14.8: Formas Corales Clásicas

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Masa

La Misa, una forma de composición musical sagrada, es una composición coral que pone a la música las porciones invariables de la liturgia eucarística (principalmente la de la Iglesia Católica, la Comunión Anglicana y el luteranismo). La mayoría de las misas son escenarios de la liturgia en latín, la lengua sagrada litúrgica de la liturgia romana de la Iglesia Católica, pero hay un número significativo escrito en las lenguas de países no católicos donde el culto vernáculo ha sido durante mucho tiempo la norma. Por ejemplo, hay muchas Misas (a menudo llamadas “Servicios de Comunión”) escritas en inglés para la Iglesia de Inglaterra. Las misas musicales toman su nombre de la liturgia católica llamada “la Misa” también.

Las misas pueden ser a capella, es decir, sin acompañamiento independiente, o pueden ir acompañadas de obbligatos instrumentales hasta e incluyendo una orquesta completa. Muchas misas, especialmente las posteriores, nunca tuvieron la intención de realizarse durante la celebración de una misa real.

Formas de la Misa

Se hace una distinción entre los textos que se repiten para cada celebración masiva (ordinarium, ordinario), y los textos que se cantan según la ocasión (proprium, propium).

Ordinario

Una Missa tota (“Misa completa”) consiste en un escenario musical de las cinco secciones del ordinario, como se indica a continuación:

I. Kyrie

En la Misa Tridentina, el Kyrie es la primera oración cantada de la Misa ordinaria. La frase repetida es “Kyrie, eleison” (o “Señor, ten piedad”). Por lo general, es (pero no siempre) parte de cualquier ambientación musical de la Misa. Los movimientos de Kyrie suelen tener una estructura musical ternaria (ABA) que refleja la estructura simétrica del texto. Los escenarios musicales existen en estilos que van desde el canto gregoriano hasta el folk.

Como el Kyrie es el primer elemento en escenarios de la misa ordinaria y el segundo en la misa réquiem (la única misa propiamente establecida regularmente a lo largo de los siglos), casi todos los miles de compositores a lo largo de los siglos que han puesto los ordinarios de la masa a la música han incluido un movimiento Kyrie.

II. Gloria

La Gloria es un pasaje celebratorio alabando a Dios Padre y a Cristo.

En escenarios de misa (normalmente en inglés) compuestos para la liturgia del Libro de Oración Común de la Iglesia de Inglaterra, la Gloria es comúnmente el último movimiento, porque ocurre en esta posición en el texto del servicio. En Orden Una de las más nuevas liturgia de Culto Común, sin embargo, se restaura a su época anterior.

III. Credo

El Credo, escenario del Credo Niceno, es el texto más largo de una misa cantada.

Organizadores de celebraciones internacionales, como la Jornada Mundial de la Juventud, han sido alentados por Roma a familiarizar a los congregantes en los cantos latinos para el Padre Nuestro y el Credo, específicamente Credo III (siglo XVII, Quinta Modo) de la Missa de Angelis. El propósito de cantar estos dos textos en latín es engendrar un sentido de unidad en los fieles, todos los cuales cantan así la oración de Jesús y la creencia compartida de la Iglesia universal en un mismo idioma.

IV. Sanctus y Benedictus

El Sanctus es una doxología alabando a la Trinidad. Existe una variante en los escenarios luteranos del Sanctus. Si bien la mayoría de los ajustes himnales mantienen el pronombre de segunda persona, otros ajustes cambian el pronombre de segunda persona a la tercera persona. Esto es más notable en la Misa en si menor de J.S. Bach, donde el texto dice gloria ejus (“Su gloria”). ¡El coral de Martin Lutero Isaías, Poderoso en los días de antaño y el escenario del Heilig de Félix Mendelssohn! (Sanctus alemán) de su Deutsche Liturgie también utilizan la tercera persona.

El Benedictus es una continuación del Sanctus. Hosanna in excelsis se repite después de la sección Benedictus, a menudo con material musical idéntico al usado después del Sanctus, o muy estrechamente relacionado.

Agnus Dei

El Agnus Dei es un escenario de la letanía “Cordero de Dios”, que contiene las respuestas miserere nobis (ten piedad de nosotros), repetidas dos veces, y dona nobis pacem (concédenos la paz) una vez al final.

En una misa de réquiem, las palabras “miserere nobis” se sustituyen por “dona eis requiem” (concédeles descanso), mientras que “dona nobis pacem” se sustituye por “dona eis requiem sempiternam” (concédeles descanso eterno).

Misas cortas y solemnes

Existe alguna terminología adicional con respecto a los ajustes de misa que indica si incluyen o no las cinco secciones habituales del ordinario, y si la misa está destinada o no a ocasiones excepcionalmente festivas.

Missa Brevis

Missa brevis (literalmente, “masa corta”) puede, dependiendo del tiempo y las convenciones, indicar la configuración de un subconjunto de las cinco partes de masa ordinarias (por ejemplo, masas que contienen solo un ajuste de Kyrie y Gloria), o una masa que contiene todas estas partes, pero de duración relativamente corta, o una masa en un entorno que se extiende menos en las fuerzas vocales y orquestales que la de una masa napolitana.

Missa longa (“masa larga”) puede indicar la contraparte de Missa brevis cuando se considera el aspecto de duración.

Missa Solemnis

Missa solemnis indica una misa solemne, generalmente para ocasiones festivas especiales y con un marco vocal y orquestal extendido. En ese sentido Missa brevis se utiliza a veces para indicar la contraparte de una Missa solemnis.

Escucha: Missa Solemnis

A continuación se puede escuchar una interpretación de la Gran Misa en Do Menor de W. A. Mozart:

https://youtu.be/TGCUPyrk4Eg

Missa Brevis et Solemnis

La Missa brevis et solemnis (breve y solemne) es un formato excepcional, por sus instancias más conocidas ligadas al arzobispo de Salzburgo Hieronymus Colloredo, aunque existen ejemplos anteriores. Mozart lo describió así en una carta que escribió en 1776 (“el arzobispo” en esta cita se refiere a Colloredo):

Nuestra música de iglesia es muy diferente a la de Italia, ya que una misa con todo el Kyrie, la Gloria, el Credo, la sonata Epístola, el Ofertorio o moteto, el Sanctus y el Agnus Dei no deben durar más de tres cuartos de hora. Esto aplica incluso a la Misa más Solemne pronunciada por el mismo Arzobispo. Se requiere un estudio especial para este tipo de composición, particularmente porque la Misa debe tener un contingente completo de instrumentos: trompetas, tambores, etc.

La descripción de “brevis et solemnis” se aplica a varias de las Misas que Mozart compuso en Salzburgo entre 1775 y 1780, siendo considerada la Misa del Gorrión como su primera instancia para este compositor.

La Misa del Réquiem

La Misa réquiem (Misa por los muertos) destaca por la gran cantidad de composiciones musicales que ha inspirado, entre ellas escenarios de Mozart, Verdi, Dvořák, Fauré y Duruflé. Originalmente, tales composiciones estaban destinadas a ser interpretadas en el servicio litúrgico, con canto monofónico. Eventualmente el carácter dramático del texto comenzó a apelar a los compositores hasta tal punto que hicieron del réquiem un género propio, y las composiciones de compositores como Verdi son esencialmente piezas de concierto más que obras litúrgicas.

Las secciones litúrgicas comunes para la misa réquiem son las siguientes (puedes leer los textos completos aquí):

Introit
Kyrie eleison
Gradual
Tracto
Secuencia
Ofertorio
Sanctus
Agnus Dei
Comunión
Pie Jesu
Libera Me
En paradisum

Durante muchos siglos los textos del réquiem fueron cantados a melodías gregorianas. El Réquiem de Johannes Ockeghem, escrito en algún momento de la segunda mitad del siglo XV, es el escenario polifónico más antiguo que sobrevive. Hubo un escenario del compositor mayor Dufay, posiblemente antes, que ahora está perdido: el de Ockeghem pudo haber sido modelado en él. Muchas composiciones tempranas emplean diferentes textos que estaban en uso en diferentes liturgias alrededor de Europa antes de que el Concilio de Trento estableciera lo que se convirtió en los textos canónicos.

En el siglo XVI, cada vez más compositores configuran la Misa réquiem. A diferencia de la práctica en el establecimiento de la Misa Ordinaria, muchos de estos escenarios utilizaron una técnica de cantus-firmus, algo que se había vuelto bastante arcaico a mediados de siglo. Además, estos ajustes utilizaron menos contraste textural que los primeros ajustes de Ockeghem y Brumel, aunque la anotación vocal fue a menudo más rica, por ejemplo en el Réquiem de seis voces de Jean Richafort que escribió para la muerte de Josquin des Prez.

Hasta nuestros días se han compuesto más de 2,000 composiciones de réquiem. Por lo general, los escenarios renacentistas, especialmente los que no están escritos en la Península Ibérica, pueden ser interpretados a capella (es decir, sin partes instrumentales de acompañamiento necesarias), mientras que a partir de 1600 compositores prefirieron más a menudo utilizar instrumentos para acompañar a un coro, y también incluir solistas vocales. Existe una gran variación entre las composiciones en cuanto a la cantidad de texto litúrgico que se pone a la música.

La mayoría de los compositores omiten secciones de la prescripción litúrgica, con mayor frecuencia el Gradual y el Tracto. Fauré omite el Dies iræ, mientras que el mismo texto a menudo había sido establecido por compositores franceses en siglos anteriores como una obra independiente.

A veces los compositores dividen un elemento del texto litúrgico en dos o más movimientos; debido a la longitud de su texto, el Dies iræ es la sección más frecuentemente dividida del texto (como ocurre con Mozart, por ejemplo). El Introit y Kyrie, siendo inmediatamente adyacentes en la actual liturgia católica romana, a menudo se componen como un solo movimiento.

A partir del siglo XVIII y continuando hasta el XIX, muchos compositores escribieron lo que efectivamente son obras de concierto, que en virtud de emplear fuerzas demasiado grandes, o que duran una duración tan considerable, impiden que sean fácilmente utilizadas en un funeral ordinario; los requiems de Gossec, Berlioz, Verdi y Dvořák son esencialmente oratorios de conciertos dramáticos. Una contra-reacción a esta tendencia vino del movimiento ceciliano, que recomendó un acompañamiento sobrio para la música litúrgica, y desaprobaba el uso de solistas vocales operísticos.

Escucha: Requiem Mass

A continuación se puede escuchar una interpretación del Requiem de W. A. Mozart (1791):

Miniatura del elemento incrustado “mozart requiem karajan”

Un elemento de YouTube ha sido excluido de esta versión del texto. Puedes verlo en línea aquí: http://pb.libretexts.org/map/?p=266

Oratorio

Un oratorio es una gran composición musical para orquesta, coro y solistas. Al igual que una ópera, un oratorio incluye el uso de un coro, solistas, un conjunto, diversos personajes distinguibles y arias. Sin embargo, la ópera es teatro musical, mientras que el oratorio es estrictamente una pieza de concierto, aunque a veces los oratorios se escenifican como óperas, y las óperas a veces se presentan en forma de concierto. En un oratorio generalmente hay poca o ninguna interacción entre los personajes, y no hay accesorios ni trajes elaborados. Una diferencia particularmente importante está en el tema típico del texto. La ópera tiende a tratar la historia y la mitología, incluyendo dispositivos milenarios de romance, engaño y asesinato, mientras que la trama de un oratorio a menudo trata temas sagrados, lo que lo hace apropiado para la actuación en la iglesia. Los compositores protestantes tomaron sus historias de la Biblia, mientras que los compositores católicos miraban a la vida de los santos, así como a los temas bíblicos. Los oratorios se hicieron extremadamente populares a principios de la Italia del siglo XVII, en parte debido al éxito de la ópera y a la prohibición de espectáculos por parte de la Iglesia Católica durante la Cuaresma. Los oratorios se convirtieron en la principal elección de la música durante ese período para el público de ópera.

Los oratorios suelen contener:

Una obertura, solo para instrumentos
Diversas arias, cantadas por los solistas vocales
Recitativo, empleado habitualmente para avanzar en la parcela
Coros, a menudo monumentales y destinados a transmitir un sentido de gloria. Frecuentemente los instrumentos para coros oratorios incluyen timbales y trompetas.

Los orígenes del oratorio se encuentran en los diálogos sagrados en Italia. Se trataba de escenarios de textos bíblicos, latinos y eran bastante similares a los motetes musicalmente. Hubo una fuerte narrativa, énfasis dramático, y hubo intercambios conversacionales entre los personajes de la obra. Estos se hicieron cada vez más populares y finalmente fueron interpretados en oratorios especialmente construidos (salas de oración) por músicos profesionales. Nuevamente, estos se basaban principalmente en elementos dramáticos y narrativos. La ópera sagrada proporcionó otro ímpetu para los diálogos, y se expandieron mucho en longitud (aunque nunca más allá de los sesenta minutos de duración).

Durante la segunda mitad del siglo XVII, hubo tendencias hacia la secularización del oratorio religioso. Prueba de ello radica en su actuación regular fuera de los salones de la iglesia en canchas y teatros públicos. Ya sea religioso o laico, el tema de un oratorio está destinado a ser de peso. Podría incluir temas como la Creación, la vida de Jesús, o la carrera de un héroe clásico o profeta bíblico. Otros cambios finalmente tuvieron lugar también, posiblemente porque la mayoría de los compositores de oratorios también eran compositores populares de óperas. Empezaron a publicar los libretos de sus oratorios como lo hicieron para sus óperas. Pronto se puso fuerte énfasis en las arias mientras disminuyó el uso del coro. Las cantantes femeninas se emplearon regularmente, y reemplazaron al narrador masculino con el uso de recitativos.

En el barroco tardío, los oratorios se convirtieron cada vez más en “ópera sagrada”. En Roma y Nápoles, Alessandro Scarlatti fue el compositor más destacado. En Viena el poeta de la corte Metastasio produjo anualmente una serie de oratorios para la corte que fueron establecidos por Caldara, Hasse y otros. El libreto oratorio más conocido de Metastasio La passione di Gesù Cristo fue ambientado por al menos treinta y cinco compositores entre 1730-1790. En Alemania los oratorios barrocos medios pasaron de los escenarios barrocos tempranos de Navidad y Resurrección de Heinrich Schütz, a las Pasiones de J. S. Bach, oratorio-pasiones como Der Tod Jesu establecidas por Telemann y Carl Heinrich Graun. Después de Telemann llegó el estilo galante oratorio de C. P. E. Bach.

La era georgiana vio a un monarca nacido en Alemania y compositor nacido en Alemania definir el oratorio inglés. George Frideric Handel, hoy más famoso por su Mesías, escribió también otros oratorios basados en temas de la mitología griega y romana y temas bíblicos. También se le atribuye haber escrito el primer oratorio en idioma inglés, Esther. Los imitadores de Handel incluyeron al italiano Lidarti que fue empleado por la comunidad judía de Ámsterdam para componer una versión hebrea de Esther.

Durante el siglo XIX, Gran Bretaña siguió buscando a Alemania por sus compositores de oratorio. El Festival de Birmingham encargó varios oratorios, entre ellos Elías, de Felix Mendelssohn, en 1846, interpretados posteriormente en alemán como Elías. El compositor alemán Georg Vierling es conocido por modernizar la forma del oratorio secular.

La crucifixión (1887) de John Stainer se convirtió en el estereotipado caballo de batalla de las sociedades corales amateur masivas. Edward Elgar intentó revivir el género en los primeros años del siglo XX.

Los oratorios compuestos durante los siglos XX y XXI incluyen el Oratorio de Liverpool de Paul McCartney (1991) y Weltethos de Jonathan Harvey (2011).

Escucha: Oratorio

Se puede escuchar una interpretación de un oratorio, La Creación, de F. J. Haydn a continuación: