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30.5: Posmodernismo

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    Raza y etnicidad en el posmodernismo

    El posmodernismo tuvo una profunda influencia en los conceptos de raza y etnia en Estados Unidos a mediados del siglo XX.

    Objetivos de aprendizaje

    Describir la influencia del posmodernismo en el concepto de raza en Estados Unidos

    Claves para llevar

    Puntos Clave

    • El posmodernismo se basa en la experiencia concreta sobre principios abstractos, argumentando que el resultado de la propia experiencia necesariamente será falible y relativo más que cierto o universal.
    • Gran parte del arte durante esta época buscó deconstruir la raza a través de una lente posmoderna, argumentando que la raza no se basa en ninguna realidad biológica sino que es una categoría socialmente construida.
    • Principalmente a través de una perspectiva posmoderna, el autor bell hooks ha abordado la intersección de la raza, la clase y el género en la educación, el arte, la historia, la sexualidad, los medios de comunicación y el feminismo.
    • El movimiento de Derechos Civiles de las décadas de 1960 y 1970 llevó a los artistas a expresar los ideales de la época. Se desarrollaron galerías y centros de arte comunitario con el propósito de exhibir arte afroamericano, y se crearon puestos universitarios de enseñanza por y para artistas afroamericanos.
    • Para las décadas de 1980 y 1990, el graffiti hip-hop se convirtió en predominante en las comunidades urbanas. La mayoría de las principales ciudades desarrollaron museos dedicados a artistas afroamericanos. El Fondo Nacional para las Artes brindó un apoyo cada vez mayor a estos artistas.
    • El arte post-negro es una frase que se refiere a una categoría del arte afroamericano contemporáneo. Se trata de un género paradójico en el que la raza y el racismo se entrelazan de una manera que rechaza su interacción.

    Términos Clave

    • Bell Hooks: Nacida Gloria Jean Watkins (1952 —); autora estadounidense, feminista y activista social; conocida por su enfoque en la interconectividad de la raza, el capitalismo y el género y su capacidad para perpetuar los sistemas de opresión.
    • deconstrucción: Una teoría filosófica de la crítica textual; una forma de análisis crítico.
    • post-estructuralismo: Una doctrina que rechaza las pretensiones de objetividad del estructuralismo y enfatiza la pluralidad de significados.

    Antecedentes

    El posmodernismo (también conocido como post-estructuralismo) es escéptico de explicaciones que pretenden ser válidas para todos los grupos, culturas, tradiciones o razas, y en cambio se centra en las verdades relativas de cada persona (es decir, posmodernismo = relativismo). En la comprensión posmoderna, la interpretación lo es todo; la realidad solo existe a través de nuestras interpretaciones de lo que el mundo significa para nosotros individualmente. El posmodernismo se basa en la experiencia concreta sobre principios abstractos, argumentando que el resultado de la propia experiencia necesariamente será falible y relativo más que cierto o universal.

    El posmodernismo suele servir como un término ambiguo y general para interpretaciones escépticas de la cultura, la literatura, el arte, la filosofía, la economía, la arquitectura, la ficción y la crítica literaria. A menudo se asocia con la deconstrucción y el post-estructuralismo porque su uso ganó una popularidad significativa al mismo tiempo que el pensamiento post-estructural del siglo XX.

    El posmodernismo postula que muchas, si no todas, las realidades aparentes son sólo construcciones sociales y, por tanto, sujetas a cambios. Afirma que no existe una verdad absoluta y que la forma en que las personas perciben el mundo es subjetiva y enfatiza el papel del lenguaje, las relaciones de poder y las motivaciones en la formación de ideas y creencias. En particular, ataca el uso de clasificaciones binarias como masculino versus femenino, heterosexual versus gay, blanco versus negro e imperial versus colonial; sostiene que las realidades son plurales, relativas y dependientes de quiénes son los interesados y la naturaleza de estos intereses. Los enfoques posmodernistas consideran que las formas en que las dinámicas sociales, como el poder y la jerarquía, afectan las conceptualizaciones humanas del mundo tienen efectos importantes en la forma en que se construye y utiliza el conocimiento. El pensamiento posmodernista a menudo enfatiza el constructivismo, el idealismo, el pluralismo, el relativismo y el escepticismo en sus enfoques del conocimiento y la comprensión.

    Postmodernismo y raza

    El posmodernismo tuvo una profunda influencia en los conceptos de raza y etnia en Estados Unidos a mediados del siglo XX. Muchas personas comenzaron a reconceptualizar el término “raza” como una construcción social, lo que significa que no tiene una realidad biológica inherente, sino que es un sistema de clasificación que se ha construido o inventado con fines sociales. Después de la Segunda Guerra Mundial, los científicos evolutivos y sociales fueron muy conscientes de cómo se usaban las creencias sobre la raza para justificar la discriminación, el apartheid, la esclavitud y el genocidio. Este cuestionamiento cobró impulso en la década de 1960 durante el movimiento estadounidense por los derechos civiles y el surgimiento de numerosos movimientos anticoloniales en todo el mundo.

    Gran parte del arte durante esta época buscó deconstruir la raza a través de una lente posmoderna. La autora Bell Hooks es ampliamente conocida por su escritura centrada en la conexión de la raza, el capitalismo y el género y lo que ella describe como su capacidad para producir y perpetuar sistemas de opresión y dominación de clase. Ha publicado más de 30 libros y numerosos artículos académicos y convencionales, ha aparecido en varias películas documentales y ha participado en diversas conferencias públicas. Principalmente a través de una perspectiva posmoderna, hooks ha abordado la raza, la clase y el género en la educación, el arte, la historia, la sexualidad, los medios de comunicación y el feminismo.

    Una foto de campana engancha hablando en un micrófono.

    Bell Hooks: La autora bell hooks es ampliamente conocida por su escritura posmoderna centrada en la conexión de la raza, el capitalismo y el género.

    Algunos artistas afroamericanos comenzaron a adoptar un enfoque global después de la Segunda Guerra Mundial. Artistas como Barbara Chase-Riboud, Edward Clark, Harvey Cropper y Beauford Delaney trabajaron y exhibieron en el extranjero en París, Copenhague y Estocolmo. Otros artistas afroamericanos la convirtieron en importantes galerías neoyorquinas en las décadas de 1950 y 1960: Horace Pippin y Romare Bearden estuvieron entre los pocos que fueron recibidos con éxito en un entorno de galería. El Movimiento de Derechos Civiles de las décadas de 1960 y 1970 llevó a los artistas a captar y expresar los tiempos y cambios. Se desarrollaron galerías y centros de arte comunitario con el propósito de exhibir arte afroamericano, y se crearon puestos universitarios de enseñanza por y para artistas afroamericanos.

    Collage colorido compuesto por imágenes y figuras abstractas.

    E.J. Martin 1990: Golfista de medianoche de Eugene J. Martin, collage de técnica mixta sobre papel de trapo.

    El arte post-negro surgió durante este tiempo como una categoría del arte afroamericano contemporáneo. Se trata de un género paradójico del arte donde la raza y el racismo se entrelazan de una manera que rechaza su interacción. Para las décadas de 1980 y 1990, el graffiti hip-hop se convirtió en predominante en las comunidades urbanas. La mayoría de las principales ciudades habían desarrollado museos dedicados a artistas afroamericanos. El Fondo Nacional para las Artes brindó un apoyo cada vez mayor a estos artistas.

    Escultura posmodernista

    Las características del posmodernismo, como el collage, el pastiche, la apropiación y la destrucción de barreras entre las bellas artes y la cultura popular, pueden aplicarse a las obras escultóricas.

    Objetivos de aprendizaje

    Discutir escultura posmoderna

    Claves para llevar

    Puntos Clave

    • Aunque intrínsecamente difícil de definir por naturaleza, el posmodernismo comenzó con el arte pop y continuó dentro de muchos movimientos siguientes, incluido el arte conceptual, el neoexpresionismo, el arte feminista y los jóvenes artistas británicos de la década de 1990.
    • El intermedio, el arte de instalación, el arte conceptual, el video, el arte ligero y el arte sonoro a menudo se consideran medios posmodernos.
    • En las décadas de 1960 y 1970 artistas como Eduardo Paolozzi, Chryssa, Claes Oldenburg, George Segal, Edward Kienholz, Nam June Paik, Wolf Vostell, Duane Hanson y John DeAndrea exploraron la abstracción, la imaginería y la figura utilizando el videoarte, el ambiente, la escultura de luz y el arte de instalación de nuevas maneras.
    • Jeff Koons es un buen ejemplo de escultor posmoderno; sus obras elevan lo mundano, contienen una gran dosis de kitsch y proyectan un elemento de cinismo ambiguo que a menudo se ve en las obras posmodernas.

    Términos Clave

    • postminimalista: Aquel que trabaja al estilo del posminimalismo.
    • cinética: De o relacionada con el movimiento.

    Antecedentes

    Las características del posmodernismo, incluyen el bricolage, el collage, la apropiación, el reciclaje de estilos y temas pasados en un contexto moderno, y la destrucción de las barreras entre las bellas artes, la artesanía y la cultura popular, se pueden aplicar a la escultura. Aunque intrínsecamente difícil de definir por naturaleza, el posmodernismo comenzó con el arte pop y continuó dentro de muchos movimientos siguientes, incluido el arte conceptual, el neoexpresionismo, el arte feminista y los jóvenes artistas británicos de la década de 1990. La pluralidad de idea y forma que define el posmodernismo esencialmente permite que cualquier medio sea considerado posmoderno. En términos de escultura, características como técnica mixta, arte de instalación, arte conceptual, videoarte ligero y arte sonoro suelen considerarse posmodernas.

    Pop Art

    El movimiento pop art surgió a mediados de la década de 1950 en Gran Bretaña y a finales de la década de 1950 en Estados Unidos. Entre los primeros artistas que dieron forma al movimiento pop art se encontraban Eduardo Paolozzi y Richard Hamilton en Gran Bretaña y Robert Rauschenberg y Jasper Johns en Estados Unidos. El arte pop presentó un desafío a las tradiciones de las bellas artes al incluir imágenes de la cultura popular como la publicidad y las noticias.

    Imagen de un borrador de máquina de escribir grande en exhibición afuera.

    Borrador de máquina de escribir de Claes Oldenburg, 1999: Claes Oldenburg es conocido por memorizar objetos cotidianos en sus obras, desafiando la idea de que los monumentos públicos deben conmemorar figuras o eventos históricos.

    Jeff Koons

    Jeffrey “Jeff” Koons (nacido el 21 de enero de 1955) es un artista estadounidense conocido por trabajar con temas de cultura popular y reproducir objetos banales, como animales globo producidos en acero inoxidable con superficies con acabado espejo. Sus obras se han vendido por sumas sustanciales, incluyendo al menos un precio de subasta récord mundial por una obra de un artista vivo.

    Koons obtuvo reconocimiento en la década de 1980 y posteriormente instaló un estudio similar a una fábrica en un loft del SoHo en la esquina de Houston Street y Broadway en Nueva York. Se atendió con más de 30 asistentes, cada uno asignado a un aspecto diferente de la producción de su obra, en una modalidad similar a la Fábrica de Andy Warhol (notable porque toda su obra se produce utilizando un método conocido como fabricación artística). Hoy en día, tiene una fábrica de 16.000 pies cuadrados cerca de los antiguos patios ferroviarios Hudson en Chelsea, trabajando con 90 a 120 asistentes regulares. Koons desarrolló un sistema color por números para que cada uno de sus asistentes pudiera ejecutar sus lienzos y esculturas como si hubieran sido hechas “con una sola mano”.

    Una imagen de la escultura gigante de perro globo magenta en exhibición dentro de un museo.

    Balloon Dog (Magenta), Jeff Koons, 1994—2000: Una de las cinco versiones únicas (Azul, Magenta, Naranja, Rojo, Amarillo). Hecho de acero inoxidable pulido espejo con recubrimiento de color transparente, la versión Orange se vendió en 2013 por un precio récord para un escultor vivo.

    Koons es un buen ejemplo de escultor posmoderno porque sus obras elevan lo mundano, contienen una gran dosis de kitsch y proyectan un elemento de cinismo ambiguo que a menudo se ve en las obras posmodernas.

    Cachorro de Jeff Koons

    La escultura de topiario “Cachorro” de Jeff Koons, en la terraza al aire libre del Museo Guggenheim Bilbao, España. : “Puppy” de Koons presenta un cachorro a gran escala en la terraza del Guggenheim, Bilbao.

    Neo-expresionismo

    Los neoexpresionistas buscaron retratar temas reconocibles de manera áspera y violentamente emocional usando esquemas de colores vívidos.

    Objetivos de aprendizaje

    Criticar las controversias en torno al neoexpresionismo relacionadas con la comerciabilidad, la celebridad, el feminismo y el intelectualismo.

    Claves para llevar

    Puntos Clave

    • Relacionado con la abstracción lírica estadounidense, la Escuela Figurativa del Área de la Bahía, la continuación del expresionismo abstracto, la pintura de nueva imagen y el arte pop, el neoexpresionismo se desarrolló como una reacción contra el arte conceptual y el arte minimalista de la década de 1970.
    • Los críticos cuestionaron la relación del neoexpresionismo con la comerciabilidad, el mercado del arte en rápida expansión, la celebridad, la reacción violenta contra el feminismo, el antiintelectualismo y un retorno a temas míticos y métodos individualistas que algunos consideraban anticuados.
    • Las mujeres fueron marginadas por el movimiento, con pintores como Elizabeth Murray y Maria Lassnig omitidos en muchas exposiciones clave.
    • El regreso a la pintura tradicional a finales de los 70 y principios de los ochenta visto en artistas neoexpresionistas como Georg Baselitz y Julian Schnabel se describe como haber tenido tendencias posmodernas.
    • Los fuertes vínculos del neoexpresionismo con el mercado del arte comercial han suscitado dudas sobre su condición de movimiento posmoderno y sobre la definición del posmodernismo mismo.

    Términos Clave

    • anticuada: Algo que se considera pasado de moda.
    • neoexpresionismo: Un estilo de pintura y escultura modernas que surgió a finales de la década de 1970 y dominó el mercado del arte hasta mediados de la década de 1980; caracterizado por retratar objetos reconocibles como el cuerpo humano de formas ásperas y violentamente emocionales utilizando esquemas de colores vívidos.
    • bahía: Una abertura en un muro, especialmente entre dos columnas; la distancia entre dos soportes en una bóveda o edificio con techo inclinado.

    Antecedentes

    El neoexpresionismo es un estilo de pintura y escultura modernas que surgió a finales de la década de 1970 y dominó el mercado del arte hasta mediados de la década de 1980. Relacionado con la abstracción lírica estadounidense de los años 60 y 70, la Escuela Figurativa del Área de la Bahía de los 50 y 60, la continuación del expresionismo abstracto, la pintura de nuevas imágenes y el arte pop, el neoexpresionismo se desarrolló como una reacción contra el arte conceptual y minimalista de los años setenta. Los neoexpresionistas volvieron a retratar objetos reconocibles como el cuerpo humano (aunque a veces una versión abstracta), de formas ásperas y violentamente emocionales utilizando colores vivos y armonías de color.

    Abiertamente inspirados en los llamados pintores expresionistas alemanes como Emil Nolde, Max Beckmann, George Grosz, Ernst Ludwig Kirchner, y otros artistas expresionistas como James Ensor y Edvard Munch, a los neoexpresionistas a veces se les llamaba Neue Wilden (“los nuevos salvajes”). El estilo surgió internacionalmente y fue visto por la crítica como un renacimiento de los temas tradicionales de autoexpresión en el arte europeo después de décadas de dominio estadounidense.

    Se debatió acaloradamente el valor social y económico del movimiento. Los críticos cuestionaron la relación del neoexpresionismo con la comerciabilidad, el mercado del arte en rápida expansión, la celebridad, la reacción violenta contra el feminismo, el antiintelectualismo y un retorno a temas míticos y métodos individualistas que algunos consideraban anticuados. Las mujeres quedaron marginadas en el movimiento, con pintores como Elizabeth Murray y Maria Lassnig omitidos en muchas de sus exposiciones clave, más notoriamente de la exposición “New Spirit in Painting” de 1981 en Londres que incluyó a 38 pintores masculinos y ninguna pintora femenina.

    Esta litografía retrata un objeto o figura abstracta que parece estar atado con cuerdas o cuerdas y meneándose.

    Elizabeth Murray, Wiggle Manhattan, litografía, 1992: Elizabeth Murray es un ejemplo de una pintora neoexpresionista que fue marginada en el movimiento por su género.

    Neo-expresionismo alrededor del mundo

    Georg Baselitz, nacido en enero de 1938, es un pintor alemán que estudió en la antigua Alemania del Este antes de mudarse a Alemania Occidental. El estilo de Baselitz se interpreta como neoexpresionista, pero desde una perspectiva europea es visto como posmoderno. Su carrera se amplificó en la década de 1960 después de que la policía actuara contra una de sus pinturas por su carácter sexual provocativo y ofensivo.

    Una foto de Georg Baselitz de pie entre su arte.

    Georg Baselitz de Lothar Wolleh (Mülheim, 1971): Las pinturas de Georg Baselitz son representativas del neoexpresionismo.

    Ida Applebroog es una notable pintora estadounidense cuya obra está incluida en muchas colecciones públicas en Estados Unidos. Durante la década de 1990, recibió múltiples honores, entre ellos el Premio de Arte Distinguido de la Asociación de Arte Universitario por el logro vitalicio y un Doctorado Honoris Causa en Bellas Artes de la Nueva Escuela de Investigación Social/Parsons School of Design.

    ¿El neoexpresionismo como arte posmoderno?

    El regreso a la pintura tradicional a finales de los setenta y principios de los ochenta visto en artistas neoexpresionistas como Georg Baselitz y Julian Schnabel ha sido descrito como uno de los primeros movimientos posmodernos coherentes. Su fuerte vínculo con el mercado del arte comercial ha suscitado dudas sobre su condición de movimiento posmoderno y sobre la propia definición del posmodernismo. Hal Foster afirmó que el neoexpresionismo fue cómplice de la política cultural conservadora de la era Reagan-Bush en Estados Unidos. Félix Guattari desestimó las “grandes operaciones promocionales llamadas 'Neo-Expresionismo' en Alemania” como ejemplo de una “moda que se mantiene por medio de la publicidad... el posmodernismo es nada más que el último suspiro del modernismo”.

    Estas críticas al neoexpresionismo revelan que el dinero y las relaciones públicas tensaron la credibilidad del mundo del arte contemporáneo en América durante el mismo período en que artistas conceptuales y mujeres artistas incluyendo pintoras y teóricas feministas como Griselda Pollock estaban reevaluando sistemáticamente el arte moderno . Brian Massumi afirma que Deleuze y Guattari abrieron el horizonte a nuevas definiciones de belleza en el arte posmoderno. Para Jean-François Lyotard, las pinturas de Valerio Adami, Daniel Buren, Marcel Duchamp, Bracha Ettinger y Barnett Newman, y la pintura de Paul Cézanne y Wassily Kandinsky, fueron los vehículos de nuevas ideas de lo sublime en el arte contemporáneo.

    Arte Político

    El arte político en los noventa fue una forma de protesta para los movimientos queer y feministas contra el patriarcado.

    Objetivos de aprendizaje

    Discutir cómo la revelación personal a través del arte se utilizó como herramienta política a lo largo de los años noventa

    Claves para llevar

    Puntos Clave

    • Los años 90 vieron una continuación del arte político mediante el cual comunidades estigmatizadas como minorías raciales, mujeres e individuos LGBT crearon lo que se denomina arte político en oposición al patriarcado.
    • Las Guerrilla Girls son un grupo anónimo de artistas feministas, femeninas dedicadas a combatir el sexismo y el racismo dentro del mundo del arte.
    • La comunidad LGBT respondió a la crisis del SIDA organizando, participando en acciones directas, organizando protestas y creando arte político.
    • El arte callejero puede ser una plataforma poderosa para llegar al público y una potente forma de expresión política para los oprimidos.

    Términos Clave

    • feminismo: Una teoría social o movimiento político que apoye la igualdad de ambos sexos en todos los aspectos de la vida pública y privada; específicamente, una teoría o movimiento que argumenta que se deben eliminar las restricciones legales y sociales a las mujeres para lograr tal igualdad.

    Antecedentes

    Una fuerte relación entre las artes y la política ha existido a través de fronteras culturales y a lo largo de la historia. Las respuestas artísticas a los acontecimientos contemporáneos adquieren dimensiones políticas y sociales, convirtiéndose en un foco de controversia e incluso en una fuerza de cambio político y social. La década de 1990 vio una continuación del arte político en todo el mundo. Las comunidades estigmatizadas como las minorías raciales, las mujeres y los individuos LGBT crearon arte político en oposición al patriarcado.

    La noción de que la revelación personal a través del arte puede ser una herramienta política guiada por el arte activista en su estudio de las dimensiones públicas y la experiencia privada. Las estrategias desplegadas por las artistas feministas son paralelas a las de otros artistas activistas, entre ellas “la colaboración, el diálogo, el cuestionamiento constante de las suposiciones estéticas y sociales, y un nuevo respeto por el público”. Estos fueron utilizados para articular y negociar temas de autorrepresentación, empoderamiento e identidad comunitaria.

    Las Guerrillas

    Las Guerrilla Girls son un grupo anónimo de artistas feministas, femeninas dedicadas a combatir el sexismo y el racismo dentro del mundo del arte. El grupo se formó en la ciudad de Nueva York en 1985 con la misión de enfocar la desigualdad de género y racial en las bellas artes dentro de la comunidad en general. Los integrantes son conocidos por las máscaras de gorila que usan para permanecer en el anonimato

    A lo largo de su existencia, las Guerrilleras han utilizado el arte de protesta para expresar sus ideales, opiniones e inquietudes, así como para recaudar fondos para el grupo. Sus carteles, que ahora están en las colecciones del Museo de Arte Moderno y otros contra los que alguna vez protestaron, son conocidos por sus afirmaciones audaces como, “Cuando el racismo y el sexismo ya no están de moda, ¿qué valdrá tu colección de arte?” En los primeros días, los carteles se hicieron una lluvia de ideas, se diseñaron, criticaron y se publicaron alrededor de Nueva York. Los pequeños folletos basados en sus diseños también fueron difundidos en eventos por miles.

    Una foto de una cartelera describiendo el “Oscar anatómicamente correcto” y señalando hechos sobre la desigualdad en los Oscar.

    Cartelera de Guerrilla Girls: La cartelera de Guerrilla Girls en Los Ángeles protesta por el dominio masculino blanco en los Oscar en 2009.

    En 1990, el grupo diseñó una cartelera con Mona Lisa que fue colocada a lo largo de la West Side Highway, apoyada por el fondo de arte público de la ciudad de Nueva York. Por un día, la MTA Bus Company de Nueva York también mostró anuncios de autobuses preguntando: “¿Las mujeres tienen que desnudarse para entrar al Museo Met?” Las pegatinas también se convirtieron en tarjetas de visita populares representativas del grupo. A mediados de la década de 1980 miembros se infiltraron en los baños del Museo Guggenheim y colocaron pegatinas sobre la desigualdad femenina en las paredes.

    Desde 2002, Guerrilla Girls, Inc. ha diseñado e instalado vallas publicitarias en Los Ángeles durante los Oscar para exponer el dominio masculino blanco en la industria cinematográfica, como: “Óscar anatómicamente correctos”, “Incluso el Senado es más progresista que Hollywood” y “El nacimiento del feminismo, desencadenar a las mujeres directoras”. Guerrilla Girls también han publicado libros que incluyen sus datos estadísticos, información sobre las artes de protesta y metas con respecto a la desigualdad en el mundo del arte. Su primer libro, Confesiones de las Guerrillas

    Los derechos LGBT y la crisis del sida

    La crisis del SIDA de la década de 1980 provocó un estigma creciente contra la comunidad de lesbianas, gays, bisexuales y transgénero (LGBT), quienes a su vez protestaron con arte político y activismo.

    La comunidad LGBT respondió a la crisis del SIDA organizando, participando en acciones directas, organizando protestas y creando arte político. Algunos de los primeros intentos de llamar la atención sobre la nueva enfermedad fueron escenificados por las Hermanas de la Indulgencia Perpetua, una organización de protesta y performance callejera que utiliza drag e imágenes religiosas para llamar la atención sobre la intolerancia sexual y satirizar temas de género y moralidad. Al inicio del grupo en 1979, un pequeño grupo de hombres homosexuales en San Francisco comenzó a usar el atuendo de monjas en situaciones visibles, utilizando el campamento alto para llamar la atención sobre los conflictos y problemas sociales en el Distrito Castro.

    Uno de sus proyectos más perdurables de las Hermanas de la Indulgencia Perpetua es el NAMES Project AIDS Memorial Quilt, en el que se inmortalizan a los miembros que han fallecido (referidas como “Monjas de lo Arriba”). Creada a principios de la década de 1990, la colcha se ha volado frecuentemente por los Estados Unidos para exhibiciones locales.

    Una foto de la colcha en Washington DC, mostrando su enorme tamaño.

    The AIDS Memorial Quilt: The NAMES Project AIDS Memorial Quilt, a menudo abreviado como AIDS Memorial Quilt, es una enorme colcha hecha como monumento conmemorativo para celebrar la vida de las personas que han muerto por causas relacionadas con el sida. Con un peso estimado de 54 toneladas, es la pieza de arte popular comunitario más grande del mundo a partir de 2016.

    Arte Callejero

    El arte callejero es un término general que define formas de arte visual creadas en lugares públicos, generalmente obras de arte no autorizadas ejecutadas fuera del contexto de lugares de arte tradicionales. El término ganó popularidad durante el boom del arte del graffiti de principios de la década de 1980. Los términos “arte urbano”, “arte guerrillero”, “post-graffiti” y “neo-graffiti” también se utilizan a veces cuando se hace referencia a obras de arte creadas en estos contextos.

    Existe una fuerte corriente de activismo y subversión en el arte urbano, ya que puede ser una poderosa plataforma para llegar al público y una potente forma de expresión política para los oprimidos. Algunos artistas callejeros utilizan el “vandalismo inteligente” como una forma de crear conciencia sobre temas sociales y políticos, especialmente en torno a temas de raza y racismo. Los artistas callejeros a veces presentan contenido socialmente relevante infundido con valor estético para llamar la atención sobre una causa o como una forma de “provocación artística”. El arte callejero es un tema polémico: algunas personas lo consideran un delito, otros lo consideran una forma de arte.

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