12.3: Sinopsis de la Música Instrumental Barroca
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Introducción
La música barroca es un estilo de música de arte occidental compuesta de aproximadamente 1600 a 1750. Esta era siguió al Renacimiento, y fue seguida a su vez por la época clásica. La palabra “barroco” proviene de la palabra portuguesa barroco, que significa perla deforme, una descripción negativa de la música ornamentada y fuertemente ornamentada de esta época. Posteriormente, el nombre llegó a aplicarse también a la arquitectura de la misma época.
Durante la época barroca, la música instrumental se hizo tan importante como la música vocal.
La música barroca forma una parte importante del canon de la “música clásica”, siendo ampliamente estudiada, interpretada y escuchada. Los compositores de la época barroca incluyen a Johann Sebastian Bach, George Frideric Handel, Alessandro Scarlatti, Domenico Scarlatti, Antonio Vivaldi, Henry Purcell, Georg Philipp Telemann, Jean-Baptiste Lully, Arcangelo Corelli, Tomaso Albinoni, François Couperin, Denis Gaultier, Claudio Monteverdi, Heinrich Schütz, Jean-Philippe Rameau, Jan Dismas Zelenka y Johann Pachelbel.
El período barroco vio la creación de tonalidad. Durante el período, los compositores e intérpretes utilizaron ornamentación musical más elaborada, hicieron cambios en la notación musical y desarrollaron nuevas técnicas de interpretación instrumental. La música barroca amplió el tamaño, el rango y la complejidad de la interpretación instrumental, y también estableció la ópera, la cantata, el oratorio, el concierto y la sonata como géneros musicales. Muchos términos y conceptos musicales de esta época todavía están en uso hoy en día.
Historia
El término “barroco” es utilizado generalmente por los historiadores de la música para describir una amplia gama de estilos de una amplia región geográfica, principalmente en Europa, compuestos en un período de aproximadamente 150 años.
Aunque durante mucho tiempo se pensó que la palabra como término crítico se aplicó por primera vez a la arquitectura, de hecho aparece antes en referencia a la música, en una revisión anónima y satírica del estreno en octubre de 1733 de Hippolyte et Aricie de Rameau, impreso en el Mercure de France en mayo 1734. El crítico dio a entender que la novedad en esta ópera era “du barocque”, quejándose de que la música carecía de melodía coherente, estaba llena de disonancias incesantes, constantemente cambiaba de clave y medidor, y rápidamente recorría cada dispositivo compositivo.
La aplicación sistemática por parte de los historiadores del término “barroco” a la música de este período es un desarrollo relativamente reciente. En 1919, Curt Sachs se convirtió en el primero en aplicar sistemáticamente a la música las cinco características de la teoría del barroco de Heinrich Wölfflin. Los críticos se apresuraron a cuestionar el intento de transponer las categorías de Wölfflin a la música, sin embargo, y en el segundo cuarto del siglo XX se hicieron intentos independientes por Manfred Bukofzer (en Alemania y, después de su inmigración, en América) y por Suzanne Clercx-Lejeune (en Bélgica) de utilizar autónomos, análisis técnico más que abstracciones comparativas, con el fin de evitar la adaptación de teorías basadas en las artes plásticas y la literatura a la música. Todos estos esfuerzos dieron como resultado un desacuerdo apreciable sobre los límites de tiempo del periodo, especialmente en lo que respecta a cuándo comenzó. En inglés el término adquirió moneda solo en la década de 1940, en los escritos de Bukofzer y Paul Henry Lang.
Ya en 1960 todavía había considerable disputa en los círculos académicos, particularmente en Francia y Gran Bretaña, si era significativo agrupar música tan diversa como la de Jacopo Peri, Domenico Scarlatti y J.S. Bach bajo una sola rúbrica. Sin embargo, el término se ha vuelto ampliamente utilizado y aceptado para esta amplia gama de música. Puede ser útil distinguir el barroco de los períodos anteriores (renacentistas) y siguientes (clásicos) de la historia musical.
El período barroco se divide en tres fases principales: temprana, media y tardía. A pesar de que se superponen en el tiempo, se fechan convencionalmente de 1580 a 1630, de 1630 a 1680, y de 1680 a 1730.
Música Barroca Antigua (1580—1630)
La Camerata florentina fue un grupo de humanistas, músicos, poetas e intelectuales de la Florencia tardía del Renacimiento que se reunieron bajo el patrocinio del conde Giovanni de' Bardi para discutir y orientar las tendencias en las artes, especialmente la música y el drama. En referencia a la música, basaron sus ideales en una percepción del drama musical clásico (especialmente del griego antiguo) que valoraba el discurso y la oración. Como tal, rechazaron el uso de la polifonía y la música instrumental por parte de sus contemporáneos, y discutieron dispositivos musicales griegos tan antiguos como el monody, que consistía en un canto en solitario acompañado de una kithara. Las primeras realizaciones de estas ideas, entre ellas Dafne de Jacopo Peri y L'Euridice, marcaron el inicio de la ópera, que a su vez fue algo así como un catalizador para la música barroca.
En cuanto a la teoría musical, el uso más extendido del bajo figurado (también conocido como bajo completo) representa la importancia creciente de la armonía como base lineal de la polifonía. La armonía es el resultado final del contrapunto, y el bajo figurado es una representación visual de esas armonías comúnmente empleadas en la interpretación musical. Los compositores comenzaron a preocuparse por las progresiones armónicas, y también emplearon el tritono, percibido como un intervalo inestable, para crear disonancia. También había existido inversión en armonía entre ciertos compositores del Renacimiento, notablemente Carlo Gesualdo. Sin embargo, el uso de la armonía dirigida hacia la tonalidad, más que la modalidad, marca el cambio del Renacimiento al período barroco. Esto llevó a la idea de que los acordes, más que las notas, podían proporcionar una sensación de cierre, una de las ideas fundamentales que se conoció como tonalidad.
Al incorporar estos nuevos aspectos de la composición, Claudio Monteverdi impulsó la transición del estilo renacentista de la música al de la época barroca. Desarrolló dos estilos individuales de composición: la herencia de la polifonía renacentista (prima pratica) y la nueva técnica del basso continuo del barroco (seconda pratica). Con la escritura de las óperas L'Orfeo y L'incoronazione di Poppea entre otras, Monteverdi llamó considerable la atención sobre el nuevo género de la ópera.
Música Barroca Media (1630—1680)
El surgimiento de la corte centralizada es una de las características económicas y políticas de lo que a menudo se denomina la Era del Absolutismo, personificada por Luis XIV de Francia. El estilo de palacio, y el sistema judicial de modales y artes que fomentaba se convirtieron en el modelo para el resto de Europa. Las realidades del creciente mecenazgo eclesiástico y estatal crearon la demanda de música pública organizada, ya que la creciente disponibilidad de instrumentos creó la demanda de música de cámara.
El barroco medio no tuvo absolutamente ninguna relación con la obra teórica de Johann Fux, quien sistematizó el estricto contrapunto característico de épocas más tempranas en su Gradus ad Paranassum (1725).
Un ejemplo preeminente de compositor de estilo de corte es Jean-Baptiste Lully. Compró patentes a la monarquía para ser el único compositor de óperas para el rey y evitar que otros tuvieran óperas escenificadas. Completó 15 tragedias líricas y dejó inconclusas Achille et Polyxène.
Musicalmente, no estableció la norma dominada por cuerdas para orquestas, que fue heredada de la ópera italiana, y la disposición característicamente francesa de cinco partes (violines, violas—en tamaños altos contre, tailles y quintes y violines bajos) se había utilizado en el ballet desde la época de Luis XIII. Sin embargo, introdujo este conjunto en el teatro lírico, con las partes superiores a menudo dobladas por grabadoras, flautas y oboes, y el bajo por fagotes. Con frecuencia se agregaban trompetas y timbales para escenas heroicas.
A diferencia de estos compositores, Dieterich Buxtehude no era una criatura de la corte sino que era músico de iglesia, ocupando los cargos de organista y Werkmeister en la Marienkirche de Lübeck. Sus funciones como Werkmeister implicaban actuar como secretario, tesorero y gerente de negocios de la iglesia, mientras que su cargo como organista incluía tocar para todos los servicios principales, a veces en colaboración con otros instrumentistas o vocalistas, que también eran pagados por la iglesia. Totalmente fuera de sus deberes oficiales de la iglesia, organizó y dirigió una serie de conciertos conocida como Abendmusiken, que incluía representaciones de obras dramáticas sagradas consideradas por sus contemporáneos como el equivalente de óperas.
Música Barroca tardía (1680—1730)
Un trabajador continuo, Handel tomó prestado de otros y a menudo reciclaba su propio material. También fue conocido por reelaborar piezas como el famoso Mesías, que se estrenó en 1742, para cantantes y músicos disponibles.
Instrumentos Barrocos
Instrumentos de Cuerda
- Piccolo violino
- Violín
- Viol
- Viola
- Viola d'amore
- Viola pomposa
- Violín tenor
- Cello
- Contrabass
- Laúd
- Theorbo
- Archlute
- Angélique
- Mandolina
- Guitarra
- Arpa
- Hurdy-gurdy
Vientos de madera
- Flauta barroca
- Chalumeau
- Cortol (también conocido como Cortholt, Curtall, familia Oboe)
- Dulcian
- Musette de cour
- Oboe barroco
- Rackett
- Grabadora
- Fagot
Latones
- Cornett
- Bocina natural
- Trompeta barroca
- Tromba da tirarsi (también llamada tromba spezzata)
- Trompeta Flatt
- Serpiente
- Sackbut (nombre inglés del siglo XVI y principios del XVII para FR: saquebute, saqueboute; ES: sacabuche; IT: trombón; MHG: busaun, busîne, busune/DE (desde principios del siglo XVII) Posaune)
- Trombón (nombre inglés para el mismo instrumento, de principios del siglo XVIII)
Teclados
- Clavicordio
- Piano tangente
- Fortepiano — versión temprana del piano
- Clavecín
- Órgano
Percusión
- Timbales barrocos
- Tambor de madera
- Tambor Tenor
- Pandereta
- Castañuelas
Estilos y formas
Suite de baile
Una forma barroca característica fue la suite de baile. Algunas suites de baile de Bach se llaman partitas, aunque este término también se usa para otras colecciones de piezas. La suite de baile suele consistir en los siguientes movimientos:
- Obertura — La suite barroca a menudo comenzó con una obertura francesa (“Ouverture” en francés), a la que le siguió una sucesión de danzas de diferentes tipos, principalmente las siguientes cuatro:
- Allemande — A menudo la primera danza de una suite instrumental, la allemande era una danza muy popular que tuvo sus orígenes en la era renacentista alemana. El alemande se tocó a un tempo moderado y pudo comenzar en cualquier ritmo del bar.
- Courante — El segundo baile es el courante, un animado baile francés en triple metro. A la versión italiana se le llama corrente.
- Sarabande — La sarabande, una danza española, es la tercera de las cuatro danzas básicas, y es una de las más lentas de las danzas barrocas. También está en triple metro y puede comenzar en cualquier beat de la barra, aunque hay énfasis en el segundo beat, creando el característico 'halting', o ritmo yambico del sarabande.
- Gigue — La gigue es una danza barroca alegre y viva en metro compuesto, típicamente el movimiento final de una suite instrumental, y el cuarto de sus tipos básicos de danza. La gigue puede comenzar en cualquier ritmo de la barra y es fácilmente reconocida por su sensación rítmica. La gigue se originó en las Islas Británicas. Su contraparte en la música folclórica es la jig.
Estos cuatro tipos de baile (allemande, courante, sarabande y gigue) constituyen la mayoría de las suites del siglo XVII; las suites posteriores interpolan una o más danzas adicionales entre el sarabande y la gigue:
- Gavotte — El gavotte se puede identificar por una variedad de características; es en tiempo 4/4 y siempre comienza en el tercer beat de la barra, aunque esto puede sonar como el primer latido en algunos casos, ya que el primer y tercer beats son los beats fuertes en cuádruple tiempo. El gavotte se toca a un tempo moderado, aunque en algunos casos se puede tocar más rápido.
- Bourrée — El bourrée es similar a la gavotte ya que lo es en tiempo 2/2 aunque inicia en la segunda mitad del último latido de la barra, creando una sensación diferente al baile. El bourrée se toca comúnmente a un tempo moderado, aunque para algunos compositores, como Handel, se puede tomar a un tempo mucho más rápido.
- Minuet — El minueto es quizás el más conocido de los bailes barrocos en triple metro. Puede comenzar en cualquier ritmo de la barra. En algunas suites puede haber un Minuet I y II, jugado en sucesión, con el Minuet I repetido.
- Passepied — El passepied es un baile rápido en forma binaria y triple metro que se originó como un baile de la corte en Bretaña. Se pueden encontrar ejemplos en suites posteriores como las de Bach y Handel.
- Rigaudon — El rigaudon es una animada danza francesa en duple meter, similar al bourrée, pero rítmicamente más simple. Se originó como una familia de danzas folclóricas surfrancesas estrechamente relacionadas, tradicionalmente asociadas con las provincias de Vavarais, Languedoc, Dauphiné y Provenza.
- Revisión y adaptación. Proporcionado por: Lumen Learning y Natalia Kuznetsova. Licencia: CC BY-SA: Atribución-CompartirIgual
- Música Barroca. Proporcionado por: Wikipedia. Ubicado en: https://en.wikipedia.org/wiki/Baroque_music#Instrumental. Licencia: CC BY-SA: Atribución-CompartirIgual
- El escenario en el Teatro Castillo, Cesky Krumlov.. Autor: Alexwardle. Ubicado en: https://en.wikipedia.org/wiki/Baroque_music#/media/File:Ceskystage.jpg. Licencia: Dominio Público: No Conocido Derechos de Autor