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14.6: Introducción al arte escénico

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    Cuando el arte se cruza con la vida

    Muchas personas asocian el arte escénico con controversias muy publicitadas sobre el financiamiento gubernamental de las artes, la censura y los estándares de decencia pública. En efecto, en su peor momento, el arte performance puede parecer gratuito, aburrido o simplemente extraño. Pero, en su mejor momento, aprovecha nuestros instintos compartidos más básicos: nuestras necesidades físicas y psicológicas de alimentación, refugio, sexo e interacción humana; nuestros miedos individuales y autoconciencia; nuestras preocupaciones sobre la vida, el futuro y el mundo en el que vivimos. A menudo nos obliga a pensar en temas de una manera que puede ser inquietante e incómoda, pero también puede hacernos reír llamando la atención sobre los absurdos de la vida y las idiosincrasias del comportamiento humano.

    Varias líneas pequeñas. Los nombres de los pueblos y una fecha se escriben al lado de cada línea. Las líneas y palabras se superponen entre sí, especialmente en la parte central de la línea. Las líneas más altas o más bajas en la pared destacan mucho más. Estas líneas crean una franja no uniforme alrededor de toda la habitación.
    Figura\(\PageIndex{1}\). Roman Ondák, Measuring the Universe, 2007, se muestra promulgada en el MoMA, 2009

    El arte escénico se diferencia del teatro tradicional en su rechazo a una narrativa clara, el uso de estructuras aleatorias o basadas en la casualidad y el atractivo directo al público. La historiadora del arte Roselee Goldberg escribe:

    Históricamente, el arte escénico ha sido un medio que desafía y viola las fronteras entre disciplinas y géneros, entre lo privado y lo público, y entre la vida cotidiana y el arte, y que no sigue reglas. [1]

    Si bien el término abarca una amplia gama de prácticas artísticas que involucran la experiencia corporal y la acción en vivo, sus connotaciones radicales derivan de este desafío a las costumbres sociales convencionales y los valores artísticos del pasado.

    Fuentes Históricas

    Si bien el arte escénico es un área relativamente nueva de la historia del arte, tiene raíces en el arte experimental de finales del siglo XIX y principios del XX. Haciéndose eco de ideas utópicas de la vanguardia de la época, estos primeros ejemplos encontraron influencias en la interpretación teatral y musical, el arte, la poesía, el burlesque y otros entretenimientos populares. Los artistas modernos utilizaron eventos en vivo para promover creencias extremistas, a menudo a través de provocación deliberada e intentos de ofender los gustos o expectativas burguesas. En Italia, el grupo anarquista de artistas futuristas insultó y lanzó blasfemias a sus audiencias de clase media con la esperanza de incitar a la acción política.

    Después de la Segunda Guerra Mundial, la performance surgió como una forma útil para que los artistas exploraran cuestiones filosóficas y psicológicas sobre la existencia humana. Para esta generación, que había sido testigo de la destrucción causada por el Holocausto y la bomba atómica, el cuerpo ofrecía un poderoso medio para comunicar experiencias físicas y emocionales compartidas. Mientras que la pintura y la escultura confiaban en la forma expresiva y el contenido para transmitir significado, el arte escénico obligó a los espectadores a interactuar con una persona real que podía sentir frío y hambre, miedo y dolor, emoción y vergüenza, al igual que ellos.

    Acción y Contingencia

    Algunos artistas, inspirados en gran parte por el expresionismo abstracto, utilizaron la performance para enfatizar el papel del cuerpo en la producción artística. Trabajando ante una audiencia en vivo, Kazuo Shiraga del Grupo Gutai japonés hizo escultura arrastrándose a través de un montón de barro. Georges Mathieu escenificó actuaciones similares en París donde arrojó violentamente pintura a su lienzo. Estos enfoques performativos para hacer arte se basaban en interpretaciones filosóficas del expresionismo abstracto, que sostenían las marcas gesturales de los pintores de acción como evidencia visible de la propia existencia del artista. Reforzado por las fotografías de Hans Namuth de Jackson Pollock en su estudio, moviéndose como una danza alrededor de un lienzo en el piso, artistas como Shiraga y Mathieu comenzaron a ver el acto creativo del artista como igualmente importante, si no más, para la obra producida. Ante esta luz, los característicos goteos, derrames y salpicaduras de Pollock aparecieron como un mero remanente, un rastro visible sobrante desde el momento de la creación.

    Desplazar la atención del objeto artístico a la acción del artista sugirió además que el arte existía en el espacio real y en el tiempo real. En Nueva York, los artistas visuales combinaron su interés por la pintura de acción con ideas del compositor vanguardista John Cage para difuminar la línea entre el arte y la vida. Cage empleó procedimientos de azar para crear composiciones musicales como 4′33″. En esta (in) famosa pieza, Cage utilizó el marco de tiempo especificado en el título para colocar entre corchetes los ruidos ambientales que ocurrieron aleatoriamente durante la actuación. Al llamar la atención de manera efectiva sobre el zumbido de las luces fluorescentes, la gente que se mueve en sus asientos, tose, susurros y otros sonidos ordinarios, Cage los transformó en una composición musical única.

    Lo privado hecho político

    Sobre la base de estas influencias, surgieron nuevos formatos artísticos a finales de la década de 1950. Entornos y Acontecimientos colocaban físicamente a los espectadores en entornos comunes, obligándolos a menudo a participar en una serie de acciones poco estructuradas. Los artistas, poetas y músicos de Fluxus también desafiaron a los espectadores al presentar los eventos más mundanos: cepillarse los dientes, hacer una ensalada, salir del teatro, como formas de arte. Un ejemplo bien conocido es el “bed-in” que la artista de Fluxus Yoko Ono escenificó en 1969 en Ámsterdam con su esposo John Lennon. Típico de gran parte del arte escénico, Ono y Lennon hicieron de la actividad humana ordinaria un espectáculo público, que exigió la interacción personal y elevó la conciencia popular de sus creencias pacifistas.

    En el entorno politizado de la década de 1960, muchos artistas emplearon la performance para abordar las preocupaciones sociales emergentes. Para las artistas feministas en particular, el uso de su cuerpo en presentaciones en vivo resultó efectivo para desafiar representaciones históricas de mujeres, hechas principalmente por artistas masculinos para mecenas masculinas. Siguiendo la tradición pasada, artistas como Carolee Schneemann, Hannah Wilke y Valie Export exhibieron sus cuerpos desnudos para la mirada del espectador; pero, resistieron la noción idealizada de la mujer como objetos pasivos de belleza y deseo. A través de sus palabras y acciones, confrontaron a sus audiencias y plantearon temas sobre la relación de la experiencia femenina con las creencias e instituciones culturales, la apariencia física y las funciones corporales, incluyendo la menstruación y la maternidad. Su obra pionera allanó el camino para artistas masculinos y femeninos en las décadas de 1980 y 1990, quienes de manera similar utilizaron el arte corporal y performance para explorar temas de género, raza e identidad sexual.

    ¿Dónde Está?

    A lo largo de mediados del siglo XX, la performance ha estado estrechamente ligada a la búsqueda de alternativas a las formas de arte establecidas, que muchos artistas consideraron que se habían fetichizado como objetos de valor económico y cultural. Debido a que el arte escénico enfatizaba la acción del artista y la experiencia del espectador en el espacio y el tiempo reales, rara vez cedía un objeto final para ser vendido, coleccionado o exhibido. Los artistas de las décadas de 1960 y 1970 también experimentaron con otros formatos “desmaterializados” como Movimiento de Tierra y Arte Conceptual que resistieron la mercantilización y los modos tradicionales de exhibición museística. El auge simultáneo de la fotografía y el video, sin embargo, ofreció a los artistas una forma viable de documentar y distribuir ampliamente esta nueva obra.

    La aceptación del arte performance en la corriente principal en los últimos 30 años ha llevado a nuevas tendencias en su práctica y comprensión. Irónicamente, la necesidad de posicionar la performance dentro de la historia del arte ha llevado a museos y académicos a centrarse en gran medida en fotografías y videos que solo se pretendían como documentos de eventos en vivo. En este contexto, dichos materiales de archivo asumen el estatus artístico de la performance original. Esta práctica va en contra del objetivo de muchos artistas, quienes primero recurrieron a la performance como alternativa a las formas de arte basadas en objetos. Alternativamente, algunos artistas e instituciones ahora escenifican recreaciones de actuaciones anteriores para recuperar la experiencia de un evento en vivo. En una exposición retrospectiva de 2010 en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, por ejemplo, los artistas intérpretes o ejecutantes de las galerías protagonizaron recreaciones en vivo de obras de la pionera artista performance Marina Abramovic, junto con fotografías y videodocumentación de las representaciones originales.

    No Probar Esto En Casa

    Recientemente han comenzado a aparecer nuevas estrategias, descritas como situaciones, estética relacional y arte intervencionista. Interesado en el papel social del artista, Rirkrit Tiravanija pone en escena actuaciones que fomentan el intercambio interpersonal y la conversación compartida entre individuos que de otra manera no se encontrarían. Sus actuaciones han incluido cocinar cenas tradicionales tailandesas en museos para que los espectadores las compartan, y reubicar todo el contenido de las oficinas y trasteros de una galería, incluido el director en su escritorio, en áreas públicas utilizadas para exhibir arte. Similar al arte escénico del pasado, tales enfoques involucran al espectador y fomentan su participación activa en la producción artística; sin embargo, también hablan de un cambio cultural hacia modos interactivos de comunicación e intercambio social que caracterizan al siglo XXI.


    1. Roselee Goldberg. Performance: Arte en vivo desde los años 60, Nueva York: Thames & Hudson, 1998, página 20.

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