13.5: La Sinfonía Clásica
- Page ID
- 97398
\( \newcommand{\vecs}[1]{\overset { \scriptstyle \rightharpoonup} {\mathbf{#1}} } \)
\( \newcommand{\vecd}[1]{\overset{-\!-\!\rightharpoonup}{\vphantom{a}\smash {#1}}} \)
\( \newcommand{\id}{\mathrm{id}}\) \( \newcommand{\Span}{\mathrm{span}}\)
( \newcommand{\kernel}{\mathrm{null}\,}\) \( \newcommand{\range}{\mathrm{range}\,}\)
\( \newcommand{\RealPart}{\mathrm{Re}}\) \( \newcommand{\ImaginaryPart}{\mathrm{Im}}\)
\( \newcommand{\Argument}{\mathrm{Arg}}\) \( \newcommand{\norm}[1]{\| #1 \|}\)
\( \newcommand{\inner}[2]{\langle #1, #2 \rangle}\)
\( \newcommand{\Span}{\mathrm{span}}\)
\( \newcommand{\id}{\mathrm{id}}\)
\( \newcommand{\Span}{\mathrm{span}}\)
\( \newcommand{\kernel}{\mathrm{null}\,}\)
\( \newcommand{\range}{\mathrm{range}\,}\)
\( \newcommand{\RealPart}{\mathrm{Re}}\)
\( \newcommand{\ImaginaryPart}{\mathrm{Im}}\)
\( \newcommand{\Argument}{\mathrm{Arg}}\)
\( \newcommand{\norm}[1]{\| #1 \|}\)
\( \newcommand{\inner}[2]{\langle #1, #2 \rangle}\)
\( \newcommand{\Span}{\mathrm{span}}\) \( \newcommand{\AA}{\unicode[.8,0]{x212B}}\)
\( \newcommand{\vectorA}[1]{\vec{#1}} % arrow\)
\( \newcommand{\vectorAt}[1]{\vec{\text{#1}}} % arrow\)
\( \newcommand{\vectorB}[1]{\overset { \scriptstyle \rightharpoonup} {\mathbf{#1}} } \)
\( \newcommand{\vectorC}[1]{\textbf{#1}} \)
\( \newcommand{\vectorD}[1]{\overrightarrow{#1}} \)
\( \newcommand{\vectorDt}[1]{\overrightarrow{\text{#1}}} \)
\( \newcommand{\vectE}[1]{\overset{-\!-\!\rightharpoonup}{\vphantom{a}\smash{\mathbf {#1}}}} \)
\( \newcommand{\vecs}[1]{\overset { \scriptstyle \rightharpoonup} {\mathbf{#1}} } \)
\( \newcommand{\vecd}[1]{\overset{-\!-\!\rightharpoonup}{\vphantom{a}\smash {#1}}} \)
Formato de la Sinfonía Clásica
- Allegro en forma sonata-allegro, a veces precedido de una introducción lenta
- Un movimiento lento en forma A-B-A o tema y variaciones
- Menuet y trío en metro triple
- Finale, un vivaz allegro molto o presto en forma rondo o sonata-allegro
Historia y Desarrollo de la Sinfonía Clásica
A principios del siglo XIX, Beethoven elevó la sinfonía de un género cotidiano producido en grandes cantidades a una forma suprema en la que los compositores se esforzaban por alcanzar el máximo potencial de la música en solo unas pocas obras. Beethoven comenzó con dos obras emulando directamente a sus modelos Mozart y Haydn, luego siete sinfonías más, comenzando por la Tercera Sinfonía (“Eroica”) que amplió el alcance y la ambición del género. Su Sinfonía No. 5 es quizás la sinfonía más famosa jamás escrita; su transición del movimiento de apertura emocionalmente tormentoso de Do menor a un final triunfante de llave mayor proporcionó un modelo adoptado por sinfonistas posteriores como Brahms y Mahler. Su Sinfonía No. 6 es una obra programática, que presenta imitaciones instrumentales de llamadas de pájaros y una tormenta, y un quinto movimiento que desafía las convenciones. Su Sinfonía No. 9 da el paso sin precedentes desde la época barroca temprana de incluir partes para solistas vocales y coro en el último movimiento, convirtiéndola en una sinfonía coral.
De las sinfonías de Franz Schubert, dos son elementos centrales del repertorio y se interpretan frecuentemente. De la Octava Sinfonía (1822), Schubert completó sólo los dos primeros movimientos; esta obra altamente romántica suele llamarse por su apodo “El Inacabado”. Su última sinfonía terminada, la Novena (1826) es una obra masiva en el modismo clásico.
De los primeros románticos, Félix Mendelssohn (cinco sinfonías) y Robert Schumann (cuatro) continuaron escribiendo sinfonías en el molde clásico, aunque utilizando su propio lenguaje musical. En contraste, Héctor Berlioz favoreció las obras programáticas, entre ellas su “sinfonía dramática” Roméo et Juliette y la muy original Symphonie fantastique. Este último es también un trabajo programático y tiene tanto una marcha como un vals y cinco movimientos en lugar de los cuatro habituales. Su cuarta y última sinfonía, la Grande symphonie funèbre et triomphale (originalmente titulada Symphonie militaire) fue compuesta en 1840 para una banda militar marchante de 200 piezas, para ser interpretada al aire libre, y es un ejemplo temprano de una sinfonía de banda. Posteriormente, Berlioz agregó partes de cuerda opcionales y un final coral. En 1851, Richard Wagnerdeclaró que todas estas sinfonías post-Beethoven no eran más que un epílogo, no ofreciendo nada sustancialmente nuevo. En efecto, después de la última sinfonía de Schumann, la “renana” compuesta en 1850, durante dos décadas el poema sinfónico lisztiano pareció haber desplazado a la sinfonía como la forma principal de la música instrumental a gran escala. Si la sinfonía había sido eclipsada, no pasó mucho tiempo antes de que resurgiera en una “segunda edad” en las décadas de 1870 y 1880, con las sinfonías de Anton Bruckner, Johannes Brahms, Piotr Ilyich Tchaikovsky, Alexander Borodin, Antonín Dvořák y César Franck, obras que continuaron dominando el repertorio de conciertos para al al menos un siglo.
A lo largo del siglo XIX, los compositores continuaron sumando al tamaño de la orquesta sinfónica. Hacia principios de siglo, una orquesta a gran escala consistiría en la sección de cuerda más pares de flautas, oboes, clarinetes, fagotes, cuernos, trompetas y, por último, un juego de timbales. Esta es, por ejemplo, la puntuación utilizada en las sinfonías de Beethoven numeradas 1, 2, 4, 7 y 8 (instrumentación de las sinfonías de Beethoven tomada de los títulos de los capítulos de cada sinfonía en Hopkins 1981). Los trombones, que anteriormente se habían confinado a la música de iglesia y teatro, llegaron a ser agregados a la orquesta sinfónica, notablemente en las sinfonías 5ª, 6ª y 9ª de Beethoven. La combinación de bombo, triángulo y platillos (a veces también: piccolo), que los compositores del siglo XVIII emplearon como efecto colorista en la llamada “música turca”, llegó a ser cada vez más utilizada durante la segunda mitad del siglo XIX sin tales connotaciones de género. Para la época de Mahler, era posible que un compositor escribiera una sinfonía anotada para “un verdadero compendio de instrumentos orquestales”. Además de aumentar en variedad de instrumentos, las sinfonías del siglo XIX se incrementaron gradualmente con más instrumentistas de cuerda y más partes de viento, de manera que la orquesta creció sustancialmente en números escarpados, ya que las salas de conciertos también crecieron.
Escucha: Sinfonía núm. 34 de Mozart en C
Escucha a la Orquesta de San Pablo tocar la Sinfonía No. 34 de Mozart en C.
La sinfonía presenta las fanfarrias y florece típicos de la “sinfonía festiva” o “sinfonía de trompeta”, que es característica de la escritura sinfónica austriaca en Do mayor. Esta es la primera de las sinfonías en C mayor de Mozart en exhibir este personaje, pero el estilo sería revisitado en sus dos obras posteriores en esta clave, las sinfonías 36 y 41.
El primer movimiento está escrito en forma de sonata pero también contiene muchos estilos y aspectos formales de una obertura italiana. No hay repetición expositiva. La coda expositiva contiene un crescendo parecido a una obertura que no está incluido en la recapitulación. El desarrollo se basa enteramente en material nuevo. La recapitulación sobre el primer tema de la exposición es abreviada e interrumpida por un breve desarrollo de ese tema. Finalmente, la coda del movimiento contiene casi todo este primer tema creando la apariencia de una recapitulación inversa común en las oberturas italianas.
- Lista de composiciones de Wolfgang Amadeus Mozart. Ubicado en: https://en.wikipedia.org/wiki/Symphony_No._34_(Mozart). Licencia: CC BY-SA: Atribución-CompartirIgual
- Sinfonía. Proporcionado por: Wikipedia. Ubicado en: https://en.wikipedia.org/wiki/Symphony. Licencia: CC BY-SA: Atribución-CompartirIgual
- Sinfonía para 2013. Autor: Kevin Dooley. Ubicado en: https://www.flickr.com/photos/pagedooley/8349362069/. Licencia: CC BY: Atribución