2.38: Más sobre el periodo barroco

Aquí hay otro panorama y resumen del periodo barroco; sin embargo, esta lectura contiene más información sobre los primeros años del barroco. Preste especial atención a las referencias a la Camerata florentina, un grupo de estudios-músicos en Florencia, Italia. Sus discusiones fueron particularmente influyentes en el desarrollo de un nuevo estilo de música que marca el inicio del barroco.

La línea de tiempo del compositor cerca del final de esta página es un recurso útil. Quiero que te hagas una idea del número de compositores significativos que simplemente no tenemos tiempo para estudiar. También es un índice útil para los compositores a los que hacemos referencia en nuestros materiales de lectura. Si te interesan compositores específicos, no dudes en hacer una búsqueda en internet para encontrar más información sobre ellos.

También hay una lista de instrumentos comunes en este periodo. No es necesario estudiar los instrumentos individualmente; sin embargo, a medida que te encuentres con referencias a diferentes instrumentos en lecturas posteriores (la música instrumental se vuelve mucho más importante en el Barroco que en el Renacimiento) tendrás esto como un glosario al que puedes referirte.

Introducción

La música barroca es un estilo de música de arte occidental compuesta de aproximadamente 1600 a 1750. Esta era siguió al Renacimiento, y fue seguida a su vez por la época clásica. La palabra barroco proviene de la palabra portuguesa barroco, que significa perla deforme, una descripción negativa de la música ornamentada y fuertemente ornamentada de esta época. Posteriormente, el nombre llegó a aplicarse también a la arquitectura de la misma época.

Figura 1. Teatro barroco en Český Krumlov

La música barroca forma una parte importante del canon de la “música clásica”, siendo ampliamente estudiada, interpretada y escuchada. Los compositores de la época barroca incluyen a Johann Sebastian Bach, George Frideric Handel, Alessandro Scarlatti, Domenico Scarlatti, Antonio Vivaldi, Henry Purcell, Georg Philipp Telemann, Jean-Baptiste Lully, Arcangelo Corelli, Tomaso Albinoni, François Couperin, Denis Gaultier, Claudio Monteverdi, Heinrich Schütz, Jean-Philippe Rameau, Jan Dismas Zelenka y Johann Pachelbel.

El periodo barroco vio la creación de tonalidad. Durante el período, los compositores e intérpretes utilizaron ornamentación musical más elaborada, hicieron cambios en la notación musical y desarrollaron nuevas técnicas de interpretación instrumental. La música barroca amplió el tamaño, el rango y la complejidad de la interpretación instrumental, y también estableció la ópera, la cantata, el oratorio, el concierto y la sonata como géneros musicales. Muchos términos y conceptos musicales de esta época todavía están en uso hoy en día.

Etimología

Historia del arte europeo Música

El término “barroco” es utilizado generalmente por los historiadores de la música para describir una amplia gama de estilos de una amplia región geográfica, principalmente en Europa, compuestos en un período de aproximadamente 150 años.

Aunque durante mucho tiempo se pensó que la palabra como término crítico se aplicó por primera vez a la arquitectura, de hecho aparece antes en referencia a la música, en una revisión anónima y satírica del estreno en octubre de 1733 de Hippolyte et Aricie de Rameau, impreso en el Mercure de France en mayo 1734. El crítico dio a entender que la novedad en esta ópera era “du barocque”, quejándose de que la música carecía de melodía coherente, estaba llena de disonancias incesantes, constantemente cambiaba de clave y medidor, y rápidamente recorría cada dispositivo compositivo.

La aplicación sistemática por parte de los historiadores del término “barroco” a la música de este período es un desarrollo relativamente reciente. En 1919, Curt Sachs se convirtió en el primero en aplicar sistemáticamente a la música las cinco características de la teoría del barroco de Heinrich Wölfflin. Sin embargo, los críticos se apresuraron a cuestionar el intento de transponer las categorías de Wölfflin a la música, y en el segundo cuarto del siglo XX hicieron intentos independientes Manfred Bukofzer (en Alemania y, después de su inmigración, en América) y por Suzanne Clercx-Lejeune (en Bélgica) de utilizar autónomos, análisis técnico más que abstracciones comparativas, con el fin de evitar la adaptación de teorías basadas en las artes plásticas y la literatura a la música. Todos estos esfuerzos dieron como resultado un desacuerdo apreciable sobre los límites de tiempo del periodo, especialmente en cuanto a cuándo comenzó. En inglés el término adquirió moneda solo en la década de 1940, en los escritos de Bukofzer y Paul Henry Lang.

Ya en 1960 todavía había considerable disputa en los círculos académicos, particularmente en Francia y Gran Bretaña, si era significativo agrupar música tan diversa como la de Jacopo Peri, Domenico Scarlatti y J.S. Bach bajo una sola rúbrica. Sin embargo, el término se ha vuelto ampliamente utilizado y aceptado para esta amplia gama de música. Puede ser útil distinguir el barroco de los períodos anteriores (renacentistas) y siguientes (clásicos) de la historia musical.

Historia

El periodo barroco se divide en tres fases principales: temprana, media y tardía. Aunque se superponen en el tiempo, se fechan convencionalmente de 1580 a 1630, de 1630 a 1680, y de 1680 a 1730.

Música barroca temprana (1580—1630)

La Camerata florentina fue un grupo de humanistas, músicos, poetas e intelectuales de la Florencia tardía del Renacimiento que se reunieron bajo el patrocinio del conde Giovanni de' Bardi para discutir y orientar las tendencias en las artes, especialmente la música y el drama. En referencia a la música, basaron sus ideales en una percepción del drama musical clásico (especialmente del griego antiguo) que valoraba el discurso y la oración. Como tal, rechazaron el uso de la polifonía y la música instrumental por parte de sus contemporáneos, y discutieron dispositivos musicales griegos tan antiguos como el monody, que consistía en un canto en solitario acompañado de una kithara. Las primeras realizaciones de estas ideas, entre ellas Dafne de Jacopo Peri y L'Euridice, marcaron el inicio de la ópera, que a su vez fue algo así como un catalizador para la música barroca.

En cuanto a la teoría musical, el uso más extendido del bajo figurado (también conocido como bajo completo) representa la importancia creciente de la armonía como base lineal de la polifonía. La armonía es el resultado final del contrapunto, y el bajo figurado es una representación visual de esas armonías comúnmente empleadas en la interpretación musical. Los compositores comenzaron a preocuparse por las progresiones armónicas, y también emplearon el tritono, percibido como un intervalo inestable, para crear disonancia. También había existido inversión en armonía entre ciertos compositores del Renacimiento, en particular Carlo Gesualdo; sin embargo, el uso de la armonía dirigida hacia la tonalidad, más que la modalidad, marca el cambio del Renacimiento al Barroco. Esto llevó a la idea de que los acordes, más que las notas, podían proporcionar una sensación de cierre, una de las ideas fundamentales que se conoció como tonalidad.

Al incorporar estos nuevos aspectos de la composición, Claudio Monteverdi impulsó la transición del estilo renacentista de la música al del periodo barroco. Desarrolló dos estilos individuales de composición: la herencia de la polifonía renacentista (prima pratica) y la nueva técnica del bajo continuo del barroco (seconda pratica). Con la escritura de las óperas L'Orfeo y L'incoronazione di Poppea entre otras, Monteverdi llamó considerable la atención sobre el nuevo género de la ópera.

Música barroca media (1630—1680)

El surgimiento de la corte centralizada es una de las características económicas y políticas de lo que a menudo se denomina la Era del Absolutismo, personificada por Luis XIV de Francia. El estilo de palacio, y el sistema judicial de modales y artes que fomentaba se convirtieron en el modelo para el resto de Europa. Las realidades del creciente mecenazgo eclesiástico y estatal crearon la demanda de música pública organizada, ya que la creciente disponibilidad de instrumentos creó la demanda de música de cámara.

El período barroco medio en Italia se define por el surgimiento de la cantata, oratorio y ópera durante la década de 1630, y un nuevo concepto de melodía y armonía que elevó el estatus de la música a uno de igualdad con las palabras, que antes había sido considerado como preeminente. La florida y coloratura monodía del Barroco temprano dio paso a un estilo melódico más simple y pulido. Estas melodías se construyeron a partir de ideas cortas, delimitadas cadencialmente, a menudo basadas en patrones de baile estilizados extraídos del sarabande o del courante. Las armonías, también, podrían ser más simples que en la monodia barroca temprana, y las líneas de bajo acompañantes se integraron más con la melodía, produciendo una equivalencia contrapuntal de las partes que posteriormente llevaron al dispositivo de una anticipación inicial de bajo de la melodía aria.

Figura 2. Jean-Baptiste Lully

Esta simplificación armónica también condujo a un nuevo dispositivo formal de diferenciación de recitativo y aria. Los innovadores más importantes de este estilo fueron los romanos Luigi Rossi y Giacomo Carissimi, quienes fueron principalmente compositores de cantatas y oratorios, respectivamente, y el veneciano Francesco Cavalli, quien fue principalmente compositor de ópera. Posteriormente importantes practicantes de este estilo incluyen a Antonio Cesti, Giovanni Legrenzi y Alessandro Stradella.

El barroco medio no tuvo absolutamente ninguna relación con la obra teórica de Johann Fux, quien sistematizó el estricto contrapunto característico de épocas más tempranas en su Gradus ad Paranassum (1725).

Un ejemplo preeminente de compositor de estilo de corte es Jean-Baptiste Lully. Compró patentes a la monarquía para ser el único compositor de óperas para el rey y evitar que otros tuvieran óperas escenificadas. Completó 15 tragedias líricas y dejó inconclusas Achille et Polyxène.

Musicalmente, no estableció la norma dominada por cuerdas para orquestas, que fue heredada de la ópera italiana, y la disposición característicamente francesa de cinco partes (violines, violas—en tamaños altos contre, tailles y quintes y violines bajos) se había utilizado en el ballet desde la época de Luis XIII. Sin embargo, introdujo este conjunto en el teatro lírico, con las partes superiores a menudo dobladas por grabadoras, flautas y oboes, y el bajo por fagotes. Con frecuencia se agregaban trompetas y timbales para escenas heroicas.

Figura 3. Arcangelo Corelli

Arcangelo Corelli es recordado como influyente por sus logros al otro lado de la técnica musical —como violinista que organizó la técnica y la pedagogía del violín— y en la música puramente instrumental, particularmente su incidencia y desarrollo del concierto grosso. Mientras que Lully estaba instalado en la corte, Corelli fue uno de los primeros compositores en publicar ampliamente y tener su música interpretada en toda Europa. Al igual que con la estilización y organización de la ópera de Lully, el concierto grosso se construye sobre fuertes contrastes: secciones alternan entre las interpretadas por la orquesta completa y las interpretadas por un grupo más pequeño. La dinámica se “escalonó”, es decir con una transición brusca de ruidoso a suave y de vuelta otra vez. Secciones rápidas y secciones lentas fueron yuxtapuestas entre sí. Entre sus alumnos se cuenta Antonio Vivaldi, quien posteriormente compuso cientos de obras basadas en los principios de las sonatas y conciertos de trío de Corelli.

A diferencia de estos compositores, Dieterich Buxtehude no era una criatura de la corte sino que era músico de iglesia, ocupando los cargos de organista y Werkmeister en la Marienkirche de Lübeck. Sus funciones como Werkmeister implicaban actuar como secretario, tesorero y gerente de negocios de la iglesia, mientras que su cargo como organista incluía tocar para todos los servicios principales, a veces en colaboración con otros instrumentistas o vocalistas, que también eran pagados por la iglesia. Totalmente fuera de sus deberes oficiales de la iglesia, organizó y dirigió una serie de conciertos conocida como Abendmusiken, que incluía representaciones de obras dramáticas sagradas consideradas por sus contemporáneos como el equivalente de óperas.

Música barroca tardía (1680—1730)

A través de la obra de Johann Fux, el estilo renacentista de la polifonía se hizo la base para el estudio de la composición.

Un trabajador continuo, Handel tomó prestado de otros y a menudo reciclaba su propio material. También fue conocido por reelaborar piezas como el famoso Mesías, que se estrenó en 1742, para cantantes y músicos disponibles.

Cronología de los compositores barrocos

Instrumentos Barrocos

Cuerdas

Figura 4. Instrumentos barrocos que incluyen hurdy gurdy, clavecín, viol bajo, laúd, violín y guitarra

• Piccolo violino
• Violín
• Viol
• Viola
• Viola d'amore
• Viola pomposa
• Violín tenor
• Cello
• Contrabass
• Laúd
• Theorbo
• Archlute
• Angélique
• Mandolina
• Guitarra
• Arpa
• Hurdy-gurdy

Vientos de madera

• Flauta barroca
• Chalumeau
• Cortol (también conocido como Cortholt, Curtall, familia Oboe)
• Dulcian
• Musette de cour
• Oboe barroco
• Rackett
• Grabadora
• Fagot

Latones

• Cornett
• Bocina natural
• Trompeta barroca
• Tromba da tirarsi (también llamada tromba spezzata)
• Trompeta Flatt
• Serpiente
• Sackbut (nombre inglés del siglo XVI y principios del XVII para FR: saquebute, saqueboute; ES: sacabuche; IT: trombón; MHG: busaun, busîne, busune/DE (desde principios del siglo XVII) Posaune)
• Trombón (nombre inglés para el mismo instrumento, de principios del siglo XVIII)

Teclado

• Clavicordio
• Piano tangente
• Fortepiano—versión temprana del piano
• Clavecín
• Órgano

Percusión

• Timbales barrocos
• Tambor de madera
• Tambor Tenor
• Pandereta
• Castañuelas

Estilos y Formas

• Bajo continuo— una especie de acompañamiento continuo anotado con un nuevo sistema de notación musical, bajo figurado, generalmente para un instrumento de bajo sostenido y un instrumento de teclado.
• El concierto y el concierto grosso
• Monody—una excrecencia de la canción
• Homofonia: música con una sola voz melódica y acompañamiento rítmicamente similar (esto y monodia contrastan con la típica textura renacentista, polifonía)
• Formas musicales dramáticas como ópera, dramma per musica
• Formas instrumentales y vocales combinadas, como el oratorio y la cantata
• Nuevas técnicas instrumentales, como el trémolo y el pizzicato
• El aria da capo “disfrutó de la seguridad”.
• El ritornello aria: repetidas breves interrupciones instrumentales de pasajes vocales.
• El estilo concertato: contraste en el sonido entre grupos de instrumentos.
• Ornamentación extensa

Géneros

Vocal

• Opera
  • Zarzuela
  • Opera serie
  • Opéra comique
  • Ópera-ballet
• Masque
• Oratorio
• Pasión (música)
• Cantata
• Misa (música)
• Himno
• Monodie
• Corales

Instrumental

• Composición coral
• Concierto grosso
• Fuga
• Suite
  • Allemande
  • Courante
  • Sarabande
  • Gigue
  • Gavotte
  • Minuet
• Sonata
  • Sonata da cámara
  • Sonata da chiesa
  • Sonata trío
• Partita
• Canzona
• Sinfonía
• Fantasia
• Ricercar
• Toccata
• Preludio
• Chaconne
• Passacaglia
• Preludio coral
• Stylus fantasticus

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• Autor: Elliott Jones. Proporcionado por: Colegio Santa Ana. Ubicado en: http://www.sac.edu. Licencia: CC BY: Atribución

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