17.3: Escultura románica

Escultura románica

La escultura de la época románica vio avances en metalistería, esmaltes y frisos figurativos y escenas encontradas en la arquitectura.

Objetivos de aprendizaje

Examinar las características de la escultura románica

Claves para llevar

Puntos Clave

• El arte románico es el arte de Europa desde aproximadamente el 1000 d.C. hasta el auge del estilo gótico en el siglo XIII o más tarde, dependiendo de la región.
• Objetos preciosos sofisticados en metalistería, marfiles y esmaltes tuvieron un alto estatus en la época románica.
• Han sobrevivido muchos santuarios espectaculares hechos para albergar reliquias, como el Santuario de los Reyes Magos en la Catedral de Colonia de Nicolás de Verdún.
• Se construyeron grandes relicarios y frontales de altar alrededor de un marco de madera, pero los ataúdes más pequeños estaban hechos completamente de metal y esmalte. También han sobrevivido algunas piezas seculares como estuches para espejos, joyas y broches.
• Durante los siglos XI y XII, la escultura figurativa fue reavivada a medida que los relieves arquitectónicos se convirtieron en un sello distintivo del período románico posterior. La escultura figurativa se basó principalmente en la iluminación manuscrita y la escultura a pequeña escala en marfil y metal.
• La escultura más románica es pictórica y bíblica en materia. Una gran variedad de temas se encuentran en la construcción de capiteles, incluyendo escenas de la Creación y la Caída del Hombre, la vida de Cristo y el Antiguo Testamento.

Términos Clave

• portal: Una abertura en una pared de un edificio, portón o fortificación, especialmente una gran entrada a una estructura importante.
• esmalte: Un material hecho por fusión de vidrio en polvo a un sustrato mediante cocción, generalmente entre 750 y 850 °C (1,380 y 1,560 °F); el polvo se funde, fluye y luego se endurece hasta obtener un recubrimiento vítreo suave y duradero sobre metal, vidrio o cerámica.
• tímpano: En la arquitectura, la pared decorativa semicircular o triangular se extiende sobre una entrada, delimitada por un dintel y un arco y que a menudo contiene escultura u otras imágenes u ornamentos.

Antecedentes: Arte románico

El arte románico es el arte de Europa desde aproximadamente el 1000 d.C. hasta el auge del estilo gótico en el siglo XIII o más tarde, dependiendo de la región. El periodo anterior se conoce como el periodo Prorrománico. El término fue inventado por historiadores del arte del siglo XIX específicamente para referirse a la arquitectura románica, que conservaba muchas características del estilo arquitectónico romano (en particular arcos de cabeza redonda, bóvedas de cañón, ábsides y decoración de hojas de acanto) mientras desarrollaba características distintivas. El sur de Francia, España e Italia mostraron continuidad arquitectónica con la Antigüedad tardía, pero el estilo románico fue el primero en extenderse por toda la Europa católica, desde Sicilia hasta Escandinavia. El arte románico también estuvo muy influenciado por el arte bizantino, especialmente en la pintura, y por la energía anticlásica de la decoración del arte insular de las Islas Británicas. A partir de estos elementos se forjó un estilo altamente innovador y coherente.

Escultura románica

Metalistería, Esmaltes y Marfiles

Los objetos preciosos en metalistería, marfiles y esmaltes tuvieron un alto estatus en la época románica. Los creadores de estos objetos son más conocidos que los pintores, iluminadores y arquitecto-albañiles contemporáneos. La metalistería, incluida la decoración en esmalte, se volvió muy sofisticada. Han sobrevivido muchos santuarios espectaculares hechos para albergar reliquias, de los cuales el más conocido es el Santuario de los Reyes Magos en la Catedral de Colonia de Nicolás de Verdún (circa 1180—1225). El candelabro de bronce de Gloucester es un magnífico ejemplo de fundición de metal, con cualidades intrincadas y enérgicas que se basan en la pintura manuscrita. El Tríptico de Stavelot y el Relicario de San Mauro son otros ejemplos de esmaltes mosan. Se construyeron grandes relicarios y frontales de altar alrededor de un marco de madera, pero los ataúdes más pequeños estaban hechos completamente de metal y esmalte. También han sobrevivido algunas piezas seculares como estuches para espejos, joyas y broches, pero sin duda estas subrepresentan la cantidad de metalistería fina propiedad de la nobleza.

El candelabro de Gloucester, principios del siglo XII: El candelabro de bronce de Gloucester es un magnífico ejemplo de fundición de metal, con cualidades intrincadas y enérgicas que se basan en la pintura manuscrita.

Escultura Arquitectónica

Con la caída del Imperio Romano, la tradición de tallar grandes obras en piedra y esculpir figuras en bronce se extinguió, como lo hizo por razones religiosas en el mundo bizantino. Algunas esculturas de tamaño natural se hicieron en estuco o yeso, pero los ejemplos sobrevivientes son raros. La escultura sobreviviente más conocida de la Europa proto-románica es el crucifijo de madera de tamaño natural encargado por el arzobispo Gero de Colonia en aproximadamente 960—65, aparentemente el prototipo de una forma popular. A partir del siglo XII, estos se instalaron sobre una viga debajo del arco del presbiterio, conocido en inglés como rood, y flanqueados por figuras de la Virgen María y Juan Evangelista.

Durante los siglos XI y XII, la escultura figurativa fue reavivada a medida que los relieves arquitectónicos se convirtieron en un sello distintivo del período románico tardío. La escultura figurativa se basó principalmente en la iluminación manuscrita y la escultura a pequeña escala en marfil y metal. Los extensos frisos esculpidos en iglesias armenias y siríacas fueron otra influencia probable. Estas fuentes en conjunto produjeron un estilo distinto que puede ser reconocido en toda Europa, aunque los proyectos escultóricos más espectaculares se concentran en el suroeste de Francia, el norte de España e Italia.

Las imágenes en metalistería fueron frecuentemente gofradas. La superficie resultante tuvo dos planos principales con detalles incisos. Este tratamiento se adaptó a la talla de piedra y a menudo se ve en el tímpano sobre el portal, donde las imágenes de Cristo en Majestad con los símbolos de los Cuatro Evangelistas se dibujan directamente de las portadas doradas de los libros evangélicos medievales. Este estilo de puerta se da en muchos lugares y continuó en la época gótica.

La escultura más románica es pictórica y bíblica en materia. Una gran variedad de temas se encuentran en los capiteles de construcción, incluyendo escenas de la Creación y la Caída del Hombre, la vida de Cristo y representaciones del Antiguo Testamento de su Muerte y Resurrección, como Jonás y la Ballena y Daniel en la guarida de los leones. Muchos belenes ocurren, con mayor frecuencia los Reyes Magos. Algunas iglesias románicas presentan un extenso esquema escultórico que cubre el área que rodea el portal y a veces gran parte de la fachada. Los esquemas escultóricos fueron diseñados para transmitir el mensaje de que los creyentes cristianos deben reconocer el mal hecho, arrepentirse y ser redimidos. El Juicio Final recuerda al creyente arrepentirse, mientras que el Crucifijo tallado o pintado, exhibido de manera prominente dentro de la iglesia, recuerda al pecador de la redención.

Abadía de Vézelay, Borgoña, Francia: El tímpano de la Abadía de Vézelay en Borgoña, terminado en la década de 1130, tiene una gran cantidad de detalles decorativos en espiral en las cortinas.

Escultura románica: Majestat Batlló

El Batlló Majesty es uno de los mejores y mejor conservados ejemplos de esculturas catalanas del ^siglo XII.

Objetivos de aprendizaje

Discutir el simbolismo triunfante y las características románicas de la Majestad Batlló.

Claves para llevar

Puntos Clave

• Las imágenes de madera tallada fueron un elemento fundamental en las iglesias como objetos de culto. Uno de los tipos más elaborados en Cataluña fue el Cristo en Majestad: imágenes de Cristo en la Cruz que simbolizan su triunfo sobre la muerte.
• El más destacado de ellos es el Majestat Batlló, también uno de los mejores y mejor conservados ejemplos de esculturas catalanas.
• Una de las características llamativas del Majestat Batlló en comparación con las esculturas catalanas es la policromía bien conservada.
• La composición geométrica frontal de la túnica de Cristo decorada en círculos y motivos florales recuerda a las refinadas telas bizantinas e hispano-moriscas que se tienen en alta estima en el Occidente cristiano durante este tiempo. La cronología del Majestat Batlló es difícil de fechar; la inscripción en la cruz y la pintura podrían colocarse en el siglo XI, aunque otros autores la datan del siglo XII.

Términos Clave

• policromía: La práctica de combinar diferentes colores, especialmente los brillantes, de manera artística.
• ábaco: La porción más alta de la capital de una columna, inmediatamente debajo del arquitrabe.
• iconográfico: De o perteneciente a un icono religioso.

El Majestat Batlló, o Majestad Batlló, es una talla de madera policromada románica del ^siglo XII que ahora se celebra en el Museu Nacional d'Art de Catalunya de Barcelona, Cataluña. Las imágenes de madera tallada fueron un elemento fundamental en las iglesias como objetos de culto, y uno de los motivos más elaborados fue el Cristo en Majestad: imágenes de Cristo en la Cruz que simbolizan su triunfo sobre la muerte. El más destacado de ellos es el Majestat Batlló, también uno de los ejemplos más finos y mejor conservados de la escultura catalana.

Majestat Batlló: El Majestat Batlló es un crucifijo de madera románico del siglo XII, ahora en el Museo Nacional de Arte de Cataluña en Barcelona. Es uno de los ejemplos más elaborados en Cataluña de una imagen de Cristo en la Cruz que simboliza su triunfo sobre la muerte.

Simbolismo y descripción

El Majestat Batlló es un gran crucifijo de madera que presenta a Cristo portando su sufrimiento con noble estoicismo y triunfo. Lleva un colobio, o una túnica larga sin mangas. Aunque las comisuras de su boca se vuelven ligeramente hacia abajo, los ojos abiertos de Cristo y la ceja desplegada crean la impresión de una impasividad autoposeída. Una inscripción latina sobre su cabeza dice, “JHS NAZARENUS REX IUDEORUM” (“Jesús de Nazaret rey de los judíos”), como en los relatos bíblicos (Mateo 27:37, Marcos 15:26, Lucas 23:38, Juan 19:19).

Una de las características llamativas de la Majestad Batlló en comparación con la escultura catalana es la policromía bien conservada. El colobio de Cristo, en imitación de rica seda oriental, está decorado con diseños florales azules rodeados de marcos circulares rojos adornados con puntos y círculos. Un cinturón delgado con un elaborado nudo entrelazado tira la túnica por encima de las caderas de Cristo, haciendo que la tela de arriba se hinche ligeramente y curvando el camino de sus pliegues verticales planos y anchos. Tales túnicas están vinculadas con funciones reales y sacerdotales y transmiten un mensaje de fortaleza a la audiencia. Pueden verse como una visualización del Cristo apocalíptico a partir del Libro del Apocalipsis.

La composición geométrica frontal de la túnica decorada en círculos y motivos florales recuerda a las refinadas telas bizantinas e hispano-moriscas que se tienen en alta estima en el Occidente cristiano durante este tiempo. El gran referente para este tipo fue el Volto Santo en Lucca (Toscana, Italia), considerado como de origen milagroso y como objeto de peregrinación y devoción extraordinaria desde finales del siglo XI. La tradición iconográfica de Jesús en un colobio data del 586 d.C., en un manuscrito de los Evangelios siríacos llamado Evangelios Rabbula, escrito por el monje Rabbula en algún lugar de Mesopotamia. La tradición de representar a Cristo con tal disfraz probablemente fue traída a Cataluña por artesanos pienses, quienes llegaron en 1114 para ayudar a Ramón Berenguer III, conde de Barcelona, en su conquista de las Islas Baleares.

Cronología

El Majestat Batlló es difícil de fechar, pero la inscripción en la cruz y la pintura podrían colocarse en el ^siglo XI. Sin embargo, otros autores la datan del ^siglo XII a partir de la similitud de la pintura con otras de la zona de Ripoll, mediados del ^siglo XII. La túnica es análoga a un motivo islámico del claustro de la abadía de Saint-Pierre de Moissac, lo que parece probar la difusión de este estilo durante la época románica.

Escultura románica: María como Trono de la Sabiduría

María como Trono de la Sabiduría fue un tema bíblico popular representado en toda la escultura románica.

Objetivos de aprendizaje

Compara las diversas representaciones de María sentada en el Trono de la Sabiduría

Claves para llevar

Puntos Clave

• Las imágenes de María como Trono de la Sabiduría son especialmente prevalentes en el arte católico romano.
• Cuando la Virgen es representada en sedes sapientiae (“Trono de la Sabiduría”) iconos y representaciones escultóricas, se sienta en un trono con el Niño Cristo en su regazo.
• Este concepto de María la compara con el Trono de Salomón, refiriéndose a su condición de vasija de la encarnación que lleva al Santo Niño. El icono de sedes sapientiae también apareció en manuscritos iluminados románicos, frescos, mosaicos y sellos.

Términos Clave

• Románico: El arte de Europa desde aproximadamente el 1000 d.C hasta el auge del estilo gótico en el siglo XIII o posteriores, dependiendo de la región.
• iconografía: La rama de la historia del arte que estudia la identificación, descripción e interpretación del contenido de las imágenes.

Antecedentes

En la tradición católica romana, el epíteto “la Sede de la Sabiduría” o “Trono de la Sabiduría” es uno de los muchos títulos devocionales para la Madre de Dios. La frase fue acuñada en los ^siglos XI y XII por Pedro Damiani y Guibert de Nogent y compara a María con el Trono de Salomón, refiriéndose a su condición de vasija portadora del Santo Niño. Como la frase asocia a la Santísima Virgen con gloria y enseñanza, las Madonnas en esta tradición son especialmente populares en el imaginario católico.

María como el Trono de la Sabiduría: Madonna como sede de la sabiduría, 1199, inscrita como por el Presbítero Martinus, de la abadía camaldolesa en Borgo San Sepolcro cerca de Arezzo, Italia.

Historia Cultural

En la iconografía cristiana, s edes sapientiae (“El Trono de la Sabiduría”) es un icono de la Madre de Dios en majestad. Cuando la Virgen es representada en sedes sapientiae íconos y representaciones escultóricas, se sienta en un trono con el Niño Cristo en su regazo.

Este tipo de imagen de Madonna era una variante del tipo odigitria bizantina, en la que se representa a la Virgen María sosteniendo al niño Jesús a su lado mientras le señalaba como fuente de salvación para la humanidad. Apareció en una amplia gama de imágenes escultóricas y pintadas en Europa Occidental, especialmente cerca del 1200 d.C. En estas representaciones, invariablemente aparecen elementos estructurales del trono, aunque sólo sean asideros y patas delanteras. Los pies de la Virgen a menudo descansan sobre un taburete bajo. Las esculturas góticas posteriores son más explícitamente identificables con el Trono de Salomón, donde “estaban dos leones, uno a cada mano. Y doce leones se pararon sobre los seis escalones de un lado y del otro” (I Reyes 10, 19-20).

Catedral de Aecheno, Siglo XI: La placa de donante de esmalte cloisonné con el retrato del donante y la Virgen entronizada, en la Cruz procesional de Mathilde, Ottoniana, principios del siglo XI (Catedral de Aquisgrán)

Además de la escultura románica, el icono de sedes sapientiae apareció en manuscritos iluminados, frescos, mosaicos y sellos de la época. El icono posee componentes verbales emblemáticos: la Virgen como Trono de la Sabiduría es un tropo de Damiani o Guibert de Nogent, basado en la interpretación tipológica del pasaje en los Libros de los Reyes que describe el trono de Salomón (I Reyes 10:18-20, repetido en II Crónicas 9:17—19). Este motivo fue utilizado frecuentemente en la pintura holandesa temprana en obras como la Madonna Lucca de Jan van Eyck.

Escultura románica: Tumba de Rodolfo de Suabia

La tumba de Rudolfo de Suabia es un excelente ejemplo de escultura románica.

Objetivos de aprendizaje

Describe el expresivo arte románico en la tumba de Rudolfo de Suabia

Claves para llevar

Puntos Clave

• Rudolfo de Rheinfelden era el rey alternativo, o antiking, para los aristócratas alemanes anti-Enrique políticamente orientados. Murió durante la Gran Rebelión Sajona a finales del siglo XI.
• La escultura de la tumba de Rudolf refleja el amor románico por los patrones superficiales inventivos y un enfoque expresivo del cuerpo humano, utilizando elongación, poses antinaturales y gestos enfáticos para transmitir estados mentales.
• La intrincada metalistería en la tumba de Rudolf también es indicativa de la escultura románica.

Términos Clave

• Románico: El arte de Europa desde aproximadamente el 1000 d.C hasta el auge del estilo gótico en el siglo XIII o posteriores, dependiendo de la región.

Rodolfo de Rheinfelden (1025 — 1080) fue duque de Suabia (1057—1079) y Antiqueño alemán (1077—1080). Era hijo del conde Kuno de Rheinfelden y finalmente se convirtió en el rey alternativo, o antiking, para los aristócratas alemanes anti-Enrique de orientación política. Esta rebelión se conoció como la Gran Revuelta Sajona. Murió como resultado de heridas de batalla cuando su facción se encontró y derrotó a Henri's en la Batalla de Elster.

Tumba de Rodolfo de Rheinfelden

La tumba de Rudolf de Rheinfelden, ubicada en la catedral de Merseburg, es un buen ejemplo de escultura románica. La escultura de esta época está marcada por el amor por los patrones superficiales inventivos y un enfoque expresivo del cuerpo humano, utilizando elongación, poses antinaturales y gestos enfáticos para transmitir estados mentales. La tumba de Rudolf refleja estas características. La escultura de su cuerpo es alargada y yace con un cetro en una mano y un orbe en la otra, simbólico del título real que reclamó pero nunca tuvo en vida. Se le representa con prendas reales y una corona.

El material utilizado para construir la tumba refleja también el alto estatus de la metalistería en la escultura románica. De hecho, los objetos de metales preciosos, el trabajo de esmalte y el marfil tuvieron un significado mucho mayor que las pinturas durante este tiempo. ^{La metalistería y la decoración esmaltada se volvieron especialmente sofisticadas durante los siglos X y XI.} La tumba de Rudolf de Rheinfelden refleja esta estética con su relieve de bronce del cuerpo de Rudolf encerrado dentro de un borde de borde elevado. También se graba una inscripción en la frontera, lo que demuestra la habilidad que implica la construcción de la tumba.

Tumba de Rodolfo de Suabia: La tumba de Rodolfo de Suabia es ejemplar de escultura románica.

Escultura románica: Reiner de Huy

Reiner de Huy fue un metalúrgico y escultor del ^siglo XII a quien se le atribuye la pila bautismal de la Iglesia de San Bartolomé.

Objetivos de aprendizaje

Describe la obra maestra de Reiner de Huy, la pila bautismal en la Iglesia de San Bartolomé en Bélgica

Claves para llevar

Puntos Clave

• Reiner de Huy fue un metalúrgico del siglo XII y escultor pensado para ser el creador de la famosa pila bautismal en la Iglesia de San Bartolomé.
• Nada se sabe de la vida de Reiner aparte de que fue mencionado en un documento de 1125 como orfebre, pero una crónica del siglo XIV lo menciona como el artista de la fuente.
• Reiner de la condición de Huy como creador de la fuente y el origen mosano de la fuente han sido cuestionados.
• La fuente es una gran obra maestra del arte de Mosan, notable por el clasicismo de su estilo. Las cinco escenas se pueden leer en secuencia cronológica e incluyen representaciones de Juan el Bautista, el Bautismo de Cristo, San Pedro bautizando a Cornelio el Centurión y San Juan bautizando a Craton.
• La única otra obra generalmente acordada para ser del mismo maestro que la fuente es una pequeña figura crucifijo de bronce que ahora se encuentra en el Museo Schnütgen, Colonia.

Términos Clave

• Fundición a la cera perdida: El proceso mediante el cual se funde una escultura metálica duplicada (a menudo plata, oro, latón o bronce) a partir de una escultura original.
• font: Un receptáculo en una iglesia para agua bendita, especialmente uno utilizado en el bautismo.
• Mosan: Un estilo regional de arte del valle del Mosa en la actual Bélgica, los Países Bajos y Alemania. Si bien en un sentido más amplio el término se aplica al arte de esta región de todas las épocas, generalmente se refiere al arte románico, con arquitectura, tallado en piedra, metalistería, esmaltado e iluminación manuscrita alcanzando su apogeo desde los siglos XI al XIII.

Resumen: Reiner de Huy

Reiner de Huy fue un metalúrgico y escultor del ^siglo XII a quien se le atribuyen muchas obras maestras del arte mosan, incluida la pila bautismal de la Iglesia de San Bartolomé en Lieja, Bélgica. El valle del río Mosa en la moderna Bélgica y Francia, que comprende aproximadamente la Diócesis de Lieja, fue el principal centro del ^siglo XII de la metalistería románica, que en ese momento seguía siendo el medio artístico más prestigioso. Nada se sabe de la vida de Rainer otra una mención en un documento 1125 como orfebre; sin embargo, una crónica del ^siglo XIV lo menciona como el artista de la fuente. Pudo haber muerto alrededor de 1150. Si bien tradicionalmente se acepta que Reiner de Huy es el creador de la fuente, esta atribución y el origen mosano de la fuente, han sido cuestionados.

Fuente Bautismal en la Iglesia de San Bartolomé

La fuente es una gran obra maestra del arte de Mosan, notable por el clasicismo de su estilo. La cuenca tiene 91 centímetros (36 pulgadas) de ancho en la parte superior, se estrecha ligeramente hacia la base, y se describe como latón o bronce. Se realizó utilizando la técnica de fundición a la cera perdida con el lavabo colado en una sola pieza. El tamaño no era necesariamente excepcional, ya que tanto las campanas de las iglesias como los calderos para hogares grandes eran probablemente tamaños comparables. Algunas puertas de iglesia fundidas en una sola pieza, aunque planas, eran mucho más grandes.

La fuente se asentaba sobre 12 bueyes (dos de los cuales ahora faltan) que emergieron de un zócalo de piedra, una referencia al “mar fundido... sobre doce bueyes” fundido en bronce para el templo de Salomón. Las cinco escenas mostradas, identificadas por inscripciones latinas (tituli) en el borde superior y en el campo de imagen, se pueden leer en secuencia cronológica. Incluyen dos escenas de Juan el Bautista, el Bautismo de Cristo, San Pedro bautizando a Cornelio el Centurión, y San Juan Evangelista bautizando al filósofo Craton.

Fuente bautismal en la iglesia de San Bartolomé: Reiner of Huy, un metalúrgico y escultor del siglo XII, generalmente se le atribuye la creación de la pila bautismal en la Iglesia de San Bartolomé.

Posibles Otras Obras

La única otra obra generalmente acordada para ser del mismo maestro que la fuente es una pequeña figura crucifijo de bronce que ahora se encuentra en el Museo Schnütgen, Colonia. Otro crucifijo en Bruselas es probablemente del mismo molde pero con persiguiendo extra. Otros en Bruselas y Dublín pueden haber venido del mismo taller, ya que tienen muchas similitudes con el crucifijo de bronce de Colonia.

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