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1.3: Contenido

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    Tipos de Contenido

    El contenido en el arte toma la forma de retratos, paisajes, bodegones, arte de género y arte narrativo.

    Objetivos de aprendizaje

    Describir diferentes categorías de arte figurativo o abstracto.

    Claves para llevar

    Puntos Clave

    • El contenido de una obra de arte se refiere a lo que se representa y puede ser útil para derivar un significado básico. Aparece en las artes visuales de varias formas, todas las cuales pueden ser figurativas (realistas) o abstractas (distorsionadas). Entre ellos se encuentran retratos, paisajes, naturalezas muertas, arte de género y arte narrativo.
    • Los retratos representan la semejanza de una persona y pueden incluir un estudio del estado de ánimo o personalidad de la niñera.
    • Los paisajes representan paisajes naturales como montañas, valles, árboles, ríos y bosques, especialmente donde el tema principal es una vista amplia.
    • Un bodegón es una obra de arte que representa en su mayoría temas inanimados, típicamente objetos comunes que pueden ser naturales o artificiales.
    • El arte de género implica la representación pictórica en cualquiera de los diversos medios de escenas o eventos de la vida cotidiana, mientras que el arte narrativo cuenta una historia que puede ser real o imaginada.

    El contenido de una obra de arte se refiere a lo que se representa y puede ser útil para derivar un significado básico. A veces el contenido es sencillo; en otros casos, sin embargo, es menos obvio y requiere información adicional. El contenido aparece en las artes visuales de varias formas, todas las cuales pueden ser figurativas (realistas) o abstractas (distorsionadas). Entre ellos se encuentran retratos, paisajes, naturalezas muertas, arte de género y arte narrativo.

    Retratos

    Un retrato es una pintura, fotografía, escultura, u otra representación artística de una persona, en la que predominan el rostro y su expresión. La intención es mostrar la semejanza, la personalidad e incluso el estado de ánimo de la persona. Por ello, en la fotografía un retrato generalmente no es una instantánea, sino una imagen compuesta de una persona en posición fija. Un retrato a menudo muestra a una persona mirando directamente al pintor o fotógrafo para involucrar más exitosamente al sujeto con el espectador.

    Fotografía en blanco y negro. Burne-Jones mira a la cámara mientras sostiene a su gato blanco y esponjoso.

    Philip Burne — Jones sosteniendo un gato: Colección George Grantham Bain, Biblioteca del Congreso, Washington, DC.

    Paisajes

    La pintura paisajística, también conocida como arte paisajístico, es la representación en el arte de paisajes —paisajes naturales como montañas, valles, árboles, ríos y bosques, especialmente donde el tema principal es una visión amplia— con sus elementos dispuestos en una composición coherente. En otras obras, los fondos paisajísticos para figuras aún pueden formar una parte importante de la obra. El cielo casi siempre está incluido en la vista, y el clima suele ser un elemento de la composición. Los paisajes detallados como tema distinto no se encuentran en todas las tradiciones artísticas y se desarrollan cuando ya existe una sofisticada tradición de representar a otros temas.

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    Henri Matisse. Paisaje en Collioure (1905): Óleo sobre lienzo. 38.8 x 46.6cm. Museo de Arte Moderno, Nueva York. Matisse era miembro de los Fauves (en francés para “bestias salvajes”), quienes utilizaron colores llamativos para transmitir emociones.

    Bodegones

    Un bodegón (bodegones plurales) es una obra de arte que representa en su mayoría temas inanimados, objetos típicamente comunes que pueden ser naturales (alimentos, flores, animales muertos, plantas, rocas o conchas) o hechos por el hombre (vasos para beber, libros, jarrones, joyas, monedas, pipas, etc.). Las pinturas tempranas de bodegones, particularmente antes de 1700, a menudo contenían simbolismo religioso y alegórico relacionado con los objetos representados. Algunos bodegones modernos rompen la barrera bidimensional y emplean medios mixtos tridimensionales, y utilizan objetos encontrados, fotografía, gráficos por computadora, así como video y sonido.

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    María van Oosterwijk. Vanitas Still-Life (1668): Óleo sobre lienzo. 73 x 88.5cm. Museo Kunsthistorisches, Viena.

    Género Arte

    El arte de género es la representación pictórica en cualquiera de los diversos medios de escenas o eventos de la vida cotidiana, como mercados, entornos domésticos, interiores, fiestas, escenas de posada y escenas callejeras. Tales representaciones (también llamadas obras de género, escenas de género o vistas de género) pueden ser realistas, imaginadas o romantizadas por el artista.

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    Nicolaes Maes. El sirviente ocioso (1655): Óleo sobre lienzo. Galería Nacional, Londres. Las escenas del género barroco holandés suelen tener importantes lecciones morales como sus subtextos.

    Arte Narrativo

    El arte narrativo es el arte que cuenta una historia, ya sea como un momento en una historia en curso o como una secuencia de eventos que se desarrollan a lo largo del tiempo. Algunas de las primeras evidencias del arte humano sugieren que la gente contaba historias con imágenes. Sin embargo, sin que se cuente algún conocimiento de la historia, es muy difícil leer cuadros antiguos porque no están organizados de manera sistemática como palabras en una página, sino que pueden desplegarse en muchas direcciones diferentes a la vez.

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    Hagesandros, Atenedoros y Polidoros. Laocoön y sus hijos (siglo I a. C.): Mármol. Museo Vaticano, Roma. Esta escultura de mármol representa una escena de la épica de Virgilio La Eneida, en la que el vidente troyano Laocoön prevé el Caballo de Troya y la destrucción de Troya por los griegos. Antes de que pueda advertir a sus compañeros del pueblo, el dios del mar Neptuno (aliado de los griegos) envía a sus serpientes para matar a Laocoön y a sus hijos.

    Arte Figurativo y Abstracto

    El arte existe a lo largo de un continuo desde el trabajo de representación realista hasta el trabajo totalmente no representacional.

    Objetivos de aprendizaje

    Distinguir entre arte figurativo y abstracto

    Claves para llevar

    Puntos Clave

    • El arte representacional, o arte figurativo, hace referencia a objetos o eventos en el mundo real.
    • El romanticismo, el impresionismo y el expresionismo contribuyeron al surgimiento del arte abstracto en el siglo XIX.
    • Incluso el trabajo representacional se abstrae hasta cierto punto; el arte completamente realista es esquivo.

    Términos Clave

    • Verisimilitude:La propiedad de parecer verdadero, de asemejarse a la realidad; semejanza con la realidad, realismo.

    La pintura y la escultura se pueden dividir en las categorías de figurativo (o representacional) y abstracto (o no representacional). El arte figurativo describe obras de arte —particularmente pinturas y esculturas— que se derivan claramente de fuentes reales de objetos y, por lo tanto, son, por definición, representacionales. Desde la llegada del arte abstracto a principios del siglo XX, el término “figurativo” se ha utilizado para referirse a cualquier forma de arte moderno que conserve fuertes referencias al mundo real.

    Pintura de paisaje que representa la escena en un concurrido puerto marítimo.

    Johann Anton Eismann, Ein Meerhafen, 1600: Esta obra figurativa del siglo XVII representa objetos fácilmente reconocibles: barcos, personas y edificios.

    La independencia artística se adelantó durante el siglo XIX, dando como resultado el surgimiento del arte abstracto. Tres movimientos que contribuyeron fuertemente al desarrollo de estos estilos fueron el Romanticismo, el Impresionismo y el Expresionismo.

    La abstracción indica un alejamiento de la realidad en su representación de imágenes. La abstracción existe a lo largo de un continuo; puede referirse formalmente a composiciones que se derivan (o abstraen) de fuentes figurativas u otras fuentes naturales, o puede referirse al arte no representacional y al arte no objetivo que no tiene derivación de figuras u objetos.

    Incluso el arte que busca verosimilitud del más alto grado puede decirse que es abstracto, al menos teóricamente, ya que es probable que la representación perfecta sea sumamente esquiva. Se puede decir que las obras de arte que toman libertades, alterando, por ejemplo, el color y la forma de formas que son llamativas, son parcialmente abstractas.

    Pintura abstracta de círculo que se asemeja a un blanco utilizado para el tiro con arco. El círculo se sumerge en cuatro segmentos de igual tamaño pintados en una variedad de colores.

    Robert Delaunay, Le Premier Disque, 1912—1913: La obra de Delaunay es un ejemplo del arte abstracto temprano.

    El arte no representacional se refiere a la abstracción total, sin dejar rastro de ninguna referencia a nada reconocible. En la abstracción geométrica, por ejemplo, es poco probable que se encuentren referencias a entidades naturalistas. El arte figurativo y la abstracción total son casi mutuamente excluyentes, pero el arte figurativo o representacional a menudo contiene al menos un elemento de abstracción.

    Significado en el arte no representacional

    El significado en el arte no representacional es altamente subjetivo y puede ser difícil de definir.

    Objetivos de aprendizaje

    Relacionar el significado del arte no representacional, sus metas y sus expresiones específicas

    Claves para llevar

    Puntos Clave

    • La obra de arte no representacional se refiere al arte que no intenta representar o hacer referencia a la realidad.
    • A finales del siglo XIX, los artistas comenzaron a avanzar hacia el aumento de la abstracción como medio de comunicar la experiencia subjetiva de manera más personal y creativa.
    • Artistas como Kandinsky y Mondrian vieron el arte como una expresión de espiritualidad.

    Términos Clave

    • Expresionismo:Un movimiento en las artes en el que el artista no representa la realidad objetiva, sino la expresión subjetiva de la experiencia interior.
    • Norepresentacional:No pretende representar un objeto físico en la realidad.

    El arte no representacional se refiere a composiciones que no se basan en la representación o la mímesis en ninguna medida. El arte abstracto, el arte no figurativo, el arte no objetivo y el arte no representacional son términos relacionados que indican una desviación de la realidad en la representación de imágenes en el arte. El significado en el arte no representacional es altamente subjetivo y puede ser difícil de definir. Podemos enfocarnos en los elementos de la obra (forma, forma, línea, color, espacio y textura) en términos del valor estético de la obra, pero el significado siempre será personal para el espectador a menos que el artista haya hecho una declaración sobre sus intenciones.

    Generalmente, podemos considerar el arte no representacional como la expresión personal de la experiencia subjetiva de un artista. Ciertos movimientos han descrito sus intenciones como un objetivo para evocar estados de ánimo o emociones en el espectador. Un buen ejemplo son los expresionistas de principios del siglo XX, quienes pretendían presentar el mundo únicamente desde una perspectiva subjetiva, distorsionándolo radicalmente por efecto emocional.

    El arte no representacional a menudo ha sido explorado por artistas como un medio para la expresión espiritual. Wassily Kandinsky, pintor, grabador y teórico del arte ruso, es uno de los artistas más famosos del siglo XX y generalmente es considerado el primer pintor importante del arte abstracto moderno. Como modernista temprano en busca de nuevos modos de expresión visual y expresión espiritual, teorizó (al igual que los ocultistas y teósofos contemporáneos) que la abstracción visual pura tenía vibraciones corolarias con el sonido y la música. Él postuló que la abstracción pura podía expresar la espiritualidad pura.

    Una pintura compleja compuesta por muchas formas y colores abstractos.

    Wassily Kandinsky, Composición VII, 1913: Kandinsky es reconocido como el padre del arte abstracto moderno en el siglo XX.

    El arte de Piet Mondrian también estuvo relacionado con sus estudios espirituales y filosóficos. En 1908 se interesó por el movimiento teosófico lanzado por Helena Petrovna Blavatsky, quien creía que era posible alcanzar un conocimiento de la naturaleza más profundo que el proporcionado por los medios empíricos, y gran parte de la obra de Mondrian por el resto de su vida se inspiró en su búsqueda de ese espiritual conocimiento.

    Iconografía

    La iconografía es el estudio académico del contenido de las imágenes, incluyendo identificación, descripción e interpretación.

    Objetivos de aprendizaje

    Definir la iconografía e interpretar o realizar un análisis iconográfico de una imagen

    Claves para llevar

    Puntos Clave

    • Los estudios académicos de la iconografía en la pintura surgieron en el siglo XIX en Francia y Alemania.
    • La erudición iconográfica se hizo particularmente destacada en la historia del arte después de 1940.
    • En el siglo XX, los estudios de iconografía se han vuelto de interés para un amplio público más allá de la comunidad académica.

    Términos Clave

    • Iconografía:La rama de la historia del arte que estudia la identificación, descripción e interpretación del contenido de las imágenes.

    La iconografía es la rama de la historia del arte que estudia la identificación, descripción e interpretación del contenido de las imágenes como los temas que se representan, los detalles de la composición y otros elementos distintos del estilo artístico.

    La iconografía como disciplina histórica del arte académico desarrollada en el siglo XIX en obras de estudiosos como Adolphe Napoleon Didron (1806—1867), Anton Heinrich Springer (1825—1891) y Émile Mâle (1862-1954). El arte religioso cristiano fue el principal foco de estudio a lo largo de este período, y los estudiosos franceses fueron especialmente prominentes. Miraron hacia atrás a anteriores intentos de clasificar y organizar temas enciclopedialmente, como guías para comprender las obras de arte, tanto religiosas como profanas, de una manera más científica que el enfoque estético popular de la época. Estas contribuciones tempranas allanaron el camino para enciclopedias, manuales y otras publicaciones útiles para identificar el contenido del arte.

    A principios de la Alemania del siglo XX, Aby Warburg (1866—1929) y sus seguidores Fritz Saxl (1890—1948) y Erwin Panofsky (1892—1968) elaboraron la práctica de identificación y clasificación de motivos en imágenes para utilizar la iconografía como medio de entender el significado. Panofsky codificó un enfoque influyente de la iconografía en sus Estudios de Iconología de 1939, donde la definió como “la rama de la historia del arte que se ocupa de la materia o significado de las obras de arte, en contraposición a la forma”. La distinción que él y otros estudiosos trazaron entre definiciones particulares de “iconografía” (en pocas palabras, la identificación del contenido visual) y “iconología” (el análisis del significado de ese contenido) no ha sido generalmente aceptada, aunque todavía es utilizada por algunos escritores.

    Si bien la mayor parte de la erudición iconográfica sigue siendo altamente densa y especializada, algunos análisis comenzaron a atraer a un público mucho más amplio; por ejemplo, la teoría de Panofsky (ahora generalmente por favor con especialistas) es que la escritura en la pared trasera en El retrato de Arnolfini de Jan van Eyck giró el pintura en el registro de un contrato matrimonial. Los embajadores de Holbein ha sido objeto de libros para un mercado general con nuevas teorías en cuanto a su iconografía; además de ser un doble retrato, la pintura contiene una naturaleza muerta de varios objetos meticulosamente prestados, cuyo significado es motivo de mucho debate. El más notable y famoso de los símbolos de Holbein en la obra es el cráneo distorsionado que se coloca en el centro inferior de la composición. Se especula que el cráneo, renderizado en perspectiva anamórfica, otra invención del Renacimiento Temprano, fue un recordatorio de muerte y mortalidad.

    Doble retrato de un hombre y una mujer de la mano. El hombre está vestido de negro y lleva sombrero; la mujer lleva un vestido verde vibrante. Una de las manos de la mujer descansa sobre su estómago redondeado, lo que podría indicar que está embarazada. Hay un perro entre la pareja a sus pies.

    Jan van Eyck, El retrato de Arnolfini, 1434: La iconografía en esta obra ha sido históricamente objeto de debate debido a sus muchos significantes. Algunos estudiosos han teorizado que la pintura era en realidad un contrato matrimonial debido a la escritura en la pared al fondo.

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