8.8: Poema sinfónico

Ya hemos explorado el interés de los primeros compositores románticos por la música de programa y la aplicación de principios programáticos a géneros tradicionales como la sinfonía. En esta página leerás más adelante sobre la búsqueda de compositores románticos de una nueva estructura en la que usar la música instrumental como medio para representar una historia, una imagen o un paisaje. Como leerás, los compositores pasaron de la sinfonía a la obertura. Hemos encontrado oberturas en épocas anteriores. Una obertura es el preludio de una obra más grande, generalmente una obra escenificada como una ópera o un ballet, que muchas veces previsualiza algunos de los importantes temas melódicos que se escucharán a lo largo de la obra. Las oberturas de óperas populares a menudo se interpretaron más tarde como piezas de concierto independientes. El público disfrutó del recordatorio musical de la historia y producción que habían visto anteriormente. Con el tiempo, los compositores comenzaron a escribir oberturas que no estaban conectadas a una obra musical más grande, sino que se referían a alguna otra historia o escena conocida. El artículo vinculado detalla cómo esta práctica evolucionó hacia el género conocido como poema sinfónico.

Introducción

Un poema sinfónico o poema tonal es una pieza de música orquestal o de banda de concierto, generalmente en una sola sección continua (un movimiento) que ilustra o evoca el contenido de un poema, cuento, novela, pintura, paisaje u otra fuente (no musical). El compositor húngaro Franz Liszt aplicó por primera vez el término a sus 13 obras en esta línea. En sus objetivos estéticos, el poema sinfónico se relaciona de alguna manera con la ópera. Si bien no utiliza un texto cantado, busca, como la ópera, una unión de música y drama.

Si bien muchos poemas sinfónicos pueden compararse en tamaño y escala con movimientos sinfónicos (o incluso llegar a la longitud de toda una sinfonía), son diferentes a los movimientos sinfónicos clásicos tradicionales, en que su música pretende inspirar a los oyentes a imaginar o considerar escenas, imágenes, ideas o estados de ánimo específicos, y no enfocarse en seguir los patrones tradicionales de la forma musical (por ejemplo, la forma de sonata). Esta intención de inspirar a los oyentes fue consecuencia directa del Romanticismo, que fomentó las asociaciones literarias, pictóricas y dramáticas en la música. Las obras musicales que intentan inspirar a los oyentes de esta manera suelen denominarse música de programa, mientras que la música que no tiene tales asociaciones puede llamarse música absoluta.

Algunas obras de piano y cámara, como el sexteto de cuerdas de Arnold Schoenberg, Verklärte Nacht, tienen similitudes con los poemas sinfónicos en su intención y efecto general. Sin embargo, el término poema sinfónico es generalmente aceptado para referirse a obras orquestales. Un poema sinfónico puede sostenerse por sí solo, o puede ser parte de una serie combinada en una suite sinfónica. Por ejemplo, El cisne de Tuonela (1895) es un poema tonal de la suite Lemminkäinen de Jean Sibelius. Un poema sinfónico también puede formar parte de un grupo de obras interrelacionadas, como Moldava (El Moldava) como parte del ciclo de seis obras Má vlast de Bedřich Smetana. Además, si bien los términos “poema sinfónico” y “poema de tono” a menudo se han utilizado indistintamente, algunos compositores como Richard Strauss y Jean Sibelius han preferido este último término para piezas que fueron menos sinfónicas en el diseño y en las que no hay un énfasis especial en el contraste temático o tonal.

Según Macdonald, el poema sinfónico cumplió tres objetivos estéticos del siglo XIX: relacionaba la música con fuentes externas; a menudo combinaba o comprimía múltiples movimientos en una sola sección principal; y elevaba la música instrumental de programas a un nivel estético que podría considerarse equivalente a, o más alto que la ópera. El poema sinfónico siguió siendo popular desde la década de 1840 hasta la década de 1920, cuando el género sufrió una severa disminución de popularidad.

Antecedentes

En el segundo cuarto del siglo XIX, el futuro del género sinfónico entró en duda. Si bien muchos compositores continuaron escribiendo sinfonías durante las décadas de 1820 y 30, “había una sensación creciente de que estas obras eran estéticamente muy inferiores a las de Beethoven. La verdadera pregunta no era tanto si todavía se podían escribir sinfonías, sino si el género podría seguir floreciendo y creciendo”. Felix Mendelssohn, Robert Schumann y Niels Gade lograron éxitos con sus sinfonías, poniendo al menos una parada temporal al debate sobre si el género estaba muerto. Sin embargo, los compositores recurrieron cada vez más a la “forma más compacta” de la obertura de concierto “como un vehículo dentro del cual fundir ideas musicales, narrativas y pictóricas”. Ejemplos fueron las oberturas de Mendelssohn El sueño de una noche de verano (1826) y Las Hébridas (1830).

Entre 1845 y 1847, el compositor franco-belga César Franck escribió una pieza orquestal basada en el poema Ce qu'on entend sur la montagne de Victor Hugo. La obra exhibe características de un poema sinfónico, y algunos musicólogos, como Norman Demuth y Julien Tiersot, la consideran la primera de su género, precediendo a las composiciones de Liszt. No obstante, Franck no publicó ni interpretó su pieza; tampoco se dedicó a definir el género. La determinación de Liszt por explorar y promover el poema sinfónico le valió el reconocimiento como inventor del género.

Liszt

El compositor húngaro Franz Liszt deseaba ampliar las obras de un solo movimiento más allá de la forma de obertura de concierto. La música de las oberturas es inspirar a los oyentes a imaginar escenas, imágenes o estados de ánimo; Liszt pretendía combinar esas cualidades programáticas con una escala y complejidad musical normalmente reservada al movimiento de apertura de las sinfonías clásicas. El movimiento de apertura, con su interacción de temas contrastantes bajo forma de sonata, se consideraba normalmente la parte más importante de la sinfonía. Para lograr sus objetivos, Liszt necesitaba un método de desarrollo de temas musicales más flexible que lo que permitiría la forma de sonata, pero uno que preservara la unidad general de una composición musical.

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• Autor: Elliott Jones. Proporcionado por: Colegio Santa Ana. Ubicado en: http://www.sac.edu. Licencia: CC BY: Atribución

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