10.3: Arte, arquitectura y teatro en la época barroca
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Pintura
Una declaración definitoria de lo que significa barroco en la pintura es proporcionada por la serie de pinturas (una de las cuales está arriba) ejecutadas por Peter Paul Rubens para Marie de Medici en el Palacio de Luxemburgo de París (ahora en el Louvre), en las que un pintor católico satisfizo a un patrón católico: la era barroca concepciones de monarquía, iconografía, manejo de la pintura y composiciones, así como la representación del espacio y el movimiento.
El estilo barroco presentaba “iluminación exagerada, emociones intensas, liberación de la moderación e incluso una especie de sensacionalismo artístico”. El arte barroco no representaba realmente el estilo de vida de la gente en ese momento; sin embargo, “estrechamente ligado a la Contrarreforma, este estilo reafirmó melodramáticamente las profundidades emocionales de la fe católica y glorificó tanto a la iglesia como a la monarquía” de su poder e influencia.
Había hebras muy diversas de la pintura barroca italiana, desde Caravaggio hasta Cordona; ambas acercándose al dinamismo emotivo con diferentes estilos.
Otra obra de arte barroco frecuentemente citada es Santa Teresa en éxtasis de Bernini para la capilla de Cornaro en Santa María de la Vittoria, que reúne arquitectura, escultura y teatro en una gran presunción.
El estilo barroco posterior poco a poco dio paso a un rococó más decorativo.
Un arte bastante diferente se desarrolló a partir de las tradiciones realistas del norte en la pintura holandesa del Siglo de Oro del siglo XVII, que tenía muy poco arte religioso y poca pintura de historia, en lugar de jugar un papel crucial en el desarrollo de géneros seculares como la naturaleza muerta, las pinturas de género de escenas cotidianas y el paisaje pintura. Si bien la naturaleza barroca del arte de Rembrandt es clara, la etiqueta se usa con menos frecuencia para Vermeer y muchos otros artistas holandeses. La pintura barroca flamenca compartió parte en esta tendencia, al tiempo que continuó produciendo las categorías tradicionales.
De manera similar, el estilo clásico francés de pintura ejemplificado por Poussin suele clasificarse como barroco, y comparte muchas cualidades de la pintura italiana de la misma época, aunque el aplomo y la moderación derivados de seguir las ideas clásicas típicamente le dan un ambiente general muy diferente.
Escultura
En la escultura barroca, los grupos de figuras adquirieron una nueva importancia y hubo un movimiento dinámico y una energía de formas humanas: giraban en espiral alrededor de un vórtice central vacío, o se extendían hacia afuera hacia el espacio circundante. Por primera vez, la escultura barroca a menudo tenía múltiples ángulos de visión ideales. La característica escultura barroca agregó elementos extra-escultóricos, por ejemplo, iluminación oculta o fuentes de agua. Aleijadinho en Brasil fue también uno de los grandes nombres de la escultura barroca, y su obra maestra es el conjunto de estatuas del Santuário de Bom Jesus de Matosinhos en Congonhas. Las esculturas de esteatita de los profetas del antiguo testamento alrededor de la terraza están consideradas entre sus mejores obras.
La arquitectura, escultura y fuentes de Bernini (1598—1680) dan características muy cargadas de estilo barroco. Bernini fue sin duda el escultor más importante de la época barroca. Se acercó a Miguel Ángel en su omnicompetencia: Bernini esculpió, trabajó como arquitecto, pintó, escribió obras de teatro y escenificó espectáculos. A finales del siglo XX Bernini fue muy valorado por su escultura, tanto por su virtuosismo en la talla de mármol como por su capacidad para crear figuras que combinen lo físico y lo espiritual. También fue un fino escultor de retratos en busto de gran demanda entre los poderosos.
Capilla Cornaro de Bernini
Un buen ejemplo de la obra barroca de Bernini es su Santa Teresa en Éxtasis (1645—1652), creada para la Capilla Cornaro de la iglesia de Santa Maria della Vittoria, Roma. Bernini diseñó toda la capilla, un espacio subsidiario a lo largo del costado de la iglesia, para la familia Cornaro.
Santa Teresa, el punto focal de la capilla, es una estatua de mármol blanco suave rodeada por un marco arquitectónico de mármol policromático. Esta estructura oculta una ventana que ilumina la estatua desde arriba. Grupos de figuras de la familia Cornaro esculpidos en relieve poco profundo habitan cajas de ópera en las dos paredes laterales de la capilla. El escenario coloca al espectador como espectador frente a la estatua con la familia Cornaro apoyada en sus palcos y avanzando hacia adelante para ver el éxtasis místico del santo.
Santa Teresa es altamente idealizada y en un escenario imaginario. Fue una santa popular de la Reforma Católica. Escribió sobre sus experiencias místicas para una audiencia de las monjas de la Orden Hercarmelita; estos escritos se habían convertido en lectura popular entre laicos interesados en la espiritualidad. En sus escritos, describió el amor de Dios como perforando su corazón como una flecha ardiente. Bernini materializa esto colocando a Santa Teresa en un trasero mientras una figura de Cupido sostiene una flecha dorada hecha de metal y le sonríe. La figura angelical no se prepara para sumergir la flecha en su corazón, sino que la ha retirado. El rostro de Santa Teresa refleja no la anticipación del éxtasis, sino su realización actual.
Esta obra es ampliamente considerada una obra maestra del barroco, aunque la mezcla de imágenes religiosas y eróticas (fieles al relato escrito de Santa Teresa) puede levantar las cejas modernas. No obstante, Bernini era un católico devoto y no intentaba satirizar la experiencia de una monja casta. Más bien, pretendía retratar la experiencia religiosa como una experiencia intensamente física. Teresa describió su reacción corporal a la iluminación espiritual en un lenguaje de éxtasis utilizado por muchos místicos, y la representación de Bernini es seria.
La familia Cornaro se promociona discretamente en esta capilla; se representan visualmente, pero se colocan a los lados de la capilla, presenciando el evento desde balcones. Al igual que en un teatro de ópera, los cornaro tienen una posición privilegiada con respecto al espectador, en su reserva privada, más cerca del santo; el espectador, sin embargo, tiene una mejor vista desde el frente. Adjuntan su nombre a la capilla, pero Santa Teresa es el foco. Se trata de una capilla privada en el sentido de que nadie podría decir misa en el altar debajo de la estatua (en el siglo XVII y probablemente hasta el XIX) sin permiso de la familia, pero lo único que divide al espectador de la imagen es el riel del altar. El espectáculo funciona tanto como una demostración de misticismo como un pedazo de orgullo familiar.
Arquitectura
En la arquitectura barroca, se puso un nuevo énfasis en la audaz masa, columnatas, cúpulas, luz y sombra (claroscuro), efectos de color 'pictóricos' y el juego audaz de volumen y vacío. En interiores, el movimiento barroco alrededor y a través de un vacío informó escaleras monumentales que no tenían paralelo en la arquitectura anterior. La otra innovación barroca en los interiores mundanos fue el departamento estatal, una secuencia de interiores cada vez más ricos que culminaron en una cámara de presencia o salón del trono o una recámara estatal. La secuencia de escaleras monumentales seguidas de un departamento estatal fue copiada en menor escala en todas partes en viviendas aristocráticas de cualquier pretensión.
La arquitectura barroca se retomó con entusiasmo en el centro de Alemania (véase, por ejemplo, el Palacio de Ludwigsburg y Zwinger, Dresde), Austria y Rusia (véase, por ejemplo, Peterhof). En Inglaterra la culminación de la arquitectura barroca se plasmó en la obra de Sir Christopher Wren, Sir John Vanbrugh y Nicholas Hawksmoor, desde ca. 1660 hasta ca. 1725. Muchos ejemplos de arquitectura barroca y urbanismo se encuentran en otras ciudades europeas, y en América Latina. El urbanismo de este periodo contó con avenidas radiantes que se cruzaban en plazas, las cuales tomaban señales de planos de jardines barrocos. En Sicilia, el barroco desarrolló nuevas formas y temas como en Noto, Ragusa y Acireale “Basilica di San Sebastiano”.
Otro ejemplo de arquitectura barroca es la Catedral de Morelia, Michoacán en México. Construida en el siglo XVII por Vincenzo Barrochio, es una de las muchas catedrales barrocas en México. También se ven iglesias barrocas en Filipinas, que fueron construidas durante la época española.
Francis Ching describió la arquitectura barroca como “un estilo de arquitectura originario de Italia a principios del siglo XVII y prevaleciente de diversas maneras en Europa y el Nuevo Mundo durante siglo y medio, caracterizado por el uso libre y escultórico de los órdenes y adornos clásicos, oposición dinámica y la interpenetración de los espacios y los dramáticos efectos combinados de la arquitectura, la escultura, la pintura y las artes decorativas”.
Teatro
En el teatro, las elaboradas presunciones, la multiplicidad de giros de trama y una variedad de situaciones características del manierismo, por ejemplo en las tragedias de Shakespeare, fueron reemplazadas por la ópera, que reunió a todas las artes en un todo unificado.
El teatro evolucionó en la época barroca y se convirtió en una experiencia multimedia, comenzando por el espacio arquitectónico real. De hecho, gran parte de la tecnología utilizada en las obras actuales de Broadway o comerciales fue inventada y desarrollada durante esta época. El escenario podría cambiar de un jardín romántico al interior de un palacio en cuestión de segundos. Todo el espacio se convirtió en un área seleccionada enmarcada que solo permite a los usuarios ver una acción específica, ocultando toda la maquinaria y tecnología, principalmente cuerdas y poleas.
Esta tecnología afectó el contenido de las piezas narradas o realizadas, practicando al máximo la solución Deus ex Machina. Los dioses finalmente pudieron bajar —literalmente— de los cielos y rescatar al héroe en las situaciones más extremas y peligrosas, incluso absurdas.
También se creó el término Theatrum Mundi —el mundo es un escenario—. El ámbito social y político en el mundo real se manipula exactamente de la misma manera que el actor y las máquinas están presentando/limitando lo que se presenta en el escenario, ocultando selectivamente toda la maquinaria que hace que ocurran las acciones.
Las películas Vatel y Farinelli dan una buena idea del estilo de producciones de la época barroca. El músico estadounidense William Christie y Les Arts Florissants han realizado una extensa investigación sobre toda la ópera barroca francesa, interpretando piezas de Charpentier y Lully, entre otras que son extremadamente fieles a las creaciones originales del siglo XVII.
Inglaterra
La influencia del Renacimiento también fue muy tardía en Inglaterra, y el teatro barroco es solo en parte un concepto útil aquí, por ejemplo al discutir la comedia de Restauración. Hubo una pausa de dieciocho años cuando los teatros londinenses se cerraron durante la Guerra Civil Inglesa y la Commonwealth inglesa hasta la Restauración de Carlos II en 1660.
Alemania
El teatro alemán en el siglo XVII carecía de contribuciones importantes. El dramaturgo más conocido fue Andreas Cryphius, quien utilizó el modelo jesuita de los holandeses Joost van den Vondel y Cornielle. También estuvo Johannes Velten quien combinó las tradiciones de los comediantes ingleses y la comedia del'arte con el teatro clásico de Corneille y Moliere. Su compañía de giras fue quizás la más significativa e importante del siglo XVII.
España
El barroco tuvo un carácter católico y conservador en España, siguiendo modelos literarios italianos durante el Renacimiento. El teatro barroco hispano apuntó a un contenido público con una realidad ideal que manifestara tres sentimientos fundamentales: la religión católica, el monárquico y el orgullo y honor nacionales originarios del mundo caballeresco y caballeresco.
Se conocen dos periodos en el teatro barroco español. La separación entre ellos se enfatizó en 1630; el primer periodo consiste en un representante principal que es Lope de Vega, y también Tirso de Molina, Gaspar de Aguilar, Guillén de Castro, Antonio Mira de Amescua, Luis Vélez de Guevara, Juan Ruiz de Alarcón, Diego Jiménez de Enciso, Luis Belmonte Bermúdez, Felipe Godínez, Luis Quiñones de Benavente o Juan Pérez de Montalbán; y en el segundo periodo Calderón de la Barca y los demás escritores de obras de teatro Antonio Hurtado de Mendoza, Álvaro Cubillo de Aragón, Jerónimo de Cáncer y Velasco, Francisco de Rojas Zorrilla, Juan de Matos Fragoso, Antonio Coello y Ochoa, Agustín Moreto o Francisco de Bances Candamo. Es posible hablar de una clasificación vagamente, porque cada autor tenía su propio camino y ocasionalmente podía adherirse a la fórmula establecida por Lope. Quizás, la “manera” de Lope era más liberal y estructurada que la de Calderón.
Félix Lope de Vega y Carpio introdujo a través de su Arte nuevo de hacer comedias en este tiempo (1609) la nueva comedia. Estableció una nueva fórmula dramática que rompió las tres unidades Aristóteles de la escuela italiana de poesía (acción, tiempo y lugar) y una cuarta unidad de Aristóteles que trata sobre el estilo, mezcla de elementos trágicos y cómicos que muestran diferentes tipos de versos y estrofas sobre lo que se representa. A pesar de que Lope tiene un gran conocimiento de las artes plásticas, no lo utilizó durante la mayor parte de su carrera ni en teatro o escenografía. La comedia de Lope concedió un segundo papel a los aspectos visuales de la representación teatral.
Tirso de Molina junto con Lope de Vega y Caledron fueron de los escritores de obra más importantes de España durante la época dorada. Sus obras, conocidas por su sutil inteligencia y profunda comprensión de la humanidad de una persona, podrían considerarse un puente entre la primitiva comedia de Lope y una comedia más elaborada de Calderón. Si bien parte de los críticos argumentaron sus escritos demostrando que Tirso de Molina era conocido por dos obras impecables, Las sospechas condenadas, El embaucador de Sevilla, una de las principales fuentes del mito de Don Juan.
A su llegada a Madrid, Cosme Lotti trajo a la corte española las técnicas teatrales más avanzadas de Europa. Sus técnicas y conocimientos mecánicos se aplicaron en exposiciones palaciegas llamadas “Fiestas” y en lujosas exposiciones de ríos o fuentes artificiales llamadas “Naumaquias”. Fue el encargado de diseñar los Jardines del Buen Retiro, de la Zarzuela y de Aranjuez y de la construcción del edificio teatral del Coliseo del Buen Retiro. Las fórmulas de Lope comienzan con un verso que es inapropiado de la fundación del teatro palaciego y el nacimiento de nuevos conceptos que iniciaron las carreras de algunos escritores de obras de teatro como Pedro Calderón de la Barca. Marcando las principales innovaciones de la Nueva Comedia Lopesiana, el estilo de Calderón marcó muchas diferencias, con un gran cuidado constructivo y atención a su estructura interna. La obra de Calderón está en perfección formal y en un lenguaje muy lírico y simbólico. La libertad, la vitalidad y la apertura de Lope dieron un paso a la reflexión intelectual y a la precisión formal de Calderón. En su comedia reflejó sus intenciones ideológicas y doctrinales en por encima de la pasión y la acción, la obra de Auto Sacramentales logró altos rangos. El género de la Comedia es político, multiartístico y en cierto sentido híbrido. El texto poético entretejido con Medias y recursos originarios de la arquitectura, la música y la pintura liberando el engaño que hay en la comedia lopesiana se conformó a partir de la falta de escenografía e involucrando el diálogo de la acción.
- Barroco. Proporcionado por: Wikipedia. Ubicado en: https://en.wikipedia.org/wiki/Baroque. Licencia: CC BY-SA: Atribución-CompartirIgual
- Rubens Medici Ciclo Meetin en Lyon. Proporcionado por: Wikimedia. Ubicado en: https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Rubens_medici_cycle_meeting_at_Lyon.jpg. Licencia: Dominio Público: No Conocido Derechos de Autor