1.4: El arte en la sociedad

La religión como tema

Las tradiciones artísticas cristianas, budistas e islámicas han utilizado elementos de simbolismo, narrativa, ritual, iconoclasia y autoría para expresar los principios de sus creencias a lo largo de la historia.

Objetivos de aprendizaje

Resumir la historia y los elementos del arte cristiano, budista e islámico

Claves para llevar

Puntos Clave

• El arte sacro cristiano se produce en un intento de ilustrar, complementar y retratar, en forma tangible, los principios del cristianismo; la mayor parte del arte cristiano se construye en torno a temas familiares para el observador previsto.
• El arte budista siguió a los creyentes mientras el dharma se extendía y evolucionaba en cada nuevo país anfitrión. Se desarrolló hacia el norte a través de Asia Central y en Asia Oriental para formar la rama norte del arte budista; y hacia el este hasta el sudeste asiático para formar la rama sur del arte budista.
• El arte islámico prohibió la representación de imágenes representacionales en el arte religioso. Por lo tanto, la naturaleza naturalmente decorativa de la escritura árabe llevó al uso de decoraciones caligráficas, que generalmente implicaban repetir patrones geométricos que expresaban ideales de orden y naturaleza.
• La religión y la espiritualidad han sido un tema en el arte a lo largo de la historia y en muchas áreas del mundo, desde el hinduismo y el judaísmo hasta las prácticas espirituales indígenas.

Términos Clave

• Iconoclasm:La destrucción deliberada de iconos religiosos y otros símbolos o monumentos, generalmente con motivos religiosos o políticos.
• arte religioso:Imaginería artística utilizando inspiración y motivos religiosos, a menudo destinados a elevar la mente a lo espiritual.

El arte religioso es el arte que hace uso de la inspiración y/o motivos religiosos. A menudo se pretende elevar la mente a lo espiritual o comunicar los principios de la religión. Aunque increíblemente grandes y variados individualmente, podemos identificar ciertos elementos que las tradiciones artísticas cristianas, budistas e islámicas han utilizado para expresar los principios de sus creencias utilizando el simbolismo, el ritual, la iconoclasia y la autoría.

Arte Cristiano

El arte cristiano se produce típicamente con el fin de ilustrar los diversos principios y narrativas de la religión. A lo largo del tiempo, la mayoría de las sectas cristianas han utilizado el arte hasta cierto punto, aunque ha habido períodos definidos de iconoclasia dentro de la historia de la religión. La mayor parte del arte cristiano alude a temas que le son familiares a un cristiano practicante, como la Virgen María sosteniendo al niño Jesús o la crucifixión. Si bien el cristianismo es una religión monoteísta, los cristianos creen que Dios es trino, es decir, que las tres personas de la Trinidad (Padre, Hijo y Espíritu Santo) están en una unión en la que cada figura es también totalmente Dios. La mayor parte del arte cristiano se centra en Jesús, particularmente en la Crucifixión o historias de la Biblia, mientras que el Espíritu Santo a menudo se representa como una paloma o lengua de fuego. A Dios como Padre de Jesús rara vez se le representa visualmente.

Históricamente, el cristianismo ha hecho uso de un elaborado sistema iconográfico, en el que cada santo está asociado con un objeto o animal en particular. Por ejemplo, San Pedro se representa con llaves y San Patricio se representa con un tríbol para transmitir rápidamente narrativas a audiencias potencialmente analfabetas.

Virgen y el Niño. Pintura mural de las primeras catacumbas, Roma, siglo IV. : Uno de los temas cristianos más comunes es el de la Virgen María sosteniendo al niño Jesús.

Arte Budista

El arte budista se originó en el subcontinente indio siguiendo la vida histórica de Siddhartha Gautama, también conocido como Gautama Buddha, en los siglos VI al V a.C., evolucionando a través del contacto con otras culturas a medida que se extendió por Asia y el mundo. El arte budista siguió a los creyentes a medida que el dharma se extendió, se adaptó y evolucionó en cada nuevo país anfitrión Se desarrolló hacia el norte a través de Asia Central y en Asia Oriental para formar la rama norte del arte budista y hacia el este hasta el sudeste asiático para formar la rama sur del arte budista. En la India, el arte budista floreció e incluso influyó en el desarrollo del arte hindú, mientras que el arte budista tibetano se creó como práctica de meditación. Un ejemplo importante del arte tibetano de meditación es el mandala de arena, hecho y utilizado por los monjes para la meditación.

Temáticamente, el arte budista se compone típicamente de obras devocionales que representan la mitología y narrativas asociadas con el Buda y los bodhisattvas. Hay una gran variación en los tipos de arte budista ya que la religión es tan vasta. Cierto arte budista contiene temas animistas, es decir, la representación de elementos naturales (animales, naturaleza, tierra) como entidades espirituales. Tradicionalmente, la creación de arte ha sido considerada tanto una meditación en sí misma, como un método para producir un objeto que ayude a otros en la meditación. Las obras son raramente, si alguna vez, firmadas por el artista o grupo de artistas, ya que el proceso de creación de arte se considera sagrado y comunal.

Mandala de arena: Un ejemplo del arte tibetano de meditación es el mandala de arena, hecho por monjes y utilizado en meditación.

Arte Islámico

El arte islámico prohíbe las imágenes representacionales en el arte religioso, y evolucionó para estar compuesto principalmente por decoraciones caligráficas y patrones geométricos repetitivos. Destinados a expresar los ideales del orden y de la naturaleza, estos patrones geométricos se utilizan para adornar la arquitectura religiosa, alfombras, manuscritos y otros objetos de arte. El arte sagrado islámico refleja una cosmovisión centrada en la esencia espiritual en oposición a la forma física.

La caligrafía es el elemento más respetado y fundamental del arte islámico. El empleo de la caligrafía como ornamento tuvo un atractivo estético definido, pero a menudo también incluía un componente talismánico subyacente. Los patrones geométricos conforman uno de los tres tipos de decoración no figurativos en el arte islámico, que también incluye caligrafía y patrones vegetales. Los diseños abstractos no solo adornan las superficies de la arquitectura islámica monumental sino que también funcionan como el principal elemento decorativo en una amplia gama de objetos de todo tipo.

Caligrafía islámica: escritura del siglo XVIII en caligrafía otomana, que representa la frase “En nombre de Dios, Misericordioso, misericordioso”.

El Mercado

Los componentes clave del mercado del arte son la galería, curador, distribuidor, consultor y coleccionista.

Objetivos de aprendizaje

Resumir los roles de la galería, curadora, distribuidor, consultor y coleccionista en el mercado del arte

Claves para llevar

Puntos Clave

• El mercado del arte es un ecosistema económico que se basa no sólo en la oferta y la demanda, sino también en la fabricación del futuro predicho valor monetario y/o cultural de una obra.
• El mercado del arte primario se refiere al arte que ingresa al mercado por primera vez. El mercado secundario se refiere a obras de arte que se han vendido al menos una vez antes.
• Un marchante de arte es una persona o empresa que compra y vende obras de arte.
• Las galerías de arte son negocios comerciales o privados que se ocupan de obras de arte, típicamente hechas por artistas contemporáneos.
• El curador es el encargado o director de la galería que tradicionalmente programa el espacio y organiza exposiciones de arte.
• Las ferias de arte actúan como convenciones o espectáculos a gran escala donde las galerías muestran el trabajo de artistas selectos a quienes representan.

Términos Clave

• Sin fines de lucro:Una organización que existe por razones distintas a la de obtener ganancias, como una organización caritativa, educativa o de servicios.
• Curador:una persona que administra, administra u organiza una colección, ya sea de forma independiente o empleada por un museo, biblioteca, archivo o zoológico.

El mercado del arte es un ecosistema económico que se basa no sólo en la oferta y la demanda, sino en la fabricación del futuro predicho valor monetario y/o cultural de una obra. El mercado del arte puede parecer algo confuso, ya que los artistas no hacen arte con la única intención de venderlo, y los compradores a menudo no tienen idea del valor de su compra.

El mercado del arte se compone de dos partes: el mercado primario y el secundario. El mercado del arte primario se refiere al arte que ingresa al mercado por primera vez, mientras que el mercado secundario se refiere a obras de arte que se han vendido al menos una vez antes.

Una vez que se vende una obra, ingresa al mercado secundario y el precio al que se vende influye directamente en su precio posterior. Por ejemplo, el cuadro Picasso Garçon à la Pipe se vendió por 104.2 millones de dólares en subasta, con lo que fijó su valor en 104.2 millones de dólares. La oferta y la demanda afectan más al mercado secundario que al mercado primario, ya que el arte contemporáneo sin historia de mercado se basa en el análisis especulativo para determinar su valor.

Picasso, Garçon à la Pipe, 1905: “Garçon à la Pipe de Picasso se vende por, y con ello se valora en, 104.2 millones de dólares.

Los actores importantes en el mercado del arte son la galería, curador, distribuidor, consultor y coleccionista. Las galerías de arte son negocios comerciales o privados que se ocupan de obras de arte, realizadas por artistas contemporáneos o históricos. Las galerías sin fines de lucro suelen estar un paso por encima de las galerías comerciales e incluyen museos y galerías financiadas por el gobierno o organizaciones benéficas que no venden obras de arte, como la Tate Modern.

El curador es generalmente el encargado de la galería y la persona que programa el espacio y organiza exposiciones de arte. Los curadores de las galerías comerciales pueden tener la responsabilidad de vender obras, mientras que los de los museos generalmente mantienen los aspectos organizativos de las exposiciones.

Los marchantes de arte son personas o empresas que compran y venden obras de arte. Por lo general, buscan artistas para representar a la vez que construyen relaciones con coleccionistas y museos a quienes podrían vender la obra. Los distribuidores suelen ser capaces de anticiparse a las tendencias del mercado, y algunos distribuidores destacados podrían influir en el sabor del mercado. Muchos distribuidores se especializan en un estilo, región o período de tiempo en particular y viajan internacionalmente a exposiciones, subastas, estudios de artistas y ferias de arte para recoger nuevos trabajos. Un ejemplo de un marchante de arte muy notable es Larry Gagosian, quien también es dueño de Gagosian Gallery, una galería de arte altamente influyente.

Las ferias de arte actúan como convenciones o espectáculos a gran escala donde las galerías muestran el trabajo de artistas selectos a quienes representan y son importantes para la estructura del mercado del arte contemporáneo. Las ferias de arte destacadas incluyen Art Basel, Scope, Frieze Art Fair, NADA y Armory Show. La tradición de vender arte en subasta se remonta al siglo XVII y continúa prosperando hoy en día. Las subastas de arte tratan sobre el arte más valorado, como obras de Picasso, Manet, Jeff Koons y Andy Warhol. Las principales casas de subastas son Christie's y Sotheby's.

Orgullo Nacional

El arte puede ser utilizado para avanzar en metas nacionalistas al dotar a un estado o nación de legitimidad política y social.

Objetivos de aprendizaje

Ilustrar la relación entre ciertos tipos de obras de arte y el orgullo nacional

Claves para llevar

Puntos Clave

• El nacionalismo romántico se refiere al fenómeno por el cual un Estado deriva el poder de la unidad de quienes gobierna, ya sea a través de la cultura, la religión, las costumbres, el idioma o la raza.
• El nacionalismo romántico fue un componente clave del Romanticismo, así como de ciertas filosofías posteriores a la Ilustración.
• Himnos nacionales, epopeyas nacionales y tesoros nacionales forman parte del lenguaje del nacionalismo romántico, y se remontan a los siglos XVIII y XIX.
• Hoy en día, el patrimonio cultural, tanto tangible como intangible, se considera altamente valioso.
• Un “tesoro nacional” se refiere a la cultura compartida que ha sido considerada excepcionalmente valiosa.
• Los gobiernos influyen en la producción artística de sus regiones mediante la entrega de becas y premios a artistas cuyas carreras desean apoyar.

Términos Clave

• cosmovisión: La totalidad de las creencias propias sobre la realidad.
• Tesoro Nacional:Una persona, lugar u objeto que se considera de gran valor para toda una nación, generalmente debido a su significación cultural.

El arte puede ser utilizado para avanzar en metas nacionalistas al dotar a un estado o nación de legitimidad política y social. El “nacionalismo romántico” se refiere al fenómeno por el cual un Estado deriva el poder de la unidad de quienes gobierna, ya sea a través de la cultura, la religión, las costumbres, el idioma o la raza. El nacionalismo romántico fue un componente clave del romanticismo, así como de ciertas filosofías posteriores a la Ilustración que se centraron en el desarrollo de la lengua nacional, el folclore y las costumbres tradicionales. Esta forma de nacionalismo surgió en reacción a la hegemonía imperial y dinástica, que adquirió legitimidad no de abajo hacia arriba sino de arriba hacia abajo; es decir, de la autoridad hacia abajo al pueblo. Himnos nacionales, epopeyas nacionales y tesoros nacionales forman parte del lenguaje del nacionalismo romántico, y se remontan a los siglos XVIII y XIX.

Después de la década de 1870, el nacionalismo romántico se convirtió en un movimiento muy familiar en las artes que permitió una forma de reinterpretación del pasado, sin ser considerado meramente historicista. Los movimientos nacionalistas para la separación de Finlandia y el reino de Baviera de Alemania resultaron exitosos, el nacionalismo checo y serbio creó conflicto, las lenguas galesas e irlandesas experimentaron un renacimiento poético, y el movimiento sionista revivió el hebreo y comenzó la inmigración a Israel. En las primeras décadas del siglo ^XX, el nacionalismo romántico había ejercido una importante influencia en los acontecimientos políticos. Se sostuvo de manera prominente la creencia de que los estados nación que se formaban alrededor de las unidades en cultura y etnia era en cierto sentido “naturales”. Después de la Segunda Guerra Mundial, sin embargo, el nacionalismo romántico adquirió un tono más oscuro.

Todavía existe cierto grado de orgullo nacional basado en el arte. La noción milenaria de que el Estado adquiera destreza política a través de su producción artística sigue siendo cierta. El patrimonio cultural, tanto tangible como intangible, se considera muy valioso. No es raro que los museos y galerías de arte sean propiedad del Estado, impartiendo así visiones del mundo sesgadas y/o nacionalistas sobre las exposiciones. Un “tesoro nacional” se refiere a la cultura compartida que se ha considerado excepcionalmente valiosa y podría ser un músico hábil, como el Yo-Yo Ma, o un objeto cultural de gran valor, como el tapiz británico de Bayeux. Los gobiernos influyen en la producción artística de sus regiones mediante la entrega de becas y premios a artistas cuyas carreras desean apoyar, un modelo que no es diferente al mecenazgo dinástico común en toda Europa en el pasado.

Tapiz de Bayeux: El tapiz de Bayeux es una tela bordada, no un tapiz real, de casi 70 metros (230 pies) de largo, que representa los acontecimientos que condujeron a la conquista normanda de Inglaterra en relación con Guillermo, duque de Normandía y Harold, conde de Wessex (más tarde rey de Inglaterra) y que culminó en el Batalla de Hastings.

Museos y Colecciones Privadas

Museos y colecciones privadas se dedican tanto a la colección como a la exhibición de obras de arte.

Objetivos de aprendizaje

Discutir la historia y el papel de los museos y colecciones privadas en el consumo del arte

Claves para llevar

Puntos Clave

• Los primeros museos comenzaron como las colecciones privadas de familias e individuos adinerados.
• “Gabinetes de curiosidad”, o gabinetes que albergaban colecciones de artefactos y objetos de arte, fueron los inicios de museos y colecciones privadas.
• La mayoría de los museos importantes se abrieron al público en la Era de la Ilustración del siglo XVIII, como el Louvre y el Museo del Hermitage.
• Numerosas obras de arte en museos hoy en día fueron donadas de colecciones privadas.
• No es raro ver una nota junto a una obra de arte en una exposición museística temporal, afirmando que se encuentra en préstamo de una colección particular particular.

Términos Clave

• Engando:unido a una pared o hundido en ella hasta la mitad.
• Iluminación:Un movimiento filosófico en la Europa de los siglos XVII y XVIII; la Era de la Ilustración, o la Era de la Razón, enfatizaba el racionalismo.
• Conservación:El acto de preservar, custodiar o proteger; mantener (de una cosa) en un estado seguro o completo; preservación.

Los museos son instituciones que recogen objetos de arte y los ponen a disposición del público a través de exposiciones permanentes o temporales. Un museo no vende obras de arte, sino que esencialmente las mantiene en la confianza pública, y se involucra en diferentes niveles de educación y prácticas de conservación. Las colecciones privadas son obras de arte de propiedad privada que pueden o no estar disponibles para su visualización por el público. Museos y colecciones privadas se dedican a la colección y exhibición de obras de arte.

Los primeros museos comenzaron como las colecciones privadas de familias e individuos adinerados. Originalmente, solo la nobleza coleccionaba arte, pero pronto las clases adineradas comenzaron a adoptar el hábito de recolectar y exhibir objetos arqueológicos y de arte en sus salones y salones. Los “gabinetes de curiosidad”, o los gabinetes que albergaban estas colecciones de artefactos y objetos de arte, se volvieron comunes, y fueron los inicios de museos y colecciones privadas. A menudo, estas colecciones privadas estaban disponibles para su visualización por el llamado público “respetable”, pero la mayoría no se abrieron al público hasta el siglo XVIII.

La mayoría de los museos significativos se abrieron al público en el siglo XVIII, o la era de la Ilustración, época conocida por su búsqueda y difusión del conocimiento en toda la sociedad. Las artes fueron especialmente importantes durante la Ilustración y se vieron como una búsqueda profundamente noble. El Grand Tour, que se hizo muy popular durante este tiempo, solidificó el hábito de recolectar obras para exhibir de estos viajes al extranjero. Muchas de las colecciones privadas de arte más significativas se abrieron al público en el siglo XVIII, como la galería de los Uffizi en Florencia, Italia; El Louvre en París, Francia; y El Museo del Hermitage, fundado en 1764 por Catalina la Grande.

El Louvre, París: El museo del Louvre en París fue una colección privada abierta al público en el siglo XVIII.

Numerosas obras de arte en los museos hoy en día eran de hecho donaciones de colecciones privadas. Además, comúnmente se publica una nota junto a una obra de arte en una exposición museística temporal en la que se afirma que se encuentra en préstamo de una colección particular particular. Actualmente, algunas colecciones privadas permanecen privadas, mientras que algunas están disponibles para visitas públicas. La Colección Frick en la ciudad de Nueva York es uno de los pequeños museos de arte preeminentes de la ciudad. Ubicada en la mansión de su dueño, Henry Clay Frick, la colección incluye pinturas antiguas maestras de Jan van Eyck, Fragonard, Rembrandt y otros.

Preservación y Restauración

La preservación y restauración es una profesión dedicada a la conservación del patrimonio cultural, como las obras de arte, para las generaciones futuras.

Objetivos de aprendizaje

Examinar la profesión de preservar y restaurar el arte

Claves para llevar

Puntos Clave

• El objetivo del curador es intentar mantener los objetos del patrimonio cultural lo más cerca posible de su condición original, durante el mayor tiempo posible.
• La tradición de conservación es considerada por la mayoría como iniciada en 1565, con la restauración de los frescos de la Capilla Sixtina.
• Hoy en día, todos los museos emplean equipos de conservadores para mantener sus colecciones actualizadas, realizar pruebas frecuentes y participar en análisis y documentación.
• Los conservadores suelen estar involucrados en lo que se denomina “conservación preventiva”, que se refiere a proteger las obras artísticas y culturales de los daños causados por las condiciones ambientales, como la temperatura, la humedad y la exposición a la luz.
• Un principio rector de la conservación es la idea de “reversibilidad”; es decir, cualquier intervención con el objeto debe ser totalmente reversible.
• “Conservación intervencionista” se refiere a cualquier acto que implique una interacción directa entre el conservador y el material cultural, como la limpieza, estabilización, reparación o sustitución de piezas.

Términos Clave

• Fresco:en pintura, la técnica de aplicar pigmento a base de agua sobre mortero o yeso de cal húmeda o fresca.
• Conservador:Un profesional que trabaja en la conservación y restauración de objetos, particularmente objetos artísticos.

La preservación y restauración es una profesión dedicada a la conservación del patrimonio cultural, como las obras de arte, para las generaciones futuras. Las actividades involucradas en esta profesión incluyen examen, documentación, tratamiento y conservación preventiva. El objetivo del curador es intentar mantener los objetos del patrimonio cultural lo más cerca posible de su condición original, durante el mayor tiempo posible. El conservador actúa como una especie de mayordomo de estos objetos, que van desde los arqueológicos hasta los artísticos.

La tradición de conservación es considerada por la mayoría como iniciada en 1565, con la restauración de los frescos de la Capilla Sixtina. Durante el siglo XIX, los campos de la ciencia y el arte se entrelazaron algo, y se utilizaron procesos científicos para cuidar objetos artísticos. Hoy en día, todos los museos emplean equipos de conservadores para mantener sus colecciones actualizadas, realizar pruebas frecuentes y participar en análisis y documentación. Además, numerosas organizaciones crean metodologías estandarizadas para la conservación de objetos de arte, como el Instituto Internacional para la Conservación de Obras Históricas y Artísticas y el Instituto Americano para la Conservación.

Una pintura, antes y después de la restauración: Esta imagen de antes y después de una pintura y marco ejemplifica cómo la restauración artística puede restaurar una obra de arte a su estado original.

Las actividades del curador están guiadas por estándares éticos. Deben elegir si, cuándo y cómo alterar una obra de arte para acercarla a su estado original. Dado que el estado original suele estar más allá de la vida del curador, se requiere cierto grado de conjeturas. Los conservadores suelen estar involucrados en lo que se denomina “conservación preventiva”, que se refiere a proteger las obras artísticas y culturales de los daños causados por las condiciones ambientales, como la temperatura, la humedad y la exposición a la luz. Es por ello que, por ejemplo, es común ver textiles o fotografías expuestas en galerías poco iluminadas.

Un principio rector de la conservación es la idea de “reversibilidad”; es decir, cualquier intervención con el objeto debe ser totalmente reversible, y el objeto debe poder ser devuelto a su estado original. “Conservación intervencionista” se refiere a cualquier acto que implique una interacción directa entre el conservador y el material cultural, como la limpieza, estabilización, reparación o sustitución de piezas. Se requiere que el curador justifique plenamente cualquier trabajo de este tipo y que complete la documentación del proceso antes y después. Ejemplos de conservación intervencionista incluyen asegurar la pintura descamada y el tratamiento de barniz tintado, mediante el cual el restaurador aplica un barniz tintado sobre el barniz original, dando la ilusión de que las manchas en una obra han sido repintadas.

Conflictos

La destrucción, el etiquetado erróneo, la apropiación y la recuperación pueden contribuir a conflictos en torno a la preservación del arte.

Objetivos de aprendizaje

Resumir los eventos que pueden contribuir a conflictos en términos de preservación del arte

Claves para llevar

Puntos Clave

• La guerra, los disturbios políticos, los accidentes y los desastres son los factores externos típicos que contribuyen a la no preservación del arte.
• El saqueo se refiere a cuando el arte es robado en esos momentos de conflicto.
• La repatriación de arte se refiere al proceso de devolución de obras de arte a sus legítimos dueños.
• El uso, o apropiación del arte, ha inspirado mucha controversia y contribuido a la subyugación cultural. Un excelente ejemplo de apropiación y subyugación se ve en la apropiación de imágenes sagradas nativas americanas, iconografía y esculturas para uso comercial por no nativos.
• Los derechos de autor pueden otorgar al creador de una obra original derechos exclusivos sobre la misma, generalmente por un tiempo limitado.

Términos Clave

• Copyright:El derecho por ley a ser la entidad que determine quién puede publicar, copiar y distribuir una pieza de escritura, música, imagen u otra obra de autoría.
• Apropiación:El uso de objetos preexistentes o imágenes con poca o ninguna transformación aplicada a ellos.

Si bien las instituciones y los propietarios hacen todo lo posible para preservar las obras de arte, no es raro que surjan conflictos por cuestiones relacionadas con la propiedad, el error humano, la destrucción y la apropiación. La guerra, los disturbios políticos, los accidentes y los desastres son los factores externos típicos que contribuyen a los conflictos de preservación cuando se trata de obras de arte.

Los conflictos de propiedad son comunes, especialmente en tiempos de disturbios, como la guerra, cuando existe un mayor potencial de comportamiento poco ético. El arte suele ser robado, o saqueado, durante periodos de conflicto, así como destruido. Saqueo, apropiación y expoliación son términos relacionados que describen el proceso de saqueo. Durante la Segunda Guerra Mundial, los nazis saquearon gran parte del arte europeo, gran parte del cual finalmente fue repatriado, o devuelto a, sus legítimos dueños.

La apropiación es un tema complejo en el arte. La apropiación de la iconografía nativa americana, imágenes sagradas y esculturas para uso comercial por los no nativos ha sido fuente de controversia, contribuyendo a la subyugación cultural. La muñeca Kachina, por ejemplo, es una escultura sagrada Hopi que tradicionalmente estaba destinada a ser vista solo durante eventos rituales Hopi específicos. Se han creado muchas réplicas comerciales para vender a turistas, alterando la intención original del objeto.

La apropiación ha sido abrazada en ciertos movimientos artísticos occidentales. Las obras dadaístas y surrealistas, por ejemplo, suelen utilizar una gran cantidad de apropiación, como se ve en L.H.O.O.Q.

Marcel Duchamp, L.H.O.O.Q., 1919: L.H.O.O.Q. es un ejemplo de apropiación considerada aceptable en el art.

Un derecho de autor puede otorgar al creador de una obra original derechos exclusivos sobre la misma, generalmente por un tiempo limitado. No obstante, una vez transcurrido ese tiempo, la obra de arte podría ser apropiada y utilizada por otros, creando así conflictos. Internet ha complicado aún más los temas relacionados con la propiedad y la apropiación, especialmente en el arte.

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• Apropiación (art.). Proporcionado por: Wikipedia. Ubicado en: es.wikipedia.org/wiki/apropiación_ (art). Licencia: CC BY-SA: Atribución-CompartirIgual
• Bienes culturales. Proporcionado por: Wikipedia. Ubicado en: es.wikipedia.org/wiki/Propiedad Cultural. Licencia: CC BY-SA: Atribución-CompartirIgual
• Derechos de autor. Proporcionado por: Wikipedia. Ubicado en: es.wikipedia.org/wiki/Copyright. Licencia: CC BY-SA: Atribución-CompartirIgual
• apropiación. Proporcionado por: Wikcionario. Ubicado en: es.wiktionary.org/wiki/apropiación. Licencia: CC BY-SA: Atribución-CompartirIgual