30.2: Crece el mundo del arte

Ensamblaje

El ensamblaje es la práctica de crear composiciones artísticas bidimensionales o tridimensionales combinando y manipulando objetos encontrados.

Objetivos de aprendizaje

Describir los orígenes y el crecimiento del arte de ensamblaje.

Claves para llevar

Puntos Clave

• Aunque el término no estuvo en uso hasta la década de 1950, el ensamblaje se origina con movimientos vanguardistas de principios del siglo XX que buscaron desafiar a los medios artísticos tradicionales.
• Uno de los artistas de ensamblaje más significativos, activo a partir de los años 30 y 40, fue Louise Nevelson, cuyas esculturas de madera parecidas a paredes disfrazaron sus componentes de objetos encontrados bajo pintura en aerosol.
• En la década de 1960, el neo-dadaísta Robert Rauschenberg se hizo notable por sus “cosechadoras”. Estas piezas sirvieron para romper los límites entre el arte, la escultura y lo cotidiano para que todas estuvieran presentes en una sola obra de arte.

Términos Clave

• objeto encontrado: Un objeto natural, o uno fabricado para algún otro propósito, considerado como parte de una obra de arte.

El ensamblaje es un proceso artístico mediante el cual se crean composiciones artísticas bidimensionales o tridimensionales combinando objetos encontrados. Si bien es similar al proceso del collage, es distinto en su inclusión deliberada de materiales no artísticos.

El origen del término en su sentido artístico se remonta a principios de la década de 1950, cuando el artista francés Jean Dubuffet creó una serie de collages de alas de mariposa titulados “assemblages d'empreintes”. Sin embargo, el origen de la práctica artística data de principios del ^siglo XX, ya que tanto Marcel Duchamp como Pablo Picasso así como otros trabajaron con objetos encontrados durante muchos años antes de Dubuffet. El artista constructivista ruso Vladimir Tatlin creó sus “contra-relieves” a mediados de 1910. Al lado de Tatlin, la primera mujer artista en probar suerte en el ensamblaje fue Elsa von Freytag-Loringhoven, la baronesa dada. Las piezas de ensamblaje más reconocibles de esta época son los readymades de Marcel Duchamp, como Fountain, 1917. Los readymades fueron encontrados objetos que Duchamp eligió y presentó como arte. La idea era cuestionar la noción de arte y el canon aceptado, así como la adoración al arte, que Duchamp consideró “innecesaria”.

Marcel Duchamp, Fuente: La apropiación de Duchamp de un urinario como obra de arte desafió la definición predominante de escultura.

Otra artista de ensamblaje temprana y prolífica fue Louise Nevelson, quien comenzó a crear sus esculturas a partir de piezas de madera encontradas a fines de la década de 1930. Las esculturas más notables de Nevelson son relieves de madera, en forma de pared, impulsados por collages que constan de múltiples cajas y compartimentos que contienen formas abstractas y objetos encontrados desde patas de sillas hasta balaustres. Nevelson describió estas esculturas inmersivas como “ambientes”. Las piezas de madera eran restos desechados encontrados en las calles de Nueva York. A diferencia del pobre intento de Duchamp de enmascarar la verdadera forma del urinario, Nevelson pintado con aerosol encontró objetos para disfrazarlos de su uso o significado real. Nevelson se llamó a sí misma “la recicladora original” por su extenso uso de objetos desechados, y acreditó a Pablo Picasso por el cubo que sirvió de base para su escultura de estilo cubista.

En 1961, la exposición “The Art of Assemblage” se presentó en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. La exposición mostró la obra de artistas europeos de principios del ^siglo XX como Braque, Dubuffet, Marcel Duchamp, Picasso y Kurt Schwitters junto a los estadounidenses Man Ray, Joseph Cornell, Robert Mallary y Robert Rauschenberg. También incluyó artistas de ensamblaje de la costa oeste estadounidense menos conocidos como George Herms, Bruce Conner y Edward Kienholz. William C. Seitz, comisario de la exposición, describió los ensamblajes como materiales preformados naturales o manufacturados, objetos o fragmentos que originalmente no tenían la intención de ser arte.

Robert Rauschenberg es un importante defensor del arte de ensamblaje. Rauschenberg recogió basura y encontró objetos que le interesaban en las calles de la ciudad de Nueva York y los trajo de vuelta a su estudio donde pudieron integrarse a su obra. Estas obras, a las que llamó “combina”, sirvieron como instancias en las que los límites delineados entre el arte, la escultura y lo cotidiano se descomponían para que todas estuvieran presentes en una sola obra de arte. Técnicamente “combina” se refiere a la obra de Rauschenberg de 1954 a 1962, pero el ímpetu para combinar tanto materiales de pintura como objetos cotidianos como ropa, escombros urbanos y animales taxidérmicos continuó a lo largo de su vida artística.

Robert Rauschenberg, Cañón: Este ensamble combina los materiales del óleo, pintura de casa, lápiz, papel, tela, metal, botones, clavos, cartón, papel impreso, fotografías, madera, tubos de pintura, cuerda de espejo, almohada, y águila calva sobre lienzo.

Arte de performance

El arte performance es un género que presenta el arte vivo con una base conceptual.

Objetivos de aprendizaje

Evaluar las diversas manifestaciones y metas del arte escénico

Claves para llevar

Puntos Clave

• Aunque el arte escénico occidental comenzó con movimientos vanguardistas de principios del siglo XX, floreció durante las décadas de 1960 y 70 cuando el minimalismo y el expresionismo abstracto cayeron en desgracia.
• El arte de performance a menudo busca difuminar la línea entre el arte y la vida, con el entusiasmo de los años sesenta por este medio reflejando también las frustraciones de la época con las bellas artes tradicionales.
• Debido a que el arte escénico cambia entre lugares, audiencias y estilos, está desapegado a las tradiciones establecidas, prosperando durante los disturbios sociopolíticos y provocando el libre pensamiento.

Términos Clave

• Arte conceptual: Un género de arte en el que la transmisión de ideas es más importante que la creación de un objeto de arte.
• Dada: Un movimiento cultural que comenzó en Zúrich, Suiza durante la Primera Guerra Mundial y alcanzó su punto máximo de 1916 a 1920. El movimiento involucró principalmente artes visuales, poesía, teatro y diseño gráfico, y se caracterizó por el nihilismo, la irracionalidad deliberada, la desilusión, el cinismo, el azar, la aleatoriedad y el rechazo de los estándares imperantes en el arte.

El arte performance es un género que presenta arte en vivo, generalmente refiriéndose al arte conceptual que transmite contenido a través de la interacción dramática en lugar de actuaciones tradicionales únicamente para entretenimiento.

Orígenes

Los teóricos de la cultura occidental trazan el arte escénico hasta movimientos vanguardistas de principios del ^siglo XX como el constructivismo ruso, el futurismo y el dadá. El movimiento Dada abrió el camino con sus interpretaciones poéticas poco convencionales, a menudo en el Cabaret Voltaire, de artistas como Richard Huelsenbeck y Tristan Tzara. Sin embargo, la ola más significativa del arte escénico ocurrió en las décadas de 1960 y 1970 cuando el expresionismo abstracto y el minimalismo se hicieron menos populares. El entusiasmo por la interpretación en vivo e innovadora reflejó el interés de este período por dejar atrás ideas preconcebidas que limitaban lo que podría calificar como bellas artes.

Estilos

El arte performance fue una de las muchas tendencias dispares que se desarrollaron a medida que el expresionismo abstracto y el minimalismo se desvanecieron. Su amplitud y uso generalizado, junto con cada performance existente como una ocurrencia única, dificulta resumir las características del arte escénico. El arte de performance en las décadas de 1960 y 1970 incluyó “acciones”, arte corporal, acontecimientos, actuaciones centradas en la resistencia y enfocadas en rituales. “Cut Piece”, acción interpretada por Yoko Ono en varias sedes, demuestra el género. Ono caminó al escenario y luego se arrodilló en el suelo mientras se animaba a los miembros del público a subir al escenario y cortarse toda su ropa.

El enlace a este video se proporciona en la parte inferior de esta página.

Yoko Ono “Cut Piece” Performance Art

Los acontecimientos, término acuñado por Allan Kaprow en 1958, son eventos únicos, de improvisación que pueden tener lugar en cualquier recinto y requieren la participación de los espectadores. No hay principio estructurado, medio o final, y no hay jerarquía o distinción entre el artista y los espectadores. Las reacciones de los espectadores deciden la obra de arte, haciendo de cada acontecimiento una experiencia única que no se puede replicar. A través de los acontecimientos, las separaciones entre la vida, el arte, el artista y el público se vuelven borrosas.

La artista argentina Marta Minujín en un happening de 1965: Leyendo las Noticias, un happening en el que el artista se metió en el Río de La Plata envuelto en periódicos.

Las primeras obras de Marina Abramović ejemplifican actuaciones basadas en rituales y enfocadas en la resistencia que exploraban cuestiones de determinación humana, paciencia y límites corporales. En su primera actuación, Rhythm 10 (1973), Abramović exploró el ritual y el gesto. Usando veinte cuchillos y dos grabadoras, jugó un juego ruso en el que apuntó rítmicos golpes de cuchillo entre sus dedos extendidos. Con esta pieza y como intérprete, Abramović estaba explorando estados de conciencia. Cada vez que se cortaba, recogía un cuchillo nuevo, comenzaba de nuevo y registraba sus resultados. Después de cortarse veinte veces, repitió la cinta, escuchando los sonidos que había hecho y repitiendo sus movimientos anteriores. Al replicar sus errores, estaba fusionando sus acciones pasadas con el momento presente. Exploró sus límites físicos y mentales haciéndose daño, para luego honrar lo que había hecho repitiendo los gestos, alentando al público a pensar en lo que simbolizaba su ritual y qué significaba repetir los gestos después de que ya se había realizado su ritual.

El arte performance busca desmitificar las bellas artes difuminando la línea entre el arte y la vida. Debido a que puede cambiar fluidamente entre lugares, audiencias y estilos y no está apegado a las formas tradicionales, el arte de performance prospera en tiempos de agitación social y disturbios políticos, proporcionando un foro público para la discusión, la experimentación y la indignación. En la década de 1980, el arte escénico cayó de favor tras un renovado interés por la pintura, pero resucitó en la década de 1990 en respuesta a temas relacionados con la raza, la inmigración, los derechos de los homosexuales y el SIDA. Desde entonces, el arte escénico se ha vuelto cada vez más aceptado en la cultura dominante, se muestra en los museos de arte y convertirse en un tema de investigación académica.

Marina Abramović, The Artist is Present, MOMA, 2010: The Artist Is Present es una pieza estática y silenciosa de 736 horas y 30 minutos en la que Abramovic se sienta inmóvil mientras se invita a los espectadores a turnarse sentados frente a ella, durante el tiempo que quieran, mientras mantiene la mirada enfocada contacto con ellos.

La fotografía en el último siglo XX

A principios del siglo XX, la fotografía evolucionó a través de múltiples estilos al ser aceptada como un medio legítimo de bellas artes.

Objetivos de aprendizaje

Discutir la progresión de la fotografía desde el pictorialismo y la fotografía recta a la instantánea estética y el trabajo conceptual

Claves para llevar

Puntos Clave

• La primera fotografía de bellas artes imitaba estilos de pintura, a menudo usando un enfoque suave para una mirada soñadora y romántica conocida como pictorialismo.
• En reacción al pictorialismo, algunos fotógrafos de bellas artes abogaron por la “fotografía directa”, dando a la fotografía fuertemente enfocada el estatus del arte por derecho propio.
• Después de las Guerras Mundiales, los gustos artísticos cambiaron y llevaron a la estética más dura y limpia del arte moderno y a un mayor interés por la materia urbana.
• La fotografía de género persistió y la década de 1960 vio el desarrollo de la “estética instantánea”, con un tema cotidiano banal y encuadre descentrado.
• La fotografía conceptual se desarrolló a finales de la década de 1960 y principios de 1970. Si bien estos artistas utilizan la fotografía para ilustrar una idea, a menudo no se consideran fotógrafos sino que utilizan la fotografía como un medio para documentar performances, esculturas efímeras o acciones.

Términos Clave

• Arte conceptual: Un género de arte en el que la transmisión de ideas es más importante que la creación de un objeto de arte.

Durante el siglo ^XX, tanto la fotografía de bellas artes como la fotografía documental fueron aceptadas por el mundo del arte de habla inglesa y el sistema de galerías. En Estados Unidos, fotógrafos pioneros como Alfred Stieglitz, Edward Steichen, John Szarkowski, F. Holland Day y Edward Weston pasaron sus vidas abogando por la fotografía como arte fino. Un momento culminante para el pictorialismo y para la fotografía en general ocurrió en 1910, cuando la Galería Albright en Búfalo compró 15 fotografías de la Galería 291 de Alfred Stieglitz. Esta fue la primera vez que la fotografía fue reconocida oficialmente como una forma de arte digna de una colección museística.

Pictorialismo

Al principio, los fotógrafos de bellas artes intentaron imitar los estilos de pintura, dando lugar al pictorialismo, un estilo que utiliza un enfoque suave para crear un look soñador y romántico. El pictorialismo dominó la fotografía desde aproximadamente 1885 hasta 1915, aunque todavía fue promovida por algunos tan tarde como la década de 1940. En general, este término se refiere a un estilo en el que el fotógrafo ha manipulado de alguna manera lo que de otro modo sería una fotografía directa como medio de “crear” una imagen en lugar de simplemente grabarla. Por lo general, una fotografía pictórica carece de enfoque nítido, se imprime en uno o más colores en lugar de blanco y negro (que van desde el marrón cálido hasta el azul profundo), y puede tener pinceladas visibles u otra manipulación superficial. Para el pictorialista, una fotografía, como una pintura, era una forma de proyectar la intención emocional en la imaginación del espectador.

George Seeley, El cuenco negro: George Seeley, El cuenco negro, c. 1907. Publicado en Camera Work, núm. 20, 1907, es un buen ejemplo de una fotografía pictorialista debido a su enfoque suave y estética pictórica.

A medida que las duras realidades de la Primera Guerra Mundial comenzaron a extenderse por todo el mundo, el gusto del público por el arte del pasado comenzó a cambiar. El pictorialismo disminuyó gradualmente en popularidad después de 1920, desapareciendo completamente de popularidad al final de la Segunda Guerra Mundial. Weston, Ansel Adams, y otros más tarde comenzaron a alejarse del pictorialismo y crearon el Grupo f/64, que abogaba por la 'fotografía directa', o, la representación literal de un sujeto más que una imitación de otra cosa. Durante este periodo, el nuevo estilo del modernismo fotográfico se puso de moda, y el interés del público se desplazó hacia imágenes más nítidas. A medida que los países desarrollados volvían su enfoque hacia el industrialismo y el crecimiento, el arte reflejó este cambio al presentar imágenes de bordes duros de nuevos edificios, aviones y paisajes industriales. Hasta finales de la década de 1970 predominaban varios géneros, entre ellos desnudos, retratos y paisajes naturales (ejemplificados por Ansel Adams).

Ansel Adams, Iglesia, Taos Pueblo: Ansel Adams, Iglesia, Taos Pueblo Monumento Histórico Nacional, Nuevo México, 1942. De la serie Ansel Adams Fotografías de Parques Nacionales y Monumentos, compilada 1941-42, documentando el periodo ca. 1933-42.

Estética Instantánea

Alrededor de 1963, el término “estética instantánea” entró en el vocabulario del mundo de la fotografía de bellas artes. John Szarkowski, quien fue jefe del departamento de fotografía del Museo de Arte Moderno de 1962 a 1991, se convirtió en uno de los mayores promotores de la tendencia, y se puso especialmente de moda desde finales de la década de 1970 hasta mediados de la década de 1980. La estética instantánea generalmente presenta un encuadre descentrado y un tema cotidiano que a menudo se presenta sin un vínculo aparente de imagen a imagen, confiando en cambio en la yuxtaposición y disyunción de fotografías individuales. Entre los practicantes notables se encuentran Garry Winogrand, Nan Goldin, Wolfgang Tillmans, Martin Parr, William Eggleston, Diane Arbus y Terry Richardson. Estos fotógrafos apuntaban no “a reformar la vida sino a conocerla” (John Szarkowski, Diane Arbus).

Diane Arbus, Niño con granada de mano de juguete en Central Park, 1962: Diane Arbus ejemplifica la “estética instantánea” en su obra que presenta imágenes de lo cotidiano.

Fotografía Conceptual

Cindy Sherman, Chromogenic Color Print, 1981: Cindy Sherman utilizó un tipo de actuación en su trabajo al fotografiarse vestida disfrazada, ampliando las posibilidades del medio.

La fotografía conceptual es un tipo de fotografía que ilustra una idea. Si bien se han realizado fotografías ilustrativas desde la invención del medio, el término fotografía conceptual deriva del arte conceptual, un movimiento de finales de los años sesenta. Hoy en día el término describe ya sea una metodología o un género. El arte conceptual de finales de los sesenta y principios de los 70 a menudo involucraba fotografías que documentaban performances, esculturas efímeras o acciones. Los artistas no se describieron a sí mismos como fotógrafos. Desde la década de 1970, artistas como Cindy Sherman, Thomas Ruff y Thomas Demand han sido descritos como conceptuales. Aunque su obra generalmente no se parece a la estética lo-fi del arte conceptual de los años sesenta, tienen ciertos métodos en común como documentar performance (Sherman), imágenes tipológicas o seriales (Ruff), o la reestimación de eventos (Demand).

La fotografía contemporánea ha visto una tendencia de escenificar e iluminar cuidadosamente una imagen en lugar de esperar “descubrirla” ya hecha. Fotógrafos como Gregory Crewdson y Jeff Wall destacan por la calidad de sus imágenes escenificadas. Adicionalmente, las nuevas tendencias tecnológicas en la fotografía digital han creado la posibilidad de la fotografía de espectro completo, donde las cuidadosas opciones de filtrado a través del ultravioleta, visible e infrarrojo conducen a nuevas visiones artísticas.

Arte Pop

El movimiento pop art comenzó en la década de 1960 y cuestionó los límites entre el arte “alto” y el “bajo” arte.

Objetivos de aprendizaje

Identificar ejemplos de arte pop americano

Claves para llevar

Puntos Clave

• El arte pop presentó un desafío a las tradiciones de las bellas artes al incluir aspectos de la cultura de masas, como la publicidad, los cómics y los objetos culturales mundanos en su trabajo. Uno de los objetivos del arte pop era difuminar y cuestionar los límites entre el arte “alto” y el arte “bajo”.
• Neo-Dada fue un movimiento artístico menor que contribuyó a la formación del arte pop. En reacción al expresionismo abstracto, los neo-dadaístas buscaron crear significado únicamente a través del uso de símbolos e íconos convencionales como blancos, banderas, letras y números.
• Las obras de Roy Lichtenstein y Andy Warhol ejemplifican el apego directo del arte pop a las imágenes comunes en la cultura popular estadounidense, al tiempo que tratan el tema de una manera fresca e impersonal. Este estilo desapegado ilustraba la idealización de la producción en masa y su anonimato inherente.

Términos Clave

• Puntos Ben-Day: El proceso de impresión de puntos Ben-Day, que lleva el nombre del ilustrador e impresor Benjamin Henry Day, Jr., es similar al puntillismo. Dependiendo del efecto, los colores y la ilusión óptica necesarios, los pequeños puntos coloreados están muy espaciados, ampliamente espaciados o superpuestos. Los cómics de pulpa de las décadas de 1950 y 1960 utilizaron puntos Ben-Day en los cuatro colores de proceso (cian, magenta, amarillo y negro) para crear a bajo costo los colores de sombreado y secundarios como verde, morado, naranja y tonos carne.
• masa: Una gran cantidad; una suma.
• expresionismo abstracto: Un género americano del arte moderno que utilizó técnicas improvisadas para generar formas altamente abstractas
• serigrafía: Un método para reproducir obras de arte coloreadas usando una plantilla cortada unida a una pantalla de seda estirada y de malla fina.

Aunque se originó en Gran Bretaña a finales de la década de 1950, el arte pop no cobró impulso en Estados Unidos hasta una década después completa. Para entonces, la publicidad estadounidense había adoptado muchos elementos e inflexiones del arte moderno y funcionaba a un nivel sofisticado. En consecuencia, los artistas estadounidenses tuvieron que buscar más profundamente estilos dramáticos que alejaran las bellas artes de materiales comerciales bien diseñados e inteligentes. El arte pop presentó un desafío a las tradiciones de las bellas artes al incluir aspectos de la cultura de masas, como la publicidad, los cómics y los objetos culturales mundanos. Uno de los objetivos del Pop Art era difuminar y poner en tela de juicio los límites entre el arte “alto” y el “bajo” arte.

Neo-Dada

Dos pintores importantes en el establecimiento del vocabulario pop art de Estados Unidos fueron los neodadaístas estadounidenses Jasper Johns y Robert Rauschenberg. A mediados de la década de 1950, Jasper Johns comenzó a apropiarse de la iconografía abstracta popular para la pintura, permitiendo que un conjunto de asociaciones familiares respondieran a la necesidad de un tema. En contraste con los expresionistas abstractos, que no sólo desdeñaban la materia sino que tomaban sus pinturas como un índice de la presencia del artista en el lienzo, los neodadaístas buscaban crear sentido únicamente a través del uso de símbolos e íconos convencionales como dianas, banderas, letras y números. Estos sujetos neutrales rechazaron una dependencia de la mano del artista en la producción de sentido, la superficie de la pintura podría declararse sin hacer referencia a la persona que la creó.

Robert Rauschenberg también fue considerado un neo-dadaísta, y sus “combinan” objetos encontrados incorporados, materiales impresos y escombros urbanos con materiales tradicionales de bellas artes. Las combinaciones sirvieron para romper los límites delineados entre el arte, la escultura y el objeto cotidiano para que todos fueran recontextualizados en una sola obra de arte.

Jasper Johns, Bandera, 1954-55, Encáustica, óleo, collage sobre tela montada sobre madera contrachapada, 42 x 61 in. Museo de Arte Moderno, Nueva York. : Flag de Jasper Johns presenta la bandera estadounidense como tema, invocando así una plétora de asociaciones y yuxtaposiciones entre la imagen popular, el símbolo y las bellas artes.

Roy Lichtenstein

De igual importancia para el arte pop estadounidense es Roy Lichtenstein. Su obra define la premisa básica del pop art mejor que ninguna otra a través de la parodia. Seleccionando la antigua tira cómica como tema, Lichtenstein produjo composiciones precisas y duras que documentaban la cultura de masas y, al mismo tiempo, creaban parodias suaves. Lichtenstein utilizó el óleo y la pintura Magna en sus obras más conocidas, como Drowning Girl (1963), que se apropió de la historia principal en Secret Hearts #83 de DC Comics. Su estilo característico presentaba contornos gruesos, colores llamativos y puntos Ben-Day para representar ciertos colores, como si fueran creados por la reproducción fotográfica. La contribución de Lichtenstein al arte pop fusionó la cultura popular y de masas con las técnicas de las bellas artes mientras inyectaba humor, ironía e imágenes y contenido reconocibles en el producto final. Las pinturas de Lichtenstein, al igual que las obras de muchos otros artistas pop, compartieron un apego directo a la imagen común de la cultura popular estadounidense mientras trataban el tema de una manera fresca e impersonal. Este estilo desapegado ilustraba la idealización de la producción en masa y su anonimato inherente.

Roy Lichtenstein, Drowning Girl, 1963, MOMA: Lichtenstein cuestiona las nociones de apropiación al tiempo que difumina simultáneamente las líneas entre el arte alto y lo bajo en esta pintura de una escena de un cómic popular.

Andy Warhol

Andy Warhol es probablemente la figura más famosa del arte pop. Warhol intentó llevar el pop más allá del arte para convertirse en un estilo de vida, y su obra suele mostrar una falta de afectación humana que prescinde de la ironía y la parodia de muchos de sus compañeros. Las obras de arte de Warhol utilizan muchas formas de medios, incluyendo dibujo, pintura, grabado, fotografía, serigrafía, escultura, cine y música. Su estudio, The Factory, fue un famoso lugar de reunión que reunió a distinguidos intelectuales, drag queens, dramaturgos, gente bohemia de la calle, celebridades de Hollywood y mecenas adineradas. El Museo de Arte Moderno de Nueva York organizó un Simposio sobre Arte Pop en diciembre de 1962, durante el cual artistas como Warhol fueron atacados por “capitular” ante el consumismo. Los críticos fueron escandalizados por el abrazo abierto de Warhol a la cultura de mercado. Este simposio marcó la pauta para la recepción de Warhol.

A lo largo de la década se hizo cada vez más claro que había habido un cambio profundo en la cultura del mundo del arte, y que Warhol estaba en el centro de ese cambio. A principios de los años 60, Warhol redujo su vocabulario de imagen al icono mismo —nombres de marca, celebridades, signos de dólar— y eliminó todas las huellas de la mano del artista en la producción de su obra. Finalmente, pasó de la pintura a mano a la serigrafía, quitando por completo el elemento hecho a mano. El elemento de desapego llegó a tal punto en el apogeo de la fama de Warhol que tuvo varios asistentes produciendo sus múltiplos serigráficos.

Andy Warhol, Campbell's Soup Cans, 1962, polímero sintético sobre 32 lienzos. 20 x 16 en cada uno. Museo de Arte Moderno, Nueva York. : Las latas de sopa Campbell's de Warhol se han convertido en sinónimo del movimiento pop art y ejemplifican su preocupación por las nociones de cultura pop y capitalismo.

El legado del Pop Art es expansivo, y gran parte del Pop art de la década de 1960 se considera incongruente ya que muchas prácticas conceptuales diferentes alimentaron al movimiento y son reflejadas por una amplia variedad de artistas. La lista de artistas pop notables es extensa, pero algunos de los principales defensores incluyen a Jim Dine, Richard Hamilton, Keith Haring, David Hockney, Alex Katz, Yayoi Kusama, John McHale, Claes Oldenburg, Julia Opie, Eduardo Paolozzi, Sigmar Polke, Ed Ruscha, George Segal y Tom Wesselman.

Fotorrealismo

El fotorrealismo o superrealismo es un género de arte que comenzó a finales de los años sesenta, abarcando la pintura, el dibujo y otros medios gráficos en los que un artista estudia una fotografía y luego intenta reproducir la imagen de la manera más realista posible.

Objetivos de aprendizaje

Evaluar el fotorealismo dentro de los movimientos artísticos contemporáneos de la época

Claves para llevar

Puntos Clave

• El arte pop y el fotorrealismo eran movimientos reaccionarios derivados de la abundancia cada vez mayor y abrumadora de los medios fotográficos, que a mediados del siglo XX se habían convertido en un fenómeno tan masivo que amenazaba con disminuir el valor de las imágenes en el arte.
• El fotorrealismo utiliza fotografías transferidas a lienzo en pintura con composición apretada y precisa.
• Los pintores súper realistas eligieron temas difíciles que enfatizaban la destreza técnica y el virtuosismo requeridos para simular, como superficies reflectantes o ambientes embellecidos.

Términos Clave

• expresionismo abstracto: Un género americano del arte moderno que utilizó técnicas improvisadas para generar formas altamente abstractas.
• Arte pop: Un movimiento artístico de la década de 1950 que planteó un desafío a las tradiciones de las bellas artes al incluir imágenes de la cultura popular como la publicidad y las noticias.

El fotorrealismo, también conocido como superrealismo o hiperrealismo, es un género de arte que hace uso de la fotografía para crear una obra de arte altamente realista en otro medio. El término se aplicó por primera vez en América a fines de la década de 1960. Al igual que el arte pop, el fotorrealismo era un movimiento reaccionario que surgió de la abrumadora abundancia de medios fotográficos, que a mediados del ^siglo XX se habían convertido en un fenómeno tan masivo que amenazaba con disminuir el valor de las imágenes en el arte. Mientras que los artistas pop señalaban principalmente lo absurdo de las imágenes que dominaban la cultura de masas, como la publicidad, los cómics y los objetos culturales producidos en masa, los fotorrealistas tenían como objetivo recuperar y ensalzar el valor de la imagen.

Proceso

Los pintores fotorrealistas recopilan imágenes e información visual a través de fotografías, las cuales se transfieren al lienzo ya sea por proyección de diapositivas o la cuadrícula tradicional. Las imágenes resultantes suelen ser copias directas de la fotografía, generalmente a mayor escala. Estilísticamente, esto da como resultado composiciones pintadas que son apretadas y precisas, a menudo con énfasis en imágenes que requieren un alto nivel de destreza técnica y virtuosismo para simular; por ejemplo, reflejos en superficies y ambientes embellecidos, hechos por el hombre.

Ralph Goings, Ralph's Diner, 1981-82, óleo sobre lienzo. : Esta pintura de Ralph Goings muestra la destreza técnica de los artistas en la representación realista de muchas superficies reflectantes y texturizadas.

Richard Estes, Cabinas Telefónicas, 1968, óleo sobre lienzo: Richard Estes reproduce en una pintura la compleja imagen de un entorno urbano reflejado en una cabina telefónica.

La primera generación de fotorrealistas estadounidenses incluyó a pintores como Richard Estes, Ralph Goings, Chuck Close, Charles Bell, Audrey Flack, Don Eddy, Robert Bechte y Tom Blackwell.

Chuck Close, Mark (1978—1979), acrílico sobre lienzo, izquierda; detalle de ojo, derecha: Chuck Close es conocido por sus pinturas intensamente detalladas que son esencialmente indistinguibles de las imágenes fotográficas.

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