1.4: Enfoques a la educación musical
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- Natalie Sarrazin
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Resumen del Capítulo: El objetivo de este capítulo es introducir al lector los métodos de enseñanza musical más conocidos utilizados en la educación musical. Se trata de Zoltan Kodály, Emile-Jacques Dalcroze, Orff Schulwerk, Edwin Gordon, Shinseki Suzuki y Reggio Emilia. Este capítulo también familiariza al lector con la filosofía y principios de cada método, la pedagogía única y las prácticas y actividades de cada método.
El material introducido en este capítulo será referenciado y construido a lo largo del resto del libro.
Métodos musicales para trabajar con niños
¿Qué es un método?
Una educación musical, o cualquier otro tipo de método educativo, es un enfoque de enseñanza que tiene: 1) una filosofía subyacente identificable o conjunto de principios; 2) un cuerpo unificado de pedagogía único a él con un cuerpo de práctica bien definida; 3) metas y objetivos dignos de persecución; y 4) integridad (es decir, su razón para la existencia no debe ser comercial) (Chosky et al.).
Aunque estos enfoques a menudo se enseñan en clases de educación musical, son métodos altamente aplicables, accesibles e integrados apropiados para cualquier persona interesada en trabajar con niños y las artes, o la música en la educación además de la educación musical. Todos los educadores pueden incorporar las técnicas básicas utilizadas en estos métodos ya que ofrecen planes de estudio creativos, impulsados por las artes, a través de los cuales enseñar.
Similitudes del método
Los métodos musicales de Jaques-Emile Dalcroze, Zoltan Kodály, Carl Orff y S. Suzuki son probados en el tiempo y contienen técnicas bien practicadas e investigadas para enseñar música. Todos estos enfoques del aprendizaje musical contienen similitudes fundamentales en el sentido de que:
- Son sistemáticos y secuenciales en el diseño;
- Utilizar la música con autenticidad e integridad, como la música folclórica;
- Se basan en incorporar el enfoque de “lengua materna” al ritmo, tono y timbre a partir de las conductas persepctivas e innatas del niño y cómo la interacción con su entorno natural; y
- Fomentar el compromiso activo con el estudiante.
También son “integrales y holísticos [en la preparación] de los niños para que sean artistas, creadores y productores y no solo consumidores de música.Emparejan la creación de música activa y real con experiencias conceptuales de aprendizaje ofrecidas en un enfoque sistemático” (Moore).
La naturaleza holística de estos enfoques altamente integrados, sigue siendo propicia hoy en día para su implementación en un programa integrado de artes. Esto se debe a que sus identidades centrales, particularmente Orff y Dalcroze, contienen elementos de drama, movimiento, sonido y música.
Orff Schulwerk
Filosofía
Desde el principio de los tiempos, a los niños no les ha gustado estudiar. Preferirían mucho jugar, y si tienes en el corazón sus intereses, los dejarás aprender mientras juegan; encontrarán que lo que han dominado es un juego de niños.
—Carl Orff
El método Orff Schulwerk es el único enfoque que no es un “método” sistemático per se, aunque sí implica fomentar el pensamiento creativo a través de experiencias de improvisación. En lugar de un sistema, Schulwerk combina instrumentos, canto, movimiento y habla para desarrollar las habilidades musicales innatas de los niños. Hay cuatro etapas de enseñanza:
- Imitación
- Exploración
- Improvisación
- Composición
Schulwerk tiene sus raíces en las artes y la integración de sujetos. A principios del siglo XX, Carl Orff conoció a la educadora de gimnasia y danza Dorothée Gunther y estableció una escuela innovadora para niños basada en la idea de que todos los seres humanos son musicales por naturaleza. Su enfoque fue combinar movimiento (gimnasia), música y danza. Orff desarrolló el concepto de música elemental a partir de la síntesis de las artes de las musas griegas, que combinaban tono, danza, poesía, imagen, diseño y gesto teatral. El enfoque de Gunther y Orff fue crear un ambiente cómodo que se aproximara al mundo natural del juego del niño, permitiendo así que los niños fueran introducidos a una gama de habilidades musicales en un ambiente relajado y libre de estrés.
La definición de Carl Orff de música elemental se basa en patrones musicales de pequeña escala (por ejemplo, ostinato, dron) familiares para los estudiantes.
¿Qué es entonces la música elemental? La música elemental nunca es música sola sino que forma una unidad con el movimiento, la danza y el habla. Es la música que uno hace uno mismo, en la que uno toma parte no como oyente, sino como participante. Es poco sofisticado, no emplea grandes formas ni grandes estructuras arquitectónicas, y utiliza formas de secuencia pequeña, ostinato y rondo. La música elemental está cerca de la tierra, natural, física, dentro del alcance de todos para aprenderla y experimentarla y apta para el niño... (1963)
Orff Schulwerk utiliza los comportamientos naturales de juego de los niños (experimentar, improvisar) para acceder a la musicalidad innata de los niños. Schulwerk utiliza la lengua materna, los sonidos, los timbres, los ritmos, las melodías y el material tonal que rodea al niño, particularmente en su repertorio de música folclórica. Similar a muchos de los otros métodos, el Orff Schulwerk enfatiza que los niños deben experimentar primero y luego analizar o intelectualizar sobre la música después, y fomenta la creación de música práctica independientemente del nivel de habilidad.
El Instrumentario Orff
A principios de la Alemania del siglo XX, había pocos instrumentos accesibles para los niños. Orff comenzó comprando grabadoras, que eran raras en su momento. Como nadie sabía tocarlos, Dorothée Gunther creó libros instructivos para enseñar grabadora a niños. Nadie sabía tocarlos, así que Dorothée Gunther creó libros de instrucción para enseñarles. Carl Orff se encontró con un xilófono africano, y desarrolló una manera de transformar el xilófono en un instrumento para que los niños de la escuela tocaran. Luego desarrolló los metalófonos con barra metálica a partir de la idea de la orquesta gamelana indonesia y las glockenspiels alemanas, que eran pequeños instrumentos metalizados encontrados en Alemania. Así nació el instrumentario, cuyo conjunto completo incluye barras de bajo, bajo, alto/tenor, y soprano, xilófonos y glockenspiels alto y soprano. Si bien cada instrumento tiene un alcance limitado a menos de dos octavas, todas juntas, desde barras de bajo hasta glockenspiel soprano, el conjunto abarca seis octavas, ¡creando una orquesta entera!
Gama Soprano Glockenspiel (C7—A9)
Xilófono Soprano - Metalófono Soprano - Gama Glockenspiel Alto (C5—A7)
Xilófono Alto-Gama Metalófono Alto (C4 [C Medio] —A6)
Xilófono de bajos—Metalófono bajo (C3—A5)
Gama de barras contra bajos (C2—C3)
“Instrumentarium Orff-Schulwerk” Por Société Studio 49 CC BY-SA 4.0
El Instrumentario Orff
Acompañamientos estampados
Orff creía que una de las formas más fáciles de fomentar la participación de los estudiantes en la música y al mismo tiempo contribuir a la creación de música hermosa es hacer que toquen un sencillo acompañamiento en un xilófono. Para el segundo grado, la mayoría de los estudiantes podrán mantener un ritmo constante, con un número justo capaz de hacerlo en primer grado. A continuación se presentan algunos patrones básicos de acompañamiento en el xilófono o metalófono que los estudiantes deberían poder realizar fácilmente.
Bordun/Acorde Bordun: Un 5to abierto, que contiene los grados 1º y 5º del acorde. No se juega el 3er. Por ejemplo, un bordun en C incluirá los dos tonos C y G; en F, la F y C; en G la G y D; en d menor la d y a, etc. Un bordun de acorde significa que los grados primero y quinto se tocan simultáneamente.
Ejemplo de Bass Bordun con Introducción y Melodía Pentatónica Simple
Broken Bordun: Las notas del bordun se tocan por separado.
Movimiento/Acorde Roto Bordun
Ejemplo de Acorde Móvil Bordun Con Melodía “Lil' Liza Jane”
Nivel Bordun: El bordun juega en distintas octavas.
Crossover Bordun: Los mazos se cruzan para jugar el patrón.
Drone: Una nota o acorde que suena continuamente sin cambios. Un bordun funciona como un tipo de dron.
Osinato: Motivo o frase que se repite.
Orff como integración artística
Una de las principales contribuciones de Orff Schulwerk es su énfasis en la integración artística. Orff incluye lenguaje (cuentos, poesía, discurso rítmico), movimiento (danza, improvisación) y drama así como música.
El proceso Orff
La adaptación estadounidense de Orff Schulwerk utiliza cuatro etapas para organizar el proceso de enseñanza de la música: imitación, exploración, improvisación y composición. Estas cuatro etapas establecen los bloques de construcción fundamentales para que los niños desarrollen la alfabetización musical. Son similares a la taxonomía de Bloom, en que comienzan introduciendo un conjunto de habilidades muy básicas para luego pasar gradualmente a actividades más complejas como la composición, que se representa en las fases superiores de la taxonomía.
Fuente: Dominio Cognitivo de Bloom por usuario:Nesbit, PD.
Taxonomía de Bloom
Paralelos entre los bloques de construcción de Orff y la taxonomía de Bloom
Bloques de construcción de Orff |
Taxonomía de Bloom |
|
Imitación Exploración Improvisación Composición |
Recuerda Entender Aplicar Crear, analizar |
Imitación: Hacer eco, responder
La imitación construye el repertorio del alumno de tonos, ritmos, metros, tempo y dinámicas. Los estudiantes absorben los materiales musicales fundamentales para que su “caja de herramientas” sea utilizada en actividades más complejas en el futuro.
Exploración
Los estudiantes comienzan a comprender e incluso aplicar los conocimientos aprendidos a través de la imitación. Escuchan el movimiento de los tonos, el contenido de los ritmos, el movimiento del metro, y exploran el timbre de cualquier instrumento o voz con la que tengan acceso. El Instrumentario Orff ofrece posibilidades casi ilimitadas para la exploración.
Improvisación
Después de la exploración e imitación, los estudiantes no sólo entienden, sino que también pueden aplicar algunas de las posibles combinaciones de ritmos y tonos, forma y dinámica, etc., dentro de un marco musical.
Composición
La composición es un pináculo de la creación musical en el sentido de que el compositor también debe analizar el material musical con el que está trabajando para crear una nueva pieza.
Aplicando el enfoque Orff en el desarrollo
Schulwerk entiende que para ser un excelente músico, la forma de arte debe ser muy familiar e internalizada hasta el punto de ser de segunda naturaleza. A través de la práctica de imitación, exploración, improvisación y composición, los estudiantes aprenden qué es la música interpretando.
Paso 1: Preparación para tocar instrumentos
Antes de tocar instrumentos, Schulwerk requiere que todos los sonidos sean internalizados, o practicados sobre y en el cuerpo. La voz es primaria, y cantar canciones y hablar y crear poemas deben dominarse antes de tocar un instrumento, lo que se ve como una actividad que extiende el cuerpo. Antes de tocar un bordun en un instrumento, el músico debería poder cantar simultáneamente una melodía y un patsch (literalmente significa “golpe” en alemán, pero se refiere a acariciar las piernas con la mano abierta) o aplaudir una parte separada como un bordun como percusión corporal.
El método Orff hace uso de canciones infantiles, cuentos folclóricos, canciones populares y composiciones auténticas y clásicas, toda música y literatura de primordial importancia y calidad.
Paso 2: Percusión corporal
Orff también hizo uso de la percusión corporal, es decir, el uso de snap, clap, patsch y estampado. El uso de la percusión corporal no solo es una etapa útil para externalizar el ritmo antes de tocar el instrumento, sino que cuando se combina con el canto o el habla rítmica, permite practicar hacia el tipo de multitarea requerida para realizar múltiples partes, por ejemplo, armonía, polifonía, etc.
La percusión corporal generalmente se escribe en un pentagrama de cuatro líneas, que incluye (ST = sello, P = patsch, CL = clap y FN o SN para snap).
Patsching, que se realiza en el regazo, y el chasquido pueden tener marcas que indican qué mano se debe usar, derecha o izquierda. Para patsching o chasquido, si no se indica R o L, ambas manos juegan simultáneamente.
Ejemplos de Percusión Corporal
Rima Simple Con Percusión Corporal Básica
Uno Dos Tres
Una buena manera de interiorizar el ritmo es aprendiendo primero la rima, luego agregando la percusión corporal. Después de eso, poco a poco bajan la letra una medida a la vez (ya sea de principio a fin o de final a principio) para que los niños terminen únicamente realizando la percusión corporal, como muestra el siguiente ejemplo.
|
Uno dos tres Uno dos tres Uno dos tres Uno dos tres q q q |
Johnny atrapó una pulga Johnny atrapó una pulga Johnny atrapó una pulga ee ee q ee ee q |
Murió pulga Johnny lloró, Murió pulga Johnny lloró, q q eeit q q q ee q q qit ee q |
“tee, ji, ji” q q q q q q q q q q q q |
Extensión: Los grupos pequeños también pueden realizar esto como una ronda con cada grupo comenzando una medida aparte.
La percusión corporal también puede llegar a ser cada vez más desafiante. El siguiente paso sería decir (o cantar) una rima junto con un ostinato. La rima “Uno dos tres”, por ejemplo, utiliza los cuatro tipos principales de percusión corporal (estampado, aplausos, patsching y chasquido), pero no es necesario incorporar todos los tipos de percusión corporal.
Jack y Jill
Rimas infantiles inglesas, 1760s
Una forma aún más desafiante y creativa de utilizar la percusión corporal es crear onomatopeya de acuerdo con la letra, imitando o relacionando con los sonidos presentados en la rima. Por ejemplo, en la rima “Banbury Cross”, las octavas notas patsching en las medidas 3 y 4 podrían estar imitando los latidos de pezuña del caballo. Además, los broches de dedo en la medida 5 indican la línea de anillos en sus dedos y de igual manera los pisones se ajustan a la línea de botones en sus dedos de los pies. No hay manera correcta o incorrecta de agregar percusión corporal para realzar la rima; ¡todo está en el oído del espectador!
Por Stratford490 [CC BY-SA 3.0 o GFDL], vía Wikimedia Commons
La estatua de Fine Lady en Banbury Cross, Oxfordshire
Monta un Caballo Gallo a Banbury Cross
Rimas inglesas, 1780
Actividad 4A
Prueba esto
Seleccione una rima infantil. Dilo algunas veces lo más rítmicamente posible. Luego crea un acompañamiento de percusión corporal simple como patsch clap, patsch clap. Ahora intenta variar el acompañamiento para resaltar o imitar la letra de alguna manera.
Improvisación de Orff
La música elemental de Schulwerk se basa tanto en la experimentación como en la improvisación, permitiendo a los niños explorar los tonos, ritmos y timbres de la música desde sus propias habilidades y perspectivas creativas. Para ello, Orff creó marcos o vías para ayudar a los niños a experimentar sin presión ni estrés.
La forma más fácil de experimentar con los instrumentos Orff es comenzar con la escala pentatónica, una escala con sólo cinco tonos. La escala pentatónica puede ser mayor o menor. Para una escala pentatónica mayor, pídales a los niños que quiten las barras F y B de su instrumento amarrándolas con C, D, E, G y A. Esto les permite crear música hermosa comenzando y terminando en C sin tener que preocuparse por no sonar hermosa o cometer errores. Para la escala pentatónica menor, mantén los mismos cinco lanzamientos, pero comienzan y terminan en A.
Balanzas Pentatónicas
Pentatónico Mayor (Do Mayor)
Pentatónico mayor (fa mayor)
Este es un ejemplo de F Mayor Pentatónico en la canción folclórica “Great Big House”.
Gran Casa Grande
Pentatónico menor (re menor)
Este es un ejemplo de D Minor Pentatónico en la canción folclórica “The Canoe Song”.
La canción de la canoa
Modos
Orff también hizo uso de modos, que son tipos de escalas con características no musicales. Los griegos utilizaron modos como Lidian (F a F en las teclas blancas de un piano), Dorian (D a D en las teclas blancas), Eoliano (A a A en las teclas blancas o la escala menor natural) y Mixolydian (G a G en las teclas blancas).
Modo Lidian
Este es un ejemplo del modo lidio en la “Canción temática de Simpson” de Danny Elfman.
Canción temática de Simpson (extracto)
Modo Dorian
Este es un ejemplo del modo Dorian en “Scarborough Fair”, una canción folclórica inglesa.
Feria de Scarborough (extracto)
Modo Eoliano (también conocido como la escala menor natural)
Este es un ejemplo del modo eoliano en la canción folclórica estadounidense “Aeolian Lullaby”.
Canción de cuna eoliana
Modo Mixolydian
Este es un ejemplo del modo mixolídico en “Norwegian Wood” de Lennon/McCartney.
Madera noruega (extracto)
Estos modos se realizan fácilmente en el xilófono y hermosos e interesantes en su construcción. En particular, pueden sensibilizar a un niño sobre diferentes estados de ánimo y estética, permitiéndole nuevos modos a través de los cuales experimentar con la autoexpresión y también nuevo material con el que potenciar historias y narrativas.
Actividad 4B
Prueba esto
La forma más fácil de experimentar con los modos es comenzar y terminar en los lanzamientos descritos anteriormente. Intente experimentar con la escala Dorian D a D o la escala Mixolydian G-a-G.
Discurso y drama
Tanto las técnicas Orff como Kodály permiten a los niños experimentar con el lenguaje para sentirse cómodos con su propio habla interna y ritmos corporales. Crear poemas o piezas de discurso y agregar dinámicas, instrumentos/timbres musicales, tocar con la forma (agregar una introducción musical, bordun, etc.), y luego interpretarlos posibilita el proceso creativo de un niño a través del lenguaje.
Agregar música al drama
Tomar una historia y agregar efectos de sonido, leitmotiv, instrumentos, sonidos vocales, percusión corporal y actores y/o narrador también da vida a la literatura. El objetivo de un leitmotiv es ayudar al oyente a identificar un personaje principal o tema en la historia. Por ejemplo, a los personajes y temas se les da un patrón musical corto, y cada vez que aparece ese personaje o tema, se interpreta el patrón musical. Además, se agregan efectos de sonido para mejorar la acción o aportar un significado o experiencia más completa. Por ejemplo, si la historia habla de un timbre de campana, toca una campanilla en las glockenspiels para que los niños mayores respondan, o más mínimamente, golpear un triángulo. Excelentes historias para este tipo de actividades incluyen cuentos folclóricos o cuentos de hadas de todo el mundo. (Véase el Capítulo 12 sobre Integración para un ejemplo).
Actividad 4C
Prueba esto
Usa instrumentos básicos para experimentar con la creación o el cambio del estado de ánimo. Para los estudiantes de preescolar y primaria inferior, use un instrumento pequeño como un glockenspiel para tocar música suave y lenta para crear el ambiente para la siesta o para calmar a los niños para una transición a una nueva actividad. Realiza un ritmo enérgico en un tambor para involucrar a los niños a moverse o prepararse para una transición física más rigurosa.
Punta de juego rápido
La forma más fácil de hacer música hermosa en uno de los instrumentos Orff es quitar las barras “F” y “B” y luego tocar en las notas restantes. ¡Todo lo que tocas sonará maravilloso!
El Método Kodály
Es una verdad largamente aceptada que el canto brinda el mejor comienzo a la educación musical; además, los niños deben aprender a leer música antes de que se les proporcione algún instrumento... Incluso el artista más talentoso nunca podrá superar las desventajas de una educación sin cantar. (Kodály, 1974, p. 201, 204)
Filosofía de Kodály
La filosofía kodály de la educación musical apoya el papel de la música en el desarrollo intelectual, emocional, físico, social y espiritual de cada niño. Un principio central del enfoque de Kodály es que la música pertenece a todos, que una educación en la música es el derecho de todo ser humano y no puede dejarse al azar.
Zoltán Kodály (1882-1967) fue un etnomusicólogo y compositor de Hungría. Estaba consternado por la mala calidad de canto de los niños, y comenzó a crear métodos de enseñanza para mejorarlo. Su enfoque fue altamente secuencial. Comenzó con la lectura a primera vista y el dominio de ritmos y tonos básicos que gradualmente aumentaron paso a paso para volverse más complejos, a veces agregando solo una nueva nota o valor rítmico a la vez.
Kodály también estaba horrorizado por el tipo de canciones y repertorio que los niños estaban aprendiendo en la escuela, y comenzó a enfocarse en utilizar música folclórica auténtica y música compuesta de excelente calidad a través de la cual enseñar a los niños.
“Curwen Hand Signs” de The Standard Course of Lessons and Exercises de John Curwen. PD-US.
Representación de señales de mano de Solfeo de Curwen. Esta versión incluye las tendencias tonales y títulos interesantes para cada tono.
Figura 5. Letreros de mano Kodály adoptados de Curwen
Letreros de mano Kodály
Aunque no inventó los signos de mano, Kodály sí realizó alteraciones basadas en dos sistemas de signos de mano previamente establecidos: el sol-fa de Norwich de Sarah Glover (1845) y el tónico sol-fa de John Curwen (1858). Los signos de mano están muy asociados con el método Kodály, que utiliza los signos de mano para ayudar a los niños a visualizar la relación espacial entre las notas. Esto ayuda en el canto adecuado y correcto en el campo, así como la lectura a la vista y el entrenamiento del oído.
Posicionamiento de las señales de mano
Al usar signos de mano, el Do bajo debe colocarse en su cintura o sección media, con el Do superior aproximadamente al nivel de los ojos. Los signos de otra mano se colocan equidistantemente entre los dos Do's.
Solfege en Kodály
Aunque el canto solfeo estaba por ahí mucho antes de Kodály, se hizo conocido por ello ya que lo usaba extensamente en sus ejercicios de sistema de canto a vista y a lo largo de su método. Solfeo corresponde a las notas de la escala mayor, utilizando las sílabas Do, Re, Mi, Fa, Sol, La y Ti. Estas palabras a menudo se abrevian como D, R, M, F, S, L, T y D.
En términos de notación, los ejercicios de Kodály no tienen que utilizar el pentagrama musical regular. En cambio, ejercicios e incluso canciones se pueden escribir usando solo la D, R, y M, etc., con el ritmo anotado al respecto.
Por ejemplo, la canción “Mary Had a Little Lamb” se vería así.
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q q q q\\ M R D |
q q q (r) M M M |
q q q (r) R R R |
q q q (r) M S |
|
q q q q M R D |
q q q q M M M M |
q q q q R R M |
q (r) (r) (r) D |
El uso del solfeo es una manera altamente efectiva de enseñar a los niños que la música o las notas son entidades separadas de las letras. Enseñar una canción usando solfeo en lugar de la letra ayuda al oyente a escuchar patrones e intervalos, e incluso a entender frases y formas que de otra manera podrían quedar oscurecidas por la letra.
Secuencia de enseñanza de Solfeo
La técnica de canto kodály comienza con el niño practicando solo unos pocos tonos y dominándolos antes de pasar a otra nota; por ejemplo, comenzando con solo un 3er intervalo menor de Sol y Mi, y agregando gradualmente la La después de que se dominen el Sol y Mi. Poco a poco, el niño ampliará el número de tonos aprendidos para incluir la escala pentatónica mayor (Do, Re, Mi, Sol, La), y la escala pentatónica menor (La, Do, Re, Mi, S).
Ejemplos de ejercicios de Kodály
Después de que estos sean dominados, se introduce al alumno a todos los tonos diatónicos (Do, Re, Mi, Fa, Sol, La, Ti, etc.) y luego a las alteraciones accidentales.
Repertorio
Kodály no sólo fue compositor y musicólogo, sino etnomusicólogo temprano. Recopiló decenas de canciones folclóricas de su Hungría natal y las utilizó en su método. Cuando se usa el método Kodály en Estados Unidos, se utilizan canciones folclóricas estadounidenses.
Amar a alguien
Canción folclórica americana
Encima de Old Smoky
Canción de cortejo de los Apalaches
La Kodály Song Web contiene cientos de canciones folclóricas americanas y otras de todo el mundo, así como información musical sobre cada canción para ayudar a los maestros a aprender y enseñarlas.
Sílabas rítmicas kodály
Kodály también incorpora sílabas rítmicas en su método. Estas sílabas se basan en la obra de Emile-Joseph Cheve, un teórico francés. Estas sílabas también se enseñan secuencialmente, y comienzan desde valores básicos de nota (es decir, notas de cuarto) hasta combinaciones más complejas.
Sílabas rítmicas kodály
Movimiento en Kodály
Aunque era principalmente conocido por popularizar los signos de la mano solfeo y las sílabas rítmicas, Kodály también reconoció el valor del movimiento corporal. Se inspiró en el uso del movimiento del educador suizo Emile-Jacques Dalcroze (ver abajo), e incorporó caminar, correr y aplaudir en sus estrategias de enseñanza.
leer Más Explorando Kodály: Filosofías, Materiales y Pedagogía (Dra. Pattye Cesarow)
Edwin Gordon
Edwin Gordon desarrolló su Teoría del Aprendizaje Musical después de años de investigación y estudios musicales. Music Learning Theory explora cómo aprendemos cuando estamos aprendiendo música. Como muchos otros investigadores antes que él, Gordon se dio cuenta de que nos falta terminología para explicar todos los procesos complejos que continúan con el aprendizaje y la escucha de la música. El concepto principal de Gordon se llama audición, que define como “escuchar y comprender en la mente el sonido de la música que no está, o puede que nunca haya estado, físicamente presente” (2007, p. 399).
Filosofía
Según Gordon, cada uno de nosotros nacemos con aptitud musical. Al igual que con otros potenciales de aprendizaje humano, existe una amplia gama de niveles de aptitud musical distribuidos entre la población humana. Además, tanto la aptitud musical como el logro musical dependen de la audición; es decir, nuestro potencial de aprendizaje musical y nuestros logros de aprendizaje musical se basan en nuestro pensamiento musical. Lo más importante es que el pensamiento musical va más allá de la mera imitación y conduce a la comprensión musical (2007).
La secuencia de aprendizaje de habilidades de Gordon se basa en dos categorías principales de aprendizaje: Discriminación e Inferencia. El aprendizaje discriminatorio ocurre por memoria, y ocurre cuando un maestro enseña los bloques básicos de la música: vocabulario y patrones auditivos y rítmicos. El aprendizaje de inferencia ocurre conceptualmente, donde el estudiante es capaz de identificar, crear e improvisar con materiales musicales ya aprendidos. El alumno en este punto está descubriendo la música por su cuenta.
El aprendizaje rítmico implica comprender tres conceptos básicos: el macrobeat, el microbeat y el ritmo melódico. Los macrobeats son aquellos que sentimos como ritmos principales o latidos más largos como cuando estamos bailando. En 4/4 o 2/4 tiempo, por ejemplo, el macrobeat está representado por notas de cuarto, mientras que en 3/4 de tiempo está representado por la mitad punteada.
Ejemplos de Macrobeats
Los microlatidos son más cortos que los macrolatidos y representan la división igual del macrobeat. En 4/4 o 2/4 tiempo, los microlatidos estarían representados por las notas octavas, mientras que en 3/4 los microlatidos de tiempo estarían representados por las notas de cuarto.
Ejemplos de Microbeats
El ritmo melódico se refiere a cualquier patrón rítmico en una pieza. Los ritmos pueden relacionarse con la melodía o el texto de una pieza musical. Similar a Kodály, Gordon también utilizó dos tipos de solfeo: solfeo tonal (do, re, mi, etc.) para los tonos y solfeo rítmico para ritmo (du de, du de, etc. para representar duple meter, y du da di, du da di para representar triple).
Su enfoque comienza en un nivel holístico, donde el alumno experimenta toda la canción, pieza, etc.; aplica análisis; y luego vuelve a experimentar el todo pero ahora a través de la lente de haber analizado en detalle el funcionamiento interno.
Similar a otros enfoques de aprendizaje secuenciados, como la Zona de Desarrollo Proxial de Vygotsky o andamios, el enfoque de Gordon se basa en un aumento gradual en la dificultad del nivel de habilidad a medida que avanza el estudiante. Por ejemplo, debido a que improvisar música es mucho más complejo que imitar patrones básicos, se requiere de este último para interpretar el primero. Este proceso de “Toda la Parte-Entera” recomienda primero participar en actividades generalizadas para “experimentar el todo”, luego avanzar a “Estudiar las partes”, finalmente regresar nuevamente a toda la pieza musical (Valerio, n.d.)
leer mas El enfoque de Gordon
Dalcroze
Emile-Jacques Dalcroze es un educador suizo mejor conocido por su eurritmica, que incorpora ritmo, estructura y expresión musical con movimiento. El objetivo final es desarrollar la conciencia cognitiva y cinestésica total a través del sonido. La música actúa como un estímulo al que responde el cuerpo, tras lo cual la sensación regresa al cerebro para formar emociones, lo que profundiza la significación de la experiencia.
Filosofía
La filosofía Dalcroze se centra en el concepto de que la síntesis de la mente, el cuerpo y las emociones resultantes es fundamental para todo aprendizaje significativo. Platón dijo en sus Leyes: “La educación tiene dos ramas, una de gimnasia, que se ocupa del cuerpo, y la otra de la música, que está pensada para la mejora del alma” (Pennington, 1925, p. 9). Emile-Jaques Dalcroze creía que todo músico debía esforzarse por ser sensible y expresivo, y por expresar la música a través del movimiento intencional, el sonido, el pensamiento, el sentimiento y la creatividad.
Mead (1994) cita cuatro premisas básicas que encapsulan la filosofía Dalcroze:
- Eurythmics despierta las imágenes físicas, auditivas y visuales de la música en la mente.
- Solfeo (canto a la vista y entrenamiento del oído), improvisación y eurhythmics trabajan juntos para mejorar la musicalidad expresiva y mejorar la comprensión intelectual.
- La música se puede experimentar a través del habla, el gesto y el movimiento.
- Estos también se pueden experimentar en el tiempo, el espacio y la energía. Los humanos aprenden mejor cuando aprenden a través de múltiples sentidos. La música debe enseñarse a través de los sentidos táctiles, cinestésicos, auditivos y visuales.
El enfoque Dalcroze se basa en eurhythmics, que enseña ritmo, estructura y expresión musical a través de la música. Eurythmics comienza con el entrenamiento del oído, o solfeo, para desarrollar el oído musical interno. Esto difiere del uso del solfeo por parte de Kodály en que siempre se combina con el movimiento. Otro componente del método se refiere a la improvisación, que ayuda a los estudiantes a agudizar sus reacciones espontáneas y respuestas físicas a la música.
Tipos de movimiento
Cada movimiento implica tiempo, espacio y fuerza, y los tres deben tenerse en cuenta al moverse, prestando mucha atención a los atributos musicales del movimiento. Tiempo: Tempo (tasa de velocidad) y duración (rápido, moderado, lento)
- Espacio: dirección, distancia recorrida, nivel, dimensión (grande, pequeña), trayectoria (recta, retorcida) y enfoque
- Fuerza: Energía o poder gastado, calidad del movimiento y cualquier adjetivo para describir el movimiento (por ejemplo, pesado, ligero, agudo, enérgico, suave)
El movimiento que permanece estacionario se llama no locomotor, mientras que el movimiento que se mueve a través del espacio es locomotor.
- No locomotor (movimiento en su lugar):
- Estirar, rizar, aplaudir, snap, patsch, tap, stomp, twist, turn, conduct, sway, jump, bend, speak, stretch, swing, reach
- Locomotor (movimiento a través del espacio):
- Caminar, deslizar, saltar, correr, salto, galope, salto, salto, deslizarse, arrastrarse, rodar, trotar
Independientemente del tipo, los movimientos deben ser sobre todo musicales. Los movimientos también deben ser enfocados y reflexivos; es decir, la preparación debe ocurrir antes de cada movimiento; el movimiento debe tener en cuenta la longitud completa del latido; y el movimiento debe regresar al estado de pre-preparación. Es esencial que el movimiento se coordine con el ritmo de la música, el ritmo y el fraseo (dependiendo del ejercicio).
Los ejercicios de Dalcroze son siempre secuenciales, comenzando por los más simples y cada vez más complejos a medida que los estudiantes dominan y desarrollan sus habilidades. A los niños se les introduce elementos musicales clave como el medidor, la dinámica, los ritmos, el tempo, la duración, la melodía, la forma, la frase y el tono.
Tipos de eurritmicos
Existen cuatro tipos de ejercicios eurrítmicos básicos:
- Seguir
- Reacción rápida
- Canon interrumpido
- Canon
- Un ejercicio de seguimiento es un ejercicio básico de respuesta música-movimiento. Los alumnos responden físicamente a los sonidos que escuchan.
Ejemplos:
Los alumnos caminan al ritmo de la música (piano, batería, etc.) y responden a cambios de tempo (acelerando o desacelerando), ritmos (caminar sobre notas de cuarto, correr en octavos, saltarse en ritmos punteados), etc.
- Un ejercicio de reacción rápida requiere que los estudiantes respondan a señales o señales verbales.
Ejemplos:
Los alumnos se mueven mientras se reproduce la música y se congelan cuando la música se detiene o el maestro grita un comando. Los estudiantes también pueden cambiar sus movimientos en una señal dada, como cambiar de un loco-motor a uno no loco-motor cuando escuchan un ritmo de batería o un timbre o cuando la música se detiene.
- Un canon interrumpido es similar a un “eco” donde los estudiantes imitan o hacen eco de un latido, patrón, etc. El canon interrumpido es un ejercicio preparatorio para el canon.
Ejemplos:
Los alumnos escuchan un ritmo y luego lo hacen eco de nuevo en su cuerpo (regazo, aplauso, etc.).
- Un canon requiere que los estudiantes hagan eco de un patrón, pero una medida más tarde. Mientras están realizando su patrón, están escuchando y memorizando simultáneamente el nuevo patrón.
Ejemplos:
El maestro aplaude patrones. Los estudiantes responden una medida más tarde mientras absorben continuamente el patrón que se está realizando actualmente. Pasar el patrón: Una versión más desafiante de esto es que los estudiantes formen dos líneas rectas. El maestro se pone al frente y “pasa” un patrón al primer alumno en una de las líneas. Ese estudiante luego se lo “pasa” a su pareja al otro lado del pasillo, quien luego lo pasa por el pasillo, etc. Todo el tiempo, se están formando y pasando nuevos patrones.
El movimiento dalcroze requiere que los niños escuchen y respondan simultáneamente. La música refleja los movimientos físicos esperados. Por ejemplo, la música para caminar o marchar está en dupla metro y usa notas de cuarto estables, la música para correr contiene notas octavas, saltar la música usa ritmos punteados, la música de salto contiene grandes saltos de intervalo, y así sucesivamente.
Reggio Emilia
Aunque no es una aproximación a la enseñanza de la música en sí misma, vale la pena explorar este método educativo popular en su relación con la educación musical. El enfoque básico utiliza el descubrimiento en términos de aprendizaje musical, y también es sincrónico con muchos de los enfoques de aprendizaje del siglo XXI discutidos en el Capítulo 1.
- El niño como creador de su propio aprendizaje
- El niño y el adulto como investigadores
- El ambiente como tercer maestro
- La documentación como comunicación
- Los 100 lenguajes expresivos de los niños
- El diálogo entre niño y adulto
- Trabajo colaborativo (Smith, 2011)
Suzuki
Quiero hacer buenos ciudadanos. Si un niño escucha música fina desde el día de su nacimiento y aprende a tocarla él mismo, desarrolla sensibilidad, disciplina y resistencia. Obtiene un corazón hermoso.
—Shin'ichi Suzuki
Hace más de 50 años, el violinista japonés Shin'ichi Suzuki se dio cuenta de la implicación musical del hecho de que todos los niños aprenden a hablar su idioma nativo con facilidad. Comenzó a aplicar los principios básicos de la adquisición del lenguaje al aprendizaje de la música, y llamó a su método el enfoque de la lengua materna.
Suzuki entendió que hacer buenos músicos requiere inversión en el desarrollo de todo el niño -desde su moralidad hasta su carácter y capacidad para ser buenos ciudadanos. Solo en este contexto más amplio puede el niño enfocarse en desarrollar su habilidad musical. Las ideas de responsabilidad de los padres, estímulo amoroso, repetición constante, etc., son algunas de las características especiales del enfoque Suzuki.
Cuando un niño aprende el lenguaje, se somete a una forma muy extensa de enculturación. Comienzan escuchando y repitiendo, dominando el proceso lingüístico paso a paso. Luego tienen que memorizar, construir vocabulario, y están motivados por factores ambientales, culturales y sociales, incluido el del amor. Para aprender música usando el enfoque Suzuki, el niño debe replicar los pasos del aprendizaje de idiomas escuchando excelentes grabaciones para que la música hermosa se convierta en parte de su entorno natural. Las grabaciones también proporcionan inspiración y sientan las bases para comprender el vocabulario y la estructura de la música. La participación de los padres también es clave para el éxito del estudiante, y los padres brindan motivación diaria, aliento y apoyo. Los padres suelen aprender el instrumento junto con el niño, actuando como modelos musicales a seguir y manteniendo una atmósfera de aprendizaje positiva para que el niño tenga éxito.
Recursos
Organización de Educadores Kodály Americanos https://oake.org/default.aspx
La Sociedad Dalcroze de América http://www.dalcrozeusa.org/
El Instituto Gordon para el Aprendizaje Musical http://giml.org/
La Asociación Americana de Orff-Schulwerk http://www.aosa.org/
La Asociación Suzuki de las Américas http://suzukiassociation.org/teachers/twinkler/
Alianza para la Creación de Música Activa http://www.allianceamm.org/
Referencias
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El vocabulario
canon (Dalcroze): un ejercicio eurrítmico en el que los estudiantes hacen eco de un patrón, pero una medida más tarde, y mientras están realizando su patrón, están escuchando y memorizando simultáneamente un nuevo patrón
Signos de mano Curwen: símbolos de mano desarrollados para representar las notas de la escala; es decir, do, re, mi, fa, sol, la, ti, do
drone: un tono bajo continuo producido por las tuberías de bajo o cuerdas de bajo de instrumentos musicales
música elemental (Orff): es música basada en patrones construida sobre el habla natural y los ritmos corporales, patrones melódicos familiares y formas simples que los niños pueden entender e interpretar fácilmente sin una formación musical extensa
eurhythmics (Dalcroze): un método de instrucción desarrollado por Dalcroze para introducir el ritmo, la estructura y la expresión musical a través del movimiento; el objetivo final del método es desarrollar la conciencia cognitiva y cinestésica total a través del sonido
follow (Dalcroze): un ejercicio eurrítmico básico en el que los alumnos responden físicamente a los sonidos que escuchan
fuerza: fuerza, energía, potencia, intensidad
Instrumentarium (Orff): instrumentos utilizados para tocar música Orff
canon interrumpido (Dalcroze): un ejercicio eurrítmico en el que los estudiantes imitan o hacen eco de un latido o patrón; un ejercicio preparatorio para el canon
locomotor: movimiento a través del espacio
metalófono: cualquier instrumento musical que consiste en una serie graduada de piezas metálicas que pueden ser golpeadas por martillos operados manualmente o tocados con un teclado
Enfoque de lengua materna (Suzuki): los niños son influenciados por su entorno con música fina
movimiento: mover el cuerpo para ir con el ritmo o sonido de la música
no locomotor: movimiento en su lugar
ostinato: un fragmento melódico constantemente recurrente
reacción rápida (Dalcroze): un ejercicio eurrítmico en el que los estudiantes reaccionan a signos o señales verbales
sílabas rítmicas: representaciones rítmicas desarrolladas por Kodály
solfeo: un sistema de sílabas utilizado para el canto a la vista; cada nota de la escala está representada por una sílaba: do, re, mi, fa, sol, la, ti, do
espacio: la porción o extensión de este en un caso dado; la superficie diseñada y estructurada de una imagen
tiempo: un periodo o intervalo limitado, como entre dos eventos sucesivos
xilófono: un instrumento musical que consiste en una serie graduada de barras de madera generalmente sonadas golpeando con pequeños martillos de madera