13.3: Línea de tiempo de música clásica

La transición barroco-clásica c. 1730—1760

Gluck, detalle de un retrato de Joseph Duplessis, fechado en 1775 (Kunsthistorisches Museum, Viena)

Al principio el nuevo estilo tomó formas barrocas —el ternario da capo aria y la sinfonia y concierto — pero compuesto con partes más simples, ornamentación más anotada y división más enfática en secciones. Sin embargo, con el tiempo, la nueva estética provocó cambios radicales en la forma en que se armaban las piezas, y los diseños básicos cambiaron. Los compositores de esta época buscaron efectos dramáticos, melodías llamativas y texturas más claras. El compositor italiano Domenico Scarlatti fue una figura importante en la transición del barroco al clásico. Su estilo compositivo único está fuertemente relacionado con el de la época clásica temprana. Es mejor conocido por componer más de quinientas sonatas de teclado de un movimiento. En España, Antonio Soler también produjo valiosas sonatas para teclado, de forma más variada que las de Scarlatti, con algunas piezas en tres o cuatro movimientos.

La música barroca generalmente usa muchas fantasías armónicas y no se concentra tanto en la estructura de la pieza musical, frases musicales y motivos. En el periodo clásico, las funciones armónicas son más simples. No obstante, la estructura de la pieza, las frases y los motivos, son mucho más importantes en las melodías que en la época barroca.

Otra ruptura importante con el pasado fue la revisión radical de la ópera de Christoph Willibald Gluck, quien cortó gran parte del adorno estratificado e improvisacional y se centró en los puntos de modulación y transición. Al hacer más focales estos momentos donde la armonía cambia, permitió poderosos cambios dramáticos en el color emocional de la música. Para destacar estos episodios utilizó cambios en instrumentación, melodía y modo. Entre los compositores más exitosos de su tiempo, Gluck engendró muchos emuladores, uno de los cuales fue Antonio Salieri. Su énfasis en la accesibilidad trajo grandes éxitos en la ópera, y en la música vocal más ampliamente: canciones, oratorios y coros. Estos fueron considerados los tipos de música más importantes para la interpretación y de ahí que gozaran de mayor éxito en la estimación pública.

La fase entre el barroco y el ascenso de lo clásico, con su amplia mezcla de ideas en competencia e intentos de unificar las diferentes demandas del gusto, la economía y la “cosmovisión”, va por muchos nombres. A veces se le llama g alant, r ococo, o preclásico, o en otras ocasiones clásico temprano. Es un período en el que florecen algunos compositores que siguen trabajando en el estilo barroco, aunque a veces se piensa que son más del pasado que del presente: Bach, Handel y Telemann todos compusieron mucho más allá del punto en el que el estilo homofónico está claramente en el ascendente. La cultura musical quedó atrapada en una encrucijada: los maestros del estilo antiguo tenían la técnica, pero el público tenía hambre de lo nuevo. Esta es una de las razones por las que C. P. E. Bach se tuvo en tan alta estima: entendió bastante bien las formas más antiguas y supo presentarlas con nuevos atuendos, con una mayor variedad de formas.

Circa 1750—1775

Retrato de Haydn de Thomas Hardy, 1792

A finales de la década de 1750 había centros florecientes del nuevo estilo en Italia, Viena, Mannheim y París; se compusieron decenas de sinfonías y había bandas de jugadores asociados a los teatros. La ópera u otra música vocal fue la característica de la mayoría de los eventos musicales, con conciertos y sinfonías (surgidas de la obertura) que sirvieron como interludios instrumentales e introducciones para óperas y servicios religiosos. A lo largo de la época clásica, se desarrollaron sinfonías y conciertos y se presentaron independientemente de la música vocal.

El conjunto “normal” —un cuerpo de cuerdas complementado por vientos— y movimientos de particular carácter rítmico se establecieron a finales de la década de 1750 en Viena. Sin embargo, la longitud y el peso de las piezas aún se fijaban con algunas características barrocas: los movimientos individuales aún se centraban en un “afecto” o solo tenían una sección media fuertemente contrastada, y su longitud no era significativamente mayor que los movimientos barrocos. Todavía no había una teoría claramente enunciada de cómo componer en el nuevo estilo. Fue un momento maduro para un gran avance.

Muchos consideran que este avance fue hecho por C. P. E. Bach, Gluck, y varios otros. En efecto, C. P. E. Bach y Gluck suelen ser considerados fundadores del estilo clásico.

El primer gran maestro del estilo fue el compositor Joseph Haydn. A finales de la década de 1750 comenzó a componer sinfonías, y para 1761 había compuesto un tríptico (Mañana, Mediodía y Tarde) sólidamente en la modalidad contemporánea. Como Vice-Kapellmeister y posteriormente Kapellmeister, su producción se expandió: compuso más de cuarenta sinfonías tan solo en la década de 1760. Y mientras su fama crecía, a medida que su orquesta se ampliaba y sus composiciones fueron copiadas y difundidas, su voz era sólo una entre muchas.

Si bien algunos sugieren que fue eclipsado por Mozart y Beethoven, sería difícil exagerar la centralidad de Haydn al nuevo estilo, y por lo tanto al futuro de la música artística occidental en su conjunto. En su momento, ante la preeminencia de Mozart o Beethoven, y con Johann Sebastian Bach conocido principalmente por los conocedores de la música para teclado, Haydn llegó a un lugar en la música que lo puso por encima de todos los demás compositores excepto quizás George Frideric Handel. Tomó ideas existentes y alteró radicalmente su funcionamiento, ganándole los títulos “padre de la sinfonía” y “padre del cuarteto de cuerda”.

Una de las fuerzas que funcionó como ímpetu para su avance apremiante fue la primera agitación de lo que luego se llamaría romanticismo—el Sturm und Drang, o fase de “tormenta y estrés” en las artes, un corto período donde el emocionalismo obvio era una preferencia estilística. Haydn en consecuencia quería un contraste más dramático y melodías más atractivas emocionalmente, con carácter e individualidad agudizadas. Este periodo se desvaneció en la música y la literatura: sin embargo, influyó en lo que vino después y eventualmente sería un componente del gusto estético en décadas posteriores.

La Sinfonía de Despedida, número 45 en F ♯ Menor, ejemplifica la integración de Haydn de las diferentes demandas del nuevo estilo, con sorprendentes giros bruscos y un largo adagio para terminar la obra. En 1772, Haydn completó su conjunto Opus 20 de seis cuartetos de cuerda, en el que desplegó las técnicas polifónicas que había reunido de la época anterior para proporcionar coherencia estructural capaz de mantener unidas sus ideas melódicas. Para algunos, esto marca el inicio del estilo clásico “maduro”, en el que el período de reacción frente a la complejidad barroca tardía cedió a un período de integración de elementos barrocos y clásicos.

Circa 1775—1790

Wolfgang Amadeus Mozart, pintura póstuma de Barbara Krafft en 1819

Haydn, habiendo trabajado durante más de una década como director musical de un príncipe, tenía muchos más recursos y posibilidades para componer que la mayoría y también la capacidad de dar forma a las fuerzas que tocarían su música. Esta oportunidad no se desperdició, ya que Haydn, comenzando bastante temprano en su carrera, buscó impulsar la técnica de construir ideas en la música. Su siguiente avance importante fue en los cuartetos de cuerda Opus 33 (1781), en los que los papeles melódicos y armónicos pasan entre los instrumentos: a menudo no está claro momentáneamente qué es melodía y qué es armonía. Esto cambia la forma en que el conjunto trabaja su camino entre los momentos dramáticos de transición y las secciones culminantes: la música fluye suavemente y sin interrupción obvia. Luego tomó este estilo integrado y comenzó a aplicarlo a la música orquestal y vocal.

El don de Haydn a la música era una forma de componer, una forma de estructurar obras, que a la vez estaba de acuerdo con la estética gobernante del nuevo estilo. Sin embargo, un contemporáneo más joven, Wolfgang Amadeus Mozart, aportó su genio a las ideas de Haydn y las aplicó a dos de los principales géneros de la época: la ópera, y el concierto virtuoso. Mientras que Haydn pasó gran parte de su vida laboral como compositor de corte, Mozart quería el éxito público en la vida concertista de las ciudades. Esto significaba ópera, y significaba actuar como un virtuoso. Haydn no era un virtuoso a nivel de giras internacionales; tampoco buscaba crear obras operísticas que pudieran tocar por muchas noches frente a un gran público. Mozart quería ambos. Además, Mozart también tenía gusto por los acordes más cromáticos (y mayores contrastes en el lenguaje armónico en general), un mayor amor por crear un welter de melodías en una sola obra, y una sensibilidad más italianizada en la música en su conjunto. Encontró, en la música de Haydn y posteriormente en su estudio de la polifonía de Bach, los medios para disciplinar y enriquecer sus dones.

La familia Mozart hacia 1780. El retrato en la pared es de la madre de Mozart.

Mozart rápidamente llamó la atención de Haydn, quien aclamó al nuevo compositor, estudió sus obras y consideró al joven como su único verdadero compañero en la música. En Mozart, Haydn encontró una mayor gama de instrumentación, efecto dramático y recurso melódico; la relación de aprendizaje se movió en dos direcciones.

La llegada de Mozart a Viena en 1780 trajo consigo una aceleración en el desarrollo del estilo clásico. Allí Mozart absorbió la fusión de brillantez italianizada y cohesión germánica que se venía gestando durante los 20 años anteriores. Su propio gusto por las brillanteces, las melodías y figuras rítmicamente complejas, las melodías largas de cantilena y los florecimientos virtuosos se fusionaron con una apreciación por la coherencia formal y la conexión interna. Es en este punto que la guerra y la inflación detuvieron una tendencia a orquestas más grandes y obligaron a la disolución o reducción de muchas orquestas teatrales. Esto presionó el estilo clásico hacia adentro: hacia la búsqueda de un mayor desafío de conjunto y técnico, por ejemplo, esparcir la melodía a través de instrumentos de madera, o usar tercios para resaltar la melodía tomada por ellos. Este proceso colocó una prima en la música de cámara para una mayor representación pública, dando un impulso adicional al cuarteto de cuerdas y otras agrupaciones de ensambles pequeños.

Fue durante esta década cuando el gusto público comenzó, cada vez más, a reconocer que Haydn y Mozart habían alcanzado un estándar de composición más alto. Para cuando Mozart llegó a los 25 años, en 1781, los estilos dominantes de Viena estaban reconociblemente conectados con la aparición en la década de 1750 del estilo clásico temprano. A finales de la década de 1780, los cambios en la práctica de la performance, la posición relativa de la música instrumental y vocal, las demandas técnicas de los músicos y la unidad estilística se habían establecido en los compositores que imitaban a Mozart y Haydn. Durante esta década Mozart compuso sus óperas más famosas, sus seis sinfonías tardías que ayudaron a redefinir el género, y una cuerda de conciertos para piano que siguen en el pináculo de estas formas.

Un compositor que influyó en difundir el estilo más serio que habían formado Mozart y Haydn es Muzio Clementi, un talentoso virtuoso pianista que empató con Mozart en un “duelo” musical ante el emperador en el que cada uno improvisó e interpretó sus composiciones. Las sonatas de Clementi para piano circularon ampliamente, y se convirtió en el compositor más exitoso de Londres durante la década de 1780. También en Londres en este momento estuvo Jan Ladislav Dussek, quien, al igual que Clementi, animó a los pianos a ampliar la gama y otras características de sus instrumentos, para luego explotar plenamente las posibilidades recién abiertas. A menudo se pasa por alto la importancia de Londres en la época clásica, pero sirvió como el hogar de la fábrica de Broadwood para la fabricación de pianos y como base para compositores que, aunque menos notables que la “Escuela de Viena”, tuvieron una influencia decisiva en lo que vino después. Eran compositores de muchas obras finas, notables por derecho propio. El gusto de Londres por el virtuosismo bien pudo haber fomentado el complejo trabajo de pasaje y las declaraciones extendidas sobre tónico y dominante.

Circa 1790—1820

Cuando Haydn y Mozart comenzaron a componer, las sinfonías se tocaban como movimientos individuales —antes, entre, o como interludios dentro de otras obras— y muchas de ellas duraban solo diez o doce minutos; los grupos instrumentales tenían diferentes estándares de interpretación, y el continuo era una parte central de la creación musical.

En los años transcurridos, el mundo social de la música había visto cambios dramáticos. La publicación internacional y las giras habían crecido de manera explosiva y se formaron sociedades de conciertos. La notación se volvió más específica, más descriptiva, y los esquemas de las obras se habían simplificado (pero se volvieron más variados en su elaboración exacta). En 1790, justo antes de la muerte de Mozart, con su reputación extendiéndose rápidamente, Haydn estaba preparado para una serie de éxitos, en particular sus últimos oratorios y sinfonías de “Londres”. Compositores en París, Roma y toda Alemania recurrieron a Haydn y Mozart por sus ideas sobre la forma.

Retrato de Beethoven de Joseph Karl Stieler, 1820

El tiempo volvió a estar maduro para un cambio dramático. En la década de 1790 surgió una nueva generación de compositores, nacida alrededor de 1770. Si bien habían crecido con los estilos anteriores, escucharon en las recientes obras de Haydn y Mozart un vehículo para una mayor expresión. En 1788 Luigi Cherubini se instaló en París y en 1791 compuso Lodoiska, ópera que lo elevó a la fama. Su estilo refleja claramente los maduros Haydn y Mozart, y su instrumentación le dio un peso que aún no se había sentido en la gran ópera. Su contemporáneo Étienne Méhul extendió los efectos instrumentales con su ópera de 1790 Euphrosine et Coradin, de la que siguió una serie de éxitos.

El más fatídico de la nueva generación fue Ludwig van Beethoven, quien lanzó sus obras numeradas en 1794 con un conjunto de tres tríos para piano, que permanecen en el repertorio. Algo más joven que los demás, aunque igualmente logrado por su estudio juvenil bajo Mozart y su virtuosismo nativo, fue Johann Nepomuk Hummel. Hummel también estudió bajo Haydn; era amigo de Beethoven y Franz Schubert. Se concentró más en el piano que en cualquier otro instrumento, y su paso por Londres en 1791 y 1792 generó la composición y publicación en 1793 de tres sonatas para piano, opus 2, que usaban idiomáticamente las técnicas de Mozart para evitar la cadencia esperada, y el virtuoso a veces modalmente incierto de Clementi figuración. Tomados en conjunto, estos compositores pueden verse como la vanguardia de un amplio cambio de estilo y el centro de la música. Se estudiaron las obras de los demás, se copiaron los gestos del otro en la música, y en ocasiones se comportaron como rivales pendencieros.

Hummel en 1814

Las diferencias cruciales con la onda anterior se pueden ver en el cambio descendente de las melodías, el incremento de la duración de los movimientos, la aceptación de Mozart y Haydn como paradigmáticos, el mayor uso de los recursos del teclado, el cambio de la escritura “vocal” a la escritura “pianística”, la creciente atracción de lo menor y de ambigüedad modal, y la creciente importancia de variar las figuras acompañantes para llevar adelante la “textura” como elemento en la música. En definitiva, el clásico tardío buscaba una música que fuera internamente más compleja. El crecimiento de las sociedades de conciertos y orquestas amateur, marcando la importancia de la música como parte de la vida de clase media, contribuyó a un mercado en auge para los pianos, la música para piano y los virtuosos para servir como ejemplos. Hummel, Beethoven y Clementi fueron reconocidos por su improvisación.

La influencia directa del barroco siguió desvaneciéndose: el bajo figurado se hizo menos prominente como medio para mantener unida la interpretación, las prácticas escénicas de mediados del siglo XVIII continuaron desapareciendo. Sin embargo, al mismo tiempo, comenzaron a estar disponibles ediciones completas de maestros barrocos, y la influencia del estilo barroco continuó creciendo, particularmente en el uso cada vez más expansivo del latón. Otra característica de la época es el creciente número de actuaciones donde el compositor no estuvo presente. Esto condujo a un mayor detalle y especificidad en la notación; por ejemplo, hubo menos partes “opcionales” que se mantuvieron separadas de la partitura principal.

La fuerza de estos cambios se hizo evidente con la 3ª Sinfonía de Beethoven, dada el nombre de Eroica, que es italiana para “heroica”, del compositor. Al igual que con El rito de la primavera de Stravinsky, puede que no haya sido el primero en todas sus innovaciones, pero su uso agresivo de cada parte del estilo clásico lo distingue de sus obras contemporáneas: en longitud, ambición y recursos armónicos también.

Línea de tiempo de compositores clásicos

Contenido con licencia CC, Original

• Revisión y adaptación. Proporcionado por: Lumen Learning y Natalia Kuznetsova. Licencia: CC BY-SA: Atribución-CompartirIgual

Contenido con licencia CC, Compartido anteriormente

• https://en.wikipedia.org/wiki/Classi...period_(music). Proporcionado por: Wikipedia. Ubicado en: https://en.wikipedia.org/wiki/Classical_period_(music). Licencia: CC BY-SA: Atribución-CompartirIgual