6.14: Era Romántica Explorada

Introducción

Cuando la gente habla de música “Clásica”, suelen significar música artística occidental de cualquier periodo de tiempo. Pero el periodo Clásico fue en realidad una época muy corta, básicamente la segunda mitad del siglo XVIII. Sólo dos compositores de época clásica son ampliamente conocidos: Mozart y Haydn.

La era romántica produjo muchos más compositores cuyos nombres y música siguen siendo familiares y populares hoy en día: Brahms, Tchaikovsky, Schumann, Schubert, Chopin y Wagner son quizás los más conocidos, pero hay muchos otros que también pueden ser familiares, entre ellos Strauss, Verdi, Liszt, Mendelssohn, Puccini, y Mahler. Ludwig van Beethoven, posiblemente el compositor más famoso de todos, es más difícil de colocar. Sus primeras obras son de la época clásica y son claramente de estilo clásico. Pero su música posterior, incluyendo la mayor parte de su música más famosa, es igual de claramente Romántica.

El término Romántico abarca la mayor parte de la música (y el arte y la literatura) de la civilización occidental del siglo XIX (los 1800). Pero ha habido mucha música escrita al estilo Romántico en el siglo XX (incluyendo muchas partituras de películas populares), y la música no se considera Romántica solo porque fue escrita en el siglo XIX. A principios de ese siglo se encontraron muchos compositores (Rossini, por ejemplo) que todavía estaban escribiendo música de sonido clásico. Y a finales de siglo, los compositores se alejaban del romanticismo y buscaban nuevos modismos, entre ellos el posromanticismo, el impresionismo y los primeros experimentos en la música moderna.

Antecedentes, Desarrollo e Influencia

Raíces Clásicas

A veces ocurre un nuevo estilo de música cuando los compositores rechazan enérgicamente el viejo estilo. Los compositores clásicos tempranos, por ejemplo, estaban decididos a alejarse de lo que consideraban los excesos del estilo barroco. Los compositores modernos también intentaban conscientemente inventar algo nuevo y muy diferente.

Pero los compositores de la época romántica no rechazaron la música clásica. De hecho, estaban emulando conscientemente a los compositores que consideraban los grandes clasicistas: Haydn, Mozart, y particularmente Beethoven. Continuaron escribiendo sinfonías, conciertos, sonatas y óperas, formas que eran todas populares entre los compositores clásicos. También mantuvieron las reglas básicas para estas formas, así como las reglas de ritmo, melodía, armonía, progresión armónica, afinación y práctica interpretativa que se establecieron en (o antes) el periodo Clásico.

La principal diferencia entre la música clásica y la romántica vino de las actitudes hacia estas “reglas”. En el siglo XVIII, los compositores estaban interesados principalmente en formas, melodías y armonías que proporcionaban una estructura fácilmente audible para la música. En el primer movimiento de una sonata, por ejemplo, cada sección prescrita probablemente estaría donde pertenecía, la longitud apropiada, y en la clave apropiada. En el siglo XIX, las “reglas” que proporcionaban esta estructura tenían más probabilidades de verse como límites y límites que debían explorarse, probarse e incluso desafiarse. Por ejemplo, el primer movimiento de una sonata romántica puede contener todas las secciones esperadas a medida que se desarrolla la música, pero el compositor podría sentirse libre de expandir o contraer algunas secciones o de agregar interrupciones inesperadas entre ellas. Las armonías en el movimiento podrían alejar y volver a la tónica tal como se esperaba, pero podrían vagar mucho más lejos de lo que lo haría una sonata clásica, antes de que hagan su regreso final.

Diferentes Enfoques al Romanticismo

De hecho, se podría dividir la parte principal de la era romántica en dos escuelas de compositores. Algunos adoptaron un enfoque más conservador. Su música es claramente Romántica en estilo y sentimiento, pero también es evidente que no quiere alejarse demasiado de las reglas clásicas. Schubert, Schumann, Mendelssohn y Brahms están en esta categoría.

Otros compositores se sintieron más cómodos con empujar los límites de lo aceptable. Berlioz, Strauss y Wagner eran todos progresistas cuya música desafiaba al público de su época.

¿A dónde ir después del romanticismo?

Quizás era inevitable, después de décadas de empujar a todos los límites para ver qué era musicalmente aceptable, que la era romántica dejara a los compositores posteriores con la cuestión de qué explorar o desafiar a continuación. Quizás porque no había una respuesta clara a esta pregunta (o varias respuestas posibles), muchas cosas estaban sucediendo en la música al final de la era romántica.

El periodo que incluye las últimas décadas del siglo XIX y las primeras décadas del XX se denomina a veces la era posromántica. Este es el período en el que muchos compositores, como Jean Sibelius, Bela Bartok y Ralph Vaughan-Williams, se concentraron en las tradiciones de sus propios países, produciendo música fuertemente nacionalista. Otros, como Mahler y Strauss, estaban llevando las técnicas musicales románticas a sus máximos límites razonables. En Francia, Debussy y Ravel estaban componiendo piezas que algunos oyentes sentían que eran el equivalente musical de las pinturas impresionistas. El impresionismo y algunos otros -ismos como el primitivismo de Stravinsky todavía tenían alguna base en la tonalidad; pero otros, como el serialismo, rechazaban por completo la tonalidad y la tradición clásico-romántica, creyendo que había producido todo lo que podía. A principios del siglo XX, estos modernistas finalmente llegaron a dominar la tradición de la música artística. Aunque los sonidos e ideales del Romanticismo continuaron inspirando a algunos compositores, el período romántico había terminado esencialmente a principios del siglo XX.

Antecedentes Históricos

La música no pasa en el vacío. Se ve afectada por otras cosas que están pasando en la sociedad; ideas, actitudes, descubrimientos, inventos y acontecimientos históricos pueden afectar la música de la época.

Por ejemplo, la “Revolución Industrial” fue ganando fuerza a lo largo del siglo XIX. Esto tuvo un efecto muy práctico en la música: hubo importantes mejoras en las válvulas mecánicas y llaves de las que dependen la mayoría de los instrumentos de viento de madera e instrumentos de metal. Los instrumentos nuevos y mejorados se podían tocar de manera más fácil y confiable, y a menudo tenían un sonido más grande, más completo y mejor afinado. Las cuerdas y los instrumentos de teclado dominan la música de los períodos barroco y clásico, con pequeños grupos de vientos agregados para el color. A medida que avanzaba el siglo XIX y mejoraban los instrumentos de viento, se agregaban cada vez más vientos a la orquesta, y sus partes se volvieron cada vez más difíciles, interesantes e importantes. Las mejoras en la mecánica del piano también le ayudaron a usurpar la posición del clavecín para convertirse en el instrumento que para muchas personas es el símbolo de la música romántica.

Otro desarrollo social que afectó a la música fue el ascenso de la clase media. Los compositores clásicos vivían bajo el patrocinio de la aristocracia; su público era generalmente pequeño, de clase alta y conocedor de la música. El compositor romántico, en cambio, solía escribir para conciertos públicos y festivales, con grandes audiencias de clientes de pago que no necesariamente habían tenido clases de música. De hecho, en el siglo XIX se vieron las primeras personalidades escénicas tipo “estrella del pop”. Intérpretes como Paganini y Liszt fueron los Elvis Presleys de su época.

La música romántica como idea

Pero quizás el mayor efecto que la sociedad puede tener sobre un arte está en el ámbito de las ideas.

La música de la época clásica reflejaba los ideales artísticos e intelectuales de su época. La forma era importante, proporcionando orden y límites. La música fue vista como un arte abstracto, universal en su belleza y atractivo, por encima de las mezquindades e imperfecciones de la vida cotidiana. Reflejaba, de muchas maneras, las actitudes de los educados y los aristocráticos de la era de la “Ilustración”. La música clásica puede sonar feliz o triste, pero incluso las emociones se mantienen dentro de límites aceptables.

Los compositores de la era romántica conservaban las formas de la música clásica, pero el compositor romántico no se sentía constreñido por la forma. Romper las fronteras era ahora una meta honorable compartida por el científico, el inventor y el libertador político. La música ya no era universal; era profundamente personal y a veces nacionalista. Los sufrimientos y triunfos personales del compositor podrían reflejarse en una música tormentosa que incluso podría dar un mayor valor a la emoción que a la belleza. La música no solo era feliz o triste; podía ser salvajemente alegre, aterrorizada, desesperada o llena de profundos anhelos.

También era más aceptable que la música fuera claramente de un lugar en particular. El público de muchas épocas disfrutó de una ópera ambientada en un país lejano, completa con la versión del compositor de música de sonido exótico. Pero muchos compositores del siglo XIX (entre ellos Weber, Wagner, Verdi, Mussorgsky, Rimsky-Korsakov, Grieg, Dvorak, Sibelius y Albeniz) utilizaron melodías folclóricas y otros aspectos de las tradiciones musicales de sus propios países para atraer a su público. Gran parte de esta música nacionalista se produjo en el período posromántico, a finales del siglo XIX; de hecho, los compositores más conocidos por la música clásica de inspiración folclórica en Inglaterra (Holst y Vaughan Williams) y los Estados Unidos (Ives, Copland, y Gershwin) fueron compositores del siglo XX que compusieron en Estilos románticos, posrománticos o neoclásicos en lugar de abrazar los estilos modernistas más severos.

La música también puede ser específica al tener un “programa”. La música de programa es música que, sin palabras, cuenta una historia o describe una escena. Los poemas tonales de Richard Strauss son quizás las obras más conocidas en esta categoría, pero la música de programa ha seguido siendo popular entre muchos compositores a lo largo del siglo XX. Nuevamente a diferencia de la música abstracta y universal de los compositores clásicos, la música de programa de la era romántica intentó usar la música para describir o evocar lugares específicos, personas e ideas. Y nuevamente, con la música de programa, esas reglas clásicas se volvieron menos importantes. La forma de la música se eligió para encajar con el programa (la historia o idea), y si era necesario en algún momento elegir apegarse más de cerca a la forma o al programa, el programa generalmente ganaba.

Como se mencionó anteriormente, los compositores post-románticos se sintieron cada vez más libres para experimentar y romper las reglas establecidas para la forma, la melodía y la armonía. Muchos compositores modernos, de hecho, han ido tan lejos que al oyente promedio nuevamente le resulta difícil seguir. La música de estilo romántico, por otro lado, con su énfasis en las emociones y su equilibrio de seguir y romper las “reglas” musicales, todavía encuentra un público amplio.

Contenido con licencia CC, Compartido anteriormente

• La Música de la Era Romántica. Autor: Catherine Schmidt-Jones. Proporcionado por: OpenStax. Ubicado en: http://cnx.org/contents/e71564ba-cafd-442a-97f6-30b9d2ee4af0@11/The_Music_of_the_Romantic_Era. Licencia: CC BY: Atribución