1.31: Consejos para el examen de escucha

Para tener éxito en los exámenes de escucha necesitas hacer algo más que escuchar el sonido general de una pieza. Necesitas profundizar en la música con tus oídos y escuchar lo que está pasando en la música. Para ello debes estar constantemente haciéndote la pregunta: ¿qué estoy escuchando? ¿Se puede discernir la textura, la instrumentación, el tempo, la forma y el estilo melódico? A menudo habrá una sola característica que regalará el género, o al menos permitirá eliminar todas menos un par de posibilidades. Esto por supuesto supone que has hecho tus deberes y sabes qué estar escuchando. Este documento está diseñado para ayudarte a entrenar tu oído para escuchar algunas de esas características reveladoras.

Deberás estudiar las características de cada pieza que te permitirán reconocer esa pieza cuando la escuches. A menudo lo mejor es aprender a identificar primero el género. Cada género tiene ciertas características generales. Si puedes reconocerlos, eso a menudo hará que la identificación del título y compositor específicos sea mucho más fácil.

En la mayoría de los periodos de la historia hay una clara línea divisoria que te permitirá eliminar alrededor de la mitad de los géneros que has escuchado: vocal vs. instrumental. Por ejemplo, más adelante en el semestre cuando estudiamos el periodo Clásico, si escuchas cantar a alguien sabes que la pieza no puede ser una sinfonía o un cuarteto de cuerdas. En los períodos Medieval y Renacentista, sin embargo, simplemente no había mucha música instrumental que estuviera escrita. Por eso, no tenemos el beneficio de agrupar nuestras piezas por si son instrumentales o vocales, todas menos dos de ellas implican cantar. Dicho esto, esas dos obras estrictamente instrumentales destacarán tanto que probablemente sean un buen lugar para comenzar.

Recuerda, la pregunta que siempre debe estar en tu mente durante un examen de escucha es “¿qué estoy escuchando?”

Solo escucho instrumentos, sin cantar

Sólo hay dos piezas que podrías estar escuchando. Ambos son ejemplos de música bailable renacentista compuesta anónimamente y así solo cambiará el título. He enumerado el título, el compositor y la información de género para ambas piezas. Debajo de eso profundizaremos en lo que debes escuchar para distinguirlos.

• Pavane de Anónimo; una danza renacentista
• Galliard de Anónimo; una danza renacentista

Hay dos características claras para escuchar al tratar de decir cuál de los bailes estás escuchando: medidor e instrumentación. Medidor se refiere a la organización de los latidos. Al tocar tu pie al ritmo notarás que algunos ritmos son más fuertes que otros; momentos importantes de la música parecerán alinearse con esos ritmos más fuertes. Trate de determinar si los latidos se agrupan “fuerte-débil-fuerte-débil” (duple meter) o “fuerte-débil-débil-fuerte-débil-débil” (triple). Pavane es duple y Galliard es triple. Los bailes de triple metro tienden a tener una cualidad más animada y divertida para ellos, mientras que los bailes de duple meter tienden a ser más señoriales y serios sonando. Este es sin duda el caso de estas dos piezas así que escucha la emoción de la pieza como otra pista para el medidor. A continuación, cada danza es interpretada por diferentes instrumentos. Pavane comienza con una introducción al tambor de mano. Después un grupo de instrumentos tocan una vez a través de la melodía del baile. La mayoría de estos instrumentos son vientos relativamente fuertes: shawms (oboes tempranos) y sacos (trombones tempranos). Esto hace que el sonido sea bastante fuerte. A continuación, la melodía es tocada de nuevo por una vielle (violín temprano) con acompañamiento de laúd (guitarra temprana). Entonces el grupo inicial toca a través de la pieza una vez más, el tambor de mano manteniendo un ritmo constante todo el tiempo. Por el contrario, Galliard es interpretado íntegramente por flautas más suaves con una pandereta que proporciona un acompañamiento rítmico subyacente.

Escucho Canto e Instrumentos

Una vez más, solo hay dos piezas posibles que podrías estar escuchando. Ambas son piezas de música secular medieval y ambas cuentan con canto y textura polifónica. Sin embargo, se distinguen fácilmente por la instrumentación (las diversas voces e instrumentos que interpretan la pieza). Debido a que hay un poco más que describir, voy a enumerar cada pieza por separado.

• Un Chantar M'er de Beatriz, condesa de Dia; una canción trovadora. Trovadores y trobairitz eran artistas solistas por lo que esta pieza cuenta con una sola vocalista femenina y dos instrumentos, a saber, un vielle y un laúd. Esta es la única pieza del examen cantada íntegramente por una voz femenina solista. Al principio la vielle y la cantante se turnan para presentar la melodía y el laúd juega solo con el cantante. En el verso final del texto el violín toca la melodía simultáneamente con el cantante. Recuerden que la Condesa estaba escribiendo alrededor del 1175AD y la polifonía estaba en sus primeras etapas en este momento. No es de extrañar que la textura de esta pieza, aunque polifónica, sea bastante sencilla. Lo único que escribió Beatriz fue la melodía que se iba a cantar (y en esta actuación interpretada por la vielle también). Cualquier línea adicional se improvisó en el acto, lo cual es una de las razones por las que fueron tan simples. Esto proporciona un contraste con la chanson posterior. Los cánones evolucionaron como una combinación de la tradición de las canciones seculares de los trovadores y la polifonía más compleja que se había desarrollado en la composición de masas sagradas y motetes. También vale la pena mencionar que realmente no tenemos idea de cómo se habrían realizado estas piezas en su día. En esta actuación, los músicos están claramente usando un ritmo regular, aunque acelera y ralentiza un poco. Sin embargo, esto no es algo indicado en la música escrita que ha sobrevivido. Es totalmente posible que estas piezas se hubieran realizado sin un pulso constante, al igual que un canto gregoriano. He escuchado interpretaciones de esta pieza que toman ese enfoque. Entonces, si bien debes enfocarte en los detalles de esta actuación mientras te preparas para el examen de escucha, ten en cuenta que hay muchos posibles fue realizar la pieza ya que no hay forma de saber qué pretendía Beatriz.
• Ce Moys de May de Guillaume Dufay; una chanson. Como se acaba de mencionar, esta pieza se compuso mucho más tarde, aproximadamente 250 años después de A Chantar M'er. Para entonces la composición polifónica se había vuelto más sofisticada. Esta pieza tiene tres líneas melódicas compuestas, lo que significa que no se improvisa nada, y cada una de ellas es bastante activa e involucrada. Esta polifonía más compleja es una forma de reconocer esta pieza en comparación con la canción trovadora. El tempo animado y las líneas activas te ayudarán a distinguir esta pieza de A Chantar M'er, que de nuevo es la única otra pieza con instrumentos y voces. La pandereta también es una pista bastante grande. Al igual que con la canción trovadora, sin embargo, hay mucho que desconocemos sobre la intención del compositor. ¿Quiso decir que se cantaran las tres líneas o simplemente la parte más alta? En nuestra interpretación las tres líneas son cantadas y tocadas por instrumentos, pero si buscas esta pieza en Spotify encontrarás otras actuaciones donde un cantante solista interpreta la línea superior y las líneas inferiores son tocadas por instrumentos.

Solo escucho cantar, sin instrumentos

Habrá que encontrar otras formas de reducir las posibilidades: hay nueve piezas que son interpretadas solo por voces. Creo que la mejor característica para concentrarse durante los períodos Medieval y Renacentista es la textura. En algunos casos, como la monofonía, la textura te dará el género, es decir, el canto gregoriano. En algunos otros estrechará en gran medida las posibles elecciones de género. De nuevo, pregúntate “¿qué estoy escuchando?”

Monofonía

En este examen sólo hay dos piezas monofónicas. Si escuchas textura monofónica solo puede ser uno de los dos cantos. Recuerda que la textura monofónica significa que todos están cantando la misma línea melódica y no pasa nada más en la música. Imagínese si todos cantáramos “Twinkle Twinkle Little Star” en clase. A pesar de que habríamos muchos cantando, todos estaríamos en la misma parte o línea de música. Eso es lo que es la monofonía, y todo canto presenta esta textura más simple. Solo hay dos cantos (y por lo tanto solo dos ejemplos de monofonía) en tu escucha así que si puedes captar la textura puedes reducirla a dos piezas: Gradual Viderunt Omnes y O Rubor Sanguinis. A partir de ahí, escucha quién está actuando. A continuación se enumeran con algunas características para escuchar que te ayudarán a distinguirlos.

• Gradual Viderunt Omnes de Anónimo; un canto gregoriano. En nuestra grabación, este canto es cantado por hombres. Recordarás que en los monasterios, establecimientos exclusivamente masculinos, estos cantos se habrían cantado casi cada hora. O Rubor Sanguinis, en cambio, es cantado por mujeres.
• O Rubor Sanguinis de Hildegard de Bingen; un canto gregoriano. Debido a que Hildegard de Bingen estableció una abadía, un lugar donde vivían y trabajaban las monjas, este canto habría sido cantado por un coro femenino tal como lo es en la actuación de nuestra lista de reproducción de Spotify. Eso también hará que sea fácil distinguir de Viderunt Omnes.

Polifonía

Si escuchas una pieza donde algunas de las líneas están extendidas y otras líneas son bastante activas, entonces la textura que estás escuchando es la polifonía. Hay siete piezas en el examen de escucha que son enteramente vocales (sin instrumentos) y polifónicas. Cada uno de estos tiene características distintivas que te permitirán identificar la pieza en un examen de escucha si sabes qué escuchar. Empecemos con dos ejemplos de polifonía medieval.

• Viderunt Omnes de Perotinus; organum. Cuando la textura polifónica comenzó a usarse por primera vez en la música sacra se llamaba organum y era bastante básica. Comenzó con dos líneas melódicas paralelas que se movían a paso entre sí. Poco a poco los compositores comenzaron a experimentar con formas de hacer esto más interesante, y algunos de los desarrollos más significativos tuvieron lugar en París en la Catedral de Notre Dame. Viderunt Omnes es el organum escolar de Notre Dame, y tiene un sonido muy distintivo. La parte baja sostiene las notas de un canto gregoriano preexistente por un tiempo muy, muy largo. Esto crea un dron sobre el que se compusieron partes más altas. Estas partes superiores fueron muy activas y utilizaron un patrón rítmico repetido. Debido a que las notas del canto original se están extendiendo, eso significa que el texto avanza muy lentamente. Por lo tanto, la voz superior está cantando muchos tonos en cada sílaba de texto. A eso lo llamamos melisma. Las largas melismas en voz alta del organum estilo Notre Dame constituyen otra característica realmente obvia. Ningún otro género polifónico de este periodo tiene melismas tan largas.
  Debo mencionar que alrededor de la marca de las 7:08, las voces bajas se vuelven más activas. Esta es una breve excepción a lo que generalmente se escucha en el organum estilo Notre Dame así que no voy a usar esa porción de la pieza en el examen. Si obtienes Viderunt Omnes de Perotinus en tu examen, el extracto musical contará con las notas bajas largas y zumbantes por las que generalmente se conoce a Perotinus. En esa misma línea, notarás que en ocasiones esta pieza vuelve al canto original. Organum fue la práctica de embellecer el canto gregoriano monofónico con secciones de polifonía más interesante musicalmente. Cuando usamos la palabra organum nos referimos a esas secciones polifónicas, por lo que en un examen no se tomará el extracto del organum de las secciones de canto de la pieza general. Esa sería una pregunta engañosa y no hago preguntas engañosas en los exámenes de escucha. Escucharás las características que necesitas para hacer la identificación.
• Kyrie de Messe de Nostre Dame de Guillaume de Machaut; misa. Al igual que Viderunt Omnes, este “Kyrie” de la masa más famosa de Machaut presenta secciones alternas de monofonía y polifonía. Al igual que en el órganum, cualquier extracto de examen vendrá de las secciones polifónicas ya que son las que constituyen las porciones más significativas históricamente de esta composición. A diferencia del órganum, sin embargo, la melodía de canto preexistente en la que se basa esta pieza no se sostiene casi en el mismo grado. Por esta razón las melismas de esta pieza no son tan largas como las del organum de Notre Dame. Es de esperar que se pueda escuchar cuán angular y disonante se compara la polifonía medieval con la del Renacimiento. Entonces, si escuchas los sonidos chocantes y los ritmos irregulares de la Edad Media sin los largos drones del organum, estás escuchando a este Kyrie.

A continuación examinemos dos piezas seculares del periodo renacentista. Ambos son madrigales que claramente están pensados para el entretenimiento en la corte y eso los hace destacar. El género madrigal desarrollado en Italia y la primera pieza es un ejemplo del madrigal italiano. El segundo es de Inglaterra. Los ingleses se enamoraron de los madrigales italianos y luego con el tiempo adaptaron el género a algo singularmente inglés. Ambas piezas hacen uso de la pintura de palabras, pero por supuesto se cantan en sus respectivos idiomas.

• Ecco Mormorar l'Onde de Claudio Monteverdi; un madrigal. El género madrigal surgió del deseo de expresar más plenamente las imágenes y la emoción que se encuentran en la poesía. En este texto el poeta describe un apacible paisaje costero al amanecer. Monteverdi compuso música que nos permite escuchar las olas murmurantes (eso es lo que significa “ecco mormorar l'onde”), sentir las suaves brisas de risa y ver el resplandeciente amanecer (representado en el poema por la diosa romana Aurora). Monteverdi es tan hábil para escribir música expresiva que seguramente reconocerás la pieza por el hecho de que te hace sentir como lo harías si estuvieras parado en la tranquila orilla al amanecer. No obstante, también vale la pena señalar que por este deseo de expresión el tempo cambia para ajustarse al texto. Al principio, el tempo es moderadamente lento ya que escuchamos las aguas murmurantes. Cuando el texto habla de las brisas risas el tempo se vuelve más rápido. A medida que sale el sol la polifonía se vuelve imitativa. La imitación era común en la música sacra en su momento por lo que proporciona un elemento de majestad para la llegada de la diosa del amanecer.
• “As Vesta Was” de Latmos Hill Descendente de Thomas Weelkes; un madrigal inglés. El género de esta pieza realmente destaca. En primer lugar, es la única pieza en inglés. No confiaría demasiado en eso ya que es fácil confundir el lenguaje en una textura polifónica (cada uno canta palabras diferentes al mismo tiempo), pero es una característica que lo distingue de todas las demás. Segundo, es la pieza que suena más rápida y feliz de la prueba. De eso se trataba realmente los madrigales ingleses: diversión y diversión. Por si te preocupa que puedas mezclarte esto con la chanson medieval Ce Moys de May que también es algo animada, solo recuerda que nuestro madrigal inglés se canta a capella, lo que significa que no hay acompañamiento instrumental, mientras que en Ce Moys los instrumentos tocan junto con el voces.

Ahora bien, las tres últimas piezas polifónicas son probablemente las más difíciles de distinguir ya que todas son ejemplos del estilo renacentista a capella de la música sacra. La buena noticia es que si escuchas polifonía renacentista rica, fluida y serena, en realidad solo puede ser una de estas tres, así que has reducido considerablemente tus opciones. Empezaremos con el moteto de Josquin.

• Ave María de Josquin des Prez; motet. A Josquin le gustaban las secciones muy claras, cada sección sonaba algo diferente a la anterior. Algunas secciones presentan imitación, es decir, una textura polifónica en la que una idea melódica se repite sucesivamente en cada parte de voz. Otras secciones presentan lo que me gusta llamar diálogo, una textura imitativa en la que dos partes se entretejen en una frase larga que luego es imitada por dos partes diferentes. Finalmente hay secciones del moteto Josquin que son homofónicas, una textura en la que todas las partes se mueven juntas. Esto hace que el texto sea muy claro ya que todos cantan la misma sílaba de texto a la vez. A Josquin le gustó el contraste y la variedad que proporcionaban estas diferentes secciones. Palestrina, en cambio, se esforzó por una mayor consistencia, su música simplemente parece fluir continuamente de principio a fin. Si escuchas serena polifonía renacentista con secciones contrastantes no puede ser una de las piezas de Palestrina. Debe ser el moteto de Josquin, Ave María.
• “Gloria” de Missa Papae Marcelli de Giovanni Pierluigi da Palestrina; misa. Este movimiento de la Missa Papae Marcelli (o misa del Papa Marcelo) no sólo evita contrastar secciones, evita casi por completo la imitación. Si bien hay seis partes de voz, cada parte se mueve sincronizada con las demás. Esto quiere decir que todos están, en su mayor parte, cantando las mismas palabras al mismo tiempo. A esto se le llama textura homofónica. Si bien la pieza de Josquin tiene algunas secciones cortas de homofonía, el hecho de que la Gloria sea consistentemente homofónica proporciona una clara diferencia entre las dos que puedes escuchar.
• “Agnus Dei” de Missa Papae Marcelli de Giovanni Pierluigi da Palestrina; misa. El Agnus Dei es tan consistente en su textura como la Gloria, pero la textura es polifonía imitativa. No obstante, la imitación en esta pieza es menos obvia que en la pieza de Josquin porque Palestrina se aseguró de que el oyente pudiera seguir el texto. Lo hace de dos maneras: el uso de melismas largas y manteniendo cada frase de texto separada (por ejemplo, la 2da frase “qui tollis peccata mundi” no comienza hasta que cada voz haya completado la primera frase “Agnus Dei”). Esto es útil para nosotros ya que esas largas melismas proporcionan un claro contraste con la Gloria que es mucho más silábica. También significa que el Agnus Dei tiene una calidad aún más suave y fluida que la Gloria. Entonces, básicamente, si has reducido tu elección a estas tres piezas, y escuchas secciones claramente contrastantes dentro de la pieza, debe ser el moteto de Josquin. Si escuchas una textura bastante consistente a lo largo de la pieza entonces estás escuchando la famosa masa de Palestrina, y necesitas entonces averiguar cuál de los dos movimientos es. En ese punto escucha la textura (homofonía = Gloria, polifonía imitativa = Agnus Dei) y la configuración general del texto (silábica = Gloria, melismática = Agnus Dei).

Espero que esto haya sido útil para entrenar tus oídos para qué escuchar. Por favor, no pienses que puedes leer estos consejos una vez y luego reconocer estas características durante el examen de escucha sin ninguna preparación adicional. Se necesita mucha práctica para escuchar algunas de estas cosas, especialmente algunos de los detalles que no son inmediatamente evidentes en la superficie de la música. Querrás familiarizarte a fondo con el contenido de esta hoja para que no pierdas el tiempo buscando cosas durante el examen. Una cosa que sí te sugiero que mires durante el examen es esta tabla final a continuación. Durante el examen, revisa esta lista después de haber seleccionado tu respuesta (título, compositor y género) para cada pregunta. Eso no te costará mucho tiempo pero te ayudará a evitar errores donde accidentalmente hiciste clic en el compositor o género equivocado para una pieza que reconociste. ¡Buena suerte en la prueba!

Títulos, compositores y géneros para el examen de música medieval y renacentista

Titulo	Compositor	Género
Pavane	Anónimo	Danza Renacentista
Galliard	Anónimo	Danza Renacentista
Un Chantar M'er	Beatriz, Condesa de Dia	Canción del Trovador
Ce Moys de Mayo	Guillaume Dufay	Chanson
Gradual Viderunt Omnes	Anónimo	Canto Gregoriano
O Rubor Sanguinis	Hildegard de Bingen	Canto Gregoriano
Viderunt Omnes	Perontinus	Organum
Kyrie de Messe de Nostre Dame	Perotinus	Masa
Ecco Mormorar l'Onde	Claudio Monteverdi	Madrigal
Como Vesta era de Latmos Hill Descendente	Thomas Weelkes	Inglés Madrigal
Ave María Josquin	Des Prez	Motet
Gloria de Missa Papae Marcelli	Giovanni Pierluigi da Palestrina	Masa
Agnus Dei de Missa Papae Marcelli	Giovanni Pierluigi da Palestrina	Masa

 

Contenido con licencia CC, Original

• Autor: Elliott Jones. Proporcionado por: Colegio Santa Ana. Ubicado en: http://www.sac.edu. Licencia: CC BY: Atribución