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LibreTexts Español

1.2: Elementos visuales

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    94060

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    Línea

    Una línea se define como una marca que conecta el espacio entre dos puntos, tomando cualquier forma en el camino.

    Objetivos de aprendizaje

    Compara y contrasta diferentes usos de la línea en el arte

    Claves para llevar

    Puntos Clave

    • Las líneas reales son líneas que están físicamente presentes, existiendo como conexiones sólidas entre uno o más puntos.
    • La línea implícita se refiere al camino que toma el ojo del espectador al seguir formas, colores y formas a lo largo de cualquier camino dado.
    • Las líneas rectas o clásicas proporcionan estabilidad y estructura a una composición y pueden ser verticales, horizontales o diagonales en la superficie de una obra.
    • Las líneas expresivas hacen referencia a marcas curvas que aumentan el sentido de dinamismo de una obra de arte.
    • El contorno o las curvas de nivel crean un borde o trazado alrededor del borde de una forma, delineándola y definiéndola. Las “líneas de contorno cruzadas” delimitan las diferencias en las características de una superficie.
    • Las líneas de sombreado son una serie de líneas cortas que se repiten en intervalos, normalmente en una sola dirección, y se utilizan para agregar sombreado y textura a las superficies, mientras que las líneas de sombreado cruzado proporcionan textura y tono adicionales a la superficie de la imagen y se pueden orientar en cualquier dirección.

    Términos Clave

    • Textura:La sensación o forma de una superficie o sustancia; la suavidad, rugosidad, suavidad, etc. de algo.
    • Rayado cruzado:Un método para mostrar el sombreado por medio de múltiples líneas pequeñas que se cruzan.
    • Line:un camino a través de dos o más puntos.

    La línea es un elemento esencial del arte, definido como una marca que conecta el espacio entre dos puntos, tomando cualquier forma en el camino. Las líneas se utilizan con mayor frecuencia para definir la forma en obras bidimensionales y podrían llamarse las formas más antiguas, así como las más universales, de hacer marcas.

    Hay muchos tipos diferentes de líneas, todas caracterizadas por que sus longitudes son mayores que su anchura, así como por los caminos que toman. Dependiendo de cómo se utilicen, las líneas ayudan a determinar el movimiento, la dirección y la energía de una obra de arte. La calidad de una línea se refiere al carácter que es presentado por una línea con el fin de animar una superficie en diversos grados.

    Las líneas reales son líneas que están físicamente presentes, existiendo como conexiones sólidas entre uno o más puntos, mientras que las líneas implícitas se refieren al camino que toma el ojo del espectador a medida que sigue la forma, el color y la forma dentro de una obra de arte. Las líneas implícitas dan a las obras de arte un sentido de movimiento y mantienen al espectador involucrado en una composición. Podemos ver numerosas líneas implícitas en el Juramento de los Horatii de Jacques-Louis David, conectando las figuras y acciones de la pieza guiando el ojo del espectador a través del drama que se desarrolla.

    Esta pintura representa una escena de una leyenda romana sobre una disputa entre dos ciudades beligerantes: Roma y Alba Longa. Muestra a los tres hermanos de la familia Horacio comprometiendo su lealtad a Roma. Saludan a su padre, quien sostiene una espada.

    Jacques-Louis David, Juramento de los Horatii, 1784: Muchas líneas implícitas conectan las figuras y la acción de la pieza guiando el ojo del espectador a través del drama que se desarrolla.

    Las líneas rectas o clásicas añaden estabilidad y estructura a una composición y pueden ser verticales, horizontales o diagonales en la superficie de la obra. Las líneas expresivas hacen referencia a marcas curvas que aumentan el sentido de dinamismo de una obra de arte. Este tipo de líneas suelen seguir un camino indeterminado de curvas sinuosas. El contorno o las curvas de nivel crean un borde o trazado alrededor del borde de una forma, delineándola y definiéndola. Las líneas de contorno cruzadas delinean las diferencias en las características de una superficie y pueden dar la ilusión de tres dimensiones o un sentido de forma o sombreado.

    Las líneas de sombreado son una serie de líneas cortas que se repiten en intervalos, normalmente en una sola dirección, y se utilizan para agregar sombreado y textura a las superficies. Las líneas de sombreado cruzado proporcionan textura y tono adicionales a la superficie de la imagen y se pueden orientar en cualquier dirección. Las capas de rayado cruzado pueden agregar textura rica y volumen a las superficies de la imagen.

    Luz y Valor

    Valor refiere al uso de la luz y la oscuridad en el arte.

    Objetivos de aprendizaje

    Explicar el uso artístico de la luz y la oscuridad (también conocido como “valor”)

    Claves para llevar

    Puntos Clave

    • En la pintura, los cambios de valor se logran agregando negro o blanco a un color.
    • El valor en el arte también se conoce a veces como “tinte” para tonos claros y “sombra” para tonos oscuros.
    • Los valores cercanos al extremo más claro del espectro se denominan “clave alta”, mientras que los del extremo más oscuro se denominan “clave baja”.
    • En obras de arte bidimensionales, el uso del valor puede ayudar a darle a una forma la ilusión de masa o volumen.
    • El claroscuro era una técnica común en la pintura barroca y se refiere a claros contrastes tonales ejemplificados por blancos muy agudos, colocados directamente contra oscuros muy discretos.

    Términos Clave

    • Chiaroscuro:una técnica artística popularizada durante el Renacimiento, refiriéndose al uso de contrastes de luz exagerados para crear la ilusión de volumen.

    El uso de la luz y la oscuridad en el arte se llama valor. El valor se puede subdividir en tinte (tonos claros) y sombra (tonos oscuros). En la pintura, que utiliza color sustractivo, los cambios de valor se logran agregando negro o blanco a un color. Los artistas también pueden emplear el sombreado, que se refiere a una manipulación más sutil del valor. La escala de valores se utiliza para mostrar las variaciones estándar en los tonos. Los valores cercanos al extremo más claro del espectro se denominan de clave alta, mientras que los del extremo más oscuro son de clave baja.

    Esta representación gráfica de una escala de valores. Consta de diez valores. El valor más oscuro del extremo izquierdo de la escala es el negro. El valor más ligero en el extremo derecho de la escala es casi blanco. Hay varios tonos de gris entre el valor más oscuro y el valor más claro.

    Escala de valor: La escala de valores representa diferentes grados de luz utilizados en las ilustraciones.

    En obras de arte bidimensionales, el uso del valor puede ayudar a dar a una forma la ilusión de masa o volumen. También le dará a toda la composición una sensación de iluminación. Alto contraste se refiere a la colocación de áreas más claras directamente contra otras mucho más oscuras, por lo que se muestra su diferencia, creando un efecto dramático. El alto contraste también se refiere a la presencia de más negros que blancos o grises. Las imágenes de bajo contraste resultan de colocar valores de rango medio juntos para que no haya mucha diferencia visible entre ellos, creando un estado de ánimo más sutil.

    En la pintura barroca se utilizó la técnica del claroscuro para producir efectos altamente dramáticos en el arte. Claroscuro, que significa literalmente “claro-oscuro” en italiano, se refiere a claros contrastes tonales ejemplificados por blancos muy agudos, colocados directamente contra oscuros muy discretos. Las escenas a la luz de las velas eran comunes en la pintura barroca ya que producían efectivamente este tipo de efecto dramático. Caravaggio utilizó una paleta de alto contraste en obras como La negación de San Pedro para crear su expresiva escena claroscuro.

    Esta pintura representa una escena del Nuevo Testamento. San Pedro está negando a Jesús después de que Jesús fue detenido.

    Caravaggio, La negación de San Pedro, 1610: La negación de San Pedro de Caravaggio es un excelente ejemplo de cómo se puede manipular la luz en las obras de arte.

    Color

    En las artes visuales, la teoría del color es un cuerpo de orientación práctica para la mezcla de colores y los impactos visuales de combinaciones de colores específicas.

    Objetivos de aprendizaje

    Expresar los elementos más importantes de la teoría del color y el uso del color por parte de los artistas

    Claves para llevar

    Puntos Clave

    • La teoría del color apareció por primera vez en el siglo XVII, cuando Isaac Newton descubrió que la luz blanca podía pasar a través de un prisma y dividirse en todo el espectro de colores.
    • El espectro de colores que contiene la luz blanca es rojo, naranja, amarillo, verde, azul, índigo y violeta.
    • La teoría del color divide el color en los “colores primarios” de rojo, amarillo y azul, que no se pueden mezclar a partir de otros pigmentos, y los “colores secundarios” de verde, naranja y violeta, que resultan de diferentes combinaciones de los colores primarios.
    • Los colores primarios y secundarios se combinan en varias mezclas para crear colores terciarios.
    • Los colores complementarios se encuentran uno frente al otro en la rueda de colores y representan el contraste más fuerte para esos dos colores en particular.

    Términos Clave

    • color complementario:Un color que se considera como el opuesto de otro en la rueda de colores (es decir, rojo y verde, amarillo y morado, y naranja y azul).
    • Valor:La relativa oscuridad o ligereza de un color en un área específica de una pintura u otro arte visual.
    • color primario:Cualquiera de los tres colores que, cuando se agregan o restan de otros en diferentes cantidades, pueden generar todos los demás colores.
    • Tinto:Un color considerado con referencia a otros colores muy similares. El rojo y el azul son colores diferentes, pero dos tonos de escarlata son diferentes tintes.
    • GRADACIÓN:A pasando por pequeños grados de un tono o sombra, como de color, a otro.
    • Tono:un color, o sombra de color.

    El color es un elemento artístico fundamental que se refiere al uso del matiz en el arte y el diseño. Es el más complejo de los elementos debido a la amplia gama de combinaciones que le son inherentes. La teoría del color apareció por primera vez en el siglo XVII cuando Isaac Newton descubrió que la luz blanca podía pasar a través de un prisma y dividirse en todo el espectro de colores. El espectro de colores contenidos en la luz blanca son, en orden: rojo, naranja, amarillo, verde, azul, índigo y violeta.

    La teoría del color subdivide el color en los “colores primarios” de rojo, amarillo y azul, que no se pueden mezclar a partir de otros pigmentos; y los “colores secundarios” de verde, naranja y violeta, que resultan de diferentes combinaciones de los colores primarios. Los colores primarios y secundarios se combinan en varias mezclas para crear “colores terciarios”. La teoría del color se centra alrededor de la rueda de colores, un diagrama que muestra la relación de los diversos colores entre sí.

    Representación gráfica de la rueda de color azul-amarillo-rojo. El azul, el amarillo y el rojo conforman la tríada de colores primarios en la rueda de colores de un artista estándar. Los colores secundarios púrpura, naranja y verde conforman otra tríada.

    Rueda de colores: La rueda de colores es un diagrama que muestra la relación de los diversos colores entre sí.

    Color” valor” se refiere a la relativa ligereza u oscuridad de un color. Además, “tinte” y “sombra” son aspectos importantes de la teoría del color y resultan de variaciones de valor más claras y oscuras, respectivamente. “Tono” se refiere a la gradación o cambios sutiles de un color en una escala más clara o más oscura. “Saturación” se refiere a la intensidad de un color.

    Color Aditivo y Sustractivo

    El color aditivo es el color creado mezclando luces rojas, verdes y azules. Las pantallas de televisión, por ejemplo, utilizan color aditivo ya que están compuestas por los colores primarios de rojo, azul y verde (RGB). El color sustractivo, o “color de proceso”, funciona como el reverso del color aditivo y los colores primarios se vuelven cian, magenta, amarillo y negro (CMYK). Las aplicaciones comunes del color sustractivo se pueden encontrar en la impresión y la fotografía.

    Color Complementario

    Los colores complementarios se pueden encontrar directamente opuestos entre sí en la rueda de colores (púrpura y amarillo, verde y rojo, naranja y azul). Cuando se colocan uno al lado del otro, estos pares crean el contraste más fuerte para esos dos colores particulares.

    Color Cálido y Frío

    La distinción entre colores cálidos y fríos ha sido importante desde al menos finales del siglo XVIII. El contraste, según las etimologías del Oxford English Dictionary, parece estar relacionado con el contraste observado en la luz del paisaje, entre los colores “cálidos” asociados a la luz del día o el atardecer y los colores “fríos” asociados a un día gris o nublado. Los colores cálidos son los tonos de rojo a amarillo, marrones y bronceados incluidos. Los colores fríos, por otro lado, son los tonos desde el azul verde hasta el azul violeta, con la mayoría de los grises incluidos. La teoría del color ha descrito efectos perceptuales y psicológicos a este contraste. Se dice que los colores cálidos avanzan o aparecen más activos en una pintura, mientras que los colores fríos tienden a retroceder. Utilizados en diseño de interiores o moda, se dice que los colores cálidos despiertan o estimulan al espectador, mientras que los colores fríos se calman y relajan.

    Textura

    La textura se refiere a la calidad táctil de la superficie de un objeto de arte.

    Objetivos de aprendizaje

    Reconocer el uso de la textura en el arte

    Claves para llevar

    Puntos Clave

    • La textura visual se refiere a un sentido implícito de textura que el artista crea a través del uso de diversos elementos artísticos como la línea, el sombreado y el color.
    • La textura real se refiere a la representación física o a las cualidades reales de la superficie que podemos notar al tocar un objeto.
    • Las pinceladas visibles y diferentes cantidades de pintura crearán una textura física que puede agregar a la expresividad de una pintura y llamar la atención sobre áreas específicas dentro de ella.
    • Es posible que una obra de arte contenga numerosas texturas visuales pero aún así permanezca suave al tacto.

    Términos Clave

    • Táctil:tangible; perceptible al sentido del tacto.

    Textura

    La textura en el arte estimula los sentidos de la vista y el tacto y se refiere a la calidad táctil de la superficie del arte. Se basa en la textura percibida del lienzo o superficie, lo que incluye la aplicación de la pintura. En el contexto de la obra de arte, hay dos tipos de textura: visual y real. La textura visual se refiere a un sentido implícito de textura que el artista crea a través del uso de diversos elementos artísticos como la línea, el sombreado y el color. La textura real se refiere a la representación física o a las cualidades reales de la superficie que podemos notar al tocar un objeto, como la aplicación de pintura o el arte tridimensional.

    Es posible que una obra de arte contenga numerosas texturas visuales, pero aún así permanezca suave al tacto. Tomemos por ejemplo las obras realistas o ilusionistas, que se basan en el uso intensivo de pintura y barniz, pero mantienen una superficie completamente lisa. En la pintura de Jan Van Eyck “La Virgen del Canciller Rolin” podemos notar una gran textura en la ropa y las túnicas especialmente, mientras que la superficie de la obra permanece muy lisa.

    La pintura representa a la Virgen María coronada por un Ángel flotando mientras presenta al Niño Jesús a Rolin. Ubicado en un pasillo exterior cubierto con columnas.

    Jan van Eyck, La Virgen del Canciller Rolin, 1435: La Virgen del Canciller Rolin tiene una gran textura en la ropa y las túnicas, pero la superficie real de la obra es muy lisa.

    Las pinturas suelen utilizar también la textura real, que podemos observar en la aplicación física de la pintura. Las pinceladas visibles y diferentes cantidades de pintura crearán una textura que se suma a la expresividad de una pintura y llamará la atención sobre áreas específicas dentro de ella. El artista Vincent van Gogh es conocido por haber utilizado una gran cantidad de textura real en sus pinturas, notable en la gruesa aplicación de pintura en pinturas como La noche estrellada.

    La pintura representa la vista desde la ventana orientada al este de la sala de asilo del pintor justo antes del amanecer. Una luna estilizada y estrellas brillan en un pueblo idílico.

    Vincent van Gogh, La noche estrellada, 1889: La noche estrellada contiene una gran cantidad de textura real a través de la gruesa aplicación de pintura.

    Forma y Volumen

    Forma se refiere a un área en un espacio bidimensional que está definido por bordes; el volumen es tridimensional, mostrando altura, ancho y profundidad.

    Objetivos de aprendizaje

    Definir forma y volumen e identificar formas en que se representan en el arte

    Claves para llevar

    Puntos Clave

    • “Espacio positivo” se refiere al espacio de la forma o figura definida.
    • “Espacio negativo” se refiere al espacio que existe alrededor y entre una o más formas.
    • Un “plano” en la técnica se refiere a cualquier superficie dentro del espacio.
    • “Forma” es un concepto que se relaciona con la forma y se puede crear combinando dos o más formas, dando como resultado una forma tridimensional.
    • El arte hace uso del volumen tanto real como implícito.
    • La forma, el volumen y el espacio, ya sean reales o implícitos, son la base de la percepción de la realidad.

    Términos Clave

    • Forma:La forma o estructura visible de una expresión artística.
    • Volumen:una unidad de medida tridimensional del espacio que comprende una longitud, una anchura y una altura.
    • Plano:una superficie plana que se extiende infinitamente en todas las direcciones (por ejemplo, plano horizontal o vertical).

    Forma se refiere a un área en un espacio bidimensional que está definida por bordes. Las formas son, por definición, siempre de naturaleza plana y pueden ser geométricas (por ejemplo, un círculo, un cuadrado o una pirámide) u orgánicas (por ejemplo, una hoja o una silla). Las formas se pueden crear colocando dos texturas diferentes, o grupos de formas, uno al lado del otro, creando así un área cerrada, como una pintura de un objeto flotando en el agua.

    “Espacio positivo” se refiere al espacio de la forma o figura definida. Por lo general, el espacio positivo es el tema de una obra de arte. “Espacio negativo” se refiere al espacio que existe alrededor y entre una o más formas. El espacio positivo y negativo puede llegar a ser difícil de distinguir entre sí en obras más abstractas.

    Un “plano” se refiere a cualquier área de superficie dentro del espacio. En el arte bidimensional, el “plano de la imagen” es la superficie plana sobre la que se crea la imagen, como papel, lienzo o madera. Las figuras tridimensionales se pueden representar en el plano plano mediante el uso de los elementos artísticos para implicar profundidad y volumen, como se ve en la pintura Pequeño ramo de flores en un jarrón de cerámica de Jan Brueghel el Viejo.

    La pintura representa flores dispuestas en un jarrón con flores más pequeñas en la base y flores más grandes en la parte superior. Las flores incluyen rosas, tulipanes y nomeolvides entre otros.

    Jan Brueghel el Viejo, Pequeño ramo de flores en un jarrón de cerámica, 1599: Las figuras tridimensionales pueden representarse en el plano plano de la imagen mediante el uso de los elementos artísticos para implicar profundidad y volumen.

    “Forma” es un concepto que se relaciona con la forma. La combinación de dos o más formas puede crear una forma tridimensional. La forma siempre se considera tridimensional, ya que exhibe volumen o altura, ancho y profundidad. El arte hace uso del volumen tanto real como implícito.

    Si bien las formas tridimensionales, como la escultura, tienen volumen inherentemente, el volumen también puede simularse, o implicarse, en una obra bidimensional como una pintura. La forma, el volumen y el espacio, ya sean reales o implícitos, son la base de la percepción de la realidad.

    Tiempo y movimiento

    El movimiento, principio del arte, es una herramienta que los artistas utilizan para organizar los elementos artísticos de una obra; se emplea tanto en medios estáticos como basados en el tiempo.

    Objetivos de aprendizaje

    Nombra algunas técnicas y medios utilizados por los artistas para transmitir movimiento tanto en formas de arte estáticas como basadas en el tiempo

    Claves para llevar

    Puntos Clave

    • Técnicas como la escala y la proporción se utilizan para crear la sensación de movimiento o el paso del tiempo en estática una pieza visual.
    • La colocación de un elemento repetido en diferentes áreas dentro de una obra de arte es otra manera de implicar el movimiento y el paso del tiempo.
    • Los experimentos visuales en tiempo y movimiento se produjeron por primera vez a mediados del siglo XIX, y el fotógrafo Eadweard Muybridge es conocido por sus tomas secuenciales.
    • Los medios basados en el tiempo del cine, el video, la escultura cinética y el arte escénico emplean el tiempo y el movimiento por sus propias definiciones.

    Términos Clave

    • fotogramas por segundo:El número de veces que un dispositivo de imágenes produce imágenes consecutivas únicas (fotogramas) en un segundo. Abreviatura: FPS.
    • Estática:Fijo en su lugar; no tener movimiento.

    El movimiento, o movimiento, es considerado como uno de los “principios del arte”; es decir, una de las herramientas que utilizan los artistas para organizar los elementos artísticos en una obra de arte. El movimiento se emplea tanto en medios estáticos como en medios basados en el tiempo y puede mostrar una acción directa o el camino previsto para que el ojo del espectador siga a través de una pieza.

    Técnicas como la escala y la proporción se utilizan para crear la sensación de movimiento o el paso del tiempo en obras de arte visuales estáticas. Por ejemplo, en un plano plano de imagen, una imagen que es más pequeña y de color más claro que su entorno parecerá estar en el fondo. Otra técnica para implicar movimiento y/o tiempo es la colocación de un elemento repetido en diferentes áreas dentro de una obra de arte.

    Los experimentos visuales en tiempo y movimiento se produjeron por primera vez a mediados del siglo XIX. El fotógrafo Eadweard Muybridge es bien conocido por sus tomas secuenciales de humanos y animales caminando, corriendo y saltando, que desplegó juntos para ilustrar el movimiento de sus sujetos. Desnudo Descendiendo una escalera, número 2 de Marcel Duchamp ejemplifica una absoluta sensación de movimiento desde la esquina superior izquierda hasta la esquina inferior derecha de la pieza.

    La pintura representa una figura que demuestra un movimiento abstracto. Las “partes del cuerpo” discernibles de la figura están compuestas por elementos abstractos anidados, cónicos y cilíndricos, ensamblados para sugerir ritmo y transmitir el movimiento de la figura fusionándose en sí misma.

    Marcel Duchamp, Desnudo descendiendo una escalera, núm. 2, 1912: Esta obra representa la concepción del movimiento y el tiempo de Duchamp.

    Si bien las formas de arte estáticas tienen la capacidad de implicar o sugerir tiempo y movimiento, los medios basados en el tiempo del cine, el video, la escultura cinética y el arte escénico demuestran el tiempo y el movimiento por sus propias definiciones. La película es muchas imágenes estáticas que se pasan rápidamente a través de una lente. El video es esencialmente el mismo proceso, pero de base digital y con menos fotogramas por segundo. El arte de performance se lleva a cabo en tiempo real y hace uso de personas y objetos reales, al igual que el teatro. El arte cinético es el arte que se mueve, o depende del movimiento, para su efecto. Todos estos medios utilizan el tiempo y el movimiento como aspecto clave de sus formas de expresión.

    Azar, Improvisación y Espontaneidad

    El dadaísmo, el surrealismo y el movimiento Fluxus confiaban en los elementos del azar, la improvisación y la espontaneidad como herramientas para hacer obras de arte.

    Objetivos de aprendizaje

    Describir cómo el dadaísmo, el surrealismo y el movimiento Fluxus confiaban en el azar, la improvisación y la espontaneidad

    Claves para llevar

    Puntos Clave

    • Los dadaístas son conocidos por su “escritura automática” o corriente de escritura de conciencia, que resalta la creatividad de la mente inconsciente.
    • Las obras surrealistas, al igual que las obras dadaístas, a menudo cuentan con un elemento de sorpresa, yuxtaposición inesperada y golpecitos en la mente inconsciente.
    • Los surrealistas son conocidos por haber inventado el dibujo de “cadáver exquisito”.
    • El movimiento Fluxus era conocido por sus “acontecimientos”, que eran eventos de performance o situaciones que podían tener lugar en cualquier lugar, en cualquier forma, y confiaban en gran medida en el azar, la improvisación y la participación del público.

    Términos Clave

    • Sucediendo:un evento espontáneo o improvisado, especialmente uno que implica la participación de la audiencia.
    • Ensamblaje:Una colección de cosas que han sido reunidas..

    El azar, la improvisación y la espontaneidad son elementos que se pueden utilizar para crear arte, o pueden ser el propósito mismo de la obra de arte en sí. Cualquier medio puede emplear estos elementos en cualquier momento del proceso artístico.

    Fotografía que representa un urinario de porcelana, el cual está firmado “R.Mutt” en escritura negra.

    Marcel Duchamp, urinario, 1917: El urinario de Marcel Duchamp es un ejemplo de un “ready-made”, que eran objetos que fueron comprados o encontrados y luego declarados arte.

    Dadaísmo

    El dadaísmo fue un movimiento artístico popular en Europa a principios del siglo XX. Fue iniciado por artistas y poetas en Zurich, Suiza, con fuertes sentimientos antibélicos e izquierdistas. El movimiento rechazó la lógica y la razón y, en cambio, valoraba la irracionalidad, las tonterías y la intuición. Marcel Duchamp era un miembro dominante del movimiento dadaísta, conocido por exhibir “ready-made mades”, que eran objetos que fueron comprados o encontrados y luego declarados arte.

    Los dadaístas usaron lo que estaba fácilmente disponible para crear lo que se denominó un “ensamblaje”, usando artículos como fotografías, basura, pegatinas, pases de autobús y notas. El trabajo de los dadaístas involucró el azar, la improvisación y la espontaneidad para crear arte. Son conocidos por usar “escritura automática” o escritura corriente de conciencia, que a menudo tomaban formas sin sentido, pero permitieron la oportunidad de yuxtaposiciones potencialmente sorprendentes y creatividad inconsciente.

    Surrealismo

    El movimiento surrealista, que se desarrolló a partir del dadaísmo principalmente como un movimiento político, contó con un elemento de sorpresa, yuxtaposición inesperada y el golpeteo de la mente inconsciente. Andre Breton, miembro importante del movimiento, escribió el manifiesto surrealista, definiéndolo de la siguiente manera:

    “Surrealismo, n. Puro automatismo psíquico, mediante el cual se propone expresar, ya sea verbalmente, por escrito, o de cualquier otra manera, el funcionamiento real del pensamiento. Dictado del pensamiento en ausencia de todo control ejercido por la razón, fuera de toda preocupación estética y moral. ”

    Al igual que el dadaísmo anterior, el movimiento surrealista enfatizó la poca importancia de la razón y la planificación y, en cambio, confió en gran medida en el azar y la sorpresa como herramienta para aprovechar la creatividad de la mente inconsciente. Los surrealistas son conocidos por haber inventado el dibujo “exquisito cadáver”, un ejercicio donde las palabras y las imágenes se ensamblan de manera colaborativa, una tras otra. Muchas técnicas surrealistas, incluido el exquisito dibujo de cadáveres, permitieron la creación lúdica del arte a través de la asignación de valor a la producción espontánea.

    El movimiento Fluxus

    El movimiento Fluxus de la década de 1960 estuvo muy influenciado por el dadaísmo. Fluxus fue una red internacional de artistas que mezclaban hábilmente muchas disciplinas diferentes, y cuyo trabajo se caracterizó por el uso de una estética extrema de bricolaje (bricolaje) y obras de arte fuertemente intermedias. Además, Fluxus era conocido por sus “acontecimientos”, que eran eventos de performance multidisciplinarios o situaciones que podían ocurrir en cualquier lugar. La participación de la audiencia era esencial en un acontecimiento, y por lo tanto confiaba en una gran cantidad de sorpresa e improvisación. A menudo se planeaban elementos clave de los acontecimientos, pero los artistas dejaron espacio para la improvisación, lo que eliminó el límite entre la obra de arte y el espectador, convirtiendo así al público en una parte importante del arte.

    Inclusión de los Cinco Sentidos

    La inclusión de los cinco sentidos humanos en una sola obra tiene lugar con mayor frecuencia en el arte de instalación y performance.

    Objetivos de aprendizaje

    Explicar cómo la instalación y el arte escénico incluyen los cinco sentidos del espectador

    Claves para llevar

    Puntos Clave

    • En el arte contemporáneo, es bastante común que el trabajo atienda los sentidos de la vista, el tacto y el oído, mientras que es algo menos común abordar el olfato y el gusto.
    • “Gesamtkunstwerk”, o “obra de arte total”, es una palabra alemana que se refiere a una obra de arte que intenta abordar los cinco sentidos humanos.
    • El arte de instalación es un género de arte tridimensional que está diseñado para transformar la percepción del espectador de un espacio.
    • La realidad virtual es un término que se refiere a entornos simulados por computadora.

    Términos Clave

    • Sucediendo:un evento espontáneo o improvisado, especialmente uno que implica la participación de la audiencia.
    • realidad virtual:Una realidad basada en la computadora.

    La inclusión de los cinco sentidos humanos en una sola obra tiene lugar con mayor frecuencia en la instalación y el arte basado en la performance. Además, las obras que se esfuerzan por incluir todos los sentidos a la vez generalmente hacen uso de alguna forma de interactividad, ya que el sentido del gusto claramente debe involucrar la participación del espectador. Históricamente, esta atención a todos los sentidos estaba reservada al ritual y la ceremonia. En el arte contemporáneo, es bastante común que el trabajo atienda los sentidos de la vista, el tacto y el oído, mientras que algo menos común que el arte aborde los sentidos del olfato y el gusto.

    La palabra alemana “Gesamtkunstwerk”, que significa “obra de arte total”, se refiere a un género de obras de arte que intenta abordar los cinco sentidos humanos. El concepto fue sacado a la fama por el compositor de ópera alemán Richard Wagner en 1849. Wagner escenificó una ópera que buscaba unir las formas artísticas, que consideró que se habían vuelto demasiado dispares. Las óperas de Wagner prestaron gran atención a cada detalle para lograr un estado de inmersión artística total. “Gesamkunstwerk” es ahora un término aceptado en inglés relacionado con la estética, pero ha evolucionado a partir de la definición de Wagner para significar la inclusión de los cinco sentidos en el arte.

    El arte de instalación es un género de arte tridimensional que está diseñado para transformar la percepción del espectador de un espacio. Terraplén de Rachel Whiteread ejemplifica este tipo de transformación. El término generalmente se refiere a un espacio interior, mientras que Land Art generalmente se refiere a un espacio al aire libre, aunque hay cierta superposición entre estos términos. El movimiento Fluxus de la década de 1960 es clave para el desarrollo del arte de instalación y performance como médiums.

    Fotografía de instalación de arte, la cual consta de 14,000 cajas de polietileno translúcidas, blancas apiladas a diferentes alturas.

    Rachel Whiteread, Embankment, 2005: La instalación de Whiteread Embankment es un tipo de arte diseñado para transformar la percepción del espacio del espectador.

    “Realidad virtual” es un término que se refiere a entornos simulados por computadora. Actualmente, la mayoría de los entornos de realidad virtual son experiencias visuales, pero algunas simulaciones incluyen información sensorial adicional. La realidad virtual inmersiva se ha desarrollado en los últimos años con la mejora de la tecnología y cada vez más está abordando los cinco sentidos dentro de un ámbito virtual. Los artistas han estado explorando las posibilidades de estas realidades simuladas y virtuales con la expansión de la disciplina de las ciberartes, aunque lo que constituye el ciberarte sigue siendo objeto de debate. Entornos como el mundo virtual de Second Life son generalmente aceptados, pero sigue indeciso si los videojuegos deben considerarse arte o no.

    Balance Composicional

    El equilibrio compositivo se refiere a la colocación de los elementos artísticos en relación entre sí dentro de una obra de arte.

    Objetivos de aprendizaje

    Categorizar los elementos de equilibrio composicional en una obra de arte

    Claves para llevar

    Puntos Clave

    • Un equilibrio armónico de composición implica disponer elementos para que ninguna parte de una obra domine o parezca más pesada que cualquier otra parte.
    • Los tres tipos más comunes de equilibrio composicional son simétricos, asimétricos y radiales.
    • Cuando se equilibra, una composición parece estable y visualmente correcta. Así como la simetría se relaciona con la preferencia estética y refleja un sentido intuitivo de cómo “deberían” aparecer las cosas, el equilibrio general de una composición dada contribuye a juicios externos de la obra.

    Términos Clave

    • Radial:dispuestos como rayos que irradian desde, o convergen hacia, un centro común.
    • Simmetría:correspondencia exacta a cada lado de una línea divisoria, plano, centro o eje. El arreglo satisfactorio de una distribución equilibrada de los elementos de un todo.
    • Asimetría:falta de simetría, o proporción entre las partes de una cosa, sobre todo falta de simetría bilateral. Carecer de una medida común entre dos objetos o cantidades; Inconmensurabilidad. Aquello que provoca que algo no sea simétrico.

    El equilibrio composicional se refiere a la colocación de los elementos del arte (color, forma, línea, forma, espacio, textura y valor) en relación entre sí. Cuando está equilibrada, una composición parece más estable y visualmente agradable. Así como la simetría se relaciona con la preferencia estética y refleja un sentido intuitivo de cómo “deberían” aparecer las cosas, el equilibrio general de una composición dada contribuye a juicios externos de la obra.

    Crear un equilibrio armónico de composición implica disponer elementos para que ninguna parte de una obra domine o parezca más pesada que cualquier otra parte. Los tres tipos más comunes de equilibrio composicional son simétricos, asimétricos y radiales.

    Las formas rojas sobre un fondo blanco ilustran una comparación de equilibrio simétrico, asimétrico y radial. Un rectángulo horizontal con círculos centrados tanto por encima como por debajo de él representa el equilibrio simétrico. El equilibrio asimétrico se ilustra mediante un rectángulo horizontal con un círculo arriba y a la izquierda del mismo y un círculo debajo y a la derecha del mismo. El equilibrio radial se ilustra mediante seis círculos de tamaño identico dispuestos en un anillo.

    Balance composicional: Los tres tipos comunes de equilibrio son simétricos, asimétricos y radiales.

    El equilibrio simétrico es el más estable, en un sentido visual, y generalmente transmite una sensación de proporcionalidad armoniosa o estéticamente agradable. Cuando ambos lados de una obra de arte a cada lado del eje horizontal o vertical del plano de la imagen son los mismos en términos del sentido que se crea por la disposición de los elementos del arte, se dice que la obra exhibe este tipo de equilibrio. Lo opuesto a la simetría es la asimetría.

    El dibujo representa a un hombre en dos posiciones superpuestas con los brazos y las piernas separados e inscritos en círculo y cuadrado.

    Leonardo da Vinci, Hombre de Vitruvio, 1487: El Hombre Vitruviano de Leonardo da Vinci se utiliza a menudo como representación de la simetría en el cuerpo humano y, por extensión, en el universo natural.

    La asimetría se define como la ausencia o violación de los principios de simetría. Ejemplos de asimetría aparecen comúnmente en la arquitectura. Aunque los estilos arquitectónicos premodernos tendían a poner énfasis en la simetría (excepto donde las condiciones extremas del sitio o los desarrollos históricos alejan de este ideal clásico), los arquitectos modernos y posmodernos frecuentemente utilizaron la asimetría como elemento de diseño. Por ejemplo, mientras que la mayoría de los puentes emplean una forma simétrica debido a las simplicidades intrínsecas de diseño, análisis, fabricación y uso económico de materiales, varios puentes modernos se han apartado deliberadamente de esto, ya sea en respuesta a consideraciones específicas del sitio o para crear una declaración de diseño dramática. .

    Fotografía a color del puente de Oakland Bay tomada desde la orilla de la bahía.

    Oakland Bay Bridge: el reemplazo del tramo oriental del puente San Francisco—Oakland Bay Bridge refleja un diseño arquitectónico asimétrico.

    El equilibrio radial se refiere a elementos circulares en las composiciones. En la geometría clásica, un radio de un círculo o esfera es cualquier segmento de línea desde su centro hasta su perímetro. Por extensión, el radio de un círculo o esfera es la longitud de cualquier segmento de este tipo, que es la mitad del diámetro. El radio puede ser más de la mitad del diámetro, que generalmente se define como la distancia máxima entre dos puntos cualesquiera de la figura. El inradio de una figura geométrica suele ser el radio del círculo o esfera más grande que contiene. El radio interior de un anillo, tubo u otro objeto hueco es el radio de su cavidad. El nombre “radial” o “radio” proviene del latín radius, que significa “rayo” pero también el radio de una rueda circular de carro.

    Ritmo

    Los artistas utilizan el ritmo como herramienta para guiar el ojo del espectador a través de obras de arte.

    Objetivos de aprendizaje

    Reconocer e interpretar el uso del ritmo en una obra de arte

    Claves para llevar

    Puntos Clave

    • El ritmo puede definirse generalmente como un “movimiento marcado por la sucesión regulada de elementos fuertes y débiles, o de condiciones opuestas o diferentes” (Anon. 1971).
    • El ritmo también puede referirse a la presentación visual como “movimiento cronometrado a través del espacio” (Jirousek 1995), y un lenguaje común del patrón une el ritmo con la geometría.
    • Por ejemplo, colocar una espiral roja en la parte inferior izquierda y superior derecha, por ejemplo, hará que el ojo se mueva de una espiral, a la otra, y todo lo demás. Está indicando movimiento en la pieza por la repetición de elementos y, por lo tanto, puede hacer que la obra parezca activa.

    Términos Clave

    • Simmetría:correspondencia exacta a cada lado de una línea divisoria, plano, centro o eje. El arreglo satisfactorio de una distribución equilibrada de los elementos de un todo.

    Los principios del arte visual son las reglas, herramientas y pautas que los artistas utilizan para organizar los elementos de una obra de arte. Cuando los principios y elementos se combinan con éxito, ayudan a crear una obra de arte estéticamente agradable o interesante. Si bien hay alguna variación entre ellos, el movimiento, la unidad, la armonía, la variedad, el equilibrio, el ritmo, el énfasis, el contraste, la proporción y el patrón se sitúan comúnmente como principios del arte.

    El ritmo (de los ritmos griegos, “cualquier movimiento recurrente regular, simetría” (Liddell y Scott 1996)) puede definirse generalmente como un “movimiento marcado por la sucesión regulada de elementos fuertes y débiles, o de condiciones opuestas o diferentes” (Anon. 1971). Este significado general de recurrencia regular o patrón en el tiempo puede aplicarse a una amplia variedad de fenómenos naturales cíclicos que tienen una periodicidad o frecuencia de cualquier cosa, desde microsegundos hasta millones de años. En las artes escénicas, el ritmo es el momento de eventos a escala humana, de sonidos musicales y silencios, de los pasos de una danza, o el metro del lenguaje hablado y la poesía. El ritmo también puede referirse a la presentación visual, como “movimiento cronometrado a través del espacio” (Jirousek 1995), y un lenguaje común del patrón une el ritmo con la geometría.

    En una composición visual, el patrón y el ritmo generalmente se expresan mostrando consistencia con colores o líneas. Por ejemplo, colocar una espiral roja en la parte inferior izquierda y superior derecha, por ejemplo, hará que el ojo se mueva de una espiral, a la otra, y luego al espacio intermedio. La repetición de elementos crea movimiento del ojo del espectador y, por lo tanto, puede hacer que la obra se sienta activa. Svanen (El cisne) de Hilma af Klint ejemplifica la representación visual del ritmo usando el color y la simetría.

    Una pintura abstracta de un círculo segmentado biseccionado. Un lado es blanco y negro. El otro es multicolor.

    Hilma af Klint, Svanen (El cisne), 1914: El color y la simetría trabajan juntos en esta pintura para guiar el ojo del espectador en un ritmo visual particular.

    Proporción y Escala

    La proporción es una medida del tamaño y cantidad de elementos dentro de una composición.

    Objetivos de aprendizaje

    Aplicar el concepto de proporción a diferentes obras de arte

    Claves para llevar

    Puntos Clave

    • La proporción jerárquica es una técnica utilizada en el arte, principalmente en escultura y pintura, en la que el artista utiliza proporciones o escalas antinaturales para representar la importancia relativa de las figuras en la obra.
    • Matemáticamente, la proporción es la relación entre elementos y un todo. En arquitectura, el conjunto no es solo un edificio sino el conjunto y escenario del sitio.
    • Entre las diversas tradiciones artísticas antiguas, se aplicaron las proporciones armónicas, proporciones humanas, orientaciones cósmicas, diversos aspectos de la geometría sagrada y pequeñas proporciones de números enteros como parte de la práctica del diseño arquitectónico.

    Términos Clave

    • relación áurea:El número irracional (aproximadamente 1·618), generalmente denotado por la letra griega φ (phi), que es igual a la suma de su propio recíproco y 1, o, equivalentemente, es tal que la relación de 1 al número es igual a la relación de su recíproco a 1. Algunos artistas y arquitectos del siglo XX han proporcionado sus obras para aproximarse a esto, especialmente en forma de rectángulo dorado, en el que la relación entre el lado más largo y el más corto equivale a este número, creyendo que esta proporción es estéticamente agradable.

    La proporción es una medida del tamaño y cantidad de elementos dentro de una composición. La proporción jerárquica es una técnica utilizada en el arte, principalmente en escultura y pintura, en la que el artista utiliza proporciones o escalas antinaturales para representar la importancia relativa de las figuras en la obra. En el arte egipcio antiguo, por ejemplo, los dioses y figuras políticas importantes aparecen mucho más grandes que la gente común. A partir del Renacimiento, los artistas reconocieron la conexión entre proporción y perspectiva, y la ilusión del espacio tridimensional. Se utilizaron imágenes del cuerpo humano en proporción exagerada para representar la realidad que interpretó un artista.

    Fotografía de tablilla de piedra. Representa seis figuras talladas en la piedra. Parecen estar caminando en la fila. La cifra más grande se encuentra al final de la línea, cada figura al frente es progresivamente más pequeña.

    Representación de Narmer de la paleta Narmer: Narmer, un gobernante predinástico, acompañado de hombres que portaban los estándares de varios dioses locales. Esta pieza demuestra el uso de la proporción de los antiguos egipcios, con Narmer apareciendo más grande que las otras figuras representadas.

    Matemáticamente, la proporción es la relación entre elementos y un todo. En arquitectura, el conjunto no es solo un edificio sino el conjunto y escenario del sitio. Las cosas que hacen un edificio y su sitio “bien conformado” incluyen todo, desde la orientación del sitio y los edificios en él, hasta las características de los terrenos en los que se encuentra. La luz, la sombra, el viento, la elevación y la elección de los materiales se relacionan con un estándar de proporción arquitectónica.

    La arquitectura a menudo ha utilizado sistemas proporcionales para generar o constreñir las formas consideradas adecuadas para su inclusión en un edificio. En casi todas las tradiciones constructivas, existe un sistema de relaciones matemáticas que gobierna las relaciones entre aspectos del diseño. Estos sistemas de proporción suelen ser bastante simples: las proporciones numéricas enteras o proporciones inconmensurables (como la proporción áurea) se determinaron mediante métodos geométricos. Generalmente, el objetivo de un sistema proporcional es producir un sentido de coherencia y armonía entre los elementos de un edificio.

    Entre las diversas tradiciones artísticas antiguas, se aplicaron las proporciones armónicas, proporciones humanas, orientaciones cósmicas, diversos aspectos de la geometría sagrada y pequeñas proporciones de números enteros como parte de la práctica del diseño arquitectónico. Por ejemplo, los órdenes arquitectónicos clásicos griegos son todos proporcionados en lugar de módulos dimensionados o medidos, porque los primeros módulos no se basaban en partes del cuerpo y sus vanos (dedos, palmas, manos y pies), sino más bien en los diámetros de las columnas y los anchos de las arcadas y fenestraciones.

    Fotografía del templo, una estructura rectangular. El frente es de cuatro columnas de ancho y dos columnas de profundidad.

    Templo de Portanus: El templo griego de Portanus es un ejemplo de arquitectura griega clásica con su pórtico tetrastyle de cuatro columnas jónicas.

    Por lo general, un conjunto de módulos de diámetro de columna utilizados para el trabajo de cajas y molduras arquitectónicas por los egipcios y romanos se basa en las proporciones de la palma y el dedo, mientras que otro módulo menos delicado, utilizado para molduras de puertas y ventanas, trabajos de tejas y techado en Mesopotamia y Grecia, se basó en el proporciones de la mano y el pulgar.

    Se remonta a los pitagóricos, existía la idea de que las proporciones debían estar relacionadas con los estándares, y que cuanto más generales y formulaicos fueran los estándares, mejor. Este concepto, que debe haber belleza y elegancia evidenciadas por una hábil composición de elementos bien entendidos, subyace a las matemáticas, el arte y la arquitectura. Los estándares clásicos son una serie de opuestos emparejados diseñados para expandir las restricciones dimensionales de armonía y proporción.

    Espacio

    El espacio en el arte puede definirse como el área que existe entre dos puntos identificables.

    Objetivos de aprendizaje

    Definir el espacio en el arte y enumerar formas en que es empleado por los artistas

    Claves para llevar

    Puntos Clave

    • La organización del espacio se denomina composición y es un componente esencial de cualquier obra de arte.
    • El espacio de una obra de arte incluye el fondo, el primer plano y el término medio, así como la distancia entre, alrededor y dentro de las cosas.
    • Hay dos tipos de espacio: el espacio positivo y el espacio negativo.
    • Después de pasar cientos de años desarrollando la perspectiva lineal, las nociones artísticas occidentales sobre la representación precisa del espacio pasaron por un cambio radical a principios del siglo XX.
    • El cubismo y los posteriores movimientos modernistas representaron un cambio importante en el uso del espacio dentro del arte occidental, que todavía se siente hoy en día.

    Términos Clave

    • ESPACIO:La distancia o área vacía entre las cosas.
    • Cubismo:Un movimiento artístico de principios del siglo XX caracterizado por la representación de formas naturales como estructuras geométricas de planos.

    La organización del espacio en el arte se denomina composición, y es un componente esencial de cualquier obra de arte. El espacio puede definirse generalmente como el área que existe entre dos puntos identificables cualesquiera.

    El espacio se concibe de manera diferente en cada medio. El espacio en una pintura, por ejemplo, incluye el fondo, el primer plano y el término medio, mientras que el espacio tridimensional, como la escultura o la instalación, implicará la distancia entre, alrededor y dentro de los puntos de la obra. El espacio se categoriza además como positivo o negativo. “Espacio positivo” puede definirse como el tema de una obra de arte, mientras que “espacio negativo” puede definirse como el espacio alrededor del sujeto.

    A lo largo de los siglos, el espacio ha sido concebido de diversas maneras. Los artistas han dedicado mucho tiempo a experimentar con perspectivas y grados de planitud del plano pictórico.

    El sistema de perspectiva ha sido una convención muy empleada en el arte occidental. Visualmente, es un fenómeno ilusionista, muy adaptado al realismo y a la representación de la realidad tal como aparece. Después de pasar cientos de años desarrollando la perspectiva lineal, las convenciones artísticas occidentales sobre la representación precisa del espacio pasaron por un cambio radical a principios del siglo XX. Las innovaciones del cubismo y los posteriores movimientos modernistas representaron un cambio importante en el uso del espacio dentro del arte occidental, cuyo impacto aún se siente.

    Pintura que representa a cinco mujeres desnudas. Sus cuerpos son angulares, compuestos de formas planas y astilladas. La colocación de rasgos en sus rostros es más abstracta que realista.

    Pablo Picasso, Les Demoiselles d'Avignon, 1907: Les Demoiselles d'Avignon es un ejemplo de arte cubista, que tiende a aplanar el plano de la imagen, y su uso de formas abstractas y formas irregulares sugieren múltiples puntos de vista dentro de una sola imagen.

    Espacio bidimensional

    El espacio bidimensional, o bidimensional, es un modelo geométrico de la proyección plana del universo físico en el que vivimos.

    Objetivos de aprendizaje

    Discutir el espacio bidimensional en el arte y las propiedades físicas en las que se basa

    Claves para llevar

    Puntos Clave

    • En términos físicos, la dimensión se refiere a la estructura constituyente de todo el espacio y su posición en el tiempo.
    • El dibujo es una forma de arte visual que hace uso de cualquier número de instrumentos para marcar un medio bidimensional.
    • Casi cualquier forma dimensional puede ser representada por alguna combinación del cubo, la esfera, el cilindro y el cono. Una vez que estas formas básicas se han ensamblado en una semejanza, entonces el dibujo se puede refinar en una forma más precisa y pulida.

    Términos Clave

    • Dimensión:un solo aspecto de una cosa dada. Una medida de extensión espacial en una dirección particular, como la altura, la anchura o la anchura, o la profundidad.
    • Bidimensional:Existente en dos dimensiones. No crear la ilusión de profundidad.
    • Planar:De o perteneciente a un avión. Plano, bidimensional.

    El espacio bidimensional, o bidimensional, es un modelo geométrico de la proyección plana del universo físico en el que vivimos. Las dos dimensiones se denominan comúnmente largo y ancho. Ambas direcciones se encuentran en el mismo plano. En física, nuestro espacio bidimensional es visto como una representación plana del espacio en el que nos movemos.

    imagen

    Representación matemática del espacio bidimensional: Sistema de coordenadas cartesianas bidimensionales.

    En la composición artística, el dibujo es una forma de arte visual que hace uso de cualquier número de instrumentos de dibujo para marcar un medio bidimensional (es decir, que el objeto no tiene profundidad). Uno de los medios más simples y eficientes de comunicar ideas visuales, el medio ha sido un medio popular y fundamental de expresión pública a lo largo de la historia humana. Adicionalmente, la disponibilidad relativa de instrumentos básicos de dibujo hace que el dibujo sea más universal que la mayoría de los otros medios.

    Medir las dimensiones de un sujeto mientras se bloquea en el dibujo es un paso importante para producir una interpretación realista de un sujeto. Se pueden utilizar herramientas como una brújula para medir los ángulos de diferentes lados. Estos ángulos se pueden reproducir en la superficie de dibujo y luego volver a verificar para asegurarse de que son precisos. Otra forma de medición es comparar los tamaños relativos de diferentes partes del sujeto entre sí. Un dedo colocado en un punto a lo largo del implemento de dibujo se puede usar para comparar esa dimensión con otras partes de la imagen. Una regla se puede usar tanto como regla recta como dispositivo para calcular proporciones. Al intentar dibujar una forma complicada como una figura humana, es útil al principio representar la forma con un conjunto de formas primitivas.

    Casi cualquier forma dimensional puede ser representada por alguna combinación del cubo, la esfera, el cilindro y el cono. Una vez que estas formas básicas se han ensamblado en una semejanza, entonces el dibujo se puede refinar en una forma más precisa y pulida. Las líneas de las formas primitivas son removidas y reemplazadas por la semejanza final. Un arte más refinado del dibujo de figuras se basa en que el artista posee un profundo conocimiento de la anatomía y las proporciones humanas. Un artista capacitado está familiarizado con la estructura del esqueleto, la ubicación de las articulaciones, la colocación de los músculos, el movimiento de los tendones y cómo las diferentes partes trabajan juntas durante el movimiento. Esto permite al artista renderizar poses más naturales que no aparecen artificialmente rígidas. El artista también está familiarizado con cómo varían las proporciones dependiendo de la edad del sujeto, particularmente a la hora de dibujar un retrato.

    Bosquejo que representa a una mujer y a su perro. A la mujer se le muestra de perfil, vistiendo un abrigo holgada. Ella le sonríe a su pequeño perro. El perro se para delante de ella, mirando hacia atrás con la boca abierta como si ladrara.

    Dibujo de figuras humanas: Madame Palmyre de Henri de Toulouse-Lautrec con su perro, 1897.

    Perspectiva lineal y espacio tridimensional

    La perspectiva es una representación aproximada sobre una superficie plana de una imagen tal como es vista a simple vista.

    Objetivos de aprendizaje

    Explicar la perspectiva y su impacto en la composición artística

    Claves para llevar

    Puntos Clave

    • Los intentos sistemáticos de evolucionar un sistema de perspectiva generalmente se consideran que comenzaron alrededor del siglo V a.C. en el arte de la Antigua Grecia.
    • Las primeras pinturas y dibujos artísticos suelen dimensionar objetos y personajes jerárquicamente de acuerdo a su importancia espiritual o temática, no a su distancia del espectador.
    • En la Europa medieval, el uso y la sofisticación de los intentos de transmitir distancia aumentaron de manera constante pero sin base en una teoría sistemática.
    • Por el Renacimiento, casi todos los artistas en Italia utilizaron la perspectiva geométrica en sus pinturas, tanto para retratar la profundidad como también como un método compositivo nuevo y “del momento”.

    Términos Clave

    • Curvilinear:Tener curvas; curvo; formado por líneas curvas.
    • línea horizonte:Una línea horizontal en el dibujo en perspectiva, directamente opuesta al ojo del espectador y a menudo implícita, que representa objetos infinitamente lejanos y determina el ángulo o perspectiva desde la que el espectador ve la obra.
    • punto de fusión:El punto en un dibujo de perspectiva en el que las líneas paralelas que retroceden de un observador parecen converger.
    • Perspectiva:La técnica de representar objetos tridimensionales sobre una superficie bidimensional.

    En el arte, la perspectiva es una representación aproximada sobre una superficie plana de una imagen tal como es vista por el ojo, calculada asumiendo un punto de fuga particular. Los intentos sistemáticos de evolucionar un sistema de perspectiva generalmente se consideran que comenzaron alrededor del siglo V a. C. en el arte de la Antigua Grecia. En los últimos períodos de la antigüedad, los artistas, especialmente aquellos en tradiciones menos populares, eran muy conscientes de que los objetos distantes podían mostrarse más pequeños que los cercanos a la mano para aumentar el ilusionismo. Pero el hecho de que esta convención se utilizara realmente en una obra dependía de muchos factores. Algunas de las pinturas que se encuentran en las ruinas de Pompeya muestran un notable realismo y perspectiva para su época.

    Las primeras pinturas y dibujos artísticos suelen dimensionar objetos y personajes jerárquicamente de acuerdo a su importancia espiritual o temática, no a su distancia del espectador. Las figuras más importantes a menudo se muestran como las más altas en una composición, también por motivos hieráticos, lo que lleva a la “perspectiva vertical” común en el arte del Antiguo Egipto, donde un grupo de figuras “más cercanas” se muestran debajo de la (s) figura (s) más grande (s).

    El arte del Periodo Migratorio no tenía tradición de intentar composiciones de gran número de figuras, y el arte medieval temprano fue lento e inconsistente en reaprender la convención a partir de modelos clásicos, aunque el proceso se puede ver en marcha en el arte carolingio. Los artistas medievales europeos eran conscientes del principio general de variar el tamaño relativo de los elementos según la distancia, y el uso y la sofisticación de los intentos de transmitir la distancia aumentaron de manera constante durante el período, pero sin base en una teoría sistemática.

    Por el Renacimiento, sin embargo, casi todos los artistas en Italia utilizaron la perspectiva geométrica en sus pinturas. Este uso de la perspectiva no sólo era una forma de retratar la profundidad, sino que también era un nuevo método para componer una pintura. Las pinturas comenzaron a mostrar una escena única y unificada, en lugar de una combinación de varias. Por un tiempo, la perspectiva siguió siendo el dominio de Florencia. Poco a poco, y en parte a través del movimiento de academias de las artes, las técnicas italianas pasaron a formar parte de la formación de artistas de toda Europa y, posteriormente, de otras partes del mundo.

    La pintura representa una escena de la Biblia en la que a San Pedro se le dan las llaves del Cielo. En primer plano, San Pedro se arrodilla rodeado de apóstoles mientras Jesús le entrega las llaves. Al fondo en el centro de la pintura, hay un gran templo flanqueado por arcos.

    Perspectiva en la pintura renacentista: el uso de la perspectiva de Pietro Perugino en este fresco de la Capilla Sixtina (1481—1882) ayudó a llevar el Renacimiento a Roma.

    Un dibujo tiene perspectiva de un punto cuando contiene solo un punto de fuga en la línea del horizonte. Este tipo de perspectiva se usa típicamente para imágenes de carreteras, vías férreas, pasillos o edificios vistos de manera que el frente esté directamente orientado hacia el espectador. Cualquier objeto que esté formado por líneas ya sea directamente paralelas a la línea de visión del espectador o directamente perpendiculares (los listones del ferrocarril) se puede representar con perspectiva de un punto. Estas líneas paralelas convergen en el punto de fuga.

    La perspectiva de dos puntos se puede usar para dibujar los mismos objetos que la perspectiva de un punto, pero girada, como mirar la esquina de una casa o mirar dos caminos bifurcados que se reducen a la distancia. Al mirar una casa desde la esquina, por ejemplo, una pared retrocedería hacia un punto de fuga y la otra pared retrocedería hacia el punto de fuga opuesto.

    La perspectiva de tres puntos se utiliza para los edificios representados desde arriba o abajo. Además de los dos puntos de fuga de antes, uno por cada muro, ahora hay un tercero de cómo esos muros retroceden al suelo. Este tercer punto de fuga estaría por debajo del suelo.

    La perspectiva de cuatro puntos es la variante curvilínea de la perspectiva de dos puntos. El marco alargado resultante se puede usar tanto horizontal como verticalmente. Como todas las demás variantes acortadas de perspectiva, la perspectiva de cuatro puntos comienza con una línea de horizonte, seguida de cuatro puntos de fuga igualmente espaciados para delinear cuatro líneas verticales. Debido a que los puntos de fuga solo existen cuando las líneas paralelas están presentes en la escena, se produce una perspectiva sin puntos de fuga (“punto cero”) si el espectador está observando una escena no rectilínea. El ejemplo más común de una escena no lineal es una escena natural (por ejemplo, una cordillera), que frecuentemente no contiene líneas paralelas. Una perspectiva sin puntos de fuga todavía puede crear una sensación de profundidad.

    Distorsiones del espacio y escorzo

    La distorsión se utiliza para crear diversas representaciones del espacio en obras de arte bidimensionales.

    Objetivos de aprendizaje

    Identificar cómo se emplea y evita la distorsión en las obras de arte

    Claves para llevar

    Puntos Clave

    • La distorsión de proyección en perspectiva es la inevitable tergiversación del espacio tridimensional cuando se dibuja o “proyecta” sobre una superficie bidimensional. Es imposible representar con precisión la realidad tridimensional en un plano bidimensional.
    • Sin embargo, hay varios constructos disponibles que permiten una representación aparentemente precisa. La proyección en perspectiva se puede utilizar para reflejar cómo ve el ojo mediante el uso de uno o más puntos de fuga.
    • Aunque la distorsión puede ser irregular o seguir muchos patrones, las distorsiones más comúnmente encontradas en la composición, especialmente en la fotografía, son radialmente simétricas, o aproximadamente, derivadas de la simetría de una lente fotográfica.

    Términos Clave

    • Radial:dispuestos como rayos que irradian desde, o convergen en, un centro común
    • Proyección: la imagen que un objeto translúcido proyecta sobre otro objeto.
    • Foreshortening:Una técnica para crear la apariencia de que el objeto de un dibujo se extiende al espacio acortando las líneas con las que se dibuja ese objeto.

    Una distorsión es la alteración de la forma original (u otra característica) de un objeto, imagen, sonido u otra forma de información o representación. La distorsión puede ser deseada o no deseada por el artista. La distorsión suele ser indeseada cuando se trata de degradación física de una obra. Sin embargo, es más comúnmente referido en términos de perspectiva, donde se emplea para crear representaciones realistas del espacio en obras de arte bidimensionales.

    Distorsión de Proyección

    La distorsión de proyección en perspectiva es la inevitable tergiversación del espacio tridimensional cuando se dibuja o “proyecta” sobre una superficie bidimensional. Es imposible representar con precisión la realidad tridimensional en un plano bidimensional. Sin embargo, hay varios constructos disponibles que permiten una representación aparentemente precisa. El más común de estos es la proyección en perspectiva. La proyección en perspectiva se puede utilizar para reflejar cómo ve el ojo haciendo uso de uno o más puntos de fuga.

    imagen

    Giotto, Lamentación (El duelo de Cristo), 1305—1306: Giotto es uno de los artistas pre-renacentistas más notables en reconocer la distorsión en planos bidimensionales.

    Escorzo

    El escorzo es el efecto visual o ilusión óptica que hace que un objeto o distancia aparezca más corto de lo que realmente es porque está en ángulo hacia el espectador. Si bien el escorzo es un elemento importante en el arte donde se representa la perspectiva visual, el escorzo ocurre en otros tipos de representaciones bidimensionales de escenas tridimensionales, como los dibujos de proyección oblicua paralela.

    La base fisiológica del escorzo visual estuvo indefinida hasta el año 1000 cuando el matemático y filósofo árabe, Alhazen, en su Perspectiva, explicó por primera vez que la luz se proyecta cónicamente en el ojo. Un método para presentar geometría escorzada sistemáticamente en una superficie plana fue desconocido por otros 300 años. El artista Giotto pudo haber sido el primero en reconocer que la imagen contemplada por el ojo está distorsionada: a la vista, las líneas paralelas parecen cruzarse (como los bordes distantes de un camino o camino), mientras que en la naturaleza “no distorsionada”, no lo hacen. En muchas de las pinturas de Giotto, la perspectiva se emplea para lograr diversos efectos de distorsión.

    Fresco que representa ángeles con túnicas coloridas que parecen extenderse en el espacio, flotando.

    Acortamiento: Esta pintura ilustra el uso de Melozzo da Forlì del escorzo ascendente en sus frescos en La Basílica della Santa Casa.

    Distorsión en fotografía

    En la fotografía, el mecanismo de proyección es la luz reflejada desde un objeto. Para ejecutar un dibujo mediante proyección en perspectiva, los proyectores emanan de todos los puntos de un objeto y se cruzan en un punto de estación. Estos proyectores se cruzan con un plano imaginario de proyección y se crea una imagen en el plano por los puntos de intersección. La imagen resultante en el plano de proyección reproduce la imagen del objeto tal como se ve desde el punto de estación.

    La distorsión radial generalmente se puede clasificar como uno de dos tipos principales: distorsión de barril y distorsión de acerico. La distorsión del barril ocurre cuando la ampliación de la imagen disminuye con la distancia desde el eje óptico. El efecto aparente es el de una imagen que ha sido mapeada alrededor de una esfera (o barril). Las lentes ojo de pez, que toman vistas hemisféricas, utilizan este tipo de distorsión como una forma de mapear un plano de objeto infinitamente ancho en un área de imagen finita.

    Por otro lado, en la distorsión de acerico, la ampliación de la imagen aumenta con la distancia desde el eje óptico. El efecto visible es que las líneas que no pasan por el centro de la imagen se inclinan hacia adentro, hacia el centro de la imagen, como un alfiletero. Una cierta cantidad de distorsión de acerico se encuentra a menudo con instrumentos ópticos visuales (es decir, binoculares), donde sirve para eliminar el efecto globo.

    La perspectiva cilíndrica es una forma de distorsión causada por lentes de ojo de pez y panorámicas, que reproducen líneas horizontales rectas por encima y por debajo del nivel del eje de la lente como curvas, mientras reproducen líneas horizontales rectas en el nivel del eje de la lente como rectas. Esta es también una característica común de las lentes anamórficas gran angular de menos de 40 mm de distancia focal en cinematografía. Esencialmente es solo distorsión de barril, pero solo en el plano horizontal. Es un artefacto del proceso de compresión que hacen las lentes anamórficas para ajustar imágenes de pantalla ancha en una película de ancho estándar.

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