2.5: Análisis Contextual

Normalmente la historia del arte requiere de una combinación de análisis contextual y estilístico, porque los artistas suelen utilizar el estilo para apoyar las ideas que desean comunicar. Un conocimiento de las particularidades de una cultura y su arte es necesario para el análisis contextual, como su nombre lo indica, mientras que el análisis estilístico puede aplicarse a objetos completamente desconocidos para el espectador. En un análisis contextual, se suele dilucidar la manera en que los elementos estilísticos, los principios del diseño y las “reglas” sustentan el significado. En el arte tradicional africano, también se discute la forma en que se utiliza un objeto. Para las piezas tradicionales, los aspectos que un espectador debe abordar son triples: estilo, significado y función. Dependiendo de la obra de arte, estos pueden ser abordados por igual o uno o dos pueden requerir mayor énfasis en una discusión.

Con el propósito de burlar los tres hilos de un análisis contextual de una escultura tradicional africana, las frases serán codificadas por colores, con turquesa oscuro marcando observaciones estilísticas, rojo marcando las de significado y función indicadora púrpura.

Figura 142. Dos vistas de una gran estatua de madera hecha por Sosa Adede para representar a Glele, monarca del Fon del Reino Dahomey, República de Benín, 2ª mitad del siglo XIX. H 5.87′. Musé Quai Branly, 71.1893.45-2.

Esta escultura [estilística] inusualmente a gran escala (Figura 142) representa a Glele, el monarca [significado] del pueblo fon de Dahomey desde 1858-1889. Las representaciones mitad animales y mitad humanas son raras en el África subsahariana, pero varios monarcas Fon del siglo XIX se representaron de esta manera [estilística]. También atípicos [estilísticos] —particularmente para la realeza— son la ruptura de la figura con la frontalidad (se retuerce ligeramente en los hombros), la pose activa y la falta de autocompostura, [estilística] sus dientes desnudos hablando a la ferocidad más que a la dignidad de la mayoría de las representaciones reales [significado ]. Algunas de estas características sorprendentes se deben al propósito de la obra. A pesar de que formaba parte de la exhibición pública de la riqueza del rey durante una ceremonia anual, funcionaba como bo o bocio real, un objeto de poder activado y reforzado por la medicina mística [función]. Traído al campo de batalla, se creía que influía positivamente en el resultado, su agresión subrayada por los dientes desnudos, las dos espadas que originalmente sostenía [significado], y su impulso hacia adelante. Su sentido de dinamismo se ve reforzado por las diagonales de la parte superior e inferior de las piernas, los brazos y la inclinación del pecho. La cola ayuda a equilibrar los brazos gesticulados, sus curvas reflejadas por la grupa redondeada, las pantorrillas, los hombros y la parte posterior de la cabeza [estilística]. La cabeza y el torso representan los de un león, aunque están lejos de ser naturalistas, solo leoninos a través de los dientes y las líneas onduladas que representan la melena en el torso y la parte posterior de la cabeza [estilística]. Cada rey tenía varios símbolos asociados que derivaban de configuraciones de adivinación que tuvieron lugar incluso antes de su reinado. Estos se convirtieron en sus “nombres fuertes”, apodos de alabanza que podrían aparecer como estatuas, motivos de paraguas aplicados, u otras formas de expresión visual, así como oral. Uno de los nombres de Glele era “león de leones”, y el león apareció en muchos de sus objetos [significado]. Sólo en esta escultura, sin embargo, fue antropomorfizada, su alter-ego real de tamaño natural absorbiendo y desviando malas intenciones y acciones. Se cree que tiene los poderes de locomoción, podría tomar medidas para derribar a los enemigos y proteger el estado y el trono [significado].

¿Podrían discutirse otros aspectos de la escultura, como sus calzones, el tipo de espadas que alguna vez sostenía y por qué la interpretación de un león por parte del artista tiene poco parecido con el animal real? Ciertamente. Incluso las proporciones de cuánta discusión se dedica al estilo, significado y función pueden diferir, siempre y cuando se cubran los puntos esenciales.

Figura 143. Tres vistas de una instalación de 2007 de Romuald Hazoume, un artista yoruba de la República de Benin, titulada “Sueño”. Foto superior: fotograma único de un video de entrevista de Lidia y Alexander Rosner en documenta 12, vimeo.com/68286059; foto del medio; Peter Samis. Creative Commons CC BY-NC-SA 2.0; foto inferior: Julian Stallabrass, 2010. Creative Commons CC BY 2.0.

Nuestro análisis contextual de las obras contemporáneas depende en parte de la claridad con la que el artista comunica su mensaje, o lo discute en entrevistas.

A veces el contexto cultural puede ser evidente por sí mismo, pero el artista puede oscurecer su significado intencionalmente, aprovechando un simbolismo personal que tal vez no se comparta con académicos o periodistas de arte.

Esta instalación (Figura 143) coloca un gran barco contra un enorme mural fotográfico de la costa occidental de África. El recipiente se ensambla a partir de bidones de plástico, utilizados localmente para transportar petróleo. Su nombre, “Sueño”, está inscrito en la proa. Romuald Hazoume ha reutilizado frecuentemente estos contenedores en su arte, utilizando unos sencillos girados de lado para representar máscaras o caras con bocas redondas abiertas, sirviendo los mangos como una nariz larga rectangular [estilística]. También los ha empleado en diseños de instalación, a veces como referencias literales al ilegal y peligroso comercio Beninois de petróleo a través de la frontera nigeriana. Aquí comenta sobre la desesperación de algunos africanos pobres que, tratando en vano de obtener visas para emigrar a Europa, pagan enormes sumas para ser contrabandeados, primero al norte de África, luego a través del Mediterráneo, a menudo perdiendo la vida en el camino. Hazoume también se refiere a su propio sueño: que el Benin del mural fotográfico tenga buenas escuelas, agua potable, políticos confiables, y sea un país seguro y progresista cuyos ciudadanos no tengan ningún deseo de irse [significado]. En entrevistas, ha comentado que no quiere vender esta obra, sino que preferiría exponerla en Benín y en otros lugares de África como un aguijón a los que están en el poder para mejorar la suerte de sus ciudadanos y llevar a África al escenario mundial de manera positiva [función].

El análisis anterior tiene poco que decir sobre el estilo. Sus únicos comentarios en realidad se refieren a otras obras que el artista ha creado utilizando los mismos materiales, aunque con un propósito diferente. Es casi en su totalidad una discusión sobre el significado. La función podría resumirse como “arte con fines didácticos”.

Comparar y contrastar dos obras de arte es nuevamente una forma útil de obtener observaciones que podrían no venir inmediatamente a la mente al ver una sola obra. Las comparaciones contextuales también examinan el estilo, el significado y la función, aunque cualquier par dado puede favorecer uno o dos aspectos sobre otro. Los puntos de comparación se pueden encontrar en el estilo o en el significado o en la función; el espectador tiene que considerar las dos obras para analizar dónde se encuentran las comparaciones. Los aspectos contrastantes suelen ser fáciles de detectar.

Una comparación completa se puede encontrar en los dos trabajos siguientes (Figura 144). Para que sea útil, usaremos una de las obras individuales cuyo contexto ya hemos discutido, y otra cuyo estilo hemos analizado, agregando información contextual. Nuevamente, el texto descriptivo está codificado por colores para aclarar qué partes de la comparación se centran en el estilo (turquesa), significado (rojo) y función (púrpura). Los comentarios editoriales que no forman parte del análisis se resaltan en amarillo y se colocan entre paréntesis. Los términos en negrita ejemplifican cómo se puede recordar a un lector que se está haciendo una comparación, las dos obras no se discuten simplemente por separado.

Figura 144. L. Retablo de latón de Oba Ewuakpe. Edo, Reino Benín, Nigeria, siglo XVIII. H 22.83″. Museo Etnologisches | Afrika, III C 8165. © Ethnologisches Museum der Staatlichen Museen zu Berlin — Preußischer Kulturbesitz. Foto Claudia Obrocki. Creative Commons CC BY-NC-SA 3.0 DE. R: Gran estatua de madera hecha por Sosa Adede para representar a Glele, monarca del Fon del Reino Dahomey, República de Benín, 2ª mitad del siglo XIX. H 5.87′. Musé Quai Branly, 71.1893.45-2.

Si bien ambas obras representan monarcas de reinos considerables [significado], sus interpretaciones son drásticamente diferentes. [el autor entonces tiene que elegir qué enfatizar primero] La escultura de Benin enfatiza la dignidad y el estatus [significado] del monarca a través de su frontalidad, quietud, escala hierática y la presencia de un séquito [estilístico]. Su gran riqueza es aludida por el latón utilizado para crear la escultura, así como su profusión de costosas joyas de coral importadas, envoltorio brocado, y el bastón de maja en su mano derecha equilibrado por la cabeza de hacha de piedra en su derecha, una reliquia del dios de la muerte que tiene la capacidad de hacer su palabras manifiesto [significado]. Estos dos últimos objetos subrayan su dualidad; tiene poder terrenal y poder sobrenatural como rey divino [significado]. Si bien el monarca de Dahomey también era un rey divino, su escultura enfatiza únicamente su contundente agresión, utilizada para proteger a su país y masacrar a sus enemigos [significado]. Las diagonales de los brazos, piernas y postura inclinada hacia adelante de la figura producen una sensación de movimiento, a diferencia de la permanencia proporcionada por las múltiples verticales de la obra de Benin [estilística]. Esta figura alguna vez sostenía una espada en cada mano, sus afilados dientes subrayando su ferocidad [significado]. El arte de la corte de ambos reinos a veces representa a gobernantes que son en parte humanos, en parte animales. Aquí el monarca Fon es mitad humano, mitad león. Si bien el gobernante de Benin se muestra aquí en forma humana, a veces se le retrata con patas de pez fango, una alusión a su identificación con Olokun, dios del mar [significado]. Ambos retratan reyes específicos. Se trata de Oba Ewuakpe de Benin, quien restauró la riqueza y el prestigio de la monarquía; se le identifica por el mortero decorado en su mano derecha [significado]. La escultura de Fon representa a Glele, uno de cuyos nombres de alabanza era “León de Leones”. [significado] El uso muy diferente de las dos obras influyó tanto en sus materiales como en su expresión. El bronce Ewuakpe actuó como decoración central de su altar ancestral, un retrato [función] de sus cualidades eternas como antepasado real: su postura y expresión permanecen serenas y sin problemas [significado]. La representación de Glele, en cambio, representa propiamente la disposición confrontacional y la violencia potencial [significando] necesariamente a un bo real, una figura de poder reforzada por la medicina sobrenatural que se montaba en un carro rodante. Si bien se mostró en la ceremonia anual de tributo del rey como un recordatorio de su poder sobrenatural y mundano, su presencia en el campo de batalla fue tanto psicológica —animando a las tropas Fon y desmoralizando y confundiendo al enemigo— y mística, ya que se creía que podía moverse por sí sola para destruir a los oponentes fuerzas [función].

Nuevamente, este análisis podría desarrollar aún más el estilo, el significado o la función. La figura de Benín tiene mayor masa, la escultura dahomea demuestra que el artista parece desconocido con la estructura de una cabeza de león real. Se podrían mencionar otras representaciones leonas de Glele, o se podría discutir cómo los monarcas de Benín fallecidos fueron honrados en sus altares. No se incluyó comparación de proporciones cabeza-cuerpo, ni se discutieron texturas. Estos podrían haberse agregado a la comparación, pero una discusión sobre el significado de las dos obras y los principales elementos del diseño que sustentan ese significado es crítica. Ni esa discusión ni el propósito de las dos obras deben ser excluidas.