9.4: Música del Renacimiento Temprano, Medio y Tardío
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Música del Renacimiento Temprano (1400—1467)
Este grupo gradualmente dejó caer los complejos dispositivos de isorritmo y sincopación extrema del periodo medieval tardío, dando como resultado un estilo más límpido y fluido. Lo que su música perdió en complejidad rítmica, sin embargo, ganó en vitalidad rítmica, ya que un “impulso a la cadencia” se convirtió en un rasgo destacado hacia mediados de siglo.
Medio Renacimiento Música (1467—1534)
A principios de la década de 1470, la música comenzó a imprimirse utilizando una imprenta. La impresión musical tuvo un efecto importante en la forma en que la música se difundió, ya que una pieza musical impresa no solo llegó a un público más grande que cualquier manuscrito, sino que también lo hizo mucho más barato. También durante este siglo, comenzó una tradición de famosos fabricantes para muchos instrumentos. Estos hacedores eran maestros de su oficio. Un ejemplo es Neuschel para sus trompetas.
Hacia finales del siglo XV, la música sacra polifónica (como se ejemplifica en las masas de Johannes Ockeghem y Jacob Obrecht) se había vuelto una vez más compleja, de una manera que quizás pueda verse como correlacionada con la creciente exploración de los detalles en la pintura en ese momento. Okeghem, particularmente, era aficionado al canon, tanto contrapuntal como mensural. Compuso una masa, Missa prolationum, en la que todas las partes se derivan canónicamente de una línea musical.
Fue en las primeras décadas del siglo siguiente cuando la música se sintió en un tactus (piense en la firma del tiempo moderno) de dos semibreves-a-breve comenzó a ser tan común como la de tres semibreves-a-breve, como había prevalecido antes de esa época.
A principios del siglo XVI, hay otra tendencia hacia la simplificación, como puede verse en cierta medida en la obra de Josquin des Prez y sus contemporáneos en la Escuela franco-flamenca, luego más tarde en la de G. P. Palestrina, quien reaccionaba parcialmente a las estenosis del Concilio de Trento, que desalentó la polifonía excesivamente compleja como inhibidora de la comprensión del texto. Los franco-flamencos de principios del siglo XVI se alejaron de los complejos sistemas de juego canónico y otros mensurales de la generación de Ockeghem, tendiendo hacia puntos de imitación y secciones de dúo o trío dentro de una textura general que creció a cinco y seis voces. También comenzaron, incluso antes de las reformas tridentinas, a insertar pasajes cada vez más alargados de la homofonía, para subrayar textos importantes o puntos de articulación. Palestrina, por otro lado, llegó a cultivar un estilo de contrapunto que fluye libremente en una textura espesa y rica dentro de la cual la consonancia seguía la disonancia casi latido a latido, y las suspensiones gobernaban el día. Por ahora, el tactus era generalmente dos semibreves por breve con tres por breve utilizados para efectos especiales y secciones climáticas; esto fue una inversión casi exacta de la técnica predominante un siglo antes.
Música del Renacimiento tardío (1534—1600)
En Venecia, desde aproximadamente 1534 hasta alrededor de 1600, se desarrolló un impresionante estilo policoral, que le dio a Europa parte de la música más grandiosa y sonora compuesta hasta ese momento, con múltiples coros de cantantes, metales y cuerdas en diferentes ubicaciones espaciales de la Basílica San Marco de Venecia. Estas múltiples revoluciones se extendieron por Europa en las próximas décadas, comenzando en Alemania y luego trasladándose a España, Francia e Inglaterra algo más tarde, demarcando el inicio de lo que ahora conocemos como la era musical barroca.
La Escuela Romana era un grupo de compositores de música predominantemente eclesiástica en Roma, abarcando las épocas del Renacimiento tardío y el Barroco temprano. Muchos de los compositores tenían una conexión directa con el Vaticano y la capilla papal, aunque trabajaban en varias iglesias; estilísticamente a menudo se contrastan con la Escuela Veneciana de Compositores, un movimiento concurrente que fue mucho más progresivo. Con mucho, el compositor más famoso de la Escuela Romana es Giovanni Pierluigi da Palestrina. Si bien mejor conocido como un prolífico compositor de masas y motetes, también fue un importante madrigalista. Su capacidad para unir las necesidades funcionales de la Iglesia Católica con los estilos musicales predominantes durante el periodo de la Contrarreforma le dio su fama perdurable.
El breve pero intenso florecimiento del madrigal musical en Inglaterra, en su mayoría de 1588 a 1627, junto con los compositores que los produjeron, es conocida como la Escuela Madrigal Inglesa. Los madrigales ingleses eran a capella, predominantemente de estilo ligero, y generalmente comenzaron como copias o traducciones directas de modelos italianos. La mayoría fueron para tres a seis voces.
La música reservata es un estilo o una práctica interpretativa en la música vocal a capella de este último, principalmente en Italia y el sur de Alemania, que implica refinamiento, exclusividad e intensa expresión emocional del texto cantado.
El cultivo de la música europea en las Américas comenzó en el siglo XVI poco después de la llegada de los españoles, y la conquista de México. Aunque se modelaron al estilo europeo, obras híbridas singularmente mexicanas basadas en la lengua nativa mexicana y la práctica musical europea, aparecieron muy temprano. Las prácticas musicales en la Nueva España coincidieron continuamente con las tendencias europeas a lo largo de los períodos posteriores de la música barroca y clásica. Entre estos compositores del Nuevo Mundo se encontraban Hernando Franco, Antonio de Salazar y Manuel de Zumaya.
Además, muchos compositores observaron una división en sus propias obras entre una prima pratica (música en el estilo polifónico renacentista) y una seconda pratica (música en el nuevo estilo) durante la primera parte del siglo XVII.
Masas
Las masas de los siglos XV y XVI contaban con dos tipos de fuentes que se utilizaban, monofónicas y polifónicas, con dos formas principales de elaboración, basadas en la práctica del cantus firmus o, comenzando en algún tiempo alrededor del 1500, el nuevo estilo de imitación omnipresente. Cuatro tipos de masas resultaron:
- Misa de cantus firmus (misa tenor)
- El firme cantus /masa de imitación
- La masa de paráfrasis
- La masa de imitación (masa de parodia)
Las masas normalmente se titulaban por la fuente de la que tomaron prestadas. La masa del cantus firmus utiliza la misma melodía monofónica, generalmente extraída del canto y generalmente en el tenor y más frecuentemente en valores de nota más largos que las otras voces.
Manierismo
A finales del siglo XVI, al cerrarse la época renacentista, se desarrolló un estilo sumamente manierista. En la música secular, especialmente en la madrigal, hubo una tendencia hacia la complejidad e incluso el cromatismo extremo (como se ejemplifica en los madrigales de Luzzaschi, Marenzio y Gesualdo). El término “manierismo” deriva de la historia del arte.
Transición al Barroco
Comenzando en Florencia, se intentó revivir las formas dramáticas y musicales de la Antigua Grecia, a través de los medios de la monodia, una forma de música declamada sobre un simple acompañamiento; sería difícil encontrar un contraste más extremo con el estilo polifónico precedente; esto también fue, al menos al principio, un tendencia secular. Estos músicos eran conocidos como la Camerata florentina.
- Música renacentista. Proporcionado por: Wikipedia. Ubicado en: https://en.wikipedia.org/wiki/Renaissance_music. Licencia: CC BY-SA: Atribución-CompartirIgual
- DESPREZ. Autor: Clattuc. Proporcionado por: Wikimedia Commons. Ubicado en: https://commons.wikimedia.org/wiki/File:DESPREZ.jpg#/media/File:DESPREZ.jpg. Licencia: Dominio Público: No Conocido Derechos de Autor
- Los Músicos. Proporcionado por: Museo Metropolitano de Arte. Ubicado en: https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Caravaggio_-_I_Musici.jpg. Licencia: Dominio Público: No Conocido Derechos de Autor