6.4: El Periodo Arcaico
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Delfos y Tesorerías Griegas
Delfos fue un importante sitio de culto para Apolo y fue el hogar de muchos tesoreros que albergaban las ofrendas de la comunidad al dios.
Objetivos de aprendizaje
Describir las tesorerías construidas durante el periodo arcaico en Delfos, con atención tanto a su estilo como a su función
Principales conclusiones
Puntos Clave
- Delfos era una ciudad esencial y un lugar santuario para los griegos. No solo fue la ciudad el principal sitio de culto para Apolo, también fue el hogar del Oráculo Delfo y los juegos Panhelénicos, conocidos como los Juegos de Python, que honraron el asesinato de los pitones por parte de Apolo.
- El sitio es conocido por sus numerosos tesoreros. Estas tesorerías fueron construidas por diversos poleis para albergar las ofrendas y votivas de sus ciudades-estado a Apolo. Los tesoreros eran pequeñas estructuras de una sola habitación que fueron decoradas para conmemorar las escrituras de la ciudad.
- El Tesoro Siphian fue construido en estilo jónico en el 530 a. C. con cariátides en lugar de columnas. El friso continuo y frontones son relieves altos tallados al estilo arcaico. Las figuras en el frontón aparecen más rígidas y rígidas que las figuras del friso, quienes se dedican a la batalla.
- El Tesoro ateniense se construyó entre 510 y 490 a. C. para honrar el poder militar ateniense contra los persas. La estructura es dórica y aunque solo sobreviven fragmentos de las metopas, estos fragmentos muestran el surgimiento del naturalismo que se encuentra en la escultura arcaica.
Términos Clave
- peristilo: Una columnata externa que rodea el perímetro de un templo.
- estilobado: El nivel de una plataforma de templo sobre la que se levantan sus columnas.
- triglifo: Tres tablillas canalizadas verticalmente del friso dórico en la arquitectura clásica, llamadas así por los canales angulares en ellas.
- trípode: Un soporte o soporte de tres patas.
- tesorería: Lugar donde se almacenan dinero y objetos de valor estatales o reales.
- gigantomaquía: La batalla librada entre los Titanes y los dioses olímpicos por la supremacía del cosmos.
- columnas en antis: Los postes verticales ubicados entre dos pilares o muelles a cada lado de una puerta o entrada a un templo griego.
- metope: Elemento arquitectónico rectangular que llena el espacio entre dos triglifos en un friso dórico.
- Panhelénico: Relativo a toda Grecia o a todos los griegos.
Delfos
El antiguo sitio de Delfos, ubicado en el centro de Grecia en la ladera del monte. Parnaso, era conocido por su Santuario de Apolo, el Oráculo Delfo y los Juegos Pitos. Delfos era el hogar del dragón Python que protegía el ombligo de la tierra.
Apolo derrotó al pitón, estableciendo su presencia en el sitio. Los juegos pitos panhelénicos que se celebraban cada cuatro años, junto con las composiciones musicales, conmemoraban la victoria de Apolo sobre la bestia.
No sólo el sitio era el principal lugar de culto para el dios Apolo, sino que también era el hogar de un oráculo. El oráculo era una sibila o sacerdotisa conocida como Pitia.
Según el mito, cuando Apolo mató al pitón, el cuerpo de la criatura cayó en una fisura y comenzó a descomponerse. El oráculo colocaría su asiento de trípode sobre la fisura, inhalaría los humos, y luego sería poseído por Apolo, permitiéndole hablar a través de ella.
El Oráculo Delfo era una parte esencial de la vida griega y fue consultado para asuntos públicos y privados, pequeños y grandes, y así tenía poder dominante sobre la vida de los griegos. Las profecías del oráculo solían ser ininteligibles y serían traducidas al metro poético por los sacerdotes.
Templo de Apolo
El sitio de Delfos está dominado por un templo central de Apolo, un reemplazo del siglo IV a. C. del templo arcaico del siglo VI. Un peristilo de columnas dóricas (el orden utilizado en la arquitectura arcaica) rodeaba el perímetro del estilobado que descansaba sobre dos escalones.
Dentro del Templo de Apolo estaba la sede de la Pitia, en una pequeña habitación restringida en la parte trasera de los naos, conocida como adyton, que se traduce al inglés como no entrar.
Templo de Apolo: Columnas dóricas reconstruidas marcan el extremo este (frente) del templo.
También había un gran teatro construido en la ladera ubicada justo encima del Templo de Apolo. El teatro fue construido por primera vez en el siglo IV a. C. y renovado varias veces en los siglos siguientes. Podía albergar a 5 mil espectadores y ofrecía una vista de todo el sitio del santuario y del valle.
Tesorerías
El camino que conducía al sitio santuario de Apolo estaba bordeado de estatuas votivas y tesorerías. Los tesoreros fueron construidos por diferentes poleis para honrar al oráculo, agradecerle sus consejos y conmemorar victorias militares. Estas pequeñas estructuras parecidas a un templo albergaban las votivas y ofrendas hechas a Apolo, así como una pequeña proporción del botín ganado de la batalla de cada polis. Debido a que los edificios tenían una gran cantidad de materiales y bienes, se les conoce como tesorerías. Estos edificios eran naosoi de una sola habitación (plural de naos) frente por dos columnas en antis y decorados en estilo dórico o iónico.
Tesorería sifniana
El Tesoro Siphniano fue construido para la polis de Siphnos, una ciudad-estado que ocupaba una isla cicládica. Los sifnios tenían grandes minas de oro y plata, de las que se beneficiaban enormemente, y utilizaron las ganancias para erigir su tesorería en Delfos.
El erario albergaba sus regalos de oro y plata a los dioses. La Tesorería Sifiana fue la primera estructura construida completamente de mármol cuando se erigió en el 530 a. C. y fue elaborada decorada.
Las dos columnas en el antis no eran columnas típicas sino cariátides, columnas de apoyo que tomaron la forma de mujeres. Un friso iónico continuo que envolvía la cima del tesoro debajo del frontón representaba escenas de la mitología griega, entre ellas una gigantomaquía en el lado norte, el Juicio de París en el lado oeste y dioses que miraban el saqueo de Troya por los griegos en los lados sur y este.
El frontón este relata la historia de Herakles robando el trípode de Apolo, que conecta visualmente el frontón y la tesorería con el sitio del oráculo en el Templo de Apolo.
Herakles y Apolo: Herakles robando el trípode de Apolo. Del frontón oriente de la Tesorería Sifniana. Mármol. c. 530 a. C. Tesorería sifniana, Delfos, Grecia.
Gigantomaquía: Una escena gigantomaquía del friso norte de la Tesorería Sifniana. Mármol. c. 530 a. C. Tesorería sifniana, Delfos, Grecia.
Las figuras están talladas en un estilo arcaico y en alto relieve, y están casi, pero no del todo, liberadas de la pared del friso. Si bien las figuras parecen estar en movimiento, con posturas anchas y brazos abiertos para la batalla, la mayoría de ellas se paran con ambos pies apoyados en el suelo. Esto inhibe el sentido de movimiento que le da el resto de sus cuerpos.
Las figuras pedimentales son especialmente rígidas y lineales, aunque las figuras ya no están escaladas para encajar en las pequeñas esquinas del frontón. Al mirar estas figuras, desde el frente aparecen modelar apropiadamente el cuerpo, mientras que de lado las figuras aparecen en forma de bloque, enfatizando el hecho de que fueron talladas en piedra.
Tesorería ateniense
El tesoro ateniense de Delfos se construyó entre el 510 y el 480 a. C. para conmemorar la victoria ateniense sobre los persas durante la Batalla de Maratón. Al igual que la Tesorería Sifniana, la Tesorería ateniense estaba construida enteramente de mármol.
El tesoro tiene columnas dóricas y un friso de triglifos y treinta metopas que representan escenas de la vida de Teseo, un héroe mitológico ateniense, y Herakles. Las metopas también muestran el desarrollo del relieve arcaico y la decoración del templo. Las figuras no se sienten forzadas a entrar en su encuadre sino que empiezan a llenar la escena.
La mayoría de las escenas constan de sólo dos personajes y pocas escenas, como Herakles luchando contra el ceryeano Hind (un enorme ciervo), muestran un nuevo sentido de ingenio. La figura de Herakles se sale del marco mientras se apoya en la espalda de la parte trasera, tratando de atraparla. Además, las figuras, a diferencia de las del frontón sifniano, aparecen modelizadas desde todos los lados, a diferencia de solo frontalmente.
Herakles y Ceryean Hind: Metope que representa a Herakles y Ceryean Hind. Mármol. c. 510-480 a.C. Tesoro de Atenas, Delfos, Grecia
Tesorería ateniense: Tesorería ateniense. Mármol. c. 510—490 a. C., Delfos, Grecia.
Arquitectura del templo en el período arcaico griego
Los templos de la época arcaica son los primeros templos de piedra construidos en Grecia. Demuestran un conocimiento en desarrollo de la construcción de piedra a través de su uso de espacios decorativos en edificios.
Objetivos de aprendizaje
Explicar las opciones de diseño escultórico en diferentes áreas de los templos: identificar los naos, pronaos, prostyle, antae y opisthodomos, e indicar los rasgos específicos que fueron característicos del orden dórico
Principales conclusiones
Puntos Clave
- El diseño de los templos griegos de piedra estuvo influenciado por megarones micénicos (un porche con columnas en antis y una habitación central) y sus templos de madera anteriores. Muchos elementos decorativos, como los triglifos, replicaban el diseño visual de templos de madera en piedra.
- Durante el periodo arcaico, los griegos comenzaron a desarrollar el diseño ideal del templo. Incluía un naos central rodeado en dos extremos por un opisthodomos y un pronaos, pero al que solo se accedía a través de los pronaos. Estas habitaciones estaban rodeadas por una columnata peripteral sobre una plataforma elevada con dos o tres escalones.
- El orden dórico es la clasificación griega más antigua de la arquitectura. Se identifica por sus columnas y su friso. Las columnas no tenían base, un abombamiento en medio de su eje, y capiteles aplastados, acampanados. El friso se dividió por triglifos y metopos.
- Los diseñadores utilizaron los espacios en las metopas para representar eventos mitológicos individuales en templos anteriores, y luego como una serie colectiva de momentos en un evento, como los Doce Trabajos de Herakles en el Templo de Zeus en Olimpia. Los espacios pedimentales también se utilizaron para representar eventos heroicos o mitológicos en cualquiera de los extremos de los templos. El Templo de Hera I y el Templo de Hera II en Paestum, Italia, demostraron el desarrollo del estilo dórico desde su etapa más temprana a través de diversos refinamientos a medida que los griegos se sintieron más cómodos con la construcción en piedra.
- El Templo de Afaia en Egina es uno de los últimos templos cuyo diseño no se ajustaba a los estándares arquitectónicos de la época.
Términos Clave
- peripteral: Rodeado de una sola fila de columnas.
- naos: La cámara interior de un templo que albergaba la estatua de culto. También conocida como cella.
- megaron: El gran salón rectangular en un edificio micénico, generalmente sostenido con pilares.
- frontón: El espacio triangular dejado por encima del friso por la forma del techo en los extremos más estrechos de la sien.
- entasis: Una ligera curvatura convexa introducida en el eje de una columna por razones estéticas, o para compensar la ilusión de concavidad.
- estilobado: Plataforma elevada de piedra sobre la que se erigen templos.
- pronaos: El porche delantero de un templo.
- anta: El poste o pilar a cada lado de una puerta o entrada de un templo griego.
- opisthodomos: La habitación trasera de un templo griego.
- votivas: Objetos exhibidos o depositados en un lugar sagrado sin intención de recuperación o uso.
- Echinus: Una moldura convexa que comúnmente lleva el motivo de huevo y dardo.
- entablatura: El área de una fachada de templo que se encuentra horizontalmente encima de las columnas.
- triglifo: Un panel decorativo con tres ranuras.
- Tholos: Un edificio circular con columnas, generalmente un templo.
- metope: Elemento arquitectónico rectangular que llena el espacio entre dos triglifos en un friso dórico.
- prostyle: Columnas independientes en el frente de un edificio.
Templos del Periodo Arcaico
Los templos de piedra se construyeron por primera vez durante el período arcaico en la antigua Grecia. Antes de esto, se construyeron con ladrillo de barro y madera, estructuras simples de forma rectangular o semicircular, que pueden haber sido mejoradas con algunas columnas y un porche. Los templos de piedra arcaica tomaron su forma y estructura esenciales a partir de estos templos de madera y la forma de un megaron micénico.
Diseño de templos
La forma estándar de un templo griego se estableció y luego se refinó a través del período arcaico y clásico. La mayoría de los templos eran de forma rectilínea y se encontraban sobre una plataforma elevada de piedra, conocida como los estilóbulos, que generalmente tenían dos o tres escaleras.
Planos del templo: Estas ilustraciones muestran diversos ejemplos de templos griegos.
La porción principal del templo eran los naos. Al frente de los naos estaban los pronaos, o porche delantero. Una puerta entre los naos y pronaos proporcionó acceso a la estatua de culto. Columnas, conocidas como prostyle, a menudo se paraban frente a los pronaos. Estos a menudo se alinearon con proyecciones moldeadas al final de la pared de los pronaos, llamada anta (plural antae). Tales columnas alineadas fueron referidas como columnas en antis.
Un cuarto trasero, llamado los opisthodomos, estaba al otro lado del templo y naos. Una pared separaba completamente los naos y opisthodomos. Los opisthodomos se usaban como erario y sostenían los votivos y ofrendas dejadas en el templo para el dios o la diosa. También contaba con un conjunto de columnas prostyle en antis que completaban la apariencia simétrica del templo.
Otros planes del templo
Si bien esto describe el diseño estándar de los templos griegos, no es la forma más común que se encuentra. Una excepción notable a este estándar fueron los tholos circulares, dedicados a Apolo en Delfos. Se colocaron columnas en el borde del estilobado en una línea o columnata, que era peripteral y corría alrededor de los naos (una cámara interior que sostiene una estatua de culto) y sus porches.
Los primeros templos de piedra variaron significativamente ya que los arquitectos e ingenieros se vieron obligados a determinar cómo soportar adecuadamente un techo con un lapso tan amplio. Arquitectos posteriores, como Iktinos y Kallikrates que diseñaron el Partenón, modificaron aspectos de la estructura básica del templo para acomodar mejor la estatua de culto.
Escala matemática
Todos los templos, sin embargo, fueron construidos a escala matemática y cada aspecto de ellos está relacionado entre sí a través de proporciones. Por ejemplo, la mayoría de los templos griegos (excepto los primeros) siguieron la ecuación 2x + 1 = y al determinar el número de columnas utilizadas en la columnata peripteral.
En esta ecuación, x representa el número de columnas a través del frente, el extremo más corto, mientras que y designa las columnas hacia abajo por los lados. El número de columnas utilizadas a lo largo del templo fue el doble del número más uno el número de columnas a lo largo del frente. Debido a estas proporciones matemáticas, somos capaces de reconstruir templos con precisión a partir de pequeños fragmentos.
Orden dórica
El estilo de los templos griegos se divide en tres órdenes diferentes y distintos, el primero de los cuales es el orden dórico. Estos templos tenían columnas que descansaban directamente sobre el estilobado sin base. Sus ejes estaban estriados con veinte surcos paralelos que se estrecharon hasta una punta afilada.
Los capiteles de las columnas dóricas tenían un ábaco cuadrado sencillo, sin adornos, y un equino acampanado que a menudo era corto y aplastado. Las columnas dóricas también se destacan por la presencia de entasis, o abultamientos en la mitad del eje de la columna. Esta fue quizás una manera de crear una ilusión óptica o de enfatizar el peso de la entablación arriba, sostenida por las columnas.
Orden dórico e iónico: Este dibujo ilustra las diferencias estilísticas entre el orden dórico y el iónico.
El entablamiento dórico también fue único en este estilo de templos. El friso fue decorado con paneles alternados de triglifos y metopas. Los triglifos fueron paneles decorativos con tres surcos o glifos que dieron nombre al panel. Los triglifos de piedra imitaban la cabeza de vigas de madera utilizadas en templos anteriores. Entre los triglifos estaban los metopos.
Espacios Decorativos
Los escultores utilizaron los espacios metópicos para representar ocurrencias mitológicas, a menudo con vínculos históricos o culturales con el sitio en el que se encontraba el templo.
Herakles lucha contra el Toro Cretense: Esta es una de las metopas del Templo de Zeus en Olimpia. Es uno de los Doce Trabajos representados en el templo.
En el Templo de Zeus en Olimpia (construido entre 470BC y 456BC), la elección de esculpir los Doce Labores de Herakles estuvo en correlación directa con los Juegos Olímpicos del sitio y el espíritu de triunfo en el desafío físico. La mayoría de los escultores intentaron utilizar el espacio limitado y angular de las metopas para mostrar momentos distintos que llenaron la forma, pero no todos tuvieron éxito en hacerlo.
Otro espacio utilizado para la decoración fue el frontón en cada extremo del templo. Debido al mayor espacio que ofrecen estas secciones, los escultores a menudo optaron por representar escenas más grandes y llenas de acontecimientos.
Las esculturas de los frontones en el Templo de Afaia en Egina: Estas escenas muestran escenas de lucha entre griegos y troyanos, como las descritas en la Ilíada de Homero.
La forma del frontón dificultaba la disposición de las figuras en una escena coherente y cohesiva, por lo que los escultores colocaron las más destacadas en el ápice (el punto más alto del triángulo). Todas estas esculturas decorativas serían pintadas en colores brillantes y reconocibles para los curiosos.
Paestum, Italia
La colonia griega en Poseidonia (ahora Paestum) en Italia, construyó dos templos dóricos arcacos que aún están en pie hoy.
Templo de Hera II y Templo de Hera I, Paestum, Italia. c. 500—460 a. C. : La colonia griega en Poseidonia (ahora Paestum) en Italia, construyó dos templos dóricos arcacos que aún están en pie hoy.
El primero, el Templo de Hera I, fue construido en 550 a. C. y difiere dramáticamente del modelo de templo griego estándar. Es peripteral, con nueve columnas en sus extremos cortos y 18 columnas a lo largo de cada lado. A los opisthodomos se accede a través de los naos por dos puertas. Hay tres columnas en antis a través de los pronaos. Dentro del naos hay una hilera de columnas centrales, construidas para soportar el techo.
La estatua de culto se coloca en la parte posterior, en el centro, y está bloqueada de la vista por la fila de columnas. Al examinar las columnas, son grandes y pesadas, y están muy espaciadas entre sí. Esto denota aún más la inquietud de los griegos con la construcción en piedra y la necesidad de soportar adecuadamente un entablado de piedra y techo pesado. Los capiteles de las columnas son redondos, planos y en forma de panqueques.
El Templo de Hera II, construido casi un siglo después en 460 a. C., comenzó a mostrar los cambios estructurales que demostraron la comodidad del griego y el desarrollo de la comprensión de la construcción en piedra, así como los inicios de un estilo de templo clásico.
En este ejemplo, el templo estaba frente por seis columnas, con 14 columnas a lo largo de su longitud. Los opisthodomos se separaron de los naos y tenían su propia entrada y conjunto de columnas en antis. Un tramo central de escaleras conducía de los pronaos a los naos y las puertas se abrieron para mirar una estatua central de culto. Todavía había columnas interiores; sin embargo se trasladaron hacia un lado, permitiendo la exhibición prominente de la estatua de culto.
Aegina
El templo de Afaya en la isla de Egina es un ejemplo del diseño del templo griego arcaico, así como del cambio en el estilo escultórico entre los períodos arcaico y clásico. Aegina es una pequeña isla en el Golfo Sarónico a la vista de Atenas; de hecho, Aegina y Atenas eran rivales.
Si bien el templo estaba dedicado al dios local Afaia, los frontones del templo representaban escenas de la Guerra de Troya para promover la grandeza de la isla. Estas escenas involucran a los héroes griegos que lucharon en Troy—Telamón y Peleo, los padres del Ajax y Aquiles.
En un movimiento antagónico, las escenas de batalla en los frontones son supervisadas por Atenea, y la deidad dedicada del templo, Afaia, no aparece en absoluto en el frontón. Si bien ahora queda muy poca pintura, toda la escena del frontón, triglifos y metopas, y otras partes del templo habrían sido pintadas en colores brillantes.
Templo de Afaia en Egina, c. 500—490 a.C.: El Templo de Afaia en Egina tal como está hoy.
Diseño de templos
El Templo de Aphaia es uno de los últimos templos con un diseño que no se ajustaba a los estándares de la época. Su columnata tiene seis columnas en su ancho y doce columnas en su longitud. Las columnas se han vuelto más espaciadas y también más esbeltas.
Tanto los pronaos como los opisthodomos tienen dos columnas prostyle (independientes) en antis y acceso exterior, aunque ambas conducen a los naos del templo. A pesar de la conexión entre los opisthodomos y los naos, la puerta entre ellos es mucho más pequeña que la puerta entre los naos y los pronaos.
Al igual que en el Templo de Hera II, hay dos hileras de columnas a cada lado del interior del templo. En este caso hay cinco a cada lado, y cada columnata tiene dos historias. Una pequeña rampa interrumpe el estilobado en el centro de la entrada principal del templo.
Plano del santuario del Templo de Afaía: Plano de suelo del Templo de Afaia y alrededores.
Escultura en el periodo arcaico griego
La escultura durante el periodo arcaico se volvió cada vez más naturalista, aunque esto varía según el género del sujeto.
Objetivos de aprendizaje
Comparar y contrastar las esculturas kouroi y korai del periodo arcaico, y reconocer el creciente naturalismo visto tanto en esculturas independientes como pedimentales del periodo arcaico
Principales conclusiones
Puntos Clave
- Las figuras de kouroi masculinas dedicatorias se basaron originalmente en estatuas egipcias y durante el período arcaico estas figuras desarrollaron cuerpos desnudos más naturalistas. El cuerpo atlético era una forma ideal para un joven macho griego y es comparable al cuerpo ideal del dios Apolo.
- En lugar de centrarse en el cuerpo, se vestían estatuas de korai femeninas y a lo largo de la época arcaica los artistas dedicaron más tiempo a elaborar los detallados pliegues y cortinas de la ropa de una mujer. Esto reflejaba los ideales griegos para las mujeres, que se suponía que estaban completamente vestidas, modestas y recatadas.
- Para agregar un elemento naturalista adicional al cuerpo, se agregó la típica sonrisa arcaica a las estatuas tanto masculinas como femeninas. Si bien hoy la sonrisa parece falsa, a los antiguos griegos le sumó un nivel de realismo.
- La escultura pedimental en el período arcaico a menudo se escalaba para encajar en el espacio del frontón y servía una función apotropaica en lugar de una función decorativa.
- Las esculturas pedimentales del Templo de Afaia en Egina muestran un avance gradual hacia el naturalismo del estilo clásico que siguió al arcaico.
Términos Clave
- Sonrisa arcaica: Una expresión estilizada utilizada en la escultura del 600 al 480 a. C. para sugerir un sentido de lifelicidad en el tema.
- peplos: Una prenda griega antigua, usada por mujeres, hecha de una pieza tubular de tela que se dobla hacia atrás sobre sí misma hasta la mitad hacia abajo, hasta que la parte superior del tubo se lleva alrededor de la cintura, y la parte inferior cubre las piernas hasta los tobillos; la parte superior abierta se lleva entonces sobre los hombros, y se cubre, en pliegues, hasta la cintura.
- apotropaico: Pretendido a alejar el mal.
- kouros: Una escultura de un joven desnudo en la Antigua Grecia; el equivalente masculino de un kore.
- kore: Una estatua griega antigua de una mujer, retratada de pie, generalmente vestida, pintada en colores brillantes, y con un peinado elaborado.
- chiton: Una túnica holgada de lana, usada tanto por hombres como por mujeres en la Antigua Grecia.
Escultura en el periodo arcaico
La escultura en el Período Arcaico se desarrolló rápidamente a partir de sus primeras influencias, volviéndose más natural y mostrando una comprensión en desarrollo del cuerpo, específicamente de la musculatura y la piel. Un examen minucioso del desarrollo del estilo permite una datación precisa.
La mayoría de las estatuas fueron comisionadas como memoriales y ofrendas votivas o como marcadores de tumbas, reemplazando el vasto ánfora (frascos de cuello estrecho de dos mangos utilizados para vino y aceites) y kraters (vasos de boca ancha) de los períodos anteriores, pero todavía típicamente pintados en colores vivos.
Kouroi
Las estatuas de Kouroi (singulares, kouros), que representan a jóvenes varones desnudos idealizados, se vieron por primera vez durante este periodo. Tallados en redondo, a menudo de mármol, se cree que los kouroi están asociados con Apolo; muchos fueron encontrados en sus santuarios y algunos incluso lo representan. Emulando las estatuas de los faraones egipcios, la figura avanza con pies planos, los brazos sostenidos rígidamente a su costado con los puños apretados. Sin embargo, existen algunas diferencias de importancia: los kouroi son desnudos, en su mayoría sin atributos identificativos y son independientes.
Las primeras figuras kouroi comparten similitudes con la escultura geométrica y orientalizadora, a pesar de su mayor escala. Por ejemplo, su cabello es estilizado y estampado, ya sea retenido con una diadema o debajo de una gorra. El Kouros neoyorquino golpea una postura rígida y sus rasgos faciales están en blanco e inexpresivos. El cuerpo está ligeramente moldeado y la musculatura depende de líneas incisas.
Nueva York Kouros, c. 600 a. C.: Nueva York Kouros. Mármol. Origen desconocido.
A medida que se desarrollaron las figuras kouroi, comenzaron a perder su rigidez egipcia y se volvieron cada vez más naturalistas. La figura kouros de Kroisos, un joven ateniense asesinado en batalla, sigue representando a un joven con un cuerpo idealizado. Sin embargo, esta vez, la forma del cuerpo muestra un modelado realista.
Los músculos de las piernas, abdomen, pecho y brazos parecen existir realmente y parecen funcionar y trabajar juntos. El cabello de Kroisos, aunque todavía estilizado, cae naturalmente sobre su cuello y sobre su espalda, a diferencia del de los Kouros neoyorquinos, que cae rígidamente y en una sola hoja. El aspecto rojizo de su cabello recuerda al espectador que estas esculturas alguna vez fueron pintadas.
Kroisos, c. 530 a. C.: Kroisos, del Grupo Anavysos. Mármol. Grecia.
Sonrisa Arcaica
El rostro de Kroisos también parece más naturalista en comparación con el anterior Kouros neoyorquino. Sus mejillas son redondas y su barbilla bulbosa; sin embargo, su sonrisa parece fuera de lugar. Esto es típico de esta época y se conoce como la sonrisa arcaica. Parece haber sido agregado para infundir a la escultura una sensación de estar viva y para agregar una sensación de realismo.
Kore
Una escultura de kore (plural korai) representa a una joven femenina. Mientras que los kouroi representan a jóvenes atléticos desnudos, las korai femeninas están completamente vestidas, en la imagen idealizada de mujeres decorosas. A diferencia de los hombres —cuyos cuerpos eran percibidos como públicos, pertenecientes al Estado— los cuerpos de las mujeres se consideraban privados y pertenecían a sus padres (si no estaban casados) o maridos.
No obstante, también tienen sonrisas arcaicas, con los brazos ya sea a los costados o con el brazo extendido, sosteniendo una ofrenda. Las figuras son rígidas y conservan más características similares a bloques que sus contrapartes masculinas. Su cabello también es estilizado, representado en largos mechones o trenzas que en cascada por la espalda o por encima del hombro.
El Peplos Kore (c. 530 a. C.) representa a una joven vistiendo un peplos, una pesada prenda de lana que recorre todo el cuerpo, oscureciendo la mayor parte del mismo. Una ligera muesca entre las piernas, una división entre su torso y piernas, y la protuberancia de sus pechos simplemente insinúan la forma del cuerpo debajo.
Restos de pintura en su vestido nos dicen que fue pintado de amarillo con detalles en azul y rojo que pudieron haber incluido imágenes de animales. La presencia de animales en su vestido puede indicar que es la imagen de una diosa, quizás Artemisa, pero también puede ser simplemente una doncella sin nombre.
Peplos Kore: Reconstrucción de la pintura en el Peplos Kore.
Posteriormente las figuras korai también muestran un desarrollo estilístico, aunque los cuerpos siguen siendo eclipsados por su vestimenta. El ejemplo de un Kore (520—510 a. C.) de la Acrópolis ateniense muestra un poco más de forma en el cuerpo, como caderas definidas en lugar de una cintura dramática con cinturón, aunque el foco principal del kore está en la ropa y las cortinas. Esta figura kore lleva un chitón (una túnica de lana), un himation (una prenda interior ligera) y un manto (una capa). Sus rasgos faciales siguen siendo genéricos y en blanco, y tiene una sonrisa arcaica. Incluso con la ropa más fina y adornos adicionales como joyas, la figura representa a la hembra griega idealizada, completamente vestida y recatada.
Acrópolis Kore, c. 520—510 a. C.: Llevando un quitón y himación. Mármol. Atenas, Grecia.
Escultura pedimental: El templo de Artemisa en Corfú
Esta escultura, inicialmente diseñada para encajar en el espacio del frontón, sufrió cambios dramáticos durante el periodo arcaico, visto más tarde en Egina. El frontón oeste en el Templo de Artemisa en Corfú representa no a la diosa de la caza, sino a la Gorgona Medusa con sus hijos; Pegaso, un caballo alado; y Chrysaor, un gigante que empuñaba una espada dorada rodeada de leones heráldicos.
Medusa mira hacia afuera en una posición desafiante, que se cree apotropaica (protegiendo del mal). Escenas adicionales incluyen Zeus luchando contra un Titán, y el asesinato de Príamo, el rey de Troya, por Neoptolemos. Estas cifras se reducen a escala para que encajen en el espacio de encogimiento provisto en el frontón.
Frontón del Templo de Artemisa en Corfú, c. 600—580 a.C.: Escultura y reconstrucción del frontón poniente. Caliza. Corfú, Grecia.
Escultura pedimental: El templo de Afaia en Egina
Esculpidas aproximadamente un siglo después, las esculturas pedimentales en el Templo de Afaia en Egina se volvieron gradualmente más naturalistas que sus predecesoras en Corfú. El guerrero moribundo en el frontón oeste (c. 490 a. C.) es un excelente ejemplo de escultura arcaica. El guerrero masculino es representado desnudo, con un cuerpo musculoso que muestra la comprensión de los griegos de la musculatura del cuerpo humano. Su cabello permanece estilizado con rizos redondos, geométricos y patrones texturizados.
Sin embargo, a pesar de las características naturalistas del cuerpo, el cuerpo no parece reaccionar ante su entorno o circunstancias. El guerrero se apuntala con un brazo, y todo su cuerpo está tenso, a pesar de que ha sido golpeado por una flecha en el pecho. Su rostro, con su sonrisa arcaica, y su postura entran en conflicto con la realidad de que se está muriendo.
Guerrero moribundo, c. 490 a.C.: Mármol, frontón oeste del Templo de Afaya en Egina.
Aegina: Transición entre estilos
El guerrero moribundo en el frontón este (c. 480 a. C.) marca una transición al nuevo estilo clásico. A pesar de que lleva una ligera sonrisa arcaica, este guerrero en realidad reacciona a sus circunstancias. Casi todas las partes de él parecen estar muriendo.
En lugar de apuntalarse sobre un brazo, su cuerpo responde a la gravedad tirando de su cuerpo moribundo, colgando de su escudo e intentando sostenerse con el otro brazo. También intenta sostenerse con las piernas, pero una pierna ha caído sobre el borde del frontón y sobresale en el espacio del espectador. Sus músculos están contraídos y cojeados, dependiendo de cuáles sean, y parecen tensar bajo el peso del hombre a medida que muere.
Guerrero moribundo, c. 480 a.C.: Mármol, Frontón Este del Templo de Afaia en Egina.
Cerámica en el periodo arcaico griego
La pintura arcaica de figuras negras y rojas comenzó a representar cuerpos más naturalistas al transmitir forma y movimiento.
Objetivos de aprendizaje
Describir las similitudes y diferencias entre la pintura de figuras negras y rojas durante el período arcaico de Grecia
Principales conclusiones
Puntos Clave
- La pintura de figuras negras se utilizó durante todo el período arcaico antes de disminuir bajo la popularidad de la pintura de figuras rojas.
- Exekias es considerado uno de los pintores de figuras negras más talentosos e influyentes debido a su capacidad para transmitir emociones, usar líneas intrincadas y crear escenas que confiaron en el espectador para comprender la escena.
- La pintura de figura roja fue desarrollada en el 530 a. C. por el pintor Andokides, un estilo que permite más naturalismo en el cuerpo debido al uso de un pincel.
- Las primeras pinturas de figuras rojas fueron producidas en jarrones bilingües, representando una escena a cada lado, una en figura negra y la otra en figura roja.
- Los pintores Euthyides y Eufronios fueron dos de los pintores arcacos de figuras rojas más talentosos, con sus vasijas que representan el espacio, el movimiento y el naturalismo.
Términos Clave
- burin: Un cincel con punta afilada, utilizado para grabar; un grabador.
- slip: Una mezcla fina y resbaladiza de arcilla y agua.
- figura roja: Uno de los estilos más importantes de la pintura figurativa de jarrón griego, basada en las representaciones figurativas en color rojo sobre fondo negro.
- figura negra: Un estilo de pintura de jarrón griego que se distingue por figuras de silueta sobre un fondo rojo.
Descripción general de decoración de cerámica
El período arcaico vio un cambio en los estilos de decoración alfarera, desde los patrones repetitivos del período Geométrico, pasando por el estilo Orientalizador influenciado por Oriente, hasta las técnicas más naturalistas de figuras negras y rojas. Durante este tiempo, las figuras se volvieron más dinámicas y se definieron por elementos más orgánicos, a diferencia de geométricos.
Pintura Negro-Figura
La pintura de figuras negras, que deriva su nombre de las figuras negras pintadas sobre fondos rojos, fue desarrollada por los corintios en el siglo VII a. C. y se popularizó en todo el mundo griego durante el período arcaico. A medida que los pintores se volvieron más seguros trabajando en el medio, las figuras humanas comenzaron a aparecer en los jarrones y pintores y alfareros comenzaron a firmar sus creaciones.
El Florero François
Una de las macetas de figuras negras atenienses tempranas más famosas es un gran crater de volutas del alfarero Ergotimos y del pintor Kleitias, conocido como el Florero François. El krater, llamado así por el hombre que lo descubrió en el siglo XIX, representa 270 figuras en los seis registros que envuelven alrededor del krater.
A diferencia de los jarrones monumentales del periodo Geométrico, este cráter mide 66 cm (2.17 pies) de altura. La superficie representa diversas escenas mitológicas con muchas figuras etiquetadas por su nombre. A un lado del cuello del cráter se encuentran escenas de la caza de jabalíes calidonianos, en la que varios hombres y una poderosa mujer llamada Atalanta cazaron y mataron a un monstruoso jabalí enviado por Artemisa para aterrorizar la región de Calydon luego de que el rey la ofendiera.
El otro lado representa a Teseo, quien mató al Minotauro, con jóvenes atenienses y su esposa Ariadna. Otros registros representan escenas de la Guerra de Troya y Peleo con su hijo Aquiles. El detalle y la habilidad demuestran nuevos estilos de pintura arcaica en jarrón, alejándose de los motivos animales y los patrones geométricos de los siglos pasados.
En lugar de llenar el espacio negativo con patrones y diseños geométricos, Kleitias deja áreas vacías. Las personas y los caballos se representan de manera diferente a los prototipos orientales y geométricos. Los cuerpos se renderizan con mayor precisión y dependen menos de las formas geométricas, aunque dominan las vistas del perfil y las líneas nítidas proporcionan textura a la musculatura y la ropa Si bien muchas figuras siguen de pie plano, las extremidades de las personas, los caballos y los centauros muestran movimiento y son composiciones dramáticas dentro de los confines del estilo.
Florero Francois: Hecho por Kleitias y Ergotimos. El Florero François es un crater ateniense de voluta de figura negra, c. 570 a. C., Chiusi, Italia.
Exekias
Exekias, considerado el pintor de figuras negras más destacado de su tiempo, trabajó entre el 545 y el 530 a. C. en Atenas. Es considerado por los historiadores del arte como un visionario artístico cuyo uso magistral de la incisión y las composiciones psicológicamente sensibles lo marcan como uno de los más grandes pintores de jarrones del ático. Sus vasijas muestran atención al detalle y líneas precisas e intrincadas.
Exekias también es conocido por reinterpretar mitologías. En lugar de proporcionar toda la historia, como lo hizo Kleitias en el Florero François, pinta escenas individuales y confía en el espectador para interpretar y comprender la narrativa.
Un ejemplo es una ánfora que representa a los guerreros griegos Aquiles y Ajax jugando a los dados. Ambos hombres están decorados con finos detalles incisos, mostrando elaborados patrones textiles y casi todos los cabellos en su lugar. Mientras esperan la próxima batalla con los troyanos, su juego presagia sus destinos. El texto inscrito permite que las dos figuras hablen: “Aquiles ha rodado un cuatro, mientras que Ajax rodó un tres”. Ambos hombres morirán durante la Guerra de Troya, pero Aquiles muere un héroe mientras que Ajax es considerado consistentemente el segundo mejor, eventualmente suicidándose.
Aquiles y Ajax: Por Exekias, Aquiles y Ajax Jugando un Juego de Dados. Ánfora ateniense de figura negra, c. 540—530 a. C. Vulci, Italia.
Pintura de figuras rojas
La pintura de figuras rojas se desarrolló en Atenas en el 530 a. C. y siguió siendo popular en el período clásico. La técnica es similar a la pintura de figuras negras pero con diferencias clave.
En lugar de pintar una figura con deslizamiento negro y usar un buril para raspar el resbalón para crear detalles, la pintura de figura roja tiene el fondo pintado de negro y las figuras dejaron el color rojo de la terracota. El slip negro fue pintado con un pincel para agregar detalle.
Los pinceles podrían lograr líneas más fluidas que un buril, por lo que los detalles se renderizaron mejor y las figuras se volvieron más vivas que las siluetas de figuras negras. El slip negro también podría diluirse con agua para crear tonos para modelar cuerpos o prendas de vestir. En general, la técnica permitió a los pintores de jarrones crear composiciones que renderizaban el cuerpo de manera
Pintura Bilingüe
La pintura bilingüe en jarrón se hizo popular con la llegada de la pintura de figuras rojas Se pintaron jarrones bilingües con una sola escena a cada lado de la vasija, generalmente la misma escena renderizada dos veces. Un lado representa la escena en figura negra y el otro lado representa la escena en figura roja.
El pintor Andokides es acreditado como el inventor del estilo de figura roja y su producción temprana en jarrones bilingües. Varias de sus ánforas bilingües imitan algunos de los temas más famosos de Exekias, como Aquiles y Ajax jugando a los dados. Estas similitudes llevan a muchos estudiosos a concluir que él era el alumno de Exekias.
Una veintena de jarrones con figuras negras, cuya atribución es disputada por algunos investigadores, muestran que el pintor Andokides alcanzó gradualmente un mayor control y virtuosismo en la técnica. Los ejemplos anteriores parecen un poco rígidos. Posteriormente, el artista explota los beneficios inherentes a la técnica y utiliza una gama de colores desde el rojo hasta el marrón oscuro.
El pintor Andokides marcó la llegada del estilo de figura roja que más tarde fue utilizado por muchos artistas. El tema más favorecido del pintor fue una amplia gama de escenas mitológicas que representaban a los dioses y héroes. Heracles era su personaje favorito.
Herakles y Atenea: Herakles y Atenea. Lado de figura roja de un ánfora bilingüe, c. 520—510 a. C., Vulci, Italia.
Herakles y Atenea: Herakles y Atenea. Lado de figura negra de un ánfora bilingüe, c. 520—510 a. C., Vulci, Italia.
Pintores adicionales de figuras rojas
Pintura adicional de figuras rojas se puede ver en la obra de los rivales Eutimidas y Eufronios. Eutimides es conocido como un pionero de la pintura de figuras rojas.
Sus vasos representan a personas en movimiento e intentó la perspectiva mostrando figuras con extremidades escorzadas. El Jarrón Juerguistas es un ánfora que representa a tres borrachos bailando. Si bien las cifras no se superponen, los cuerpos se muestran en perfil, vista de tres cuartos y por detrás.
Rompiendo la rigidez tradicional de las estatuas y pinturas arcaicas contemporáneas, los juerguistas están en posturas dinámicas. Las dos figuras exteriores se mantienen en posturas activas, con las piernas y las manos en movimiento. La figura media se encuentra en una posición retorcida, con la espalda al espectador y la cabeza mirando por encima de su hombro izquierdo. El uso del escorzo, aunque rudimentario, le da a toda la composición una sensación más natural y creíble. Quizás es el uso de esta técnica relativamente poco probada lo que llevó a Eutimidas a escribir en su jarrón, “Como nunca Eufronios [podría hacer!]” como una provocación a su contemporáneo y rival.
El pintor Eufronios también es reconocido por sus composiciones dramáticas y complejas. Utilizó deslizamiento de arcilla diluida para crear una gama de tonos para colorear sus figuras, haciéndolas parecer enérgicas y presentes en el espacio tridimensional.
Una escena de lucha libre de Herakles y Antaios transmite los cuerpos de ambos hombres con un naturalismo nunca visto anteriormente. Los cuerpos de los hombres se doblan y tuercen y sus extremidades se superponen, desaparecen y reaparecen, lo que ayuda a lograr tanto el naturalismo como una sensación de espacio.
Herakles y Antaios: Eufronios. Herakles Lucha Libre Antaios. Cráter ateniense de cálices de figura roja. (C. 510 A. C. Cervetri, Italia.)
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