8.3: Fotografía temprana
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La fotografía siempre ha sido un medio polémico, ¿es un arte o una ciencia?
1826 - c. 1870
Fotografía temprana: Niépce, Talbot y Muybridge
Según los estándares modernos, la fotografía del siglo XIX puede parecer bastante primitiva. Si bien los paisajes en blanco y negro y la gente sin sonreír tienen su propia belleza austera, estas imágenes también desafían nuestras nociones de lo que define una obra de arte.
La fotografía es un medio de bellas artes polémico, simplemente porque es difícil de clasificar, ¿es un arte o una ciencia? Los fotógrafos del siglo XIX lucharon con esta distinción, tratando de conciliar la estética con las mejoras en la tecnología.
El nacimiento de la fotografía
Si bien el principio de la cámara era conocido en la antigüedad, la química real necesaria para registrar una imagen no estuvo disponible hasta el siglo XIX.
Los artistas del Renacimiento en adelante utilizaron una cámara oscura (latín para cámara oscura), o un pequeño agujero en la pared de una caja oscurecida que pasaría luz a través del agujero y proyectaría una imagen boca abajo de lo que fuera de la caja. No obstante, no fue sino hasta la invención de una superficie sensible a la luz del francés Joseph Nicéphore Niépce que nació el principio básico de la fotografía.
A partir de este punto el desarrollo de la fotografía se relacionó en gran medida con mejoras tecnológicas en tres áreas, velocidad, resolución y permanencia. Las primeras fotografías, como la famosa View from the Window at Gras (1826) de Niépce requerían una velocidad muy lenta (un largo periodo de exposición), en este caso alrededor de 8 horas, obviamente haciendo que muchos temas fueran difíciles, si no imposibles, de fotografiar. Tomada usando una cámara oscura para exponer una placa de cobre recubierta de plata y peltre, la imagen de Niépce se ve por una ventana de arriba, y parte de la calidad borrosa se debe a las condiciones cambiantes durante el largo tiempo de exposición, haciendo que la resolución, o claridad de la imagen, sea granulada y difícil de leer. Un desafío adicional fue el tema de la permanencia, o cómo detener con éxito cualquier reacción adicional de la superficie sensible a la luz una vez que se hubiera logrado la exposición deseada. Muchas de las primeras imágenes de Niépce simplemente se volvieron negras con el tiempo debido a la exposición continua a la luz. Este problema se resolvió en gran medida en 1839 por la invención del hipo, un químico que invirtió la sensibilidad a la luz del papel.
Mejoras tecnológicas
Los fotógrafos después de Niépce experimentaron con una variedad de técnicas. Louis Daguerre inventó un nuevo proceso que denominó daguerrotipo en 1839, que redujo significativamente el tiempo de exposición y creó un resultado duradero, pero solo produjo una sola imagen.
Al mismo tiempo, el inglés William Henry Fox Talbot estaba experimentando con su lo que eventualmente se convertiría en su método de calotipo, patentado en febrero de 1841. Las innovaciones de Talbot incluyeron la creación de un negativo de papel, y nueva tecnología que implicó la transformación de lo negativo a una imagen positiva, permitiendo más de una copia de la imagen. El notable detalle del método de Talbot se puede ver en su famosa fotografía, La puerta abierta (1844) que captura la vista a través de una entrada de aspecto medieval. La textura de las piedras ásperas que rodean la puerta, las viñas que crecen por las paredes y la escoba rústica que se inclina en la puerta demuestran los detalles minuciosos capturados por las mejoras fotográficas de Talbot.
El método del colodión se introdujo en 1851. Este proceso implicó fijar una sustancia conocida como algodón de pistola en una placa de vidrio, permitiendo un tiempo de exposición aún más corto (3-5 minutos), así como una imagen más clara.
La gran desventaja del proceso de colodión fue que necesitaba ser expuesto y desarrollado mientras el recubrimiento químico aún estaba húmedo, lo que significa que los fotógrafos tenían que llevar cuartos oscuros portátiles para desarrollar imágenes inmediatamente después de la exposición. Tanto las dificultades del método como el estatus incierto pero creciente de la fotografía fueron lampoonadas por Honoré Daumier en su Nadar Elevating Photography to the Height of Art (1862). Nadar, uno de los fotógrafos más destacados de París en ese momento, era conocido por capturar las primeras fotografías aéreas de la canasta de un globo aerostático. Obviamente, las dificultades para desarrollar un vidrio negativo en estas circunstancias deben haber sido considerables.
Otros avances tecnológicos continuaron haciendo que la fotografía fuera menos intensiva en mano de obra. Para 1867 se inventó una placa de vidrio seco, reduciendo los inconvenientes del método del colodión húmedo.
Se podrían comprar placas de vidrio preparadas, eliminando la necesidad de engañar con productos químicos. En 1878, los nuevos avances disminuyeron el tiempo de exposición a 1/25 de segundo, permitiendo fotografiar objetos en movimiento y disminuyendo la necesidad de un trípode. Este nuevo desarrollo se celebra en la secuencia de fotografías de Eadweard Muybridge llamada Caballo galopante (1878). Diseñada para resolver la cuestión de si un caballo alguna vez quita las cuatro patas completamente del suelo durante un galope, la serie de fotografías también demostró los nuevos métodos fotográficos que eran capaces de una exposición casi instantánea.
Finalmente en 1888 George Eastman desarrolló la película en rollo de gelatina seca, facilitando el transporte de la película. Eastman también produjo las primeras cámaras pequeñas y económicas, permitiendo que más personas accedan a la tecnología.
Los fotógrafos del siglo XIX fueron pioneros en un nuevo esfuerzo artístico, desdibujando las líneas entre el arte y la tecnología. Frecuentemente utilizando métodos tradicionales de composición y casándolos con técnicas innovadoras, los fotógrafos crearon una nueva visión del mundo material. A pesar de las luchas que los primeros fotógrafos deben haber tenido con las limitaciones de su tecnología, su arte también es obvio.
Recursos adicionales:
La primera fotografía del Harry Ransom Center, Universidad de Texas en Austin
Una historia en miniatura del daguerrotipo
Niépce: El sitio web de referencia sobre el inventor de la fotografía
Fotografía de movimiento de Eadweard Muybridge
El mago de la fotografía: La historia de George Eastman y cómo transformó la fotografía
Louis Daguerre, bulevar de París
El daguerrotipo
Un ejemplo temprano de un “daguerrotipo”. Paris Boulevard es un paso significativo en el desarrollo de la fotografía. Tomada en 1839 por Louis-Jacques Mande Daguerre, la fotografía representa una calle aparentemente vacía en París. El mirador elevado enfatiza las amplias avenidas, las aceras arboladas y los encantadores edificios de la capital francesa. No obstante, la obvia luz del día de la fotografía plantea la pregunta — ¿dónde está toda la gente en esta ciudad normalmente ocupada?
La respuesta a esta pregunta radica en la técnica del daguerrotipo. Las primeras fotografías, como la famosa View from the Window at Gras de Joseph Nicephore Niépce, tardaron alrededor de 8 horas en exponer, creando imágenes indistintas y granuladas. Daguerre estaba intrigado por estos experimentos y formó una asociación con Niépce desde 1828 hasta la muerte de este último en 1833. Daguerre continuó refinando el método fotográfico hasta que desarrolló su nuevo proceso.
Química
Su técnica consistió en exponer una placa de cobre recubierta de plata y sensibilizada con yodo a la luz en una cámara, para luego desarrollarla en la oscuridad sujetándola sobre una sartén de mercurio vaporizador calentado. También desarrolló un método para crear una imagen permanente mediante el uso de una solución de sal de mesa ordinaria. La técnica de Daguerre redujo significativamente el tiempo de exposición y creó un resultado duradero que no se atenuaría con una mayor exposición a la luz, sino que solo producía una sola imagen. Corría a otros producir los negativos que permitieran la producción de múltiples copias de una imagen.
Un lustrador de zapatos
El bulevar París de Daguerre muestra las ventajas de la nueva técnica. Hay muchos más detalles que en fotografías anteriores. Podemos ver claramente los cristales en las ventanas y las esquinas afiladas del edificio al frente de la imagen. Los objetos ya no son masas borrosas de luz y oscuridad, sino estructuras definidas y separadas. De hecho, lo único que falta son las personas, a excepción de la pequeña figura de un hombre que tiene sus zapatos brillando en un puesto de acera.
El problema restante del daguerrotipo, al menos para los estándares modernos, fue el largo tiempo de exposición, entre 10 y 15 minutos. Esto significó que la gente que se apresuraba por esas amplias aceras no se registraba en la fotografía. El hombre que tenía sus zapatos brillados, posiblemente la primera imagen fotográfica de una persona, obviamente se quedó quieto el tiempo suficiente para registrarse en la imagen. La inquietante imagen vacía, pero evocadora, del bulevar de París muestra tanto lo lejos que había llegado la fotografía en poco tiempo como cuánto más aún tenía que avanzar la tecnología.
Recursos adicionales:
Fotografía temprana: Haciendo Daguerrotipos (video) del Museo J. Paul Getty
Lady Clementina Hawarden, Clementina y Florencia Elizabeth Maude
5 Princes Gardens, Londres, Inglaterra es una dirección que ya no existe hoy en día, sin embargo sus habitaciones interiores se vuelven familiares después de mirar a través de las fotografías de Clementina Hawarden. En las fotos de Hawarden, a menudo vemos los mismos espacios bañados por el sol, e incluso podemos rastrear el crecimiento de sus hijos a lo largo de los años.
Hawarden, nacida Clementina Elphinstone Fleeming, fue una de las primeras fotógrafas femeninas en Gran Bretaña. La mayor parte de su trabajo se realizó mientras vivía en el barrio de Kensington de Londres, cerca del actual Victoria & Albert Museum que actualmente alberga la colección de sus fotografías.
¿Quién fue Clementina Hawarden?
Hawarden nació el 1 de junio de 1822 y creció fuera de Glasgow, Escocia. Su padre era almirante en la marina y su madre era una española reconocida por su belleza. Hawarden se casó con Cornwallis Maude, cuarto vizconde Hawarden, en 1845. Juntos tuvieron diez hijos, ocho de los cuales vivieron para ser adultos. Debido a que Hawarden no llevaba un diario, y quedan pocas de sus cartas, la mayor parte de lo que sabemos de ella se basa en estos breves detalles biográficos y sus numerosas fotografías. En consecuencia, Hawarden se suele escribir sobre él como una figura materna y un prolífico fotógrafo. La mayoría de sus imágenes representan a sus hijos, posados ante la cámara, dentro de su entorno doméstico familiar.
En la imagen de arriba vemos a dos de las hijas del fotógrafo situadas frente a un gran ventanal que conduce al balcón del piso superior. La figura de pie, Florence Elizabeth, parece estar en el acto de dibujar el telón, y vemos pequeñas casas al fondo. Muchas de las fotografías de Hawarden presentan estas mismas ventanas. En un sentido práctico, las ventanas proporcionaron mucha luz al espacio interior y permitieron que Hawarden hiciera sus fotos. Esta doble imagen es una impresión estereográfica, un medio popular en la década de 1860. Cuando esta imagen fue vista a través de un estereoscopio creó una ilusión de profundidad, haciendo que pareciera que las dos chicas tienen están apareciendo en el espacio tridimensional.
Aquí, las mismas hermanas posan de nuevo frente a los grandes ventanales franceses. Esta vez están disfrazados, lo que es un elemento común en las fotografías posteriores de Hawarden. Clementina está reclinada en el piso, vistiendo un vestido clásico y una diadema estrella. Es una antigua profetisa o musa. Florencia Elizabeth está por encima de ella, vestida de monja o santa. El dramático eje de luz que entra desde la ventana crea sombras diagonales y reflejos en la pared, enfatizando la dramática calidad de la fotografía. Hawarden utilizó el proceso de impresión más popular en ese momento; sus fotografías son impresiones a la albúmina hechas de placas de colodión húmedo.
¿Qué significó ser fotógrafa en la Inglaterra del siglo XIX?
Para una mujer de la clase élite de Hawarden no se habría considerado apropiado que ella vendiera sus fotografías. Sin embargo, exhibió sus fotografías con la Photographic Society de Londres en 1863 y 1864. La Sociedad Fotográfica de Londres, de la que Hawarden era miembro, más tarde se convirtió en la Royal Photographic Society y es la sociedad fotográfica nacional más antigua. Hawarden fue un fotógrafo bien considerado que fue celebrado por la comunidad fotográfica. En ambos años que Hawarden exhibió su obra la sociedad le otorgó una medalla de plata.
¿Por qué las fotografías son de forma irregular?
Cuando miras hoy las fotografías de Hawarden, podrías notar que las esquinas de las imágenes están cortadas o rasgadas. Normalmente se muestran mostrando el trozo de papel sobre el que están montados (el color sólido verde claro o gris que bordea la imagen fotográfica). Algunos estudiosos, como Carol Mavor, optan por tomar en cuenta los bordes dentados de las imágenes mientras escriben sobre la obra de Hawarden. En efecto, es interesante cómo los bordes de las imágenes a menudo hacen eco de las formas que se ven en la fotografía, y crean un ritmo repetitivo que ahora forma parte de ver la obra de Hawarden. Hay que tener en cuenta, sin embargo, que así no habría sido como el fotógrafo los vio, o concibió de ellos, en la década de 1860.
Cuando Hawarden hizo sus fotografías las pegó en álbumes, muchos de los cuales sirvieron de regalo. Las lágrimas que vemos hoy son resultado de que las imágenes se están quitando de estos discos. La hija de Hawarden, Isabella, guardó las fotografías en un armario para guardarlas a salvo durante muchos años. En 1939 el Victoria & Albert Museum de Londres tuvo una exposición especial en honor a los primeros 100 años de fotografía. Para gran decepción de la nieta de Hawarden, la exposición no incluyó ninguna obra de su abuela. Después de esto, su nieta, Lady Clementina Tottenham, donó 775 fotografías al museo. Gracias a esta generosa donación, se ha aprendido mucho sobre la fotografía tanto de Hawarden como del siglo XIX.
Julia Margaret Cameron, Sra. Herbert Duckworth
La sobrina del artista
Mirando por encima de su hombro izquierdo, los músculos del cuello tensos por la severidad de su pose, la fotografía de Julia Margaret Cameron, la señora Herbert Duckworth, es un llamativo retrato de la sobrina del artista. Las sombras profundas enfatizan las curvas de su mejilla y cuello, arrojando una gran parte de la fotografía a la semioscuridad, mientras que la luz que brilla desde el lado izquierdo de la imagen enfatiza los ojos, la nariz y la boca abatidos de la niñera.
La señora Herbert Duckworth, una de las imágenes más famosas de Cameron, es un retrato perdurable de una mujer victoriana.
Apenas 21 en el momento de la fotografía, Julia Prinsep Jackson se había convertido recientemente en la señora Duckworth cuando se tomó la foto. Apenas tres años después, la señora Duckworth era viuda con dos hijos pequeños y un tercero en camino. Posteriormente, en 1878 se casó con Sir Leslie Stephen, un destacado periodista y montañero victoriano. Nacieron cuatro hijos más, entre ellos las hijas Vanessa Bell y Virginia Woolf que se harían famosas como miembros del círculo artístico eduardiano conocido como el Grupo Bloomsbury.
Un retrato severo
El enfoque de primer plano en el rostro es típico del estilo retrato de Cameron y se puede ver en muchas imágenes de la niñera por su tía. El fuerte contraste de fondo oscuro y vestido oscuro contra la cara pálida es igualmente común en las fotografías de Cameron. Los rasgos severos y sin sonreír de la señora Duckworth también son típicos de la época victoriana, ya que el tiempo de exposición que entonces se requería para una fotografía fue de varios minutos, demasiado largo para sostener una sonrisa.
Julia Margaret Pattle Cameron nació en la India y se casó con Charles Cameron en 1838. La pareja regresó a Inglaterra en 1848 y se involucró activamente con un grupo intelectual de artistas y escritores que incluía a Alfred Lord Tennyson y George Frederick Watts.
Fotografía de colodión húmedo
A los 48 años, Cameron comenzó a experimentar con el método colodión de la fotografía luego de recibir su primera cámara como regalo de su hija. Crear una impresión colodión fue un proceso extremadamente difícil y peligroso que requirió trabajar con materiales combustibles en casi total oscuridad. El proceso de colodión implicó verter productos químicos sobre una placa de vidrio negativa. Luego se insertó la placa en la cámara, y la placa se expuso durante tres a ocho minutos. Después de la exposición, la placa se retiró e inmediatamente se desarrolló en un cuarto oscuro. Era importante que la placa permaneciera “húmeda” durante todo el proceso.
Cameron grabó en sus memorias Annals of My Glass House (1874) que arruinó muchos artículos para el hogar que corrían por la casa llevando goteando placas fotográficas. Sin embargo, el proceso de colodión fue una gran mejora con respecto a los métodos fotográficos anteriores debido a las imágenes más nítidas y al hecho de que se podían realizar múltiples impresiones a partir de una sola placa.
La feminidad victoriana
El arte, la habilidad y el conocimiento de Cameron sobre la ciencia de la fotografía son evidentes en un retrato como la señora Herbert Duckworth. El enfoque claro y la pose dramática se combinan con la manipulación de la luz y la oscuridad para crear una imagen que es a la vez fuerte y femenina. Se trata de una fotografía que no sólo captura un momento en el tiempo, sino que proporciona al espectador una evocadora imagen de la feminidad victoriana.