20.4: Arquitectura del Renacimiento del Norte
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Chartreuse de Champmol
La Chartreuse de Champmol, un monasterio de la Cartusia a las afueras de Dijon, representa la mejor obra monumental de la Francia moderna temprana.
Objetivos de aprendizaje
Discutir cómo el monasterio de la Cartusia Chartreuse de Champmol se convirtió en “el proyecto más grandioso en un reinado reconocido por la extravagancia” bajo la dinastía Valois de Borgoña
Claves para llevar
Puntos Clave
- Champmol estaba destinado a rivalizar con Cîteaux, Saint-Denis, donde fueron enterrados los Reyes de Francia, y otros lugares de entierro dinástico.
- Champmol fue profusamente enriquecido con obras de arte, y los restos dispersos de su colección siguen siendo clave para la comprensión del arte de la época.
- El monasterio fue fundado en 1383 por el duque Felipe el Audaz para proporcionar un lugar de entierro dinástico para los duques Valois de Borgoña, y operó hasta que se disolvió en 1791, durante la Revolución Francesa.
- En 1395, Claes Sluter comenzó a trabajar en el Pozo de Moisés, que combina el gótico internacional con el realismo norteño. Sin embargo, la monumentalidad de las esculturas no tiene precedentes en ninguno de los dos estilos.
- El interior de la iglesia cuenta con las elaboradas tumbas de Juan el Audaz y Margarita de Baviera, cada una de las cuales es apoyada por un grupo escultórico de pleurantes (dolientes) cuyas expresiones de dolor no tienen precedentes para su época.
Términos Clave
- Monasterio de la Cartusia: El edificio, o complejo de edificios, que comprende los cuartos domésticos y el lugar de trabajo (s) de los monjes, ya sean monjes o monjas, y ya sea que vivan en comunidad o solos (ermitaños). El monasterio generalmente incluye un lugar reservado para la oración, que puede ser una capilla, iglesia o templo, y también puede servir como oratorio.
- Valois: Una rama cadete de la dinastía Capetiana, sucediendo a la Casa de Capeto (o “Capecianos Directos”) como reyes de Francia de 1328 a 1589. Una rama cadete de la familia reinó como duques de Borgoña de 1363 a 1482. Eran descendientes de Carlos de Valois, el cuarto hijo del rey Felipe III. Basaron su afirmación en la ley sálica, que excluía a las hembras (Juana II de Navarra) así como a los descendientes masculinos a través de la línea de la rueca (Eduardo III de Inglaterra), de la sucesión al trono francés.
Esplendor monástico
La Chartreuse de Champmol, formalmente la Chartreuse de la Sainte-Trinité de Champmol, era un monasterio de la Cartusia a las afueras de Dijon, que ahora se encuentra en Francia, pero en el siglo XV fue la capital del entonces independiente Ducado de Borgoña. El monasterio fue fundado en 1383, por el duque Felipe el Audaz, para proporcionar un lugar de entierro dinástico para los duques valois de Borgoña, y operó hasta que se disolvió en 1791, durante la Revolución Francesa. Fue abundantemente enriquecido con obras de arte, y los restos dispersos de su colección siguen siendo clave para la comprensión del arte de la época. Champmol estaba destinado a rivalizar con Cîteaux, Saint-Denis, donde fueron enterrados los Reyes de Francia, y otros lugares de entierro dinástico.
La compra de los terrenos y la extracción de materiales comenzó en 1377, pero la construcción no comenzó hasta 1383, bajo el arquitecto Druet de Dammartin de París, quien previamente había diseñado el castillo del duque en Sluis, y trabajó como asistente en la construcción del Louvre. Un comité de consejeros de Dijon supervisó la construcción del duque, a menudo ausente. Para 1388 se consagró la iglesia casi terminada. Claes Sluter y su taller produjeron esculturas de Felipe y su esposa arrodillados en oración hacia la escultura central de la Virgen y el Niño para el portal principal de la iglesia.
El monasterio fue construido para 24 monjes de coro, en lugar de los 12 habituales en una casa de la Cartusia. Su claustro rodeaba un patio en el que Sluter construyó el Pozo de Moisés (1395—1403), cuyas esculturas monumentales combinan el estilo gótico internacional con un realismo norteño. Su escala, sin embargo, no tiene precedentes en ninguno de los dos estilos. Las figuras van desde el homónimo del pozo hasta los profetas del Antiguo Testamento y la Crucifixión. Si bien se pretendía que funcionara como fuente, la fuente de agua fue abandonada para no entrar en conflicto con el voto de silencio de los monjes.
En 1433, dos monjes más fueron dotados para celebrar el nacimiento de Carlos el Audaz. Estos vivieron vidas semihermíticas en sus pequeñas casas individuales cuando no estaban en la capilla. Otros habitantes del monasterio incluían monjes no ordenados, sirvientes, novicios y otros trabajadores.
Un símbolo ducal
Algo en contradicción con la misión cartagesina de contemplación tranquila, el monasterio acogió a visitantes y peregrinos. Los gastos de hospitalidad fueron luego pagados por los duques. En 1418, se concedieron indulgencias papales a quienes visitaban el Pozo de Moisés, alentando aún más a los peregrinos. La familia ducal tenía un oratorio privado con vistas a la iglesia, que desde entonces ha sido destruida, aunque sus visitas fueron de hecho raras. Los relatos ducales muestran importantes encargos de pinturas y otras obras para completar el monasterio continuando hasta alrededor de 1415. Posteriormente, los duques y otros donantes agregaron más obras, aunque la construcción avanzó a un ritmo más lento.
La dinastía Valois de Borgoña tenía menos de un siglo para funcionar cuando se fundó el monasterio. El número de tumbas Valois nunca se acercó al de sus predecesores capetanos en Cîteaux, ya que el coro de la iglesia no era lo suficientemente grande como para acomodarlos. Sólo se erigieron dos monumentos, ambos del mismo estilo, con efigies de alabastro pintadas con leones a sus pies y ángeles con alas extendidas a la cabeza. Debajo de la losa sobre la que descansaban las efigies, se colocaron pequeños pleurantes sin pintar (dolientes) entre tracería gótica. Eran, en el momento de su producción, las representaciones más conmovedoras del dolor que se transmitían en un medio escultórico.
Pleurantes (dolientes): Dolientes de piedra en una tumba en Chartreuse de Champmol. Aproximadamente 40 cm de alto.
Tumba de Juan el Audaz y Margarita de Baviera: Juan el Fearless encargó la obra de esta tumba, aunque a su muerte en 1419, no se había hecho nada. El proyecto vio a varios artistas diferentes trabajando hasta su finalización en 1470.
Champmol fue diseñado como una pieza de exhibición. Los contenidos artísticos, ahora dispersos, representan gran parte de la mejor obra monumental del arte francés y borgoñés de la época, demostrando una tradición distinta de la de los manuscritos iluminados de igual prestigio.
La arquitectura francesa en el Renacimiento del Norte
Francisco I (1515-1547) trajo consigo cambios culturales tan enormes en Francia que se le ha llamado el monarca renacentista original de Francia.
Objetivos de aprendizaje
Discutir los avances en la arquitectura vistos bajo el reinado de Francisco I
Claves para llevar
Puntos Clave
- En el momento de la adhesión de Francisco I, los palacios reales de Francia estaban ornamentados con sólo una dispersión de grandes pinturas y desprovistos de escultura. Durante su reinado, se inició la magnífica colección de arte de los reyes franceses.
- Francisco vertió grandes cantidades de dinero en nuevas estructuras. Continuó el trabajo de sus predecesores en el Château d'Amboise y también inició renovaciones en el Château de Blois. Al principio de su reinado, también comenzó la construcción del magnífico Château de Chambord.
- No es un castillo en el sentido militar tradicional, el Château de Chambord fue construido como un pabellón de caza para el rey y contiene elementos arquitectónicos únicos, como torres sin torretas y una doble escalera de caracol que se extiende a través de tres pisos.
- El proyecto de construcción más grande bajo el reinado de Francisco fue en el Palacio de Fontainebleau, donde, se dice, comenzó el Renacimiento francés.
- Francis empleó a algunos de los artistas más famosos de Europa para decorar Fontainebleau. Entre ellos figuraban Rosso Fiorentino, Francesco Primaticcio y Benvenuto Cellini. Cellini diseñó la famosa Nymphe de Fontainebleau.
Términos Clave
- mecenas: Una persona influyente y rica que apoya a un artista, artesano, erudito o aristócrata.
- castillo: castillo francés, fortaleza, casa solariega o gran casa de campo.
Francisco I: Patrono de las Artes
Francisco I (1494—1547) fue rey de Francia desde 1515 hasta su muerte. Durante su reinado, se produjeron enormes cambios culturales en Francia. Se le ha llamado el monarca renacentista original de Francia. Para cuando ascendió al trono en 1515, el Renacimiento había llegado a Francia, y Francisco se convirtió en un importante mecenas de las artes. En el momento de su ascenso, los palacios reales estaban ornamentados con sólo una dispersión de grandes pinturas y sin esculturas. Durante el reinado de Francisco, se inició la magnífica colección de arte de los reyes franceses, que aún se puede ver en el Louvre.
Francisco I de Jean Clouet (circa 1530): Retrato de Francisco I. Fue uno de los grandes mecenas de las artes en la Europa moderna temprana.
Francisco vertió grandes cantidades de dinero en nuevas estructuras. Continuó el trabajo de sus predecesores en el Château d'Amboise y también inició renovaciones en el Château de Blois. Al principio de su reinado, comenzó la construcción del magnífico Château de Chambord, inspirado en los estilos del Renacimiento italiano y quizás incluso diseñado por Leonardo da Vinci. Francisco reconstruyó el Château du Louvre, transformándolo de una fortaleza medieval en un edificio de esplendor renacentista. Financió la construcción de un nuevo Ayuntamiento (Hôtel de Ville) para París con el fin de tener control sobre el diseño del edificio. Construyó el Château de Madrid en el Bois de Boulogne y reconstruyó el Château de St-Germain-en-Laye.
Châteaux en el siglo XVI partió de la arquitectura del castillo. Si bien eran vástagos de castillos, con rasgos comúnmente asociados a ellos, no contaban con defensas serias. Amplios jardines y características acuáticas, como un foso, eran comunes entre los châteaux de esta época.
El ala Francisco I del Chateau de Blois: La escalera de caracol del Château de Blois es uno de los grandes logros artísticos del Renacimiento francés bajo Francisco I.
Castillo de Chambord
Chambord es el castillo más grande del Valle del Loira. Fue construido principalmente como el pabellón de caza del rey. El trazado recuerda a un castillo típico con torre, torres de esquina, y defendido por un foso. Construido en estilo renacentista, el diseño interno es un ejemplo temprano del estilo francés e italiano de agrupar habitaciones en suites independientes, una desviación del estilo medieval de las habitaciones de pasillo. El castillo masivo está compuesto por una torre central con cuatro inmensas torres bastión en las esquinas. La torre también forma parte de la pared frontal de un complejo más grande con dos torres más grandes. En la parte trasera se encuentran bases para otras dos torres posibles, pero éstas nunca se desarrollaron, y permanecen a la misma altura que el muro. El castillo cuenta con 440 habitaciones, 282 chimeneas y 84 escaleras. Cuatro pasillos abovedados rectangulares en cada piso forman una forma de cruz.
Al igual que el Château de Blois, uno de los aspectos más destacados arquitectónicos de Chambord es la espectacular escalera de caracol doble abierta. Las dos espirales ascienden los tres pisos sin encontrarse nunca, iluminadas desde arriba por una especie de faro en el punto más alto del castillo.
Castillo de Fontainebleau
El mayor de los proyectos de construcción de Francisco fue la reconstrucción y ampliación del castillo real de Fontainebleau, que rápidamente se convirtió en su lugar de residencia favorito, así como la residencia de su amante oficial (Ana, duquesa de Étampes). Encargó al arquitecto Gilles le Breton la construcción de un castillo en el nuevo estilo renacentista. Le Breton conservó el antiguo donjon medieval, donde se ubicaban los departamentos del rey, pero lo incorporó al nuevo estilo renacentista Cour Ovale (Patio Oval), construido sobre los cimientos del antiguo castillo. Incluía la monumental Porte Dorée (Puerta Dorada), la entrada principal, como su entrada sur, así como una monumental escalera renacentista, la pórtica de Serlio, para dar acceso a los departamentos reales en el lado norte.
A partir aproximadamente de 1528, Francisco construyó la Galería Francisco I, lo que le permitió pasar directamente de sus departamentos a la capilla de los Trinitarios. Trajo al arquitecto Sebastiano Serlio de Italia, y al pintor florentino Giovanni Battista di Jacopo, conocido como Rosso Fiorentino, para decorar la nueva galería. Entre 1533 y 1539 Rosso Fiorentino llenó la galería con murales que glorificaban al rey, enmarcados en adorno de estuco en alto relieve, y lambris esculpidos por el fabricante de muebles Francesco Scibec da Carpi. Otro pintor italiano, Francesco Primaticcio de Bolonia, se unió posteriormente en la decoración del castillo. Juntos su estilo de decoración se conoció como la primera Escuela de Fontainebleau. Esta fue la primera gran galería decorada construida en Francia. En términos generales, en Fontainebleau se introdujo en Francia el Renacimiento.
Cada uno de los proyectos de Francis estaba lujosamente decorado, tanto por dentro como por fuera. Fontainebleau, por ejemplo, tenía una fuente que brotaba en su patio donde se mezclaban cantidades de vino con el agua. La fuente estaba ligada a una leyenda relacionada con uno de los proyectos más conocidos para el castillo.
Entre las obras de arte más llamativas dentro de Fontainebleau se encontraba la Nymphe de Fontainebleau (1542) del escultor italiano Benvenuto Cellini. Francisco encargó este bajorrelieve de bronce a gran escala, fundido en el proceso de cera perdida, como el tímpano para sentarse sobre la Porte Dorée. En la escultura, una ninfa manierista desnuda se reclina entre animales del bosque, como ciervos y jabalíes. El dólar central, vestido con una guirnalda de frutas, simboliza el poder de Francisco. En su conjunto la escultura se basa en una leyenda en la que un perro de caza descubrió un manantial personificado por una ninfa aprendiendo contra una urna. Fue esta primavera la que le dio al castillo y alrededores el nombre de Fontainebleau. El tímpano iba a ser flanqueado a ambos lados por esculturas de bronce de sátiros desnudos, posadas como imágenes especulares unas de otras, también fundidas por Cellini. Finalmente, el proyecto fue abandonado, y la ninfa se integró en el diseño del palacio de un aristócrata 10 años después.
La arquitectura española en el Renacimiento del Norte
Los elementos góticos, renacentistas y manieristas son todos importantes para la arquitectura de España en el siglo XVI.
Objetivos de aprendizaje
Examinar la influencia de elementos góticos, renacentistas y manieristas en la arquitectura de España en el siglo XVI
Claves para llevar
Puntos Clave
- El plateresco surgió en España a finales del siglo XV. Este estilo arquitectónico, llamado así por los plateros, era conocido por producir fachadas decorativas sugestivas de placa de plata.
- Desde mediados del siglo XVI, la arquitectura española se adhirió de cerca al arte de la antigua Roma, anticipándose al manierismo.
- El estilo herreriano dominó España a finales de los siglos XVI y XVII y se definió por fachadas limpias y sobrias y la atención a la precisión geométrica.
- El Escorial es un conocido ejemplo del estilo herreriano con sus austeras fachadas y apariencia de fortaleza.
Términos Clave
- Herreriano: Un estilo español del siglo XVI caracterizado por el rigor geométrico, volúmenes limpios, el dominio de la pared sobre el lapso, y la ausencia casi total de decoración.
- plateresco: Perteneciente a un estilo ornamentado de arquitectura de la España del siglo XVI sugerente de placa de plata.
La arquitectura renacentista llegó a la península ibérica en el siglo XVI, marcando el comienzo de un nuevo estilo que gradualmente reemplazó a la arquitectura gótica, que había sido popular durante siglos.
Las formas góticas comenzaron a incorporar el estilo clásico del Renacimiento en las últimas décadas del siglo XV. Los arquitectos locales desarrollaron un renacimiento específicamente español, trayendo la influencia de la arquitectura del sur de Italia, a veces a partir de libros y pinturas iluminadas, mezcladas con tradición gótica y tradiciones locales. El nuevo estilo se llamó plateresco por las fachadas extremadamente decoradas que trajeron a la mente los motivos decorativos de la obra intrincadamente detallada de plateros, los “Plateros”. La ornamentación incluyó diseños florales, candelabros, festones, criaturas fantásticas y configuraciones similares. La disposición espacial del plateresco, sin embargo, está más claramente inspirada en el gótico. Esta fijación en partes específicas y su espaciado, sin cambios estructurales del patrón gótico, hace que a menudo se clasifique como una simple variación del estilo renacentista. Un excelente ejemplo de este estilo decorativo se puede apreciar en la fachada de la Universidad de Salamanca.
A partir de mediados del siglo XVI, bajo arquitectos como Pedro Machuca, Juan Bautista de Toledo, y Juan de Herrera, hubo una adhesión mucho más cercana al arte de la antigua Roma, a veces anticipando el manierismo. Ejemplo de ello es el palacio de Carlos V en Granada construido por Pedro Machuca.
Un nuevo estilo surgió en España con la obra de Juan Bautista de Toledo y Juan de Herrera en El Escorial, conocido como el estilo herreriano. La arquitectura herreriana era extremadamente sobria, desnuda y particularmente lograda en el uso de trabajos de sillería de granito. Este estilo influyó en la arquitectura española tanto de la península como de las colonias durante más de un siglo.
Monasterio de Uclés, Cuenca, España: El Monasterio de Uclés es un excelente ejemplo de la arquitectura herreriana.
El plano de El Escorial, un palacio para la familia real, un monasterio para su clero y un lugar de enterramiento para los principales monarcas españoles, fue diseñado en forma de parrilla. Se trataba de un diseño cuyo origen sigue siendo tema de debate.
Independientemente de las razones detrás del plano de planta, sus componentes básicos, así como el exterior general y la fachada principal, se ajustan a la austeridad del estilo herreriano, haciendo que la estructura parezca más una fortaleza que un palacio o monasterio. Toma la forma de un gigantesco cuadrángulo, que encierra una serie de pasadizos y patios y cámaras que se cruzan. En cada una de las cuatro esquinas se encuentra una torre cuadrada coronada por una aguja y cerca del centro del complejo se levantan los campanarios puntiagudos y la cúpula redonda de la basílica, que son y más altos que el resto. Como supervisor de la construcción de El Escorial, Felipe II instruyó a sus arquitectos a mantener un sentido de simplicidad.
La austeridad de la fachada poniente de El Escorial es típica del clasicismo que resurgió durante el Renacimiento. Sin embargo, la entrada principal, que toma la forma de fachadas clásicas del templo apiladas sobre otra, en realidad espera un diseño arquitectónico que se volvería común durante la época barroca en toda Europa.
Arquitectura inglesa en el Renacimiento del Norte
El estilo arquitectónico Tudor fue el desarrollo final de la arquitectura medieval durante el período Tudor (1485—1603).
Objetivos de aprendizaje
Describir los elementos clave del estilo arquitectónico Tudor, incluyendo el arco Tudor, las ventanas Oriel y la chimenea
Claves para llevar
Puntos Clave
- La arquitectura Tudor siguió el estilo Percepcional y, aunque fue reemplazada por la arquitectura isabelina en el edificio doméstico de cualquier pretensión de moda, el estilo Tudor aún conservó su dominio del gusto inglés.
- El arco de cuatro centros, ahora conocido como el arco Tudor, fue un rasgo definitorio de la época. A menudo se utilizó en la construcción de grandes ventanas estilo lanceta.
- Otra característica común de la arquitectura Tudor fue la ventana de oriel y el embarcadero, ambos definidos por su proyección desde la parte principal del edificio.
- Durante este periodo, la llegada de la chimenea y de los hogares cerrados dio como resultado el declive del gran salón basado en un hogar abierto, que era típico de la arquitectura medieval anterior.
- Durante la era Tudor, las casas y edificios de la gente común eran típicamente enmarcados de madera, el marco generalmente estaba lleno de zarza y mancha pero ocasionalmente con ladrillo.
Términos Clave
- Estilo perpendicular: La tercera división histórica de la arquitectura gótica inglesa, llamada así por su énfasis en las líneas verticales.
- Arco Tudor: Bajo y ancho con un ápice puntiagudo, mucho más ancho que su altura y que parece haber sido aplanado bajo presión.
- embarcadero: Una técnica de construcción utilizada en edificios medievales con estructura de madera en la que una planta superior se proyecta más allá de las dimensiones del piso inferior.
- oriel: Una forma de ventanal que se proyecta desde la pared principal de un edificio pero que no llega al suelo.
- Elizabethan: Perteneciente al reinado de la primera monarca femenina de Inglaterra.
El estilo arquitectónico Tudor fue el desarrollo final de la arquitectura medieval durante el período Tudor (1485-1603), e incluso más allá, para los mecenas conservadores universitarios. La designación “estilo Tudor” es incómoda, con sus sugerencias implícitas de continuidad a través del período de la dinastía Tudor y la impresión engañosa de que hubo una ruptura de estilo en la adhesión de Stuart James I en 1603. Siguió el estilo Perpendicular y, aunque reemplazado por la arquitectura isabelina en el edificio doméstico de cualquier pretensión a la moda, el estilo Tudor aún conservó su dominio del gusto inglés. Partes de las adiciones a los diversos colegios de la Universidad de Oxford y la Universidad de Cambridge todavía se llevaban a cabo en el estilo Tudor, que se superpone con los primeros estribos del Renacimiento Gótico.
El arco Tudor, un tipo de arco bajo y ancho con ápice puntiagudo, fue un rasgo definitorio del periodo. Es mucho más ancho que su altura y da el efecto visual de haber sido aplanado bajo presión. Este tipo de arco, cuando se emplea como abertura de ventana, se presta a espacios muy amplios, como se ve en la ventana de la capilla del King's College de la Universidad de Cambridge.
Capilla del King's College, Universidad de Cambridge: La capilla del King's College de la Universidad de Cambridge es uno de los mejores ejemplos de la arquitectura inglesa gótica tardía (perpendicular), mientras que su pantalla rood de principios del Renacimiento (que separa la nave y el presbítero), erigida en 1532—36 en un llamativo contraste de estilo, muestra la influencia de la arquitectura de la península italiana.
Algunas de las ventanas oriel más notables pertenecen a este periodo. Un ejemplo se puede ver en la Iglesia Priorato de San Bartolomé el Grande de Londres. La ventana de oriel fue instalada en el interior de San Bartolomé el Grande a principios del siglo XVI por el Prior William Bolton, presuntamente para que pudiera vigilar a los monjes. El símbolo en el panel central es un “perno” de ballesta que pasa por un “tun” (o barril), un juego de palabras sobre el nombre del anterior.
Durante este periodo, la llegada de la chimenea y de los hogares cerrados dio como resultado el declive del gran salón basado en un hogar abierto, que era típico de la arquitectura medieval anterior. En cambio, ahora se podían colocar chimeneas arriba, y se hizo posible tener un segundo piso que recorriera toda la longitud de la casa. Las piezas de chimenea Tudor se hicieron grandes y elaboradas para llamar la atención sobre la adopción de esta nueva tecnología por parte del propietario. El embarcadero apareció como una forma de mostrar la modernidad de tener un piso superior completo y de cuerpo entero.
El estilo de las casas grandes se alejó de la arquitectura defensiva de las casas señoriales con foso anteriores, y en cambio comenzó a enfatizar la estética. Por ejemplo, cuadrangular (planos en forma de 'H' o 'E') se hizo más común. También estaba de moda para estos edificios más grandes incorporar “dispositivos”, o acertijos, diseñados en el edificio, que sirvieron para demostrar el ingenio del propietario y para deleitar a los visitantes. Ocasionalmente se trataba de símbolos católicos, por ejemplo, referencias sutiles o no tan sutiles a la trinidad, vistas en planos, diseños o motivos trilaterales, triangulares o en forma de “Y”.
Las casas y edificios de la gente común tenían típicamente entramado de madera, el marco generalmente estaba lleno de zarza y mancha pero ocasionalmente con ladrillo. Estas casas también fueron más lentas para adoptar las últimas tendencias y el gran salón siguió prevaleciendo. La Disolución de los Monasterios proporcionó terrenos excedentes, resultando en un pequeño auge de la construcción, así como una fuente de piedra.
Anne Hathaway's Cottage es una casa de campo de 12 habitaciones donde la esposa de William Shakespeare vivía cuando era niño en el pueblo de Shottery, Warwickshire, Inglaterra. Al igual que en muchas casas de la época, cuenta con múltiples chimeneas para repartir el calor de manera uniforme por toda la casa durante el invierno. La chimenea más grande se utilizó para cocinar. También tiene un marco de madera visible, típico de la arquitectura vernácula Tudor.
La cabaña de Anne Hathaway: El diseño de la casa infantil de Anne Hathaway es típico de una casa habitada por plebeyos en la Inglaterra Tudor.
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- Francisco I de Francia. Proporcionado por: Wikipedia. Ubicado en: es.wikipedia.org/wiki/Francis_i_de_Francia. Licencia: CC BY-SA: Atribución-CompartirIgual
- Patrón. Proporcionado por: Wikcionario. Ubicado en: es.wiktionary.org/wiki/patron. Licencia: CC BY-SA: Atribución-CompartirIgual
- Francis I. Proporcionado por: Wikipedia. Ubicado en: es.wikipedia.org/wiki/Francis%20i. Licencia: CC BY-SA: Atribución-CompartirIgual
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