30.3: Desmaterialización

Arte Conceptual

El arte conceptual se define por conceptos o ideas que prevalecen sobre las preocupaciones estéticas y materiales tradicionales.

Objetivos de aprendizaje

Relacionar el desarrollo del arte conceptual tanto con el formalismo como con la desmaterialización del arte

Claves para llevar

Puntos Clave

• El arte conceptual surgió como un movimiento durante la década de 1960. En parte, fue una reacción contra el formalismo articulada por el influyente crítico de arte neoyorquino Clement Greenberg.
• Algunos han argumentado que el arte conceptual continuó esta desmaterialización del arte al eliminar por completo la necesidad de objetos, mientras que otros, incluidos muchos de los propios artistas, vieron el arte conceptual como una ruptura radical con el modernismo formalista de Greenberg.
• El artista francés Marcel Duchamp allanó el camino para los conceptualistas, proporcionando ejemplos de obras prototípicamente conceptuales como sus read-mades.
• Los artistas conceptuales iniciaron un interrogatorio mucho más radical del arte de lo que antes era posible. Una de las primeras y más importantes cosas que cuestionaron fue la suposición común de que el papel del artista era crear tipos especiales de objetos materiales.
• La noción de que el arte debía examinar su propia naturaleza ya era un aspecto potente de la visión del influyente crítico de arte Clement Greenberg sobre el arte moderno durante la década de 1950.

Términos Clave

• conceptualista: Un artista involucrado en el movimiento conceptualista.
• desmaterialización: El acto o proceso de desmaterialización.

Formalismo, desmaterialización y mercantilización del arte

El arte conceptual se define por los conceptos de una obra que tiene precedencia sobre las preocupaciones estéticas y materiales tradicionales. Comenzó a emerger como un movimiento durante la década de 1960, en parte como una reacción contra el formalismo como entonces articuló el influyente crítico de arte neoyorquino Clement Greenberg. Según Greenberg, el arte moderno siguió un proceso de reducción progresiva y refinamiento hacia el objetivo de definir la naturaleza esencial y formal de cada medio. La tarea de pintar, por ejemplo, era definir con precisión qué tipo de objeto es realmente una pintura: qué la convierte en una pintura y nada más. Por ejemplo, si la naturaleza de las pinturas es como objetos lienzos planos sobre los que se aplica el pigmento coloreado, elementos como la figuración, la ilusión en perspectiva tridimensional y las referencias a la materia externa eran ajenos a la esencia de la pintura y, por lo tanto, deberían eliminarse.

Algunos han argumentado que el arte conceptual continuó esta desmaterialización del arte al eliminar por completo la necesidad de objetos mientras que otros, incluidos muchos de los propios artistas, vieron el arte conceptual como una ruptura radical con el modernismo formalista de Greenberg. Posteriormente los artistas continuaron compartiendo una preferencia por el arte para ser autocrítico y un disgusto por la ilusión. No obstante, a finales de la década de 1960 estaba claro que las estipulaciones de Greenberg para que el arte continuara dentro de los confines de cada medio y excluyera la materia externa ya no mantenía tracción. Lucy Lippard, escritora, crítica de arte, activista y curadora internacionalmente conocida de Estados Unidos, fue una de las primeras escritoras en reconocer la desmaterialización en el trabajo en el arte conceptual y fue una de las primeras defensoras del arte feminista. Su libro Seis años: La desmaterialización del objeto de arte de 1966 a 1972 sigue siendo un texto seminal sobre el tema.

El arte conceptual también reaccionó contra la mercantilización del arte, intentando la subversión de la galería o museo como ubicación y determinante del arte y el mercado del arte como propietario y distribuidor del arte. Por lo tanto, la obra de muchos artistas conceptuales solo puede conocerse a través de documentación como fotografías, textos escritos u objetos expuestos, que algunos podrían argumentar que no son en sí mismos el arte. El arte conceptual a veces se reduce a un conjunto de instrucciones escritas que describen una obra sin hacerla realmente, enfatizando la noción de la idea como más importante que el artefacto.

Precursores

El artista francés Marcel Duchamp allanó el camino para los conceptualistas, proporcionando ejemplos de obras prototípicamente conceptuales como los read-mades. El más famoso de los listos de Duchamp fue Fountain (1917), un orinal estándar firmado por el artista con el seudónimo de “R.Mutt” y presentado para su inclusión en la exposición anual y sin jurar de la Society of Independent Artists en Nueva York. (Fue rechazado.) En términos tradicionales, un objeto común como un urinario no puede ser arte porque no está hecho por un artista o con alguna intención de ser arte, ni es único o artesanal. La relevancia e influencia teórica de Duchamp para futuros “conceptualistas” fue luego reconocida por el artista estadounidense Joseph Kosuth en su ensayo de 1969, “El arte después de la filosofía”, cuando escribió: “Todo el arte (después de Duchamp) es conceptual (en la naturaleza) porque el arte solo existe conceptualmente”.

Marcel Duchamp, Fuente: La apropiación de Duchamp de un urinario como obra de arte desafió la definición predominante de escultura.

Ejemplos Históricos

En 1953, el artista Robert Rauschenberg creó Borrado De Kooning Drawing, que era literalmente un dibujo de Willem de Kooning que Rauschenberg borró. Plantó muchas dudas sobre la naturaleza fundamental del arte, desafiando al espectador a considerar si borrar la obra de otro artista podría ser un acto creativo, así como si la obra era sólo “arte” porque el famoso Rauschenberg lo había hecho.

En 1960, Yves Klein llevó a cabo una acción llamada A Leap Into The Void, en la que intentó volar saltando por una ventana. Al igual que con gran parte del arte conceptual, la performance se presenta en gran parte a través de su documentación. En 1961, Robert Rauschenberg envió un telegrama a la Galerie Iris Clert que decía: “Este es un retrato de Iris Clert si lo digo” como su contribución a una exposición de retratos. En 1969, Vito Acconci creó Following Piece, en la que siguió a miembros aleatorios del público hasta que desaparecieron en un espacio privado. La pieza se presenta como fotografías.

Influencia contemporánea

La primera ola del movimiento del arte conceptual se extendió desde aproximadamente 1967 hasta 1978. Artistas conceptuales tempranos como Henry Flynt, Robert Morris y Ray Johnson influyeron en el movimiento posterior del arte conceptual. Artistas conceptuales como Dan Graham, Hans Haacke y Lawrence Weiner han demostrado ser influyentes en artistas posteriores, y artistas contemporáneos conocidos como Mike Kelley y Tracey Emin a veces son etiquetados como conceptualistas de segunda o tercera generación o artistas post-conceptuales.

Los artistas contemporáneos han abordado muchas de las preocupaciones del movimiento del arte conceptual. Si bien pueden o no denominarse artistas conceptuales, ideas como la antimercantilización, la crítica social y/o política, y las ideas/información como medio continúan siendo aspectos del arte contemporáneo, especialmente entre los artistas que trabajan con arte de instalación, performance, net art y electrónica/digital art.

Minimalismo

El término minimalismo se emplea para describir una tendencia en diseño y arquitectura en la que el sujeto se reduce a sus elementos necesarios.

Objetivos de aprendizaje

Describir los elementos de la arquitectura y el diseño minimalistas y la influencia de la tradición japonesa

Claves para llevar

Puntos Clave

• El diseño minimalista ha sido altamente influenciado por el diseño y la arquitectura tradicional japonesa. Además, la obra de los artistas De Stijl es una importante fuente de referencia para este estilo.
• El término minimalismo data de principios del siglo XIX y poco a poco se convirtió en un movimiento importante en respuesta al diseño ornamentado del periodo anterior. La arquitectura minimalista se hizo popular a finales de la década de 1980 en Londres y Nueva York.
• El concepto de arquitectura minimalista es despojar todo a sus cualidades esenciales para lograr la simplicidad.
• Los conceptos zen de simplicidad transmiten las ideas de libertad y esencia de vivir. La simplicidad no es sólo un valor estético, tiene una percepción moral que investiga la naturaleza de la verdad y revela las cualidades internas de los materiales y los objetos.

Términos Clave

• Zen: Una filosofía de calma que recuerda a la de la denominación budista.
• estética: Preocupado por la belleza, el impacto artístico o la apariencia.

El término minimalismo puede utilizarse para describir una tendencia en diseño y arquitectura en la que el sujeto se reduce a sólo sus elementos necesarios. El diseño minimalista en el oeste ha sido altamente influenciado por el diseño y la arquitectura tradicional japonesa. Además, la obra de los artistas De Stijl es una importante fuente de referencia para este estilo. De Stijl amplió las ideas que podrían expresarse utilizando elementos básicos como líneas y planos organizados de maneras muy particulares.

Pabellón de Barcelona: La reconstrucción del Pabellón Alemán de Ludwig Mies van der Rohe en Barcelona es minimalista en su uso del espacio y elementos arquitectónicos reducidos.

El arquitecto Ludwig Mies van der Rohe adoptó el lema “menos es más” para describir su estética de organizar los numerosos componentes necesarios de un edificio para crear una impresión de extrema simplicidad. Al reclutar cada elemento y detalle para servir a múltiples propósitos visuales y funcionales, como diseñar un piso para que también sirva como radiador o una chimenea masiva para albergar también el baño, los espacios se vuelven visualmente reducidos y altamente funcionales.

La arquitectura minimalista se popularizó a finales de la década de 1980 en Londres y Nueva York, algunas décadas después de la prevalencia del movimiento en otras formas de arte. Elementos blancos, iluminación fría, grandes espacios abiertos con mínimos objetos y muebles, y un espacio habitable simplificado revelaron la calidad esencial de los edificios y las actitudes hacia la vida. Si bien la ornamentación es de sobra, no está totalmente ausente. En cambio, este estilo mantiene la idea de que todas las piezas, detalles y ebanistería se han reducido de tal manera que nada podría eliminarse más para mejorar el diseño.

El diseño minimalista y la arquitectura representan la luz, la forma, el material, el espacio y la ubicación. En la arquitectura minimalista, los elementos de diseño transmiten el mensaje de simplicidad. Las formas geométricas básicas, los elementos sin decoración, los materiales simples y las repeticiones de estructuras representan un sentido de orden y calidad esencial. El movimiento de la luz natural en los edificios revela espacios sencillos y limpios. A finales del ^siglo XIX, a medida que el movimiento de artes y oficios se popularizó en Gran Bretaña, la gente valoraba la actitud de la “verdad hacia los materiales”. Los arquitectos minimalistas escuchan humildemente la figura, buscando la esencia y la simplicidad redescubriendo las valiosas cualidades en materiales simples y comunes.

La idea de simplicidad aparece en muchas culturas, especialmente en la cultura tradicional japonesa de la Filosofía Zen. Los conceptos zen de simplicidad transmiten las ideas de libertad y esencia de vivir. La simplicidad no es sólo un valor estético, sino que tiene una percepción moral que considera la naturaleza de la verdad y revela las cualidades internas de los materiales y objetos para su esencia. Por ejemplo, el jardín de rocas secas en el templo de Ryoan-ji demuestra los conceptos de simplicidad desde el considerado engaste de unas pocas piedras y un enorme espacio vacío. Se cree que Ryoan-ji, atribuido por algunos estudiosos al famoso paisajista y monje Sōami, fue diseñado originalmente con el concepto de shakkei, en el que el paisaje de fondo se incorpora a la composición del jardín.

Templo Ryoan-Ji: El templo Ryoan-Ji es un templo zen que ejemplifica el minimalismo y la simplicidad típicas del diseño japonés.

Arte de proceso

El arte basado en procesos se centra en el viaje creativo en lugar del producto final.

Objetivos de aprendizaje

Contraste el enfoque del arte de proceso con el de los artistas centrados en el producto

Claves para llevar

Puntos Clave

• Los procesos involucrados en la creación de arte son cualquier acción utilizada para hacer una obra de arte.
• El movimiento de arte de proceso comenzó en Estados Unidos y Europa a mediados de la década de 1960. Tiene raíces en el arte performance y el dadaísmo.
• En el arte de proceso, la naturaleza efímera y la insustancialidad de los materiales a menudo se exhiben y resaltan.
• El arte de proceso y el arte ambiental están directamente relacionados. Los artistas de procesos involucran la primacía de los sistemas orgánicos, utilizando materiales perecederos, insustanciales y transitorios.

Términos Clave

• efímero: Algo que dura poco tiempo.

Antecedentes

El arte de proceso es un movimiento artístico y un sentimiento creativo en el que el producto final no es el foco principal. Los procesos a los que se hace referencia son los de creación de arte: la recolección, clasificación, cotejo, asociación, modelación e iniciación de acciones que deben estar en su lugar. El arte de proceso se ocupa de la creación real y de cómo las acciones pueden definirse como arte, viendo la expresión del proceso artístico como más significativa que el producto creado por el proceso. El arte de proceso a menudo se centra en la motivación, la intención, la justificación, con el arte visto como un viaje creativo que no necesariamente conduce a un destino tradicional de objetos de bellas artes.

Movimiento de Arte de Procesos

El movimiento de arte de proceso comenzó en Estados Unidos y Europa a mediados de la década de 1960. Tiene raíces en el arte performance, el movimiento Dada y, más tradicionalmente, las pinturas de goteo de Jackson Pollock. Cambio, fugacidad y abrazar la serendipia son temas en este movimiento. En 1968, el Museo Guggenheim acogió una exposición y ensayo innovadores que definían el movimiento de Robert Morris, señalando: “Los artistas de proceso estuvieron involucrados en temas relacionados con el cuerpo, ocurrencias aleatorias, improvisación y las cualidades liberadoras de materiales no tradicionales como la cera, el fieltro y el látex. Usando estos, crearon formas excéntricas en arreglos erráticos o irregulares producidos por acciones como cortar, colgar y soltar, o procesos orgánicos como crecimiento, condensación, congelación o descomposición”.

Necesidad Humana/Deseo/Esperanza/Sueño (Bruce Nauman, 1983): Al igual que la inmediatez en vivo del arte performance, el arte de proceso se centra en el viaje creativo en lugar de un destino tradicional de bellas artes.

En el arte de proceso, la naturaleza efímera y la insustancialidad de los materiales a menudo se exhiben y resaltan. El arte de proceso y el arte ambiental están directamente relacionados: los artistas de procesos involucran la primacía de los sistemas orgánicos, utilizando materiales perecederos, insustanciales y transitorios como conejos muertos, vapor, grasa, hielo, cereales, aserrín y pasto. Los materiales a menudo se dejan expuestos a fuerzas naturales como la gravedad, el tiempo, el clima o la temperatura para celebrar los procesos naturales.

Precedentes de arte de

Los precedentes inspiradores para el arte de proceso que están fundamentalmente relacionados incluyen ritos indígenas, rituales chamánicos y religiosos, y formas culturales como la pintura de arena, la danza del sol y las ceremonias del té. Por ejemplo, el proceso de construcción de un mandala de arena budista Vajrayana por monjes del Monasterio Namgyal en Ítaca, Nueva York, fue grabado y exhibido en línea por la Galería de Arte Asiático Yager de Ackland. La creación por parte de los monjes de un mandala de Buda de la Medicina comenzó el 26 de febrero de 2001 y concluyó el 21 de marzo de 2001, y la disolución del mandala fue el 8 de junio de 2001, demostrando que el proceso de creación del arte era más importante que preservar el producto terminado.

La influencia del feminismo

Los sentimientos feministas e interseccionales en el arte siempre han existido en oposición a los fundamentos blancos, patriarcales y a las realidades actuales de los mercados occidentales del arte y la historia del arte.

Objetivos de aprendizaje

Describir el origen, evolución e influencia del movimiento artístico feminista a finales del siglo XX

Claves para llevar

Puntos Clave

• El feminismo en el arte siempre ha buscado cambiar la recepción del arte contemporáneo y dar visibilidad a las mujeres dentro de la historia y la práctica del arte.
• En línea con el desarrollo de la civilización occidental, el arte en Occidente se ha construido sobre valores blancos, patriarcales, capitalistas, y aunque las mujeres artistas siempre han existido, han sido omitidas en gran medida de la historia.
• El movimiento de mujeres en las artes correspondió con los desarrollos generales del feminismo en las décadas de 1960 y 1970.
• Una de las primeras clases de arte feminista autoproclamadas en Estados Unidos se inició en el otoño de 1970 en la Universidad Estatal de Fresno por la artista visitante Judy Chicago. Entre los alumnos que formaron el programa se encontraban Susan Boud, Dori Atlantis, Gail Escola, Vanalyne Green, Suzanne Lacy y Cay Lang.
• La fuerza del movimiento feminista permitió el surgimiento y la visibilidad de muchos nuevos tipos de trabajo de las mujeres.
• A partir de 1980, la historiadora del arte Griselda Pollock desafió los modelos museísticos dominantes del arte y la historia, excluyendo así las contribuciones artísticas de las mujeres. Ayudó a articular las complejas relaciones entre feminidad, modernidad, psicoanálisis y representación.

Términos Clave

• feminismo: Una teoría social o movimiento político que apoye la igualdad de ambos sexos en todos los aspectos de la vida pública y privada; específicamente, una teoría o movimiento que argumenta que se deben eliminar las restricciones legales y sociales a las mujeres para lograr tal igualdad.

Orígenes

El feminismo en el arte siempre ha buscado cambiar la recepción del arte contemporáneo y dar visibilidad a las mujeres dentro de la historia y la práctica del arte. En línea con el desarrollo de la civilización occidental, el arte en Occidente se ha construido sobre valores blancos, patriarcales, capitalistas,
y aunque las mujeres artistas siempre han existido, han sido omitidas en gran medida de la historia. El feminismo siempre ha existido y generalmente prioriza la creación de una oposición a este sistema. Correspondiendo con desarrollos generales dentro del feminismo, la llamada “segunda ola” del movimiento ganó cierto protagonismo en la década de 1960 y floreció a lo largo de la década de 1970.

El Programa de Arte Feminista

Una de las primeras clases de arte feminista autoproclamadas en Estados Unidos, el Programa de Arte Feminista, se inició en el otoño de 1970 en la Universidad Estatal de Fresno por la artista visitante Judy Chicago. Chicago (nacida en 1939) es una artista y escritora feminista estadounidense conocida por sus grandes obras de instalación de arte colaborativo que examinan el papel de la mujer en la historia y la cultura. La obra de Chicago incorpora habilidades artísticas puestas estereotípicamente sobre las mujeres, como la costura, contrastadas con habilidades masculinas estereotipadas como la soldadura y la pirotecnia. La obra maestra de Chicago es una pieza mixta conocida como The Dinner Party, que se encuentra en la colección del Museo de Brooklyn.

La instalación de Judy Chicago “The Dinner Party” en el Brooklyn Museum of Art: The Dinner Party es una obra de arte de instalación de la artista feminista Judy Chicago que representa escenarios de lugares para 39 mujeres famosas míticas e históricas.

Entre las estudiantes que formaron el Programa de Arte Feminista junto con Judy Chicago se encontraban Susan Boud, Dori Atlantis, Gail Escola, Vanalyne Green, Suzanne Lacy y Cay Lang. El grupo reformó un espacio de estudio fuera del campus en el centro de Fresno para que los artistas crearan y discutieran su trabajo “sin interferencia masculina”. Los participantes vivieron y trabajaron en el estudio, liderando grupos de lectura y colaborando en el arte. En 1971, la clase se convirtió en un programa de tiempo completo en la universidad.

El programa era diferente a una clase de arte estándar. En lugar de la enseñanza típica de técnicas e historia del arte, los estudiantes se enfocaron en elevar su conciencia feminista. Los estudiantes compartirían experiencias personales sobre temas específicos como el dinero y las relaciones. Se creía que al compartir estas experiencias, los estudiantes pudieron insertar más emoción en su obra de arte. Además, en lugar de apoyar la idea típica de que los artistas estén aislados y trabajen como “genios” independientes, la clase enfatizó la colaboración, una salida radical para el período de tiempo.

Movimientos de arte feministas: Estados Unidos y Europa

Durante el apogeo del feminismo de segunda ola, las mujeres artistas de Nueva York comenzaron a reunirse para reuniones y exposiciones. Se formaron galerías colectivas como Galería A.I.R., para dar visibilidad al arte de artistas feministas. La fuerza del movimiento feminista permitió el surgimiento y la visibilidad de muchos nuevos tipos de trabajo de las mujeres. Mujeres Artistas en Revolución (GUERRA) se formaron en 1969 para protestar por la falta de exposición de las mujeres artistas. El Comité Ad Hoc de Mujeres Artistas (AWC) se formó en 1971 para abordar la exclusión de mujeres artistas del Museo Whitney.

Hay miles de ejemplos de mujeres asociadas al movimiento artístico feminista. Los artistas y escritores a los que se les atribuye hacer visible el movimiento en la cultura incluyen:

• Judy Chicago, fundadora del primer Programa de Arte Feminista conocido
• Miriam Schapiro, cofundadora del Programa de Arte Feminista de Cal Arts
• Sheila Levrant de Bretteville y Arlene Raven, cofundadoras de Woman's Building

Tanto Suzanne Lacy como Faith Wilding participaron en todos los programas de las primeras artes. Otros nombres importantes incluyen a Martha Rosler, Mary Kelly, Kate Millett, Nancy Spero, Faith Ringgold, June Wayne, Lucy Lippard, Griselda Pollock y agitadoras del mundo del arte The Guerrilla Girls.

El Women's Interart Center de Nueva York, por su parte, sigue en funcionamiento, mientras que el Women's Video Festival se llevó a cabo en la ciudad de Nueva York durante varios años a principios de la década de 1970. Muchas mujeres artistas continúan organizando grupos de trabajo, colectivos y galerías sin fines de lucro en diversos lugares del mundo.

A partir de 1980, la historiadora del arte Griselda Pollock desafió los modelos museísticos dominantes del arte y la historia, excluyendo así las contribuciones artísticas de las mujeres. Ayudó a articular las complejas relaciones entre feminidad, modernidad, psicoanálisis y representación.

Clima Actual

Las cosas empiezan a cambiar en términos de un mundo del arte más equilibrado de género a medida que el pensamiento posmoderno y la política de género se vuelven más importantes para el público en general. El feminismo posmoderno es una aproximación a la teoría feminista que incorpora la teoría posmoderna y posestructuralista, y así se ve a sí mismo como ir más allá de las polaridades modernistas del feminismo liberal y el feminismo radical hacia un concepto más interseccional de la realidad.

Arte específico del sitio

El arte específico del sitio se refiere al arte que ha sido creado para un entorno o espacio específico.

Objetivos de aprendizaje

Dar ejemplos de arte específico del sitio

Claves para llevar

Puntos Clave

• El arte específico del sitio es obra de arte creada para existir en un lugar determinado. Por lo general, el artista toma en cuenta la ubicación al planificar y crear la obra de arte.
• El término real fue promovido y refinado por el artista californiano Robert Irwin, pero en realidad fue utilizado por primera vez a mediados de la década de 1970 por jóvenes escultores como Patricia Johanson, Dennis Oppenheim y Athena Tacha.
• Las obras de arte específicas del sitio al aire libre a menudo incluyen paisajismo combinado con elementos escultóricos permanentemente. El arte específico del sitio puede vincularse con el arte ambiental, el arte terrestre o el land art.
• Robert Smithson y Christo y Jeanne Claude son artistas de Tierra/Tierra que crearon obras específicas de sitio.

Términos Clave

• topografías: Representaciones gráficas detalladas de las características superficiales de un lugar u objeto.

El arte específico del sitio es obra de arte creada para existir en un lugar determinado. Por lo general, el artista toma en cuenta la ubicación al planificar y crear la obra de arte. El término real fue promovido y refinado por el artista californiano Robert Irwin, pero en realidad fue utilizado por primera vez a mediados de la década de 1970 por jóvenes escultores, como Patricia Johanson, Dennis Oppenheim y Athena Tacha, quienes ejecutaron encargos públicos para grandes sitios urbanos. La crítica arquitectónica Catherine Howett y la crítica de arte Lucy Lippard fueron de las primeras en describir el arte ambiental específico del sitio como un movimiento.

Instalación sitio-específica por Dan Flavin, 1996, Colección Menil. : Esta instalación específica de Dan Flavin utiliza luces de colores para iluminar este espacio interior de la galería.

Antecedentes

El arte sitio-específico surgió como una reacción a la proliferación de objetos de arte modernista como objetos transportables, nómadas, orientados a museos, de mercantilización, con el deseo de llamar la atención sobre el sitio y el contexto del arte. La obra específica del sitio puede referirse a cualquier forma de arte siempre que haya sido creada para un entorno o espacio específico. Estrechamente relacionado con el arte terrestre y los movimientos de arte ambiental, el arte específico del sitio es el más amplio de los tres, ya que no es medio específico.

Land Art y Earth Art

Land art, movimientos de tierra (acuñados por Robert Smithson), o Earth art es un movimiento artístico en el que el paisaje y el arte están inextricablemente vinculados, por lo que de esta manera es específico del sitio. También es una forma de arte creada en la naturaleza, utilizando materiales orgánicos como suelo, roca (roca de lecho, cantos rodados, piedras), medios orgánicos (troncos, ramas, hojas) y agua con materiales introducidos como concreto, metal, asfalto o pigmentos minerales. Las esculturas no se colocan en el paisaje; más bien, el paisaje es el medio de su creación. El equipo de movimiento de tierras a menudo está involucrado. Las obras suelen existir al aire libre, ubicadas muy lejos de la civilización, dejadas para cambiar y erosionarse en condiciones naturales. Muchas de las primeras obras de este tipo, creadas en los desiertos de Nevada, Nuevo México, Utah o Arizona, eran de naturaleza efímera y ahora solo existen como grabaciones de video o documentos fotográficos.

Robert Smithson (2 de enero de 1938 — 20 de julio de 1973) fue un artista de la tierra estadounidense. Su obra más famosa es Spiral Jetty (1970), un embarcadero en forma de espiral de 1.500 pies de largo que se extiende hacia el Gran Lago Salado en Utah construido a partir de rocas, tierra y sal. Estuvo completamente sumergido por el aumento de las aguas del lago durante varios años, pero desde entonces ha resurgido.

Robert Smithson, Espiral Jetty: Espiral Jetty es una pieza específica de Land Art o Earth Art creada por Robert Smithson en Great Salt Lake, Utah. Usando rocas y tierra, Smithson construyó un relieve en forma de espiral en el lecho del lago. Mejor vista desde arriba, la pieza se ve alterada por las aguas cambiantes a lo largo del tiempo y de esta manera se vincula para siempre con el entorno al que estaba destinada.

Christo Vladimirov Javacheff y Jeanne-Claude, conocidos como Christo y Jeanne-Claude, son una pareja casada que creó obras de arte ambientales específicas del sitio. Sus obras casi siempre implican envolver una gran área de espacio o pieza de arquitectura en un textil, e incluyen la envoltura del Reichstag en Berlín y el puente Pont-Neuf en París, la obra de arte de 24 millas (39 km) de largo llamada Running Fence en los condados de Sonoma y Marin en California, y The Gates en el Central Park de la ciudad de Nueva York. El propósito de su arte, sostienen, es simplemente crear obras de arte para la alegría y la belleza y crear nuevas formas de ver paisajes familiares.

Christo y Jeanne-Claude, Pont Neuf, 1985: Los artistas Christo y Jeanne-Claude son conocidos por sus obras site-specific que hacen uso de técnicas de envoltura a gran escala. En esta pieza, envolvieron todo un puente de piedra construido sobre un río en París con un efecto fascinante.

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• Judy Chicago La cena. Proporcionado por: Wikipedia. Ubicado en: es.wikipedia.org/wiki/Archivo:Judy_Chicago_la_cena_fiesta.jpg. Licencia: CC BY: Atribución
• Spiral-jetty-from-rozel-point.png. Proporcionado por: Wikipedia. Ubicado en: Upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/8/84/Espiral-Jetty-de-Rozel-Point.png. Licencia: CC BY: Atribución
• Pont_Neuf_emballeu0301_par_Christo_1985.jpg. Proporcionado por: Wikipedia. Ubicado en: Upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/9/96/Pont_Neuf_Emball%C 3% A9_Par_Christo_% 281985% 29.jpg. Licencia: CC BY: Atribución
• Instalación específica de sitio por Dan Flavin, 1996, Menil Collection, Houston, Texas. Proporcionado por: Wikipedia. Ubicado en: es.wikipedia.org/wiki/Archivo:Site-specific_installation_by_dan_flavin, _1996, _Menil_Collection, _Houston_Texas.JPG. Licencia: Public Domain: No Known Copyright