}\smash {#1}}} \)\(\newcommand{\id}{\mathrm{id}}\) \( \newcommand{\Span}{\mathrm{span}}\) \( \newcommand{\kernel}{\mathrm{null}\,}\) \( \newcommand{\range}{\mathrm{range}\,}\) \( \newcommand{\RealPart}{\mathrm{Re}}\) \( \newcommand{\ImaginaryPart}{\mathrm{Im}}\) \( \newcommand{\Argument}{\mathrm{Arg}}\) \( \newcommand{\norm}[1]{\| #1 \|}\) \( \newcommand{\inner}[2]{\langle #1, #2 \rangle}\) \( \newcommand{\Span}{\mathrm{span}}\) \(\newcommand{\id}{\mathrm{id}}\) \( \newcommand{\Span}{\mathrm{span}}\) \( \newcommand{\kernel}{\mathrm{null}\,}\) \( \newcommand{\range}{\mathrm{range}\,}\) \( \newcommand{\RealPart}{\mathrm{Re}}\) \( \newcommand{\ImaginaryPart}{\mathrm{Im}}\) \( \newcommand{\Argument}{\mathrm{Arg}}\) \( \newcommand{\norm}[1]{\| #1 \|}\) \( \newcommand{\inner}[2]{\langle #1, #2 \rangle}\) \( \newcommand{\Span}{\mathrm{span}}\)\(\newcommand{\AA}{\unicode[.8,0]{x212B}}\)

    Concierto en el Huevo, cuadro de Hieronymus Bosch
    Concierto en el Huevo, Hieronymus Bosch, c. 1561

    Introducción

    La música renacentista es música escrita en Europa durante el Renacimiento. El consenso entre los historiadores de la música —con notable disidencia— ha sido iniciar la era alrededor de 1400, con el fin de la época medieval, y cerrarla hacia 1600, con el inicio del periodo barroco, iniciando así el Renacimiento musical unos cien años después del inicio del Renacimiento como entendido en otras disciplinas. Al igual que en las otras artes, la música de la época estuvo significativamente influenciada por los desarrollos que definen el período moderno temprano: el surgimiento del pensamiento humanista; la recuperación del patrimonio literario y artístico de la antigua Grecia y Roma; el aumento de la innovación y el descubrimiento; el crecimiento del comercio la empresa, el surgimiento de una clase burguesa y la Reforma Protestante. De esta sociedad cambiante surgió un lenguaje musical común, unificador, en particular el estilo polifónico de la escuela franco-flamenca.

    La invención de la prensa Gutenberg hizo posible la distribución de la música y la teoría musical a gran escala. La demanda de música como entretenimiento y como actividad para aficionados educados aumentó con el surgimiento de una clase burguesa. La difusión de canciones, motetes y masas en toda Europa coincidió con la unificación de la práctica polifónica en el estilo fluido que culminó en la segunda mitad del siglo XVI en la obra de compositores como Palestrina, Lassus, Victoria y William Byrd. La relativa estabilidad política y prosperidad en los Países Bajos, junto con un floreciente sistema de educación musical en las numerosas iglesias y catedrales de la zona, permitieron la formación de cientos de cantantes y compositores. Estos músicos eran muy buscados en toda Europa, particularmente en Italia, donde iglesias y cortes aristocráticos los contrataron como compositores y maestros. A finales del siglo XVI, Italia había absorbido las influencias norteñas, siendo Venecia, Roma y otras ciudades centros de actividad musical, invirtiendo la situación de cien años antes. La ópera surgió en este momento en Florencia como un intento deliberado de resucitar la música de la antigua Grecia.

    La música, cada vez más liberada de las restricciones medievales, en rango, ritmo, armonía, forma y notación, se convirtió en un vehículo para una nueva expresión personal. Los compositores encontraron formas de hacer que la música expresiva de los textos que estaban configurando. La música secular absorbió técnicas de la música sacra, y viceversa. Formas seculares populares como la chanson y madrigal se extendieron por toda Europa. Los tribunales empleaban intérpretes virtuosos, tanto cantantes como instrumentistas. La música también se volvió más autosuficiente con su disponibilidad en forma impresa, existiendo por su propio bien. Muchos instrumentos modernos familiares (incluidos los instrumentos de violín, guitarra, laúd y teclado), se desarrollaron en nuevas formas durante el Renacimiento respondiendo a la evolución de las ideas musicales, presentando nuevas posibilidades para que los compositores y músicos exploren. También aparecieron instrumentos modernos de viento de madera y metales como el fagot y el trombón; extendiendo la gama de color y poder sónicos. Durante el siglo XV se hizo común el sonido de tríadas completas, y hacia finales del siglo XVI el sistema de modos eclesiásticos comenzó a descomponerse por completo, dando paso a la tonalidad funcional que iba a dominar la música artística occidental durante los tres siglos siguientes.

    Chansonnier de Heinrich Isaac
    Chansonnier de Heinrich Isaac, 1484

    Desde la época renacentista tanto la música secular como la sacra sobrevive en cantidad, y tanto vocal como instrumental. Una enorme diversidad de estilos y géneros musicales floreció durante el Renacimiento, y se puede escuchar en grabaciones comerciales en el siglo XXI, incluyendo misas, motetes, madrigales, chansons, canciones acompañadas, bailes instrumentales, y muchos otros. Numerosos conjuntos de música antigua especializados en música de la época dan giras de conciertos y hacen grabaciones, utilizando una amplia gama de estilos interpretativos.

    Una de las características más pronunciadas de la música artística europea del Renacimiento temprano fue la creciente dependencia del intervalo de la tercera (en la Edad Media, las terceras partes habían sido consideradas disonancias). La polifonía se volvió cada vez más elaborada a lo largo del siglo XIV, con voces altamente independientes: el comienzo del siglo XV mostró simplificación, con las voces a menudo esforzándose por la suavidad. Esto fue posible debido a un gran aumento del rango vocal en la música; en la Edad Media, el rango estrecho hacía necesario el cruce frecuente de partes, requiriendo así un mayor contraste entre ellas.

    Las características modales (a diferencia de las tonales) de la música renacentista comenzaron a descomponerse hacia el final del período con el mayor uso de movimientos de raíz de quintas. Esto posteriormente se convirtió en una de las características definitorias de la tonalidad.

    Las principales características de la música renacentista son las siguientes:

    • Música basada en modos
    • Textura más rica en cuatro o más partes
    • Mezcla en lugar de contrastar hilos en la textura musical
    • Armonía con una mayor preocupación por el flujo y la progresión de los acordes

    La polifonía es uno de los cambios notables que marcan musicalmente el Renacimiento desde la Edad Media. Su uso fomentó el uso de conjuntos más grandes y exigió conjuntos de instrumentos que se mezclarían en todo el rango vocal.

    Las principales formas litúrgicas que perduraron a lo largo de todo el período renacentista fueron las misas y motetes, con algunos otros desarrollos hacia el final, especialmente cuando los compositores de música sacra comenzaron a adoptar formas seculares (como la madrigal) para sus propios diseños.

    Los géneros sagrados comunes fueron la misa, el moteto, el madrigale spirituale y el laude.

    Manuscrito de motetes de Cyprien de Rore ilustrado por Hans Mielich
    Motetes de Cyprien de Rore ilustrados por Hans Mielich

    Durante el periodo, la música secular tuvo una distribución creciente, con una amplia variedad de formas, pero hay que tener cuidado al asumir una explosión en la variedad: dado que la impresión hizo que la música estuviera más ampliamente disponible, ha sobrevivido mucho más de esta época que de la época medieval anterior, y probablemente una rica tienda de la música popular de finales de la Edad Media se pierde irremediablemente.

    La música secular era música independiente de las iglesias. Los principales tipos fueron el Lied alemán, la frottola italiana, la chanson francesa, el madrigal italiano y el villancico español. Otros géneros vocales seculares incluyeron la caccia, rondeau, virelai, bergerette, balada, musique mesurée, canzonetta, villanella, villotta y el canto del laúd. También aparecieron formas mixtas como la motet-chanson y el moteto secular.

    La música puramente instrumental incluía música consorte para grabadora o viola y otros instrumentos, y bailes para diversos conjuntos. Los géneros instrumentales comunes fueron la toccata, preludio, ricercar y canzona. Las danzas interpretadas por conjuntos instrumentales incluyeron la danza baja, tourdion, saltarello, pavane, galliard, alemande, courante, bransle, canarie y lavolta. Se podría organizar música de muchos géneros para un instrumento solista como el laúd, la vihuela, el arpa o el teclado. Tales arreglos se llamaban intabulaciones.

    Hacia el final del periodo, se ven los primeros precursores dramáticos de la ópera como el monody, la comedia madrigal y el intermedio.

    Teoría y Notación

    Según Margaret Bent, “la notación renacentista es subprescriptiva para nuestros estándares; cuando se traduce a la forma moderna adquiere un peso prescriptivo que sobreespecifica y distorsiona su apertura original”.

    Notación para un extracto de Ockeghem, Kyrie “Au travail suis”
    Ockeghem, Kyrie “Au travail suis”, extracto
    Las composiciones renacentistas se anotaron solo en partes individuales; las puntuaciones fueron extremadamente raras y no se utilizaron líneas de compás. Los valores de nota fueron generalmente mayores de lo que se utilizan hoy en día; la unidad primaria de latido fue la semibreve, o nota completa. Como había sido el caso desde el Ars Nova, podría haber dos o tres de estos por cada breve (una nota doble entera), que puede considerarse como equivalente a la “medida” moderna, aunque en sí mismo era un valor de nota y una medida no lo es. La situación puede considerarse de esta manera: es la misma que la regla por la cual en la música moderna una nota de cuarto puede igualar ya sea dos octavos o tres, que se escribirían como un “triplete”. Por el mismo cálculo, podría haber dos o tres de la siguiente nota más pequeña, la “minim”, (equivalente a la moderna “media nota”) a cada semibreve.

    Estas diferentes permutaciones se denominaron “tempus perfecto/imperfecto” a nivel de la relación breve—semibreve, “prolación perfecta/imperfecta” a nivel de la semibreve—minim, y existieron en todas las combinaciones posibles entre sí. Tres a uno se llamaba “perfecto” y dos a uno “imperfecto”. También existían reglas en virtud de las cuales las notas simples podían ser reducidas a la mitad o duplicadas en valor (“imperfeccionadas” o “alteradas”, respectivamente) cuando eran precedidas o seguidas por otras notas determinadas. Las notas con cabezas negras (como las notas de cuarto) ocurrieron con menos frecuencia. Este desarrollo de la notación mensural blanca puede ser el resultado del mayor uso de papel (en lugar de vitela), ya que el papel más débil era menos capaz de soportar el rayado requerido para rellenar notas sólidas; la notación de tiempos anteriores, escrita en vitela, había sido negra. Otros colores, y posteriormente, notas rellenadas, también se utilizaron rutinariamente, principalmente para hacer cumplir las imperfecciones o alteraciones antes mencionadas y para exigir otros cambios rítmicos temporales.

    No siempre se especificaron las alteraciones, algo como en ciertas notaciones de digitación (tablaturas) hoy en día. Sin embargo, los músicos renacentistas habrían sido altamente capacitados en contrapunto diádico y así poseían esta y otra información necesaria para leer una partitura, “lo que la notación moderna requiere [alteraciones] habría sido entonces perfectamente evidente sin notación para un cantante versado en contrapunto”. Un cantante interpretaría su parte calculando fórmulas cadenciales con otras partes en mente, y al cantar juntos los músicos evitarían octavas y quintas paralelas o alterarían sus partes cadenciales a la luz de las decisiones de otros músicos.

    Es a través de tablaturas contemporáneas para diversos instrumentos desplumados que hemos obtenido mucha información sobre qué alteraciones fueron realizadas por los practicantes originales.

    Para información sobre teóricos específicos, véase Johannes Tinctoris, Franchinus Gaffurius, Heinrich Glarean, Pietro Aron, Nicola Vicentino, Tomás de Santa María, Gioseffo Zarlino, Vicente Lusitano, Vincenzo Galilei, Giovanni Artusi, Johannes Nucius y Pietro Cerone.

    Línea de tiempo de compositores renacentistas

    Contenido con licencia CC, Compartido anteriormente
    Contenido de dominio público

    9.3: Música renacentista is shared under a CC BY-SA license and was authored, remixed, and/or curated by LibreTexts.