3.2: Art Nouveau (1890-1914)

Introducción

El diseño del Art Nouveau trajo un estilo ornamental y decorativo de obras de arte basado en largas líneas lineales, moviéndose asimétricamente a lo largo del diseño. Los artistas usaban frecuentemente las formas de la naturaleza; los insectos y sus alas o cómo la flor crece y se retuerce. El estilo se aplicó a la pintura, los grabados, la arquitectura, el vidrio, los muebles y la joyería, a menudo detallados y creados con múltiples materiales. A partir de la década de 1890 en Europa y América, el movimiento continuó casi hasta la Primera Guerra Mundial y fue influenciado por el arte japonés Ukiyo-e. Henri de Toulouse-Lautrec adelantó la aceptabilidad con sus dramáticos carteles de mujeres, no en escenas tradicionales, creados con líneas y colores dramáticos. El movimiento también contaba con elementos rococó, utilizando oro dorado o materiales lujosos. La mujer se convirtió en uno de los temas principales. Durante este periodo, las mujeres fueron frecuentemente “mantenidas como mascotas virtuales, colocadas en pedestales de mármol y hechas para sentirse indefensas y por lo tanto deseables”. [1] La ropa de mujer era restrictiva a principios de siglo hasta que las mujeres comenzaron a trabajar, necesitando ropa que fluyera libremente en lugar de un vestido victoriano encorsetado. Los artistas Art Nouveau tendían a retratar a las mujeres como compañeras de juegos, posaban en posturas provocativas y vestían adornos decorativos.

Críticos e historiadores han estado en desacuerdo sobre la caracterización del arte y la segregación de la pintura y las esculturas en una categoría de bellas artes y el resto en artes decorativas. El Art Nouveau puentó el argumento, incorporando diseños en muebles, arquitectura u otras formas decorativas, abrazando la idea que el arte debe encontrarse como parte de la vida ordinaria. Las formas femeninas, las plantas y las flores se convirtieron en sujetos comunes incorporados a los diseños. Los artistas presionaron más allá de los límites, agregando patrones inusuales y belleza a cualquier objeto, empujando los límites de las imágenes clásicas o predecibles. Los artistas incluidos son:

Gustav Klimt

Gustav Klimt (1862-1918) nació en Austria y estudió arte en la Escuela de Artes Decorativas de Viena. Inició su estudio especializándose en pintar murales de estilo clásico, recibiendo muchos encargos para los edificios públicos vieneses. Alrededor de los treinta y cinco años, ayudó a crear un nuevo grupo de artistas que querían desarrollar sus estilos independientemente de los estándares existentes. Klimt sí pintó paisajes, aunque su principal interés fue la figura. En 1894, fue contratado para pintar murales en la Universidad de Viena, pinturas llamadas pornográficas y radicales y nunca colgadas en el edificio. Cuando las fuerzas SS de la Alemania nazi se retiraban en la Segunda Guerra Mundial, destruyeron las tres pinturas murales por inaceptables.

Después de fallar en Viena, Klimt inició lo que muchos llamaron su 'fase dorada', cuando utilizó pan de oro en sus pinturas. Había viajado a Italia y estaba motivado por los mosaicos bizantinos y el uso del oro. Klimt utilizó el concepto de oro en sus pinturas y tuvo mucho éxito con el estilo, desarrollando un conjunto de mecenas. Cuando pintaba un tema, por lo general tenían que sentarse por largos periodos mientras él pintaba el espectacular detalle. La mayoría de sus pinturas siguieron un tema similar durante sus periodos dorados, dominados por una mujer, frecuentemente en posiciones eróticas. Las Tres Edades de la Mujer (5.2.1) demuestra los sujetos alegóricos de Klimt, el pequeño niño sostenido por la joven junto a la mujer mayor que inclina la cabeza, los símbolos del paso del tiempo. Klimt había visto una escultura de Rodin con una mujer mayor y utilizó la misma forma de cuerpo para la pintura. Originalmente, el fondo estaba pintado con su habitual color dorado; sin embargo, el tema no encajaba con el color, y cambió a una paleta más oscura.

Figura\(\PageIndex{1}\): Las tres edades de la mujer (1905, óleo sobre lienzo, 180 x 180 cm) Dominio público

El retrato de Adele Bloch-Bauer (5.2.2) se completó durante el apogeo del período de oro y la carrera de Klimt. Mezcló la visión más suave y natural de su rostro y manos con las capas brillantes, reflectantes y geométricas de formas parecidas a mosaicos que forman las imágenes de la silla y el vestido contra el fondo dorado. Klimt utilizó una mezcla de pan de oro y plata con pintura al óleo hecha con una carpeta de tiza. Su marido encargó la pintura, y tras su muerte, junto con su otra colección de arte, el retrato fue incautado por la Alemania nazi. Después de la guerra, el cuadro fue localizado en una galería que albergaba otras obras tomadas por los nazis. En 1998, luego de que la galería se negó a dar a conocer el retrato a los herederos legales y se hizo una reclamación ante la Suprema Corte de Estados Unidos. Su fallo devolvió la pintura y otras obras a sus herederos legales.

Figura\(\PageIndex{2}\): Retrato de Adele Bloch-Bauer (1907, óleo, plata y oro sobre lienzo, 138 x 138 cm) Dominio público

El beso (5.2.3) es la más conocida de las pinturas de Klimt que representan su periodo dorado. Usando un lienzo cuadrado, aplicó pintura al óleo con múltiples capas de pan de oro. La imagen retrata a una pareja abrazándose; su suntuosa túnica con cuadrados se entrelaza con su esbelto vestido decorado con círculos. Se ve su rostro completo mientras el rostro del hombre se esconde en el beso. Cuando Klimt pintó la imagen a los 45 años, vivía con dos de sus hermanas y su madre, una vida aparentemente respetable que ocultaba sus continuos asuntos con múltiples mujeres, y se creía que había engendrado catorce hijos. Los historiadores sugieren que esta pintura refleja su continuo interés por el erotismo ya que la intimidad de la pareja es evidente, aunque parcialmente oculta en la opulencia, de pie en un prado de flores.

Figura\(\PageIndex{3}\): El beso (1907-1908, óleo y pan de oro sobre lienzo, 180 x 180 cm) Dominio Público

Alphonse Mucha

Alphonse Mucha (1860-1939), nacido en una zona que ahora forma parte de la República Checa, era conocido por su don de pintar y cantar desde temprana edad. Después de postularse a la Academia de Bellas Artes de Praga para su formación, se fue a Viena y trabajó pintando escenarios para el teatro. Cuando el teatro se incendió, viajó a otras ciudades de la zona, aprendiendo a pintar murales hasta que uno de sus mecenas pagó por Mucha para ir a París a estudiar. Otro artista checo en París fue ilustrador, y Mucha decidió probar la ilustración para ganar dinero. En 1894, la actriz Sarah Bernhardt, en París para una nueva inauguración, fue a la editorial donde Mucha pasó a estar trabajando, y ella le pidió que creara un cartel en un horario corto. Esto inició su reputación, y continuó haciendo carteles, etiquetas de productos, paneles de azulejos, membretes y otros esfuerzos comerciales, todo ello basado en composiciones con colores y matices naturales y las sensuales líneas curvas art nouveau.

El primer póster de Mucha fue Gismonda (5.2.4), el anuncio de la próxima obra de Sarah Bernhardt, una relación que duró años ya que hizo varios carteles diferentes para sus obras. Los carteles se colgaron por todo París, dando fama instantánea a Mucha. Los colores sutiles y la forma larga se volvieron característicos de muchos de sus carteles; el estilo Mucha. Ensambló las palabras y la rama de palma para formar un arco sobre su cabeza, marca registrada que también utilizó en múltiples carteles.

Figura\(\PageIndex{4}\): Gismonda (1894, litografía, 216 x 74.2 cm) Dominio público

En París, una compañía de champaña encargó el cartel Moet & Chandon Cremant Imperial (5.2.5) para anunciar su nuevo producto en el mercado. Mucha usó colores azules suaves, blancos, rosados y marrones, con la esperanza de darle al póster un aspecto sofisticado para el champán caro. Añadió sus características líneas arremolinadas y flores en su técnica, muy parecida a una firma para demostrar su obra.

Figura\(\PageIndex{5}\): Moet & Chandon Cremant Imperial (1899, litografía, 60.8 x 23 cm) Dominio público

Cuando Mucha tenía cuarenta y tres años, regresó a su casa original y pintó las imágenes monumentales llamadas La épica eslava, un homenaje a la historia del pueblo eslavo de la zona. Cada escena de los veinte inmensos lienzos retrataba una amplia gama de hechos históricos específicos. Afortunadamente, pudo obtener financiamiento de un filántropo estadounidense para apoyar el proyecto, incluyendo alquilar un castillo con suficiente espacio para colgar los enormes lienzos. Diez de las pinturas se basaron en la historia checa, y las otras diez en eventos en toda la zona eslava, lo que llevó a Mucha más de quince años. Todo el conjunto fue entregado a la Ciudad de Praga para celebrar su décimo aniversario de libertad. La épica eslava No. 5 Rey Premysl Otakar II de Bohemia (5.2.6) retrata al rey famoso por sus capacidades militares y riqueza de las minas de plata. Unió a muchos de los otros feudos y trajo la paz. El cuadro representa al rey saludando a los asistentes en la boda de su sobrina; la carpa de fondo fue erigida dentro de la capilla.

Figura\(\PageIndex{6}\): Eslava Épica No. 5 Rey Premysl Otakar II de Bohemia (1924, óleo sobre lienzo, 405 x 480 cm) Dominio público

Épica eslava No. 6 La Coronación del zar serbio Stefan Dusa n (5.2.7) retrata la procesión del zar que logró múltiples victorias militares, expandiendo su territorio. El zar Dusan se encuentra de pie en el medio con otros sosteniendo su túnica, jovencitas liderando la procesión para representar a la nueva generación de esperanza.

Figura\(\PageIndex{7}\): Épica eslava No. 6 La coronación del zar serbio Stefan Dusan (1926, óleo sobre lienzo, 480 x 405 cm) Dominio público

 

Antoni Gaudí

Antoni Gaudí (1852-1926), nacido en la zona catalana de España, era un niño con mala salud que fue reconocido temprano por sus habilidades artísticas. Estudió arquitectura y humanidades, recibiendo rápidamente comisiones, ganándole una sólida reputación y un mecenas patrocinadoras que ayudaron significativamente en su carrera. Gaudí entendió los elementos de un edificio, cómo forjar hierro, el aspecto de los mosaicos y las vidrieras, y cómo se llenaba el espacio, todo lo que le ayudaba a desarrollar su estilo ya que Gaudí incorporaba una sensación orgánica con superficies curvas en sus diseños de edificios. Utilizó coloridas baldosas cerámicas, ladrillos estampados y trabajos metálicos inusuales dispuestos en patrones animados. Su estilo distintivo se denominó Modernismo Catalán, un nuevo uso ornamental de materiales conformados en formas geométricas

En 1883 se le dio a Gaudí la tarea de construir la catedral de Barcelona, La Sagrada Familia (5.2.8). Si bien los planos ya estaban terminados, Gaudí rediseñó por completo los conceptos, haciendo de la catedral su estilo. Quería un edificio que pudiera pararse sin contrafuertes externos ni tirantes internos y utilizara columnas inclinadas para sostener los techos abovedados. Para 1910, el muy religioso Gaudí detuvo cualquier otra obra para centrarse en la catedral, incluso viviendo en el taller. Cuando murió en 1926, la catedral aún estaba inconclusa; sólo se había terminado una de las cuatro torres, y el resto del edificio aún se encuentra en construcción en la actualidad. Algunos historiadores describieron la catedral como una arquitectura sobresaliente y creativa, mientras que otros pensaban que era el edificio de aspecto más extraño.

Gaudí sabía que la construcción terminada de la iglesia continuaría más allá de su vida y escribió: “No hay razón para lamentar que no pueda terminar la Iglesia. Voy a envejecer, pero otros vendrán tras de mí. Lo que siempre se conservará es el espíritu de la obra, pero su vida depende de las generaciones a las que se transmita...” [2] Hoy, La Sagrada Familia está en proceso de construcción adicional para completar el diseño de Gaudí para 2026, el 100 ^aniversario de la muerte de Gaudí, sumando seis torres e incorporando el elaborado esquema decorativo de Gaudí.

Figura\(\PageIndex{8}\): Sagrada Familia (90 x 60 x 45 metros) CC BY-SA 4.0

La nave dentro de la catedral (5.2.9) se elevó a cuarenta y cinco metros y se construyó para formar una bóveda hiperboloide, una estructura de torre que se curva hacia adentro en lugar de seguir una línea recta o curvarse hacia afuera. Gaudí tomó sus ideas de los árboles de la naturaleza, dejando que los pilares y ramas se asemejen a un árbol que llega al cielo, las columnas cambian de forma de cuadrado a octágono a círculo, todo muy decorado.

Figura\(\PageIndex{9}\): Fachada de Natividad, CC0 1.0

La primera fachada terminada, en la que trabajó el propio Gaudí, fue el belén (5.2.10) con escultura ornamentada y decoraciones. El frente de la fachada está orientado hacia el sol a medida que sale por el oriente, con tres pórticos que representan la fe, la esperanza y la caridad, y cuatro campanarios dedicados a cuatro de los santos. Gaudí quería que esta fachada fuera el mapa de la estructura decorativa de la catedral, para que otros lo siguieran cuando ya no vivía para que pudieran continuar con sus diseños y conceptos.

Figura\(\PageIndex{10}\): Cúpula sobre nave, CC BY-SA 2.0

Casa Batlló (5.2.11) es un edificio en pleno centro de Barcelona y es considerada una obra maestra de Gaudí, símbolo del Art Nouveau. El edificio tiene pocas líneas rectas, ventanas irregulares y fachadas esculpidas de piedra y vidrio aplicadas en líneas onduladas de colores verde-azul que se asemejan a ondas en el agua. Múltiples balcones sobresalen de los lados con puertas de forma extraña y ornamentación de hierro forjado. El interior sigue los conceptos de diseño elaborado de Gaudí, arcos inusuales y paredes y ventanas coloridas.

Figura\(\PageIndex{11}\): Casa Batlló, CC BY-SA 3.0

El techo (5.2.12) se arquea hacia arriba y se describe como el dorso de un dragón, incluso cubierto con baldosas cerámicas brillantes que se asemejan a escamas. Una característica extraña es que la torreta con una cruz en la parte superior está dedicada a San Jorge, el asesino de dragones.

Figura\(\PageIndex{12}\): Techo en Casa Batlló, CC BY-SA 3.0

Louis Confort Tiffany

Louis Comfort Tiffany (1848-1933) inició su carrera como pintor y diseñador de interiores antes de trabajar con el vidrio, produciendo su primer conjunto de obras en 1893 y convirtiéndose en uno de los artistas más conocidos de Estados Unidos. Su padre fundó Tiffany Company, fabricando y vendiendo joyas. Louis Tiffany pudo viajar por toda Europa para estudiar diferentes artistas antes de enfocarse en el diseño de interiores. Uno de sus primeros proyectos fue una ventana para su estudio, un experimento con métodos no tradicionales. Incorporó técnicas para hacer que el vidrio pareciera marmolado con cualidades iridiscentes, agregó pequeños trozos de vidrio para un aspecto de confeti y cortó otras piezas en bruto. Tiffany construyó su reputación con las únicas ventanas de vidrio, formando su propia compañía y expandiéndose en lámparas y jarrones.

Desarrolló vidrio 'favrile', una nueva forma con color arraigado en el vidrio, dando una calidad iridiscente con un aspecto específico del color. Añadió diferentes óxidos metálicos al vidrio fundido; los óxidos se absorbieron como parte del vidrio y produjeron un aspecto iridiscente único. Los colores eran tan inusuales que tenían nombres específicos, entre ellos Aqua Marine —el color de las aguas profundas con luces de bronce en ella, un verde pálido con objetos... flotando en el agua, o Tel-al-Amana, una forma de sombreado turquesa de turquesa a verde pavo real, y Azul Mazarin, un azul profundo con sombreado púrpura. El vidrio parecía muy delicado; sin embargo, es conocido por su durabilidad. [3] La capacidad de crear sus colores de vidrio lo liberó de los métodos tradicionales de pintar los colores sobre vidrio. Al hacer que el color sea parte del vidrio en sí, el vidrio mantuvo su verdadera transparencia, dejando entrar más luz y realzando los colores en el vidrio.

Debido a que el vidrio estaba hecho con varios colores, estrías y texturas, los vidrieros podían usar piezas largas de vidrio de forma aleatoria para crear la ventana sin pintar el vidrio antes de disparar. La ventana, Magnolias e Iris (5.2.13) se hicieron como monumento conmemorativo, representando magnolias hechas de vidrio opalescente para cortinas dobladas junto con iris en múltiples tonalidades.

Figura\(\PageIndex{13}\): Magnolias e Iris (1908, vidrio favrile plomado, 153 x 106.7 cm) Dominio público

La sección de primer plano de la ventana (5.2.14) Tiffany instalada en su estudio muestra sus técnicas. El vidrio blanco en la parte superior demuestra el experimento de Tiffany con el aspecto confeti, incrustando pequeños trozos de vidrio. También utilizó grandes piezas de vidrio rugoso en la ventana, desarrollando una apariencia dimensional. El vidrio de opalescencia veteado dejó brillar la luz a través de los múltiples colores que creó en el vidrio.

Figura\(\PageIndex{14}\): Parte de ventana (ca 1880, vidrio plomado, 61.6 x 74.9 x 3.2 cm) Dominio público

La lámpara de nenúfar (5.2.15) es el diseño más conocido de Tiffany. La base tiene un grupo de almohadillas de lirio cuyos tallos se mueven hacia arriba por la base y caen fuera de la parte superior de la sombra para sostener las flores. Tiffany usó una variedad de tipos de vidrio, colores alternos y la luz de la lámpara, resaltando el aspecto opalescente de cada flor.

Figura Lámpara de\(\PageIndex{15}\): nenúfar (1904-15, vidrio favrile plomado y bronce, pantalla 37.1 cm de alto) Dominio Público

Jarrón 1 (5.2.16) es un ejemplo de los cientos de estilos de jarrones realizados por su compañía. El vidrio era originalmente transparente, luego se le agregó una capa de químicos al interior, dándole un brillo dorado. Se agregaron diferentes óxidos para crear las flores y hojas al azar alrededor de la mitad superior bulbosa del jarrón que se asemejan a una pera invertida. A Tiffany le gustó tanto el diseño; que hizo una serie de jarrones de gloria matutina.

Figura\(\PageIndex{16}\): Jarrón 1 (1913, vidrio favile, 16.8 cm) Dominio público

Jarrón 2 (5.2.17) es parte de la serie jack-in-the-púlpito. La sección de copa se asemeja a una flor con la mitad superior aplanada y abierta. El exterior del borde tiene volantes; el color iridiscente en la parte superior se desarrolló cuando el vidrio fundido se expandió para crear fisuras delgadas y dar al borde ancho una manifestación plumosa.

Figura\(\PageIndex{17}\): Jarrón 2 (1900-1915, vidrio favrile, 40.8 x 23 x 13 cm) CC BY-SA 3.0 de Sailko

Virginia Frances Sterrett

Virginia Frances Sterrett (1900-1931) era de Chicago, Illinois, y de niña, optó por dibujar en lugar de socializar con otros. Cuando su padre murió, la familia se fue a Missouri, y ella ganó numerosos premios en la feria estatal, luego regresó a Chicago para estudiar arte. A los diecinueve años, su salud comenzó a fallar cuando estaba infectada con tuberculosis. Afortunadamente, recibió un encargo de la Penn Publishing Company en 1920 para diseñar ilustraciones para el libro Old French Fairy Tales de Comptesse de Segur. Sterrett creó algunas de las imágenes en acuarela y otras en pluma y tinta. La princesa Rosalía (5.2.18) y El sueño (5.2.19) son ambas ilustraciones del libro de cuentos de hadas. Rosalie miró el árbol de excepcional belleza en el jardín mientras Violette se sentaba junto al agua mirando al feo sapo, un monstruo de sus sueños.

Figura\(\PageIndex{18}\): Princesa Rosalie (1920) Dominio público

       

Figura\(\PageIndex{19}\): El sueño (1920) Dominio público

The Tanglewood Tales fue escrito por Nathaniel Hawthorne cincuenta años antes; sin embargo, la misma editorial, Penn Publishing, le dio a Sterrett un encargo para ilustrar los cuentos debido a su éxito con los Old French Fairy Tales. Hawthorne adaptó los mitos griegos, escribiéndolos para niños. Se pensó que la impresión del libro en 1921 mejoró significativamente debido a las ilustraciones de Sterrett. Ariadna (5.2.20) muestra el momento en que aplaude, celebrando al monstruo asesinado.

Figura\(\PageIndex{20}\): Ariadna (1921), Dominio público

Jason (5.2.21) preguntó qué estaban viendo en el objeto resplandeciente ante ellos. Sterrett utilizó pluma y tinta con un lavado de color para crear ilustraciones detalladas, centrándose en combinaciones de azules, amarillos y líneas de lápiz.

Figura\(\PageIndex{21}\): Jason (1921), Dominio público

La familia se mudó a California, esperando que el clima más cálido ayudara a mejorar su salud; desafortunadamente, no mejoró y finalmente acudió a un sanatorio. Ahí, comenzó a trabajar en un libro propio, tanto de la autora como de la ilustradora. A medida que la tuberculosis seguía asolando su cuerpo, sólo dibujó por tiempos cortos. Su interpretación de Las mil y una noches, una comisión que tardó tres años en completarse, su último trabajo antes de morir, tenía apenas treinta años. Las mil y una noches originales se basaban en antiguos cuentos populares árabes, un tema para muchos autores diferentes, incluyendo historias sobre Aladdin, Scheherazade, Ali Baba y Simbad el Marinero. Muchos críticos creen que las ilustraciones de Sterrett para el libro son sus mejores. En la ilustración, Ellos bailaron (5.2.22) su exquisito trabajo y capacidad para utilizar pluma y tinta para crear amplios detalles dan fe de sus capacidades. Utilizó reflejos de amarillo/dorado y rojo para acentuar a los personajes contra los fondos profundos presentimientos. Tras su muerte, el St Louis Post-Dispatch publicó:

Su logro fue la belleza, una belleza delicada, fantástica, creada con pincel y lápiz. Casi desescolarizada en el arte, su vida transcurrió en lugares prosaicos de Occidente y Medio Oeste, hizo cuadros de inquietante belleza, sugiriendo tierras orientales que nunca vio y reinos mágicos que nadie conoció sino en los sueños de la infancia... Quizás fueron las dificultades de su propia vida las que le dieron a la obra de la joven artista su calidad imaginaria. En las escenas imaginativas que puso sobre el papel debió escapar de las duras realidades de la existencia. [4]

Figura\(\PageIndex{22}\): Bailaron (1928) Dominio público

Los conceptos Art Nouveau se encontraron en objetos distintos a la pintura, un movimiento que rompe con los estándares tradicionales del pasado. No obstante, con la erupción de la Primera Guerra Mundial y las devastadoras y sangrientas batallas, las líneas y colores delicados, curvilíneos, hermosos se volvieron inapropiados. Los artistas comenzaron a utilizar los diseños geométricos más angulares de los movimientos artísticos posteriores. Los conceptos de art nouveau se encontraron en todas partes en los detalles arquitectónicos. Gaudí incorporó formas imaginativas para columnas, techos y paredes en sus edificios. Tiffany utilizó la translucidez del vidrio para construir sus ventanas de vidrio. Ambos artistas experimentaron con cómo incorporaron el color a sus diseños.

 

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[1] Thompson, J. (1971). El papel de la mujer en la iconografía del Art Nouveau. Revista de Arte, 31 (2), 158-167. doi:10.2307/775570

[2] Fowler, A., Ubeis, J., (2010). Desarrollo de Capacidades en la Práctica, Routledge, p. 128.

[3] Lehmann, H. M. (2007). Vidrio y Cristalería, Prensa Lindemann, p. 120.

[4] St. Louis Post-Dispatch, 5 de julio de 1931, p. 41.