9.10: Música del siglo XX
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Comencemos el estudio de nuestro periodo histórico final con una visión general de las principales tendencias y compositores de la época. Al leer esta página, por favor preste especial atención al hecho de que esta descripción se centra en las técnicas compositivas y se dice muy poco sobre los géneros dominantes. El siglo XX fue claramente un período de experimentación generalizada y muchos compositores querían la libertad de explorar nuevos enfoques compositivos sin las restricciones y expectativas que acompañan a los géneros tradicionales. Incluso cuando se utilizaron géneros de larga data, los compositores se sintieron muy cómodos abandonando las estructuras tradicionales de esos géneros.
Historia
A principios de siglo, la música era característicamente tardía de estilo romántico. Compositores como Gustav Mahler, Richard Strauss y Jean Sibelius estaban superando los límites de la escritura sinfónica post-romántica. Al mismo tiempo, el movimiento impresionista, encabezado por Claude Debussy, se estaba desarrollando en Francia. El término en realidad fue detestado por Debussy: “Estoy tratando de hacer 'algo diferente—en cierto modo realidades—lo que los imbéciles llaman 'impresionismo' es un término que es lo más mal utilizado posible, particularmente por los críticos de arte” —y la música de Maurice Ravel, también etiquetada a menudo con este término, explora la música en muchos estilos no siempre relacionado con ello (ver la discusión sobre el Neoclasicismo, a continuación).
Muchos compositores reaccionaron a los estilos Post-Romántico e Impresionista y se movieron en direcciones bastante diferentes. El momento único más importante para definir el curso de la música a lo largo del siglo fue la ruptura generalizada con la tonalidad tradicional, efectuada de diversas maneras por diferentes compositores en la primera década del siglo. De esto surgió una “pluralidad lingüística” sin precedentes de estilos, técnicas y expresión. En Viena, Arnold Schoenberg desarrolló la atonalidad, a partir del expresionismo que surgió a principios del siglo XX. Posteriormente desarrolló la técnica de doce tonos que fue desarrollada aún más por sus discípulos Alban Berg y Anton Webern; los compositores posteriores (incluido Pierre Boulez) la desarrollaron aún más. Stravinsky (en sus últimas obras) también exploró la técnica de doce tonos, al igual que muchos otros compositores; de hecho, incluso Scott Bradley utilizó la técnica en sus partituras para las caricaturas de Tom y Jerry.
Después de la Primera Guerra Mundial, muchos compositores comenzaron a regresar al pasado en busca de inspiración y escribieron obras que sacan elementos (forma, armonía, melodía, estructura) de él. Este tipo de música se convirtió así en etiquetado como neoclasicismo. Igor Stravinsky (Pulcinella y Sinfonía de los Salmos), Sergei Prokófiev (Sinfonía clásica), Ravel (Le tombeau de Couperin) y Paul Hindemith (Sinfonía: Mathis der Maler) produjeron obras neoclásicas.
Compositores italianos como Francesco Balilla Pratella y Luigi Russolo desarrollaron el musical Futurismo. Este estilo a menudo intentaba recrear sonidos cotidianos y colocarlos en un contexto “futurista”. El “Machine Music” de George Antheil (comenzando con su Segunda Sonata, “El Avión”) y Alexander Mosolov (más notoriamente su Fundición de Hierro) se desarrollaron a partir de esto. El proceso de extender el vocabulario musical explorando todos los tonos disponibles se vio impulsado aún más por el uso de Microtones en obras de Charles Ives, Julián Carrillo, Alois Hába, John Foulds, Ivan Wyschnegradsky y Mildred Couper entre muchos otros. Los microtonos son aquellos intervalos que son más pequeños que un emitone; las voces humanas y las cuerdas sin trastes pueden producirlos fácilmente yendo entre las notas “normales”, pero otros instrumentos tendrán más dificultades: el piano y el órgano no tienen forma de producirlos en absoluto, aparte de retocar y/o mayores reconstrucción.
En las décadas de 1940 y 50 los compositores, en particular Pierre Schaeffer, comenzaron a explorar la aplicación de la tecnología a la música en musique concrète. El término música electroacústica se acuñó más tarde para incluir todas las formas de música que involucran cinta magnética, computadoras, sintetizadores, multimedia y otros dispositivos y técnicas electrónicas. La música electrónica en vivo utiliza sonidos electrónicos en vivo dentro de una presentación (a diferencia de los sonidos preprocesados que se sobredoblan durante una actuación), siendo Cartridge Music de Cage un ejemplo temprano. La música espectral (Gérard Grisey y Tristan Murail) es un desarrollo adicional de la música electroacústica que utiliza análisis de espectros de sonido para crear música. Cage, Berio, Boulez, Milton Babbitt, Luigi Nono y Edgard Varèse escribieron música electroacústica.
Desde principios de la década de 1950 en adelante, Cage introdujo elementos de azar en su música. La música de proceso (Karlheinz Stockhausen Prozession, Aus den sieben Tagen; y Steve Reich Piano Phase, Clapping Music) explora un proceso particular que esencialmente se pone al descubierto en la obra. El término música experimental fue acuñado por Cage para describir obras que producen resultados impredecibles, según la definición “una acción experimental es aquella cuyo resultado no está previsto”. El término también se utiliza para describir la música dentro de géneros específicos que empuja contra sus límites o definiciones, o bien cuyo enfoque es un híbrido de estilos dispares, o incorpora ingredientes poco ortodoxos, nuevos, claramente únicos.
Importantes tendencias culturales a menudo informaban a la música de esta época, romántica, modernista, neoclásica, posmodernista o de otra manera. Igor Stravinsky y Sergei Prokófiev se sintieron particularmente atraídos por el primitivismo en sus primeras carreras, como se exploró en obras como El rito de la primavera y Chout. Otros rusos, notablemente Dmitri Shostakovich, reflejaron el impacto social del comunismo y posteriormente tuvieron que trabajar dentro de las estenosis del realismo socialista en su música. Otros compositores, como Benjamin Britten (Requiem de guerra), exploraron temas políticos en sus obras, aunque enteramente por voluntad propia. El nacionalismo también fue un importante medio de expresión a principios de siglo. La cultura de los Estados Unidos de América, especialmente, comenzó a informar un estilo vernáculo americano de la música clásica, notablemente en las obras de Charles Ives, John Alden Carpenter y (más tarde) George Gershwin. También influyeron la música folclórica (Cinco variantes de inmersiones y lázaro de Vaughan Williams, A Somerset Rhapsody de Gustav Holst) y Jazz (Gershwin, Leonard Bernstein y La création du monde de Darius Milhaud).
En el último cuarto del siglo, el eclecticismo y el poliestilismo cobraron importancia. Estos, así como el minimalismo, Nueva Complejidad y Nueva Simplicidad, se exploran más a fondo en sus respectivos artículos.
- Autor: Elliott Jones. Proporcionado por: Colegio Santa Ana. Ubicado en: http://www.sac.edu. Licencia: CC BY: Atribución
- Historia. Proporcionado por: Wikipedia. Ubicado en: http://en.wikipedia.org/wiki/20th-century_classical_music#History. Licencia: CC BY-SA: Atribución-CompartirIgual