1.1: Teatro- Un arte colaborativo

Entre las artes, el teatro es único en que en su núcleo es colaborativo. A diferencia de ser autor de un libro o pintar una gran obra maestra, una pieza de teatro no ha venido de la mente de un solo creador, sino de un gran grupo de personas que trabajan hacia un objetivo común. La colaboración teatral es similar a la función de un equipo deportivo, o incluso de una unidad militar, en que mucha gente está haciendo una variedad de cosas que contribuyen al éxito del grupo. Este grupo de artistas colabora para concebir y construir una performance que procure entretener a su público. Cada uno de los artistas involucrados en este proceso contribuye de manera única al producto final. Algunas de estas contribuciones son obvias, algunas son más ocultas pero no menos importantes para el conjunto creativo.

Hay un arte, o al menos una habilidad, para una colaboración exitosa. Muchos de ustedes han participado en actividades grupales y deportes de equipo y pueden identificarse tanto con el poder del trabajo grupal (en equipo) como con las luchas comunes dentro de los grupos para adoptar una sola visión. Estos factores ejemplifican tanto el reto como la fuerza de las colaboraciones teatrales.

Al trabajar dentro de un grupo, debemos navegar por las diferencias de opinión, entretener diferentes perspectivas y estar a la altura del desafío de mantener una comunicación clara. Aprender a escuchar es una habilidad importante en este escenario. Ser claro en el pensamiento, exacto en el lenguaje y deliberado en la elección de ejemplos ilustrativos puede ser clave para el éxito.

Los artistas teatrales deben aprender la diferencia entre renunciar a nuestras ideas cuando una voz fuerte está abogando por algo diferente y defendiendo nuestros puntos de vista hasta el punto de que nos convertimos en un obstáculo para el consenso. He descubierto que cuando los artistas escuchan atentamente y realmente intentan entenderse unos a otros, a menudo son capaces de encontrar soluciones que incorporan e incluso mejoran ideas aparentemente dispares.

En el teatro debemos canalizar nuestras ideas en apoyo de la dirección en la que se mueve toda la producción. Caída en silencio cuando se tiene una solución o apagarse cuando no se pueden incorporar sus ideas hace un flaco favor a toda la producción. Un colaborador hábil encontrará una oportunidad adecuada y utilizará un tono productivo para ofrecer sus opiniones.

Para muchos de nosotros, nuestro sentido de cómo se articula una producción teatral proviene de nuestras experiencias con el teatro en nuestras escuelas. Por ejemplo, muchos estudiantes han participado en un programa de teatro en su preparatoria. Estas experiencias pueden llevarnos a la conclusión de que todas las producciones se crean bajo un sistema en el que el director del programa toma prácticamente todas las decisiones y todos los demás involucrados están haciendo todo lo posible para llevar a cabo el plan del director. Es fácil entender por qué podríamos tener esa impresión cuando muchas de nuestras escuelas tienen programas de teatro en los que el director es el único personal permanente y los diseñadores y otros especialistas solo son traídos cuando es necesario o cuando sus talentos pueden ser otorgados.

Muchos pequeños teatros comunitarios e incluso teatros universitarios, pueden, debido a su limitado personal para producciones, dejarnos con una impresión similar de que la gestión de arriba hacia abajo es el único estilo que se usa en los teatros. Sin embargo, la forma en que la mayoría de las compañías teatrales profesionales producen sus espectáculos constituye más un modelo de responsabilidad compartida. En estas empresas, todo un equipo trabaja en conjunto hacia una solución cohesiva que incorpore la experiencia de todos.

Esto no quiere decir que la influencia del director en la producción se vea disminuida o que no tengan una responsabilidad general por todos los elementos de la producción, sino más que suelen estar rodeados de otros artistas que trabajan en la producción que aportan su propia experiencia e imaginación a asegurar que se pueda realizar en su máxima extensión. El trabajo de un director incluye unificar la visión artística de toda la empresa. Al mirar la estructura de informes para la mayoría de las organizaciones teatrales, ve que los diseñadores y otro personal de producción mantienen una relación de informes con el director.

Un espíritu inclusivo está en el centro de una colaboración productiva y exitosa. Cuando se llevan a través de todos los niveles de producción y performance, desde los productores y el director hasta el encargado de escena y los técnicos, estos individuos trabajan juntos, aportando lo mejor para que el producto final sea una obra de arte digna de su inversión colectiva.

Quienes han participado en producciones teatrales entienden que este ambiente fomenta una camaradería especial entre el elenco y el equipo de un espectáculo y la experiencia de formar parte de una producción a menudo se siente como haberse unido a una nueva “familia”.

Las compañías de teatro más pequeñas y los programas educativos de teatro tienen un personal comparativamente pequeño que realiza múltiples trabajos. Al igual que el director de secundaria mencionó anteriormente, en estas situaciones algunos individuos pueden usar múltiples “sombreros” requeridos para cumplir con los roles en la producción.

En una típica organización teatral profesional, cada individuo tendría solo un trabajo que figura en el organigrama de la compañía. Es importante pensar en estos modelos como líneas ascendentes de responsabilidad artística en lugar de un gráfico de flujo de trabajo de tendencia descendente.

Como se puede imaginar, en muchas organizaciones más pequeñas los deberes de las treinta categorías de trabajo que se enumeran aquí deben ser cumplidos por solo unas pocas personas. Una organización reducida, como un teatro comunitario o un programa de teatro educativo, podría tener un organigrama más simple.

Ejemplo de un modelo de organización teatral profesional

Un modelo de organización teatral educativa o comunitaria

Aunque todos los deberes todavía están cubiertos aquí, se puede ver que un número relativamente pequeño de personas conforman el personal creativo de la organización. Observe que el director del programa no está en la parte superior de la tabla, sino que mantiene una relación de reporte con los anteriores. En el teatro educativo, el director del espectáculo puede reportar al presidente del departamento, director de teatro, o incluso al director de una escuela. En un teatro comunitario, el director puede reportar y satisfacer artísticamente a un director artístico o a una junta directiva.

Los títulos de trabajo y los deberes están cubiertos en el Módulo 2, pero puede ser útil ahora para ilustrar un escenario típico de cómo funciona esta colaboración teatral:

Una compañía de teatro, programa escolar o teatro comunitario ha decidido producir una obra de teatro o una temporada de obras teatrales. Cada compañía tendrá sus propias razones para producir la (s) obra (s) que elija, así como por su deseo de producir juego (s) en absoluto.

Hay más que saber

¿Cómo se seleccionan las obras para la producción? Un programa escolar puede elegir obras de teatro basadas en oportunidades educativas, historias de actualidad o roles fuertes que brinden oportunidades de crecimiento para los estudiantes de actuación. Un teatro comunitario puede producir obras que brindan muchas oportunidades de participación y tienden a grandes espectáculos de reparto. Un teatro profesional puede considerar un grupo de obras que encajan como una temporada, pico el interés público y tiene un buen potencial para vender boletos. Las producciones teatrales originales a menudo se montan en base a la reputación del dramaturgo. Independientemente de los criterios de elección, las personas responsables de la programación leen muchas obras de teatro para elegir el material apropiado para la producción.

A menudo se eligen obras con un director específico en mente. El director puede tener un estilo particular o currículum de experiencia que los haga una buena combinación tanto para el guión como para el público. Pueden tener un gran historial de trabajo con un grupo de teatro en particular. Cualesquiera que sean los criterios de selección del director, una vez seleccionados, a menudo se les pide que ayuden a formar el resto del equipo creativo para la producción. Este equipo incluye al productor, director, diseñadores, coreógrafos y directores musicales. Algunas empresas utilizan diseñadores residentes que, como empleados de la compañía, son asignados a una producción particular en función de sus talentos y experiencia. En otras producciones se le puede preguntar al director si prefiere trabajar con un diseñador en particular u otro miembro del equipo creativo y, posiblemente, si tienen preferencia por un director de escena en particular. Una vez ensamblado, este equipo desarrolla una aproximación artística a la producción conocida como concepto de producción. Este concepto expresa la visión unificadora que cada individuo se esfuerza por apoyar en la creación de los elementos de producción.

El concepto de producción se llega a través de una cuidadosa consideración del guión, la razón para producir una historia específica para un público específico, los recursos de producción y la inspiración y percepciones del equipo creativo en particular.

Considera esto

Si se te pide que participes en una producción ya sea en el escenario o detrás de escena, considera el compromiso que estás haciendo. Consumirá más que solo tu tiempo. Estás aceptando ser parte de la colaboración y tendrás que dar lo mejor de ti en tu tarea para mantener el compromiso con toda la producción.

Una vez que el equipo creativo ha acordado un concepto de producción, cada diseñador desarrolla su parte del diseño de puesta en escena a través de una serie de reuniones y discusiones. Al reunirse tanto en grupo como de manera individual, pero siempre en conversación con el director (que tiene la tarea de llevar adelante el concepto a través de los ensayos), el equipo creativo comienza entonces a interactuar con todo un equipo de producción. Los diseños se entregan de acuerdo a los plazos programados, y comienza un proceso de presupuestación de fondos y otros recursos. Los actores son audicionados y comienzan el reparto y los ensayos: se construyen escenarios y disfraces; se crean música, proyecciones e iluminación; y todo el equipo de producción participa en el movimiento hacia la noche de apertura.

En este punto, el equipo creativo está ocupado supervisando y revisando su trabajo creativo para asegurar una producción cohesiva. Por lo general, los diseñadores de este equipo están trabajando un horario opuesto a los que participan directamente en los ensayos. Los diseñadores trabajan en estrecha colaboración con el director técnico, el gerente de la tienda de disfraces o el maestro electricista a medida que sus diseños se están realizando, asistiendo a ensayos de actuación solo ocasionalmente.

Hay más que saber

Tres tipos de ensayos técnicos son comunes a la mayoría de los teatros. Un técnico seco podría ser el primero de estos ensayos. En una tecnología seca no hay artistas presentes, y se permite tiempo para que las tripulaciones se familiaricen con los elementos del espectáculo y ensayen señales y turnos. El segundo ensayo suele ser una tecnología húmeda. Incluye artistas y permite que todos aprendan los patrones de tráfico imperativos para el momento de las señales y los turnos. Un director también puede pedir un ensayo técnico de señal a paso, donde tanto la tripulación como el elenco trabajen juntos en turnos y señales pero no se realice el diálogo entre estas acciones para permitir un ensayo más técnico en un tiempo más corto. Todos los elementos del espectáculo deben ser adecuadamente ensayados y refinados. Durante estos ensayos, recuerden estar presentes, atentos, tranquilos y preparados tanto para saltar hacia adelante como para volver a repetir acciones con el fin de perfeccionar el tiempo de las señales.

Aún así, los buenos profesionales del teatro se dan cuenta de que el elemento más importante de la colaboración es cómo el trabajo creativo se relaciona con lo que sucede en la sala de ensayo. Esta colaboración es donde la producción cobra vida, donde el caucho se encuentra con el camino, donde el concepto se encuentra con la realidad, y la inspiración se ve templada por la practicidad. Es donde las nuevas ideas nacidas del proceso de ensayo pueden inspirar oportunidades.

El proceso colaborativo continúa, ahora incluyendo artistas, coreógrafos, músicos, gestión escénica y el director, todos aportando su propia energía creativa a la producción, a lo largo del proceso de ensayo, en los ensayos técnicos y hasta la noche de apertura. Durante este tiempo, el encargado de escena mantiene una comunicación diaria con todo el equipo de producción, informando lo que sucede en la sala de ensayo. El director continúa reuniéndose con el equipo creativo tanto como grupo para reuniones de producción como individualmente con diseñadores y personal de producción con el fin de mantener todos los esfuerzos en movimiento en apoyo a la producción en desarrollo.

Una vez concluida la construcción de los elementos, ya sea construida fuera del sitio y cargada en el escenario o construida en el escenario, puede comenzar el siguiente paso en el proceso de ensayo: los ensayos técnicos. Los ensayos técnicos ocurren cuando se reúnen todos los diversos elementos de la producción final y se pueden integrar en una sola pieza de arte lista para un público. Es durante estos ensayos que se agregan los elementos de sets, luces, proyecciones, vestuario, accesorios, música, efectos sonoros y efectos atmosféricos. Esto también es cuando un grupo completamente nuevo de colaboradores se une a la producción: el equipo de escenario.

Durante los ensayos técnicos, el equipo creativo está ocupado refinando los elementos de producción en un todo. Trabajan con el director para dar forma a una experiencia para el público. En tanto, el equipo de escenario trabaja bajo la dirección del director de escena, ensayando cambios de escena y señales para que el tiempo de estos sea preciso y repetible. Estos ensayos pueden ser difíciles y agotadores ya que hay que coordinar tantos elementos y personas. Muchos teatros realizan la mayor parte de los ensayos técnicos durante un fin de semana o periodo de dos días. A menudo estos días se ejecutan como diez de doce días, lo que significa que diez horas del día requerido de doce horas se trabajan en el ensayo. He escuchado a la gente describir el proceso de ensayo técnico como similar a “ver la pintura seca”. Es cierto que estos ensayos pueden parecer largos y aburridos si la secuencia o señal en la que se está trabajando no te involucra. Si la señal te involucra, es posible que te pidan que repitas el mismo movimiento o cue varias veces a medida que se desarrolla la coordinación. Todos los esfuerzos de estos ensayos son recompensados cuando los elementos técnicos y las acciones de los actores se conjugan a la perfección en una presentación efectiva.

Después de los ensayos técnicos iniciales, comienzan los ensayos generales incorporando cambios de vestuario y vestuario, seguidos de actuaciones previas, y, por último, la noche inaugural seguida de la carrera de rendimiento. Hasta la noche del estreno, el director y el equipo creativo continúan trabajando hacia la mejor producción posible dentro de las circunstancias dadas y el tiempo disponible. La mayoría de los miembros creativos del equipo pasan a su próxima producción una vez que se abre una obra y se han prestado sus servicios. Incluso el trabajo del director ya está completo, y el director de escena asume la responsabilidad de entregar un espectáculo consistente que preserve la visión del director a lo largo de la ejecución de la producción.

Para muchas producciones, todo este proceso toma alrededor de 8-12 semanas, aunque puede ser más largo para una producción nueva o compleja. Generalmente el proceso de ensayo toma alrededor de 4-6 semanas de ese tiempo, y las ejecuciones de rendimiento tardan aproximadamente 1-3 semanas. El resto del tiempo suele dedicarse a la preproducción.

Para una mayor exploración

Schumacher, Thomas. 2008. Cómo va el espectáculo: una introducción al teatro. Nueva York, N.Y: Ediciones Disney. Detrás del Telón Esmeralda: http://www.emeraldcurtain.com/