11.15: Consejos para el examen de escucha

Este examen contiene una variedad tan amplia de estilos musicales que puede parecer abrumador. Sin embargo, eso realmente puede funcionar a tu favor. Debido a que muchos compositores modernistas (al menos en Occidente) estaban decididos a sonar completamente diferentes de cualquier cosa del pasado o de cualquiera de sus contemporáneos, a menudo hay características muy obvias que escuchar. De hecho hay dos piezas en este examen que pueden ser identificadas por una sola característica. Eso lo pondrá fácil si te preguntas “¿Qué estoy escuchando?” Empezaremos con algunas de estas piezas de “un solo número”.

Escucho ruidos electrónicos (sin instrumentos tradicionales)

Se trata de Poeme Electronique de Edgard Varese. Sea lo que sea que se te ocurra de esta pieza, no hay duda alguna del objetivo posmodernista de Varese. Está dejando completamente atrás la melodía, y la mayoría de los otros elementos de la música, en favor de un enfoque único en el color y la textura utilizando sonidos generados electrónicamente junto con grabaciones de sonidos alteradas electrónicamente.

Escucho piano solo (tradicional)

Este es el Trío de la Suite para Piano de Schoenberg. Si miras la tabla de abajo verás que aunque esto es técnicamente una suite, estoy llamando al género “Música de doce tonos”. Este estilo compositivo fue tan influyente que quise destacarlo enumerándolo como el género. Si bien esta pieza será fácil de reconocer porque es la única pieza para piano solo, espero que se tome el tiempo para comprender realmente la información en su tarea de lectura sobre el sistema de doce tonos de Schoenberg en lo que respecta a la música. Cualquiera que sea la opinión de uno sobre la música de doce tonos, no se puede negar el ingenio del método compositivo que desarrolló Schoenberg.

Escucho piano preparado

Esta es la “Sonata V” de John Cage de Sonatas e Interludios. Si bien técnicamente hay dos obras para piano solo en nuestra lista de reproducción, esta pieza involucra piano preparado. Esto significa que el sonido del piano se ha alterado colocando objetos a través y/o encajando objetos entre las cuerdas del piano para crear sonidos no tradicionales. Dependiendo del grado de preparación, el piano puede no sonar en absoluto como un piano. Este es sin duda el caso de esta pieza donde las modificaciones al piano dan como resultado una variedad de efectos tinny, percusivos.

Escucho Sprechstimme (título alterno: Escucho algunos cantantes/platillos realmente funky)

Si escuchas algún canto solo puede ser Madonna de Pierrot Lunaire, también de Arnold Schoenberg, ejemplo de música atonal compuesta antes de su desarrollo del método de doce tonos. Sprechstimme es una especie de estilo vocal medio hablado y medio cantado que mantiene el ritmo de la música anotada pero se desliza por el tono. Si bien el Sprechstimme es la característica obvia, cabe destacar que la cantante en esta pieza es femenina, y está acompañada por un pequeño conjunto de cámara. Eso es todo para los ejemplos más directos. Ahora vamos a sumergirnos en algunas de las otras piezas que requerirán una comprensión de más de un elemento musical para su identificación.

Escucho una orquesta

Tenemos mucha orquesta en este examen. Aquí es donde este examen se pone un poco desafiante. Ten en cuenta que algunas de estas piezas son bastante largas, y solo estás escuchando un clip de 1 minuto en el examen, así que voy a tratar de describir múltiples elementos musicales para escuchar. Es probable que no todas las características que enumero estén en el clip, pero al menos una de ellas lo estará.

Oigo bailar a un vaquero

Se trata de “Hoedown” del Rodeo de Aaron Copland. Es de lejos la más tonal y menos disonante de todas las obras orquestales del examen. Copland destinado a que los elementos folclóricos occidentales sean inmediatamente reconocibles. Si te encuentras pensando que esta música suena como algo de la banda sonora de un western de Hollywood, eso es porque los compositores de partituras cinematográficas para Hollywood western han estado copiando a Aaron Copland desde que intentó capturar paisajes y tradiciones estadounidenses en música orquestal para ballet. Creo que el sabor vaquero americano de esta pieza hará que sea relativamente fácil de identificar.

Escucho música impresionista

Debussy y Ravel son nuestros dos compositores impresionistas. El impresionismo en la música generalmente tiene una cualidad indistinta. Parece deambular suavemente en lugar de conducir hacia una clara conclusión melódica o armónica. Tiendo a pensar en esta música como nebulosa o reluciente. Los impresionistas también tendían a favorecer a los vientos de madera sobre las cuerdas. Las orquestas clásicas y románticas estaban dominadas por las cuerdas por lo que los impresionistas quisieron tomar la calidad de tono de sus obras orquestales en una dirección diferente. Los instrumentos de la familia de los vientos de madera —flautas, clarinetes, oboes, fagotes, etc.— producen una mayor variedad de timbres que las cuerdas, por lo que además de ser simplemente diferentes tonalmente de épocas anteriores el énfasis en los vientos dio a estos compositores más colores con los que pintar su música. Por último, también notarás que es difícil golpearte el pie junto con el latido. Los impresionistas generalmente trataron de oscurecer el pulso básico de su música ya que eso contribuyó a la sensibilidad general indistinta y gauzy mencionada anteriormente. Si escuchas Impresionismo en un ejemplo de escucha, necesitarás escuchar algunas características que son específicas del Preludio de Debussy a la tarde de un fauno o Daphis et Chloé de Ravel.

• Escucho largos pasajes solistas para instrumentos individuales (flauta, clarinete). Escucho secciones más contrastantes dentro de la pieza. Escucho más variaciones en la orquestación. Este es el Preludio de Debussy a la Tarde de un Fauno. Esta pieza es un poema sinfónico que intenta representar el poema homónimo de Mallarmé. Permítanme comenzar con la segunda característica señalada anteriormente, a saber, las secciones contrastantes. Casi cualquier obra de literatura o poesía va a involucrar algunos elementos contrastantes, ideas o escenas que son diferentes entre sí, por lo que una obra musical que trate de renderizar esos elementos va a presentar algún material similar contrastante. Esos contrastes se pueden ver en la estructura de la obra (una forma más seccionalizada), y en la orquestación (diferentes combinaciones de instrumentos en diferentes momentos). Nuestro ejemplo de escucha de Ravel, por otro lado, es apenas la primera escena del tercer acto del ballet. Como es solo una pequeña porción de una historia hay menos necesidad de contraste. Si bien los contrastes musicales se pueden escuchar a lo largo del Preludio, los pasajes solistas mencionados anteriormente se escuchan al inicio de la pieza. La pieza comienza con la flauta por sí sola, y luego a medida que se pone en marcha se escuchan largos solos de flauta sobre la textura orquestal. A los pocos minutos esos solos son entregados a un clarinete. Hablando del uso de diferentes instrumentos, esa característica no se limita a los pasajes solistas. Escucharás diferentes combinaciones de instrumentos a lo largo de la pieza a medida que esas secciones contrastantes van y vienen. De hecho, los cambios en la orquestación de una sección a otra son una de las formas en que Debussy proporciona esa sensación de contraste. Una vez más, dependiendo de dónde provenga el extracto musical del examen, es posible que escuches o no todas las características musicales enumeradas anteriormente, pero definitivamente escucharás al menos una.
• Escucho una cualidad orquestal dulce, resplandeciente. Escucho un coro cantando junto con la orquesta (sin palabras). Escucho orquestación homogénea y estructura musical. Se trata de “Lever du jour” (daybreak) de Daphnis et Chloé de Ravel. Como compositor impresionista, al igual que Debussy, quería crear una especie de sonido nebuloso y etéreo enfatizando los instrumentos de viento sobre las cuerdas. Pero en lugar de los perezosos y serpenteantes de Preludio, escuchamos patrones chispeantes de notas altas destinadas a representar gotas de rocío de las rocas. Esta cualidad “resplandeciente” se puede escuchar a través de gran parte de nuestro ejemplo de escucha, y sirve como una diferencia que se puede escuchar entre las dos obras impresionistas. Como también se señaló en la descripción de la pieza de Debussy anterior, nuestro ejemplo de escucha de Ravel representa una pequeña porción del ballet más grande. Como resultado, no escucharás secciones contrastantes en el mismo grado. La estructura musical y las combinaciones instrumentales son más homogéneas a lo largo de este ejemplo auditivo. Por último, si el extracto del examen de escucha contiene un coro cantando armonías sin palabras junto con la orquesta, definitivamente estás escuchando “Lever”. Ravel utiliza un coro como una especie de quinta familia orquestal (cuerdas, vientos, metales, percusión y coro). El coro no canta ningún texto por lo que hay que escuchar con atención para escoger el color vocal, pero sí proporciona una manera muy conveniente de distinguir las dos piezas aparte.

Escucho música que es fuerte, agresiva y audaz

Hay tres piezas que involucran al menos algunos pasajes grandes y audaces y una sana dosis de disonancia: El rito de la primavera de Stravinksy, Parte 1; Sinfonía No. 5 de Shotakovich, 4to mvmt. ; y “Intermezzo interrumpido” de Bartok del Concierto para orquesta.

• Escucho largos pasajes de vientos de madera ominosos y disonantes. Oigo un acorde repetido y palpitante en la orquesta. Escucho ritmos irregulares, casi violentos puntuados por metales y percusión. Se trata de El rito de la primavera, un ballet de Stravinsky. Al igual que las dos piezas impresionistas, esta obra lleva a los instrumentos de viento a la vanguardia del color orquestal, pero no creo que nadie va a confundir esto con una pieza etérea, impresionista. De las tres piezas que estoy categorizando como audaces y agresivas, Rito de Primavera contiene pasajes que son los más disonantes y duros. Recuerda que este es un ejemplo de primitivismo. Si bien hay pasajes más suaves de vientos de madera, en los pasajes más activos Stravinsky está tratando de representar la Rusia antigua, imaginaria y pagana completa con sacrificio humano. Quizás por eso, en 1940 cuando los animadores de Disney estaban creando un largometraje de concierto llamado Fantasia, dibujaron escenas de vida primordial y depredadores de dinosaurios como visualización para esta obra. La pieza se abre con ominosos instrumentos de viento de madera y luego se gradúa a chocar tambores duros acordes en el latón. Observe también que si bien hay un ritmo muy claro a la pieza (de nuevo, a diferencia de los impresionistas), esos grupos no siempre se agrupan en un metro triple o duple regular. Stravinsky utilizó ritmos y acentos irregulares para realzar el sentido del primitivismo. Sólo como recordatorio, nuestro ejemplo de escucha es la primera mitad del ballet.
• Escucho un sonido orquestal más tradicional, casi romántico. Escucho claras, aunque a veces disonantes, ideas melódicas en las cuerdas y los metales. Escucho uso extensivo del latón orquestal. Escucho una sección de contraste más lenta y silenciosa. Esta es la Sinfonía No. 5 de Shostakóvich, 4º mvmt. Al igual que el Rito de la Primavera, esta pieza presenta pasajes audaces y agresivos. No obstante, creo que lo distinguirás fácilmente de los otros dos de este grupo. Eso es por los tres es el más tradicional —no es de extrañar ahí ya que Shostakovich está haciendo uso de un género tradicional, es decir, la sinfonía. También, si bien el compositor incorporó la disonancia a la pieza, tuvo que mantenerla restringida para evitar meterse en problemas con las autoridades soviéticas. La sección media de este movimiento sinfónico es más lenta y más tenue que las secciones de apertura y cierre. Si bien eso podría facilitar la confusión con algunas otras piezas que suenan más lentas y ominosas, lo consideraría demasiado engañoso para darte un extracto que acaba de presentar la sección media porque el sonido triunfante grande, audaz y latonado es una parte muy importante de lo que trata esta pieza. Si tu extracto presenta la sección media, también tendrá una porción de la fanfarria de apertura o cierre.
• Escucho medidor irregular. Escucho muchos solos cortos y folclóricos de instrumentos de viento de madera. Escucho una exuberante melodía —una serenata— en las cuerdas. Escucho duras “interrupciones” de una melodía de clarinete. Se trata de “Intermezzo interrumpido” del Concierto para Orquesta de Bela Bartok. Este movimiento es muy seccional por lo que probablemente oirás más de una sección de la pieza. Recuerda que los pasajes solitarios para los instrumentos de viento de madera en la sección A son la razón por la que Bartok llama a esto un concierto para orquesta. Los solos son cortos y tocados por muchos instrumentos diferentes. Escucharás un clarinete, luego una flauta, luego de vuelta al clarinete, luego un cuerno, luego un oboe. Eso debería destacar si escuchas esa sección. Las interrupciones también son bastante llamativas. Principalmente involucran instrumentos de percusión como platillos, pero tras la primera interrupción de la sección C escuchamos un trombón deslizándose hacia arriba. Esta pieza tiene una historia muy clara que debería ayudar a mantener todas las diferentes secciones atadas en tu mente.

Escucho minimalismo

Este es el Short Ride in a Fast Machine de John Adams. Esto tiene muchos de los elementos de las otras dos piezas: el énfasis rítmico del Stravinksy y el gran sonido latonado del Shostakovich. Adam's tampoco rehuye la disonancia. Al menos en la sección media de la pieza usa la disonancia libremente. No obstante, los acordes repetidos en esta pieza son más ligeros y más activos que en el Stravinsky. Piénsalo de esta manera: Stravinky pisa fuerte y Adams salta. Sin embargo, hay una serie de elementos clave que te ayudarán a identificar esta pieza. Un ritmo constante se juega en un bloque de madera casi constantemente. Escucha ese bloque de madera. Realmente une la pieza y ayuda a dar la sensación de que un tren de vapor (esa es la máquina rápida que me viene a la mente) surcando por la vía. John Adams se inició como minimalista, y el minimalismo utiliza mucha repetición y patrones. Escucha acordes y patrones rítmicos que se repiten varias veces, seguidos de un nuevo cord/patrón que se repite varias veces.

Escucho un Coro

Hay dos piezas para coro no acompañado en nuestra lista de reproducción para el siglo XX: Lux Aeterna de György Ligeti y Magnificat de Arvo Pärt. Si bien el canto coral a capella puede sonar similar, en el caso de estas dos piezas el compositor ha creado efectos muy diferentes con el mismo tipo de conjunto. No creo que tengas mucha dificultad para distinguir estas dos piezas totalmente impresionantes. Lo siento, mi friki del coro interior se apoderó de mí ahí.

• Escucho largos pasajes de racimos disonantes de tonos. No oigo una melodía clara. Creo que escuché esto en “2001: A Space Odyssey” o el tráiler de “Godzilla”. Se trata de Lux Aeterna de Ligeti. Ligeti es conocido por su disonante música coral. Desarrolló una técnica compositiva llamada micropolifonía donde cada cantante del conjunto canta el mismo conjunto de tonos pero a su propio ritmo. Esto crea una pared de color de tono disonante sin ninguna línea melódica. Se preocupa principalmente por el timbre (color de tono) en lugar de la melodía. Stanley Kubrick utilizó varias piezas de Ligeti en sus películas, entre ellas Lux Aeterna. La espeluznante música coral en el tráiler de la reciente película de Godzilla (que se reproduce mientras los soldados HALO caen en Nueva York) también es una pieza de Ligeti, pero no Lux Aeterna.
• Escucho pasajes similares a órganos: una voz canta una melodía contra notas repetidas en otra voz. Escucho disonancia mínima y una cualidad medieval. Escucho repetidos patrones melódicos y armónicos. Este es el Magnificat de Arvo Pärt. Gran parte de la música de Pärt está inspirada en la música coral medieval, incluido el organum. Como recordarás, organum implicó el uso de una melodía de canto preexistente que se sostenía en notas muy largas mientras que se agregó una nueva melodía activa como contrapunto a esos largos tonos sostenidos. En esta pieza hay muchos pasajes donde dos voces cantan el mismo texto (sin notas largas) pero una de ellas canta en un tono repetido mientras que la otra se mueve melódicamente. Debido a la influencia de la música medieval, hay poco de la disonancia tan común a la música de otros compositores del siglo XX, pero tiende a ser muy contenida. El minimalismo es otra influencia en la música de Pärt. Sus obras suelen ser etiquetadas como “santo minimalismo” aunque él mismo no usa esa etiqueta. Esta influencia se manifiesta principalmente a través de conjuntos cortos de tonos repetidos en la melodía o progresiones armónicas repetidas.

Títulos, compositores y géneros para el examen 5

Preludio a la tarde de un fauno	Claude Debussy	Poema sinfónico
Daphnis et Chloë, Parte 3 “Palanca del día”	Maurice Ravel	Ballet
Rito de Primavera, Parte 1	Igor Stravinski	Ballet
Pierrot Lunaire, Madonna	Arnold Schoenberg	Canción/Lied
Suite para Piano, Trío	Arnold Schoenberg	Música de doce tonos
Sinfonía No. 5, IV	Dmitri Shostakóvich	Sinfonía
Concierto para orquesta, Intermezzo interrumpido	Bela Bartok	Concierto
Rodeo, Hoedown	Aaron Copland	Ballet
Lux Aeterna	György Ligeti	Micropolifonía
Sontatas e Interludios, Sonata V	John Cage	Piano Preparado
Poeme Electronique	Edgard Varese	Música Electrónica
Viaje corto en una máquina rápida	John Adams	Minimalismo
Magnificat	Arvo Pärt	Minimalismo sagrado

 

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• Autor: Elliott Jones. Proporcionado por: Colegio Santa Ana. Ubicado en: http://www.sac.edu. Licencia: CC BY: Atribución