6.5: El Periodo Clásico Temprano

Escultura de mármol y arquitectura en el período clásico temprano griego

Las esculturas de mármol griego clásico temprano y las decoraciones del templo muestran nuevas convenciones para representar el cuerpo y expresiones faciales de estilo severo.

Objetivos de aprendizaje

Describir las características del Niño Kritios, el Portador de Lanza y el Templo de Zeus

Claves para llevar

Puntos Clave

• La escultura encontrada en el frontón y las metopas en el Templo de Zeus en Olimpia representan el estilo de relieve y escultórico pedimental durante el período Clásico Temprano.
• El estilo Severo es un estilo clásico temprano de escultura donde el cuerpo se representa de manera naturalista y el rostro permanece en blanco e inexpresivo. Este estilo destaca la comprensión del artista sobre la musculatura del cuerpo, mientras mantiene una pantalla entre el arte y la realidad con el rostro estoico.
• El contrapposto es un cambio de peso representado en el cuerpo que gira la cintura, las caderas, el pecho, los hombros, y a veces hasta el cuello y la cabeza de la figura. Aumenta ese naturalismo en el cuerpo ya que imita correctamente el funcionamiento interno de la musculatura humana.
• Kritios Boy es un ejemplo temprano de contrapposto y estilo Severo. Esta estatua de mármol representa a un joven masculino desnudo, musculoso y bien construido, con un aire de naturalismo que se disuelve al examinar su rostro de estilo Severo.
• Polykleitos, artista y teórico del arte, desarrolló un canon para la creación del cuerpo masculino perfecto basado en proporciones matemáticas. Se cree que su Doryphoros (Portador de Lanza) es una representación escultórica de su tratado. La figura se alza en un artilupo, con una cara al estilo Severe.

Términos Clave

• Estilo severo: El modismo dominante de la escultura griega en el periodo del 490 al 450 a.C. Marca la ruptura de las formas canónicas del arte arcaico y la transición hacia el vocabulario y la expresión muy expandidos del movimiento clásico de finales del siglo V.
• Perserchutt: Término alemán que significa escombros o escombros persas, que hace referencia a la ubicación de esculturas arquitectónicas y votivas enterradas ritualmente que fueron destruidas tras el saqueo de Atenas por los persas. La zona fue excavada por primera vez por los alemanes a finales del siglo XIX.
• hexastyle: Describe un edificio con seis columnas en la parte delantera y trasera y 13 abajo en cada lado.

Templo de Zeus en Olimpia

El Templo de Zeus en Olimpia es un colosal templo arruinado en el centro de la capital griega Atenas que fue dedicado a Zeus, rey de los dioses olímpicos. Su plano es similar al del Templo de Afaía en Egina.

Es hexastyle, con seis columnas en la parte delantera y trasera y 13 abajo en cada lado. Tiene dos columnas conectadas directamente a las paredes del templo, conocidas como in antis, frente tanto a la entrada (pronaos) como al santuario interior (opisthodomos). Al igual que el Templo de Afaya, hay dos columnatas de dos pisos de siete columnas a cada lado del santuario interior (naos).

Templo de Zeus en Olimpia: la ilustración de Wilhelm Lübke del Templo tal como podría haber aparecido en el siglo V a. C.

Las figuras pedimentales se representan en el estilo clásico en desarrollo con cuerpos naturalistas pero excesivamente musculosos. La mayoría de las figuras se muestran con los rostros inexpresivos del estilo Severo.

Las figuras en el frontón este esperan el inicio de una carrera de carros, y toda la composición es quieta y estática. Un vidente, sin embargo, lo observa con horror mientras prevé la muerte de Enomaus. Este nivel de emoción nunca estaría presente en las estatuas arcaicas y rompe el estilo Severo Clásico Temprano, permitiendo al espectador sentir los eventos prohibitivos que están a punto de suceder.

Vidente del frontón este del Templo de Zeus, mármol, c. 470—455 a. C., Olimpia, Grecia: El nivel de emoción en el rostro del vidente nunca estaría presente en las estatuas arcaicas y rompe el estilo Severo Clásico Temprano, permitiendo al espectador sentir los eventos prohibitivos que están a punto de suceder.

A diferencia de la composición estática del frontón oriental, la Centauromaquia en el frontón occidental representa un movimiento que irradia desde su centro. Los centauros, los hombres luchadores y las mujeres secuestradas luchan y luchan entre sí, creando tensión en otro ejemplo de una representación temprana de la emoción. La mayoría de las figuras están representadas en el estilo Severo. Sin embargo, algunos, entre ellos un centauro, tienen rasgos faciales que reflejan su ira e ira.

Centauromaquia, c. 460 a. C.: frontón oeste, Templo de Zeus en Olimpia.

Las doce metopas sobre los pronaos y opisthodomos representan escenas de los doce trabajos de Herakles. Al igual que el desarrollo de la escultura pedimental, los relieves en las metopas muestran la comprensión clásica temprana del cuerpo. El cuerpo de Herakles es fuerte e idealizado, pero tiene un nivel de naturalismo y plasticidad que aumenta la vivacidad de los relieves.

Las escenas representan diferentes tipos de composiciones. Algunas son estáticas con dos o tres figuras de pie rígidamente, mientras que otras, como Herakles y el Toro Cretense, transmiten una sensación de vivacidad a través de su composición diagonal y cuerpos superpuestos.

Herakles y el toro cretense, c. 460 a.C.: Este fragmento de metope representa a Herakles en una pose más dinámica y emotiva. Es del Templo de Zeus en Olimpia.

Atenea y Herakles que representan a las aves de Estimphalian, c. 460 a.C.: Este fragmento de metope representa a Herakles con un lenguaje corporal relativamente tranquilo. Del Templo de Zeus en Olimpia.

Niño Kritios

Una estatua un poco más pequeña que la vida conocida como el Niño de los Kritios fue dedicada a Atenea por un atleta y encontrada en el Perserchutt de la Acrópolis ateniense. Su título deriva de un famoso artista al que alguna vez se le atribuyó la escultura.

La estatua de mármol es un excelente ejemplo del estilo escultórico del Clásico Temprano y demuestra el cambio del estilo rígido que se ve en el kouroi arcaico. El torso representa una comprensión del cuerpo y plasticidad de los músculos y la piel que permite que la estatua cobre vida.

Parte de esta ilusión es creada por una postura conocida como contrapposto. Esto describe a una persona con su peso desplazado sobre una pierna, lo que crea un cambio en las caderas, el pecho y los hombros para crear una postura que es más dramática y naturalista que una postura rígida y frontal. Esta posición de contrapposto anima la figura a través de la relación de extremidades tensas y relajadas.

No obstante, el rostro del Niño Kritios es inexpresivo, lo que contradice el naturalismo visto en su cuerpo. Esto se conoce como el estilo Severo. Las expresiones en blanco permiten que la escultura parezca menos naturalista, lo que crea una pantalla entre el arte y el espectador. Esto difiere del uso de la sonrisa arcaica (ahora desaparecida), que se sumó a la escultura para aumentar su naturalismo. Sin embargo, las cuencas de los ojos ahora vacías alguna vez sostenían incrustaciones de piedra para darle a la escultura un aspecto realista.

Kritios Boy, mármol, c. 480 a. C., Acrópolis, Atenas, Grecia: Esta estatua de mármol es un excelente ejemplo del estilo escultórico del Clásico Temprano y demuestra el cambio del estilo visto en el kouroi arcaico.

Polykleitos

Polykleitos fue un conocido escultor y teórico del arte griego durante los primeros- a mediados del siglo V a. C. Es muy conocido por su tratado sobre el desnudo masculino, conocido como el Canon, que describe el cuerpo ideal, estético basado en proporciones matemáticas y convenciones clásicas como el contrapposto.

Se cree que su Doryphoros, o Portador de Lanza, es su representación del Canon en forma esculpida. La estatua representa a un joven soldado bien construido sosteniendo una lanza en su mano izquierda con un escudo adherido a su muñeca izquierda. Ambos implementos militares están ahora perdidos. La figura tiene una cara al estilo Severe y una postura de artilugio. En otro desarrollo alejado del estilo arcaico rígido y aparentemente inmóvil, el talón izquierdo del Doryforos se levanta del suelo, lo que implica una habilidad para caminar.

Doryphoros: Se cree que Doryphoros de Polykleitos, o Portador de Lanza, es su representación del Canon en forma esculpida. Se trata de una copia de mármol romano de un original de bronce griego, c. 450 a.C.

Esta escultura demuestra cómo el uso del contrapposto crea una composición en forma de S. La yuxtaposición de una pierna tensada y un brazo tenso y una pierna relajada y un brazo relajado, ambos a través del cuerpo, crean una S a través del cuerpo.

El poder dinámico de esta forma de composición coloca elementos —en este caso las extremidades de la figura— en oposición entre sí y enfatiza la tensión que esto crea. La estatua, como visualización del canon de Polykletios, también representa el sentido griego de la simetria, la armonía de las partes, visto aquí en las proporciones del cuerpo.

Escultura de bronce en el período clásico temprano griego

Las esculturas de bronce griegas sobrevivientes del período Clásico Temprano muestran la habilidad de los artistas griegos para representar el cuerpo y expresar movimiento.

Objetivos de aprendizaje

Discutir características y ejemplos de la escultura griega de bronce durante el periodo clásico temprano

Claves para llevar

Puntos Clave

• Si bien el bronce era un material popular para los escultores griegos, hoy en día existen pocos bronces griegos. Conocemos a la mayoría de famosos escultores y esculturas solo a través de copias romanas de mármol y los pocos bronces que sobrevivieron, a menudo de naufragios.
• Los bronces clásicos tempranos son esculpidos en el método de fundición a la cera perdida. Las figuras se crean al estilo Severo con cuerpos naturalistas y rostros en blanco e inexpresivos. La apariencia ligera de las esculturas se debe a su huecosidad y contribuye a su potencial de energía y movimiento implícitos.
• El auriga de Delfos, los Guerreros de Riace y el Bronce de Artemisión muestran las características escultóricas del estilo Severo Clásico Temprano al tiempo que demuestran las características de la escultura en bronce, incluida la ligereza del material y la vivacidad que se podría lograr.

Términos Clave

• puntal: Una varilla de soporte.
• contrapposto: La posición de una figura cuyas caderas y piernas están retorcidas alejándose de la dirección de la cabeza y los hombros.
• cera perdida: Un método de fundición en el que un modelo de la escultura está hecho de cera. El modelo se utiliza para hacer un molde. Cuando el molde se ha fraguado, la cera se hace fundir y se vierte, dejando el molde listo para ser usado para fundir la escultura.

Escultura griega de bronce

El bronce era un material de escultura popular para los griegos. Compuesto por una aleación metálica de cobre y estaño, proporciona un material fuerte y ligero para su uso en el mundo antiguo, especialmente en la creación de armas y arte. Los griegos utilizaron el bronce a lo largo de su historia.

Debido a que el bronce es un material valioso, a lo largo de la historia se fundieron esculturas de bronce para forjar armas y municiones o para crear nuevas esculturas. Los bronces griegos que hoy hemos sobrevivido principalmente a causa de naufragios, que evitaron que el material se reutilizara, y desde entonces las esculturas han sido recuperadas del mar y restauradas.

Los griegos utilizaron el bronce como medio principal de esculpir, pero gran parte de nuestro conocimiento de la escultura griega proviene de copias romanas. Los romanos eran muy aficionados al arte griego, y coleccionar réplicas de mármol de ellos era un signo de estatus, riqueza e inteligencia en el mundo romano.

Las copias romanas trabajadas en mármol tenían algunas diferencias con respecto al bronce original. Se agregaron puntales, o soportes, para ayudar a apoyar el peso del mármol así como las extremidades colgantes que no necesitaban soporte cuando la estatua se hizo originalmente en el bronce más ligero y hueco. Los puntales aparecieron ya sea como bloques rectangulares que conectan un brazo con el torso o como tocones de árbol contra la pierna, lo que sostiene el peso de la escultura, como en esta copia romana del Diadoumenos Atenas.

Diadoumenos Atenas (copia romana): La extensión que conecta el tronco del árbol con la pata de la figura es un ejemplo de un puntal utilizado en copias romanas de mármol de bronces griegos originales.

Técnica de Cera Perdida

La técnica de la cera perdida, que también es conocida por su nombre francés, cire perdue, es el proceso que utilizaron los antiguos griegos para crear sus estatuas de bronce. El primer paso del proceso consiste en crear un modelo de arcilla a gran escala de la obra de arte pretendida. Este sería el núcleo del modelo.

Una vez terminado, se hace un molde del núcleo de arcilla y también se crea un molde de cera adicional. El molde de cera se coloca entonces entre el núcleo de arcilla y el molde de arcilla, creando una bolsa, y la cera se funde fuera del molde, después de lo cual el hueco se llena con bronce. Una vez enfriados, el molde exterior de arcilla y los coreis interiores de arcilla se retiran cuidadosamente y se termina la estatua de bronce.

Las múltiples piezas se sueldan juntas, se alisan las imperfecciones y luego se agregan cualquier elemento adicional, como ojos y pestañas incrustadas. Debido a que el molde de arcilla debe romperse al retirar la figura, el método de cera perdida solo se puede usar para hacer esculturas únicas.

Carioteador de Delfos

El auriga de Delfos es una escultura de bronce del Clásico Temprano de un chofer de carro de tamaño natural. Una inscripción en la base nos dice que las estatuas fueron originalmente dedicadas por un hombre, llamado Polizalo de Gela, a Apolo en el Santuario de Apolo en Delfos.

Polyzalus encargó y dedicó la obra en conmemoración de su victoriosa carrera de carros durante los Juegos Pitos. El auriga es la única parte restante de un gran grupo de estatuas que incluía el carro, los novios y los caballos.

Carioteador de Delfos: Carioteador de Delfos. Bronce. c. 475 a. C. Santuario de Apolo, Delfos, Grecia.

Si bien el comisionado era un tirano de la ciudad colonial griega de Gela en Sicilia, se cree que la estatua se hizo en Atenas. Se realizó mediante la técnica de cera perdida en múltiples secciones y luego se ensambló.

El auriga se levanta alto, su brazo derecho estirado para agarrar las riendas; le falta el brazo izquierdo. Tiene una cintura alta, que probablemente se veía más natural cuando se paraba en su carro. Sin embargo, a pesar de la cintura alta, la figura tiene un alto grado de naturalismo, a la par de los desarrollos escultóricos de mármol del estilo Clásico Temprano. Los brazos, la cara y los pies se renderizan con alta plasticidad, y los ojos incrustados y el cobre agregado de sus labios y pestañas agregan un grado de naturalismo.

Cuando se compara con las esculturas arcaicas, parece muy natural. Sin embargo, como escultura clásica temprana, el auriga aún no ha logrado el estilo clásico completo. La sonrisa arcaica se ha ido, pero la suya aparece casi en blanco e inexpresivo, a la par de otras esculturas producidas en el orzuelo Severo del periodo Clásico Temprano.

Guerreros de Riace

Los Guerreros de Riace son un conjunto de dos esculturas desnudas de bronce de guerreros varones que fueron recuperadas frente a las costas de Riace, Italia. Son un excelente ejemplo de escultura clásica temprana y la transición entre estilos de escultura arcaica a clásica.

Las figuras están desnudas, a diferencia del Charioteer. Sus cuerpos son idealizados y parecen dinámicos, con extremidades liberadas, un contrapposto cambio de peso, y cabezas giradas que implican movimiento. Los músculos se modelan con un alto grado de plasticidad, que el material de bronce amplifica a través de reflejos naturales de luz. Elementos adicionales, como cobre para labios y pezones, dientes plateados y ojos con incrustaciones de vidrio y hueso, se agregaron a las figuras para aumentar su naturalismo. Ambas figuras originalmente sostenían un escudo y una lanza, que ahora están perdidas. El Guerrero B lleva casco, y parece que el Guerrero A alguna vez llevaba una corona alrededor de su cabeza.

Guerreros de Riace: Guerrero A (derecha) y Guerrero B (izquierda). Bronce, c. 460—450 a. C., Riace, Italia.

Artemision Bronce

El Bronce de Artemisión representa ya sea Zeus o Poseidón. Ambos dioses fueron representados con barbas llenas para significar madurez. Sin embargo, es imposible identificar a la escultura como un dios u otro porque puede ser un rayo (simbólico de Zeus) o un tridente (simbólico de Poseidón) en su mano derecha levantada.

La figura se alza en heroico desnudo, como cabría esperar con un dios, con los brazos extendidos, preparándose para golpear. El bronce es al estilo Severo con un cuerpo idealizado, musculoso y un rostro inexpresionado.

Al igual que el auriga y los guerreros de Riace, el Bronce de Artemisión alguna vez sostuvo incrustaciones de vidrio o piedra en sus cuencas oculares ahora vacías para aumentar su lifelicidad. El talón derecho de la figura se levanta del suelo, lo que anticipa el movimiento que la figura está a punto de emprender.

Todo el potencial del movimiento y la energía del dios, así como la gracia del cuerpo, se refleja en el modelado del bronce.

Bronce de Artemisión: La figura de bronce de Artemisión representa a Zeus o Poseidón, c. 460—450 a. C., Cabo Artemisión, Grecia.

Cerámica en el periodo clásico temprano griego

El arte cerámico de la Grecia clásica temprana muestra importantes desarrollos compositivos y un mayor naturalismo en las figuras.

Objetivos de aprendizaje

Examinar los desarrollos en el arte cerámico durante el período Clásico Temprano, incluyendo el naturalismo y la pintura de fondo blanco

Claves para llevar

Puntos Clave

• La pintura de figuras rojas continuó durante el periodo Clásico Temprano. Los cambios en la representación del cuerpo y en la cortinería de las figuras comenzaron a cambiar, reflejando los cambios estilísticos y el aumento del naturalismo visto en la escultura clásica.
• El estilo de la pintura de figuras rojas también se diversificó a medida que los pintores comenzaron a representar figuras en múltiples líneas de fondo, mostrar personajes desde una variedad de perspectivas (incluida la vista de tres cuartos) y utilizar más naturalismo (como lo ve la obra del pintor nióbido).
• La pintura de fondo blanco, desarrollada en 500 a. C., se popularizó durante el período clásico. La cerámica de tierra blanca se cubrió con una lámina blanca antes de ser cocida y pintada, permitiendo el uso de policromía.
• La pintura temprana de fondo blanco (Tipo I) se asemejó a la pintura de figuras negras hasta que fue suplantada por las pinturas de contorno más familiares. La pintura de tierra blanca se convirtió en el estilo principal de los lekythoi, vasijas utilizadas para contener óleos que tenían un contexto funerario. Debido a este contexto, muchas de las escenas pintadas en lekythoi representaban escenas de ritos y rituales funerarios, o escenas que aludían a la muerte inminente.

Términos Clave

• lekythos: Un tipo de cerámica griega antigua utilizada para almacenar aceite y líquidos anteriores. El cuerpo es estrecho y tiene un solo asa unida al cuello del vaso. Por lo general, tenían entre 10 y 20 pulgadas de alto, pero cuando se usan como marcadores de tumbas podrían ser mucho más grandes.
• policromía: El arte o práctica de combinar diferentes colores, especialmente los brillantes, de manera artística.
• blanco-suelo: Un estilo de pintura de jarrón griego antiguo en el que aparecen figuras sobre un fondo blanco.

Cerámica de época clásica

La época clásica fue testigo de la continuación de las técnicas de pintura de figuras rojas y negras sobre objetos cerámicos. Mientras los artistas continuaron produciendo pinturas de figuras negras hasta el siglo II a. C., la técnica se volvió cada vez más rara, superada alrededor del 520 a. C. por la pintura de figuras rojas.

Los jarrones áticos de figuras rojas se exportaron por toda Grecia y más allá, y durante mucho tiempo dominaron el mercado de cerámica fina. Solo unos pocos centros de producción de alfarería podrían competir con Atenas en términos de innovación, calidad y capacidad de producción.

Pintura de figuras rojas

La pintura de figuras rojas continuó floreciendo durante los períodos Temprano, Alto y Clásico Tardío. El naturalismo de las figuras en la pintura jarrón del Clásico Temprano siguió aumentando, ya que las figuras se volvieron menos robustas y menos lineales. Tanto las figuras como sus pañerías comenzaron a aparecer más plásticas, y las escenas a menudo representaban un solo momento dentro de una historia o evento mítico. Además, la pintura en jarrón comenzó a verse influenciada por los cambios que se producen tanto en la escultura como en la pintura a gran escala de paredes y paneles.

Los Manieristas

Los manieristas eran un grupo de pintores de figuras rojas del ático conocidos por su tema afectado (emotivo). Estuvieron activos desde alrededor del 480 a. C. hasta cerca de finales del siglo V a. C. Su característica principal es que mantuvieron rasgos de pintura de jarrón de figuras negras en la técnica de figura roja.

Sus figuras parecen alargadas y tienen cabezas pequeñas, los pliegues de la prenda caen rígidos y se asemejan a escaleras, y las imágenes están enmarcadas con ornamentaciones de estilo figura negra. La gama de motivos también está influenciada por periodos anteriores. Las figuras gesticulan como si usaran una forma de lenguaje de señas, las manos suelen parecer rígidas y teatrales. Podemos ver cabezas pequeñas típicas manieristas y gestos afectados en el Pan Paint's Herakles Fighting Busiris (c. 470 a. C.).

Herakles Fighting Busiris: Una figura roja manierista del Pintor Pan, c. 470 a. C.

Se cree que el crater de figuras rojas del pintor nióbido de Artemisa y Apolo que matan a los hijos de Niobe, desde 460 a. C., es una composición inspirada en una pintura de panel. El costado de la vasija que representa a Artemisa y Apolo se relaciona con el mito del dios gemelo y diosa que mató a los catorce hijos de Niobe luego de que ella se jactara de que su capacidad para dar a luz superó a Leto, la madre de Apolo y Artemisa.

Esta historia alude a las antiguas advertencias griegas contra la arrogancia, o orgullo extremo. La escena es una de las primeras escenas de pintura en jarrón que muestra las figuras en diferentes líneas de tierra. Apolo y Artemisa se paran en el centro de la embarcación mientras los hijos de Niobe caen a tierra a su alrededor. Un niño incluso ha caído detrás de una roca en el paisaje.

Al otro lado del jarrón hay una imagen de dioses y héroes, con Herakles en el centro. Todas las figuras se paran y se sientan en varias líneas de tierra. Las figuras en ambos lados se representan desde múltiples ángulos, incluyendo una vista de tres cuartos, y se usa un ojo de perfil para las figuras de perfil, una primera en la pintura de jarrón griego.

Herakles con dioses y héroes: Pintado por el pintor nióbido. El reverso del cráter representa a Artemisa y Apolo matando a los niños de Niobe. Un cráter ateniense de cálices de figura roja, c. 450 a. C., Orvieto, Italia.

Artemisa y Apolo Matando a los hijos de Niobe: Pintado por el pintor nióbido sobre un cráter ateniense de cálices de figura roja, c. 450 a. C., de Orvieto, Italia.

El pintor berlinés es otro conocido pintor de jarrones del Clásico Temprano. Su estilo único representa figuras, aisladas del contexto, sobre una pequeña línea de tierra sobre un fondo negro brillante. Sus figuras también comienzan en medio del jarrón y se extienden sobre el hombro del vaso, deteniéndose en el cuello.

Pone especial atención a los detalles del cuerpo y a las cortinerías de cada figura, y permite que tanto la figura como la cortina expresen emoción, espacio y movimiento. Su pintura titulada Ganímedes con un aro y un gallo transmite una sensación de dinamismo al disponer el cuerpo a través de una serie de contornos diagonales, utilizando líneas de contorno para marcar las ubicaciones de los músculos y tendones debajo de la piel.

Ganímedes con un aro y una polla: Pintado por el pintor berlinés en un crater de campana de figura roja del ático, c. 500—490 a. C.

Pintura de tierra blanca

La pintura de suelo blanco se desarrolló alrededor del 500 a. C. y ganó popularidad durante el siglo siguiente. La técnica se basa en el uso de pinturas, en lugar de deslizamiento, para crear vasijas policromadas.

Los recipientes se recubrieron primero en una barbotina blanca antes de agregar varios colores de pintura. El fondo blanco y las técnicas de cocción permitieron usar varios colores, incluyendo azul, amarillo, rojo, marrón y verde. Debido a que el estilo es menos duradero que la pintura de figuras negras y rojas, a menudo se usaba para votivos y como ofrendas de tumbas.

Las pinturas de contorno común de la técnica de fondo blanco no dominarían el estilo hasta aproximadamente mediados del siglo V a. C. Durante los primeros 50 años de pintura de fondo blanco, conocido como Tipo I, las imágenes se asemejaban a la pintura convencional de figuras negras, con el color del fondo como única diferencia. Esta representación de Herakles luchando contra Geryon proporciona un ejemplo de pintura de tierra blanca Tipo I.

Herakles Fighting Geryon: Herakles (en el centro) ataca a Geryon (en el extremo derecho). Eurytion pone heridos a sus pies. Atenea (a la izquierda) mira la escena. Lekythos ático blanco-suelo de figura negra.

La pintura de fondo blanco se ve a menudo en un lekythos, un recipiente utilizado para contener óleos, que a veces se usaban para ungir a los muertos. Debido a esta función funeraria, los lekythoi también fueron utilizados como ofrendas funerarias. Como tal, muchas de las escenas pintadas sobre lekythoi de tierra blanca representan o aluden a escenas funerarias (como ritos y rituales funerarios) o imágenes de guerreros que salen de sus esposas para la batalla y la muerte. Si bien la escena de Herakles luchando contra Geryon representa un preludio bastante violento a la muerte, las imágenes sobre lekythoi posteriores son algo más sedadas.

Mujer que asiste a una tumba: pintada por el pintor de Thanatos en un lekythos de suelo blanco ático, c. 440—430 a.C.

El Pintor de Aquiles, alumno del pintor berlinés y creador tanto de vasijas de figura roja como de tierra blanca, es uno de los pintores de tierra blanca más conocidos. Las escenas que pintó en su lekythoi de tierra blanca están llenas de patetismo y dolor, a menudo representan a mujeres sentadas frente a estelas de tumbas o despidiéndose de sus maridos en batalla.

Musa con lira: Pintado por el pintor de Aquiles sobre un lekythos de suelo blanco ático, c. 440—430 a.C.

En general, tanto en la pintura de fondo blanco como de figura roja durante el periodo Clásico Temprano, la forma del cuerpo fue perfeccionada por los artesanos. Los vasos pintados ahora representaban figuras en un plano bidimensional, con la ilusión del espacio tridimensional. Estas figuras fueron renderizadas en ese espacio de forma natural, en términos de su movimiento y forma.

La pintura de figuras negras casi desapareció en el período Clásico Temprano y estaba reservada principalmente para objetos hechos para parecer antiguos o para recordar estilos antiguos, como las ánforas de victoria para los Juegos Panhelénicos.

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• Pittore dei niobidi, calice del louvre, 460 a.c.. Proporcionado por: Wikimedia. Ubicado en: Commons.wikimedia.org/wiki/Archivo:Pittore_dei_niobidi, _calice_del_louvre, _460_a.c.. jpg. Licencia: CC BY-SA: Atribución-CompartirIgual
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