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20.2: La pintura en el Renacimiento del Norte

  • Page ID
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    Pintura flamenca en el Renacimiento del Norte

    La escuela flamenca se refiere a artistas que estuvieron activos en Flandes durante los siglos XV y XVI.

    Objetivos de aprendizaje

    Compara los avances artísticos vistos en las obras de Robern Campin, Jan van Eyck y Rogier van der Weyden

    Claves para llevar

    Puntos Clave

    • Los tres pintores más destacados de este período, Jan van Eyck, Robert Campin y Rogier van der Weyden, fueron conocidos por hacer avances significativos en el ilusionismo, o la representación realista y precisa de las personas, el espacio y los objetos.
    • El tema preferido de la Escuela Flamenco era de carácter típicamente religioso, y la mayor parte de la obra se presentaba como paneles, generalmente en forma de dípticos o polípticos.
    • Mientras que el Renacimiento italiano se basó en redescubrimientos de la Grecia clásica y Roma, la escuela flamenca obtuvo influencia del pasado gótico de la región.
    • Van Eyck es conocido por firmar y salir con su obra “ALS IK KAN” (“COMO PUEDO”).
    • Robert Campin ha sido identificado con la firma “Maestro de Flemalle”.
    • Debido a que los maestros flamencos utilizaron un sistema de taller, pudieron producir en masa paneles de alta gama para la venta y exportación en toda Europa.

    Términos Clave

    • ilusionismo: La representación realista y precisa de las personas, el espacio y los objetos.
    • témpera: Un tipo de pintura donde los pigmentos de color se mezclan con un aglutinante, generalmente huevo. La témpera también se refiere a la obra de arte terminada en sí misma.
    • tríptico: Una imagen o serie de cuadros pintados en tres tabletas conectadas por bisagras.
    • políptico: Una obra que consiste en múltiples paneles pintados o tallados unidos entre sí, a menudo con bisagras.

    La escuela flamenca

    El Colegio Flamenco, que también ha sido llamado Renacimiento del Norte, Escuela Primitiva Flamenco, y Netherlandish Temprano, se refiere a artistas que estuvieron activos en Flandes durante los siglos XV y XVI, especialmente en las ciudades de Brujas y Gante. Los tres pintores más destacados de este periodo —Jan van Eyck, Robert Campin y Rogier van der Weyden— fueron conocidos por hacer avances significativos en el ilusionismo, o la representación realista y precisa de las personas, el espacio y los objetos. El tema preferido de la Escuela Flamenco era típicamente de naturaleza religiosa, pero los pequeños retratos también eran comunes. La mayor parte de esta obra se presentó como paneles, retablos individuales, o retablos más complejos, los cuales fueron generalmente en forma de dípticos o polípticos.

    Durante los siglos XV y XVI, los Países Bajos se convirtieron en un centro político y artístico enfocado alrededor de las ciudades de Brujas y Gante. Debido a que los maestros flamencos empleaban un sistema de taller, en el que los artesanos ayudaban a completar su arte, pudieron producir en masa paneles de alta gama para la venta en toda Europa. La Escuela Flamenco surgió casi simultáneamente con el Renacimiento italiano. Sin embargo, mientras que el Renacimiento italiano se basó en los redescubrimientos de la cultura clásica griega y romana, la escuela flamenca obtuvo influencia del pasado gótico de la zona. Estos artistas también experimentaron con pintura al óleo antes que sus pares renacentistas italianos.

    Robert Campin

    Robert Campin, considerado el primer maestro de la Escuela Flamenco, ha sido identificado con la firma “Maestro de Flemalle”, que aparece en numerosas obras de arte. Campin es conocido por producir obras altamente realistas, por hacer un gran uso de la perspectiva y el sombreado, y por ser uno de los primeros artistas en trabajar con pintura al óleo en lugar de témpera. Una de sus obras más conocidas, el Retablo de Merode, es un tríptico que representa una Escena de Anunciación. El Arcángel Gabriel se acerca a María mientras lee en una habitación que es reconocida como una típica casa de clase media Flandes. La obra es altamente realista, y los objetos a lo largo de la pintura transmitieron un significado reconocible y religioso a los espectadores en ese momento.

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    El Retablo de Merode atribuido a Robert Campin: El Retablo de Merode es un tríptico que presenta al Arcángel Gabriel acercándose a María, quien está leyendo en una casa típica de Flandes bien decorada, de clase media.

    Jan Van Eyck

    Jan van Eyck, contemporáneo de Campin, es ampliamente considerado como uno de los pintores más significativos del norte de Europa del siglo XV. Es conocido por firmar y salir con su obra “ALS IK KAN” (“COMO PUEDO”). Las firmas no eran particularmente habituales durante este tiempo, pero ayudaron a asegurar su reputación duradera. Activo en Brujas, y muy popular en su propia vida, el trabajo de van Eyck fue altamente innovador y técnico. Exhibía una magistral manipulación de la pintura al óleo y un alto grado de realismo. Si bien van Eyck completó muchas pinturas famosas, quizás la más famosa es el Retablo de Gante, un políptico encargado de alrededor de 1432.

    Este retablo se divide en 12 paneles en un registro superior e inferior con diversas escenas y figuras, entre ellas una figura parecida a Dios, la Virgen María, Cristo Rey, y Adán y Eva.

    El Retablo de Gante de Jan van Eyck: El Retablo de Gante, un políptico encargado de alrededor de 1432, es quizás la obra más famosa de van Eyck.

    Rogier van der Weyden

    Rogier van der Weyden es el último de los tres pintores flamencos tempranos más reconocidos. Aprendiz de Robert Campin, van der Weyden exhibió muchas similitudes estilísticas, entre ellas el uso del realismo. Muy exitoso en su vida, sus obras sobrevivientes son principalmente trípticos religiosos, retablos y retratos comisionados. A finales del siglo XV, van der Weyden superó incluso a van Eyck en popularidad. La pintura más conocida de Van der Weyden es El descenso de la cruz, hacia 1435.

    El Cristo crucificado es bajado de la cruz, su cuerpo sin vida sostenido por José de Arimatea y Nicodemo. Otras figuras también rodean el cuerpo.

    El descenso de la cruz de Rogier van der Weyden: la pintura más conocida de Van der Weyden es El descenso de la cruz, circa 1435.

    Panel de pintura en el Renacimiento del Norte

    La corte del Sacro Emperador Romano Germánico jugó un papel importante en las pinturas a panel durante el Renacimiento del Norte.

    Objetivos de aprendizaje

    Describir la pintura a panel en el Sacro Imperio Romano Ger

    Claves para llevar

    Puntos Clave

    • Una pintura de panel es una pintura realizada sobre un panel plano hecho de madera, ya sea una sola pieza o varias piezas unidas entre sí. Hasta que el lienzo se convirtió en el medio de soporte más popular en el siglo XVI, los paneles eran la forma normal de soporte para una pintura no pintada directamente sobre una pared (conocida como fresco) o vitela, que se usaba para miniaturas en manuscritos iluminados y pinturas para el enmarcado.

    Términos Clave

    • Emperador del Sacro Imperio Romano Germánico: Término utilizado por los historiadores para denotar a un gobernante medieval que también había recibido el título de “Emperador de los Romanos” del Papa.

    La corte del Sacro Emperador Romano Germánico, originalmente radicada en Praga, jugó un papel importante en el apoyo a los artistas como mecenas durante el Renacimiento del Norte. Durante este período de tiempo, las obras de arte a menudo se pintaron sobre paneles de madera y se las conoce como “témpera en panel” o “óleo sobre panel”. Una pintura de panel es una pintura realizada sobre un panel plano hecho de madera, ya sea una sola pieza o varias piezas unidas entre sí. Hasta que el lienzo se convirtió en el medio de soporte más popular en el siglo XVI, los paneles eran la forma normal de soporte para una pintura no pintada directamente sobre una pared (conocida como fresco) o vitela, que se usaba para miniaturas en manuscritos iluminados y pinturas para el enmarcado.

    Albrech Durer es un conocido artista del Renacimiento del Norte de Italia que encontró un patrón en el emperador Maximiliano I. Durero. Como la mayoría de los pintores durante este periodo de tiempo, Durer pintó sobre paneles de madera.

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    Albrecht Durer, Autorretrato, 1500. : Este autorretrato de Alberto Durer fue pintado sobre un panel de madera, ya que el lienzo aún no se había convertido en el medio predominante de elección.

    Pintura Alemana en el Renacimiento del Norte

    El Renacimiento alemán refleja la influencia italiana y alemana en sus pinturas, y una no está presente sin la otra.

    Objetivos de aprendizaje

    Discutir la obra de Durero, Grünewald, Holbein, Altdorfer y otros artistas de la escuela del Danubio durante el Sacro Imperio Romano Germánico en Alemania

    Claves para llevar

    Puntos Clave

    • La obra de Alberto Durero muestra una fuerte influencia clásica debido, en parte, a sus viajes a la península italiana.
    • Matthias Grünewald combinó atributos góticos y renacentistas en su obra pintada en el Retablo de Isenheim.
    • La Escuela del Danubio es conocida por las primeras producciones de paisajes pintados (independientes de figuras de primer plano) en casi mil años.
    • Hans Holbein el Viejo y su hermano Segismundo Holbein pintaron obras religiosas en el estilo gótico tardío. El primero fue pionero y líder en la transformación del arte alemán del estilo gótico al renacentista.
    • Los logros sobresalientes de la primera mitad del siglo XVI fueron seguidos por una notable ausencia de notable arte alemán.

    Términos Clave

    • perspectiva: La ilusión de distancia o profundidad sobre una superficie bidimensional.
    • en plein air: En un ambiente al aire libre, a diferencia de en un estudio u otra ubicación interior.
    • políptico: Una obra de arte, generalmente una pintura, que consta de cuatro o más paneles.
    • Adorno clásico: Influenciado por el motivo romano en estilo.

    Alberto Durero

    Uno de un pequeño número de alemanes con los medios para viajar internacionalmente, Alberto Durero nacido en Nuremberg (1471-1528) ayudó a traer los estilos artísticos del Renacimiento al norte de los Alpes italianos después de sus visitas a la península italiana a finales del siglo XV y principios del XVI. Al igual que los artistas italianos Leonardo da Vinci y Miguel Ángel Buonarotti, Durero fue un hombre renacentista, experto en múltiples disciplinas como la pintura, el grabado y la teorización matemática. La introducción de motivos clásicos en el arte norteño por parte de Durero ha asegurado su reputación como una de las figuras más importantes del Renacimiento del Norte. Esto se ve reforzado por sus tratados teóricos, que involucran principios de matemáticas, perspectiva y proporciones ideales.

    Una de las pinturas de Durero que muestran una interpretación claramente clásica del cuerpo es Adán y Eva (1507), los primeros sujetos desnudos a gran escala en la pintura alemana. Un claro alejamiento de las representaciones planas y estilizadas de los períodos románico y gótico, los cuerpos aparecen naturalistas y dinámicos, con cada figura planteada en una atractiva pose de contrapposto. A pesar de que se paran sobre un fondo negro, el suelo sobre el que se levantan ambas figuras y el árbol que flanquea a Eva comprenden elementos naturalistas del paisaje. Probablemente el primer paisajista en la Europa Moderna Temprana, Durero perfeccionó sus habilidades de pintura de paisajes trabajando al aire libre en casa y durante sus viajes.

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    Alberto Durero, Adán y Eva: Óleo sobre tabla. 1507. Dos paneles, cada uno 209 cm × 81 cm (82 pulg × 32 in) Museo del Prado, Madrid.

    Matthias Grünewald

    Acostado un poco fuera de estos desarrollos se encuentra Matthias Grünewald, cuyo lugar de nacimiento se encuentra en el este de Francia y quien dejó muy pocas obras. Sin embargo, su Retablo de Isenheim (1512—1516), producido en colaboración con Niclaus de Haguenau, ha sido ampliamente considerado como la mayor pintura renacentista alemana desde que fue restaurada a la atención crítica en el siglo XIX. Se trata de una obra intensamente emotiva que continúa la tradición gótica alemana de gesto y expresión desenfrenados, utilizando principios compositivos renacentistas manteniendo al mismo tiempo el formato gótico del políptico multialado.

    El retablo tiene dos juegos de alas, mostrando tres configuraciones con Jesús en la Cruz en el centro.
    Matthias Grünewald, Retablo de Isenheim (cerrado): Óleo sobre tabla (exterior). Esculturas en relieve de madera (interior). 1512—16. Museo Unterlinden, Colmar, Alsacia.

    En su forma cerrada, el Retablo de Isenheim representa a un Cristo demacrado cuya piel lleva muchas manchas oscuras. Su panel inferior, que alberga esculturas en relieve exhibidas en ciertos días de fiesta, se abre de una manera que hace que las piernas de Cristo, al ser sepultadas, aparezcan amputadas. No en vano, Grünewald produjo el retablo para una capilla en una enfermería que atendió a pacientes con una variedad de enfermedades, incluyendo ergotismo y cepas aisladas restantes de la peste. Un síntoma principal de ambas enfermedades fueron las llagas dolorosas en la piel. En algunos casos de ergotismo, las extremidades desarrollaron gangrena y tuvieron que ser amputadas. A través de las llagas cutáneas y piernas aparentemente amputadas, Grünewald informa al espectador que Cristo entiende y siente el sufrimiento de los enfermos. Tal “humanización” de las figuras bíblicas se hizo común en toda Europa durante el Renacimiento en un esfuerzo por hacerlas más identificables con los fieles.

    La Escuela del Danubio

    El paisaje del Danubio de Albrecht Altdorfer (c.1480—1538) cerca de Ratisbona (c. 1528) es uno de los primeros paisajes puros occidentales. La Escuela del Danubio es el nombre de un círculo de artistas de los estados de habla alemana del sur activos durante el primer tercio del siglo XVI en Baviera y Austria, entre ellos Albrecht Altdorfer, Wolf Huber y Augustin Hirschvogel. Con Altdorfer a la cabeza, la escuela produjo los primeros ejemplos de arte paisajístico independiente en Occidente (casi mil años después de China), tanto en pinturas como en grabados. Sus pinturas religiosas tenían un estilo expresionista algo similar al de Grünewald. Los alumnos de Durero Hans Burgkmair y Hans Baldung Grien trabajaron en gran parte en grabados, con Baldung desarrollando el tema de actualidad de las brujas en una serie de grabados enigmáticos.

    El paisaje representa un camino sinuoso a través del campo. Hay un edificio al fondo y montañas a lo lejos.

    Albrecht Altdorfer (c.1480—1538), Paisaje del Danubio cerca de Ratisbona (c. 1528): Uno de los primeros paisajes puros occidentales, de la Escuela del Danubio en el sur de Alemania.

    Hans Holbein el Viejo

    Hans Holbein el Viejo y su hermano Segismundo Holbein pintaron obras religiosas de colores ricos. Sus pinturas posteriores muestran cómo fue pionero y lideró la transformación del arte alemán del gótico (tardío) internacional al estilo renacentista. Holbein the Elder fue pionero y líder en la transformación del arte alemán del estilo gótico al renacentista. Su hijo, Hans Holbein el Joven, fue un importante pintor de retratos y algunas obras religiosas, trabajando principalmente en Inglaterra y Suiza.

    La Virgen María se sienta en la cama, preparándose para la muerte. Ella está rodeada de apóstoles.
    Hans Holbein el Viejo, Dormición de la Virgen: Óleo sobre tabla. c. 1491. Museo de Bellas Artes, Budapest.

    Los logros sobresalientes de la primera mitad del siglo XVI fueron seguidos por una notable ausencia de notable arte alemán. Los siguientes artistas alemanes significativos trabajaron en el estilo bastante artificial del Manierismo del Norte, que tuvieron que aprender en Italia o Flandes. Hans von Aachen y el neerlandés Bartholomeus Spranger fueron los pintores destacados en las cortes imperiales de Viena y Praga, y la productiva familia de grabadores holandeses Sadeler repartidos por Alemania, entre otros condados.

    La pintura española en el Renacimiento del Norte

    El arte español del Renacimiento del Norte estuvo influenciado por la pintura holandesa, debido a conexiones económicas y políticas compartidas.

    Objetivos de aprendizaje

    Discutir la Edad de Oro de España manifestada a través de la pintura

    Claves para llevar

    Puntos Clave

    • España era un país extremadamente devoto y la pintura española en el siglo XVI exhibió un sentido de intensidad religiosa.
    • El Greco fue uno de los artistas más importantes y distintivos que surgieron durante la Edad de Oro española.
    • El manierismo fue el estilo de pintura dominante durante la mayor parte del siglo XVI.

    Términos Clave

    • intensidad: El grado de profundidad, fuerza o brillo de un color o luz.
    • sfumato: En la pintura, la aplicación de capas sutiles de pintura translúcida para que no haya transición visible entre colores, tonos y, a menudo, objetos.
    • Manierismo: Un estilo de arte desarrollado al final del Alto Renacimiento, caracterizado por la deliberada distorsión y exageración de la perspectiva, especialmente el alargamiento de las figuras.

    Influencia de los Países Bajos

    Debido a importantes vínculos económicos y políticos entre España y los Países Bajos (que incluían la actual Holanda y Bélgica) desde mediados del siglo XV en adelante, el Renacimiento temprano en España estuvo fuertemente influenciado por la pintura holandesa, lo que llevó a la identificación de una escuela hispano-neerlandesa de pintores. En general, los estilos renacentistas y posteriores manieristas son difíciles de categorizar en España, debido a la mezcla de influencias holandesas e italianas, y variaciones regionales.

    Aparte de los aspectos técnicos, los temas y el espíritu del Renacimiento se modificaron a la cultura española y al ambiente religioso. En consecuencia, se representaron muy pocos temas clásicos o desnudos femeninos. Más bien, las obras exhibían frecuentemente un sentido de devoción piadosa e intensidad religiosa, atributos que permanecerían dominantes en gran parte del arte de la España de la Contrarreforma a lo largo del siglo XVII y más allá.

    Edad de Oro Española

    La Edad de Oro española, periodo de ascendencia política española y posterior declive, vio un gran desarrollo del arte en España. Generalmente se considera que el periodo comenzó en algún momento después de 1492 y terminó por o con el Tratado de los Pirineos en 1659; en el arte el inicio se retrasa hasta el reinado de Felipe III (1598—1621) o justo antes, y el final también se retrasa hasta la década de 1660 o más tarde.

    Luis de Morales

    El pintor español más popular de principios del siglo XVI fue Luis de Morales (c. 1510—1586), llamado “Lo Divino” por sus contemporáneos, por la intensidad religiosa de sus pinturas. Desde el estilo renacentista, también utilizó frecuentemente el modelado sfumato, y composiciones simples pero las combinó con la precisión de los detalles del estilo holandés. Sus temas incluyeron muchas imágenes devocionales, entre ellas la Virgen y el Niño.

    Madonna mira hacia abajo a la Niña, que está acunada en sus brazos, y él la está mirando hacia arriba.

    Luis de Morales, Virgen y Niño: Óleo sobre lienzo. 1586. Museo del Prado, Madrid.

    El Greco

    Doménikos Theotokópoulos, más conocido como El Greco (1541—1614) “el griego”, fue uno de los pintores más individualistas de la época, desarrollando un estilo fuertemente manierista basado en sus orígenes en la escuela cretense post-bizantina, en contraste con los enfoques naturalistas entonces predominantes en Sevilla, Madrid, y en otros lugares de España.

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    Retrato de un hombre de El Greco, 1604: Se trata presumiblemente de un autorretrato del gran manierista español.

    Conocido universalmente por su gran impacto en traer el Renacimiento italiano a España, El Greco estudió a los grandes maestros italianos de su tiempo —Tiziano, Tintoretto y Michelangelo— cuando vivió en Italia de 1568 a 1577. Muchas de sus obras reflejan los grises plateados y los colores fuertes de pintores venecianos como Tiziano, a la vez que agregan extrañas alargaciones de figuras, iluminación inusual, eliminación del espacio de perspectiva y llenando la superficie con pinceladas muy visibles y expresivas. Aunque su estilo característico eventualmente se volvería famoso e influiría en artistas posteriores, durante su vida, El Greco recibió duras críticas en su Creta natal y su país adoptivo de España por no conformarse a las normas estilísticas.

    En 1577, El Greco se trasladó a España, donde produjo sus obras maduras. Su estilo maduro se caracteriza por una tendencia a dramatizar más que a describir. La fuerte emoción espiritual se traslada de la pintura directamente al público. La preferencia de El Greco por figuras excepcionalmente altas y esbeltas y composiciones alargadas, que sirvieron tanto a sus propósitos expresivos como a sus principios estéticos, lo llevaron a desconocer las leyes de la naturaleza y alargar sus composiciones en cada vez mayores grados, particularmente cuando estaban destinadas a retablos.

    El cuadro muestra a Cristo mirando al cielo con una expresión de serenidad. Cristo está revestido con una túnica roja brillante. Está rodeado de muchas figuras.
    El despojo de Cristo (El Espolio) de El Greco, 1577—79: Óleo sobre lienzo. Sacristía de la Catedral, Toledo. Este es uno de los retablos más famosos de El Greco. Sus retablos son reconocidos por sus composiciones dinámicas e innovaciones sorprendentes.

    Una innovación significativa de las obras maduras de El Greco es el entrelazamiento entre la forma y el espacio. Se desarrolla una relación recíproca entre los dos que unifica completamente la superficie de la pintura. Este entretejido resurgiría tres siglos después en las obras de Paul Cézanne y Pablo Picasso.

    La pintura más famosa de El Greco, El entierro del conde de Orgaz (1586-1588) combina su estilo característico con el renacimiento clásico del Renacimiento y las representaciones medievales del cuerpo. El registro inferior representa el plano terrenal en el que los dolientes se reúnen para el entierro del conde. El conde, los dolientes y la mayor parte del clero son prestados de una manera que reconoce el cuerpo debajo de la vestimenta. No obstante, los dos clérigos de alto rango que entierran el cuerpo, así como el que lee el sermón de la derecha, visten prendas voluminosas que no reconocen el cuerpo, ya que a menudo se representaban figuras en la Edad Media. En el registro superior, Cristo, la Virgen María y una multitud de miembros de la corte celestial se reúnen para dar la bienvenida al cielo al alma del conde (el hombre semidesnudo arrodillado en taparrabos). En esta otra representación mundana, El Greco ha alargado los cuerpos y ha llenado los espacios negativos con líneas y formas extensas y expresivas para crear un sentido de drama.

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    El entierro del conde de Orgaz de El Greco: Ahora la obra más conocida de El Greco, esta pintura ilustra una leyenda popular local. Está claramente dividido en dos zonas: la celestial de arriba y la terrestre de abajo, reunidas composicionalmente.

    Pintura Inglesa en el Renacimiento del Norte

    El periodo Tudor fue, para Inglaterra, uno de aislamiento de las tendencias europeas.

    Objetivos de aprendizaje

    Discutir las pinturas producidas bajo la dinastía Tudor en Inglaterra

    Claves para llevar

    Puntos Clave

    • En la época Tudor, los artistas extranjeros fueron reclutados y a menudo recibidos generosamente por la corte inglesa.
    • Los pintores holandeses siguieron siendo predominantes, aunque la influencia francesa también fue importante para Lucas Horenbout y Nicholas Hilliard. A pesar de la creciente influencia del clasicismo en el continente, las primeras miniaturas de la familia real de Horenbout muestran una fuerte influencia de los estilos manuscritos iluminados.
    • El artista alemán Hans Holbein el Joven fue probablemente el pintor más conocido de la corte de Enrique VIII. Su doble retrato Los embajadores presagia el tema cada vez más secular de la pintura inglesa.
    • Con la virtual extinción de la pintura religiosa durante la Reforma, y poco interés por la mitología clásica hasta el final del periodo, el retrato fue la forma de pintura más importante para todos los artistas de la corte Tudor, y la única que ha sobrevivido en cualquier número.
    • Un retrato de Isabel I como princesa está en gran parte ausente de simbolismo religioso a pesar del futuro papel de su niñera como Defensora de la Fe. Aunque el estilo del retrato tiene sorprendentes similitudes con los retratos reales contemporáneos producidos en Francia, la condición de la niñera como futura soberana femenina fue única para su época.

    Términos Clave

    • limner: Un pintor especializado en la producción de miniaturas de retratos.
    • Tudor: Una casa real europea de origen galés que gobernó el Reino de Inglaterra y sus reinos, incluyendo el Señorío de Irlanda (más tarde el Reino de Irlanda) desde 1485 hasta 1603.

    Arte de la Corte Tudor

    Los artistas de la corte Tudor fueron los pintores y limners contratados por la dinastía Tudor de los monarcas ingleses y sus cortesanos entre 1485 y 1603 (desde el reinado de Enrique VII hasta la muerte de Isabel I). Por lo general, administrando un grupo de asistentes y aprendices en un taller o estudio, muchos de estos artistas produjeron obras en varias disciplinas, incluyendo miniaturas de retratos, retratos a gran escala en panel sobre madera y manuscritos iluminados.

    El periodo Tudor fue, para Inglaterra, uno de aislamiento inusual de las tendencias europeas. Al inicio, las Guerras de las Rosas habían trastornado en gran medida la actividad artística, que aparte de la arquitectura había alcanzado un reflujo muy bajo hacia 1485. En la época Tudor, artistas extranjeros fueron reclutados y a menudo recibidos generosamente por la corte inglesa, como lo fueron en otras partes artísticamente marginales de Europa como España o Nápoles. Los pintores holandeses siguieron siendo predominantes, aunque la influencia francesa también fue importante tanto para Lucas Horenbout, formado en manuscritos iluminados, como para Nicholas Hilliard, el fundador y máximo exponente de la tradición distintiva inglesa de la miniatura retrato. La miniatura del retrato de Horenbout de Katharine de Aragón, la primera esposa de Enrique VIII, con su tema relativamente plano y sus contornos dorados, tiene un parecido más cercano con los manuscritos iluminados que con el estilo clásico realista que aparece en otros lugares de Europa en ese momento.

    Katharine está vestida de negro, su mirada ligeramente hacia la derecha, con un mono sentado en su brazo izquierdo.
    Katharine de Aragón con un mono de Lucas Horenbout, 1525—26. Miniatura.

    La Corte de Enrique VIII

    Posiblemente el pintor más conocido empleado en la corte de Enrique VIII fue el artista alemán Hans Holbein el Joven (1497—1543), quien trabajó al estilo del Renacimiento del Norte. Sus retratos de la familia real y los nobles son un registro de la corte en los años en que el rey hacía valer su supremacía sobre la iglesia inglesa. Hacia 1533, cuando Holbein pintó su famoso retrato doble Los embajadores, Enrique VIII había separado la Iglesia de Inglaterra de Roma cuando el Papa se negó a permitir que el rey se divorciara de Catalina de Aragón y se casara con Ana Boelyn.

    Dos hombres se paran a cada lado de una mesa que tiene muchos objetos en ella.
    Los embajadores de Hans Holbein el Joven, 1533: Óleo sobre tabla. Galería Nacional, Londres.

    Aunque los niñeros de Holbein, Jean de Dinteville y Georges de Selve, fueron ordenados sacerdotes católicos de Francia, el simbolismo religioso en la pintura está significativamente subordinado. Casi escondido detrás del telón verde en la esquina superior izquierda hay un crucifijo. En el segundo nivel de la mesa entre los embajadores se encuentra un laúd (típicamente un símbolo de armonía) con una cuerda rota, simbolizando la separación de la iglesia inglesa del catolicismo romano. El libro frente a él brinda una explicación de la discordia, ya que se abre a un himno a Martín Lutero, quien inició la Reforma Protestante. A diferencia de la tierra natal de Holbein, en la que el luteranismo permitía cierto grado de imaginería religiosa, el tema de The Ambassadors presagia la nueva dirección en la austeridad religiosa en el arte inglés a medida que el catolicismo se hizo menos tolerado.

    La Corte de Isabel I

    Con la virtual extinción de la pintura religiosa durante la Reforma y poco interés por la mitología clásica hasta el final del periodo, el retrato fue la forma de pintura más importante para todos los artistas de la corte Tudor, y la única forma que ha sobrevivido en cualquier número. Cuantos de estos también se han perdido se puede ver en el libro de Holbein (casi todas las páginas de la Colección Real), que contiene dibujos preparatorios para retratos. De 85 dibujos, solo un puñado han sobrevivido pinturas Holbein, aunque a menudo han sobrevivido copias. El retrato iba desde la miniatura informal —casi invariablemente pintada de la vida en el transcurso de unos días y destinada a la contemplación privada— hasta los retratos posteriores a gran escala de Isabel I, como el Retrato Arco Iris, lleno de iconografía simbólica en vestido, joyas, fondo, y inscripción.

    En este cuadro aparece una Elizabeth eterna vestida como para una mascarada, con un corpiño de lino bordado con flores primaverales y un manto drapeado sobre un hombro, su cabello suelto bajo un fantástico tocado.

    El retrato arcoíris de Isaac Oliver c. 1600. : Este retrato de Isabel I como la “Reina del Amor y la Belleza” personifica la elaborada iconografía asociada con el posterior retrato de la corte Tudor.

    Elizabeth I tomó un interés personal en la pintura, manteniendo su propia colección de miniaturas encerrada, envuelta en papel en el que escribió los nombres de la niñera. Tiene fama de haber tenido pinturas de ella quemadas que no coincidieron con la imagen icónica que deseaba mostrarse. Un retrato que sí conservó fue pintado antes de ascender al trono. Isabel I como Princesa (c. 1546), una vez atribuida a William Scrots pero que ahora se cree que fue pintada por Levinia Teerlinc, representa a una joven alfabetizada de pie erguida e intercambiando su mirada con el espectador de la manera confiada en que Jean Clouet pintó a François I de Francia. Mientras que Holbein subordina el crucifijo en Los embajadores, el único indicio al simbolismo religioso en este retrato del futuro Defensor de la Fe son los diseños abstractos cruciformes en su broche y su cinturón. El libro en su mano y en el caballete detrás de ella no llevan título ni escritura, permitiendo que sean interpretados como literatura secular, a diferencia de la escritura bíblica.

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    Isabel I como Princesa por Levinia Teerlinc [?] , c. 1546: Óleo sobre tabla. Colección Real, Castillo de Windsor.

    Mientras que el estilo retrato de la niñera confiada clásicamente rendida sobre un fondo decorativo muestra la influencia francesa, el género de la niñera era exclusivo de Inglaterra en ese momento. Debido a que el único hijo sobreviviente de Enrique VIII había muerto durante su adolescencia, la ley de sucesión inglesa tuvo que ser modificada para permitir a Elizabeth y a su hermana mayor María acceder al trono. Los retratos posteriores de Elizabeth a menudo la representaban sosteniendo un globo terráqueo en la mano para simbolizar su creciente poder internacional en una era de exploración y conquista. En Francia, en cambio, a las mujeres se les prohibió servir como gobernantes soberanos y nunca se la imaginaría como poseedora de tal poder.

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