13.4: Fotografía

Fotógrafo	Enfoque Materia	Formato General
Ansel Adams	Naturaleza, Paisaje	Impresiones
Parques Gordon	Moda, Pobreza, Deportes, Retratos	Fotos de revistas, Documental
Dorothea Lange	Temas sociales	Documental
Margaret Bourke-Blanco	Temas sociales, corresponsal de la Segunda Guerra Mundial	Fotos de la revista
Alfred Stieglitz	Figuras, Cuadros Originales	Impresiones, Exposición

Al contemplar una fotografía de Ansel Adams en el centro de visitantes en el Parque Nacional Grand Teton y contemplar los icónicos Tetons y el río Snake (13.48) de 1942, se intenta pensar en caminar por los picos mágicos de los Tetons, seguir los pasos de Adams y tratar de visualizar el imágenes que captó hábilmente. Ansel Adams (1902-1984) fue uno de los fotógrafos más famosos de Estados Unidos y un ambientalista dedicado. Utilizando películas en blanco y negro para capturar los paisajes de los preciados parques nacionales de Estados Unidos, ayudó en la preservación de miles de acres de tierra. Nacido en San Francisco, California, y siguiendo la devoción de su padre por las ideas de Ralph Waldo Emerson, entendió la belleza del paisaje natural en su vecindario y desarrolló una apreciación por el medio ambiente que se convertiría en su foco de toda la vida.

“Vivir una vida modesta y moral guiada por una responsabilidad social hacia el hombre y con la naturaleza” — Ralph Waldo Emerson

13.48 Tetones y el río Serpiente

Durante la década de 1920, Adams comenzó su carrera en la fotografía siguiendo el movimiento foto-secesión del famoso fotógrafo Alfred Stieglitz. En los días previos a Photoshop, lo que se capturó en película fue la fotografía. La habilidad de la fotografía estaba en manos y ojos del artista, y Adams tenía un don de paciencia. Un fotógrafo no puede simplemente caminar hasta Half Dome en Yosemite Park y tomar una hermosa foto, y toma horas o días capturar la imagen deseada basada en la luz perfecta en la estación adecuada. En la década de 1930, Adams viajó extensamente para tomar fotografías, demostrando su trabajo un nivel de experiencia de un maestro. Produjo libros de sus fotografías; el libro Taos Pueblo (13.49) fue un pictórico del oeste de Estados Unidos y uno de sus libros más inspiradores. El papel dentro del libro fue creado para que Adams pudiera imprimir directamente sobre el papel produciendo una extraordinaria gama tonal sobre una superficie mate.

13.49 Taos

13.50 Tarde en el Lago McDonald

13.51 Hojas en el Parque Nacional Glacier

A principios de la década de 1940, Adams contrató con el Departamento del Interior para tomar fotografías de los parques nacionales de Estados Unidos. Tarde en el lago McDonald (13.50) es una imagen que capturó del lago en el Parque Nacional Glacier durante una ruptura momentánea en las nubes. Hojas en el Parque Nacional Glacier (13.51) es un detallado primer plano de la estructura de hojas de uno de los árboles del parque. Adams grabó la naturaleza en fotografías durante casi sesenta años y obtuvo muchos premios por sus espectaculares imágenes y su contribución a la conservación.

Gordon Parks (1912-2006) fue otro fotógrafo y director de cine estadounidense mejor conocido por sus ensayos fotográficos para la revista Life. Parks creció en una granja en Kansas y asistió a una escuela segregada. Sus padres murieron cuando él era un adolescente, y él estaba en la calle para valerse por sí mismo. Al comprar su primera cámara en una casa de empeño a los 25 años, Parker comenzó a capturar fotografías de la vida cotidiana en Chicago. American Gothic (13.52) es un retrato de Ella Watson, quien trabajó en el personal de limpieza en el edificio de la FSA. El gótico americano original (13.53) de Grant Wood está claramente representado en la fotografía de Parks, una parodia para demostrar la desigualdad en América. La fotografía de Parks muestra a una madre negra soltera sosteniendo tanto una fregona como una escoba, las cuales usaba a diario para limpiar oficinas. El movimiento de derechos civiles en Estados Unidos estaba en marcha para dar derechos a todos los estadounidenses. La imagen final es una de Ella Watson y su familia (13.54) en su casa después de limpiar toda la noche, sentada en los estrechos cuartos de su espacio.

13.52 Gótico americano

13.52 Gótico americano

13.54 Ella Watson y su familia

Madre migrante, icono de la depresión estadounidense, es una de las fotografías más reconocidas de Dorothea Lange (1895-1965). Nacida en Nueva Jersey, contrajo poliomielitis a una edad temprana, lo que le dañó la pierna derecha, provocando que cojeara el resto de su vida. La salud de Lange contribuyó a sus fotografías dramáticas porque pudo sentarse inmóvil durante horas en un solo lugar. Nunca se apresuró y se unió a su coraje, y capturó algunas de las mejores fotografías de Estados Unidos.

13.55 Madre migrante

13.56 Manzanar

Madre Migrante (13.55) fue una serie de fotografías tomadas mientras estaba en asignación para la Administración de Reasentamiento de la Oficina de Administración de Seguridad Agrícola. Lange estaba en Nipomo, California, cuando se percató de una madre con varios hijos en una tienda de campaña. Ella tomó cinco fotos, cada vez más cerca que la última hasta que produjo la fotografía final y el testigo ocular de la historia.

Manzanar (13.56) fue uno de los Campamentos de Internamiento Japoneses basados en la Orden Ejecutiva 9066 El presidente Roosevelt autorizó a remover y encarcelar a estadounidenses de ascendencia japonesa por la fuerza. Lange fue contratado para fotografiar el proyecto de reubicación masiva y retratarlo como una necesidad de los requisitos de la guerra estadounidense. Lange no compartió la misma opinión que con el gobierno y luchó por justificar su trabajo, inspirándola a capturar el sufrimiento y la miseria de los ciudadanos estadounidenses en los campamentos. La obra de Lange fue rechazada y no publicada hasta 40 años después en un libro después de su muerte. Lange no se alejó de la injusticia y fotografió las historias reales.

Otra gran fotógrafa estadounidense fue Margaret Bourke-White (1904-1971). Es mejor conocida por sus fotos en la Unión Soviética y por ser la primera fotógrafa de guerra extranjera. Nacida en Nueva York, su interés por la fotografía comenzó a temprana edad, y después de la universidad trabajó en un estudio de fotografía comercial. Bourke-White fue la primera mujer en volar con la Fuerza Aérea de Estados Unidos en una misión de combate, y con el estallido de la Segunda Guerra Mundial, ya era corresponsal de guerra establecida. Tomó algunas de las imágenes críticas de la guerra (13.57) durante sus tareas, poniendo la guerra en foco. También viajó a la India y Pakistán durante su conflicto y registró hechos de cada país, entre ellos la imagen de Gandhi sentado en una rueda giratoria unas horas antes de que fuera asesinado.

13.57 Volantes

Una de las influencias más significativas en la fotografía moderna fue Alfred Stieglitz (1864-1946). Stieglitz era un fotógrafo estadounidense, dueño de la famosa Galería Stieglitz en la ciudad de Nueva York, y estaba casado con Georgia O'Keefe. A principios del siglo ^XX, Stieglitz era un artista consumado y comenzó a fotografiar escenas cotidianas en la ciudad de Nueva York. Terminal (13.58) es una escena callejera de la ciudad con un caballo y un carro pasando por las montañas de nieve en el suelo, vapor visto elevándose de los caballos y de sus fosas nasales.

El Canal Veneciano (13.59) y un retrato de Katherine Stieglitz (13.60) son dos ejemplos más de la capacidad artística de Stieglitz con la cámara. El retrato de su hija es blanco y negro; sin embargo, el movimiento en su momento era colorear fotografías a mano, dándoles una apariencia de fotografía coloreada. Las fotografías de Venecia fueron tomadas durante un viaje de nueve años a Europa y aparecieron en muchas revistas. La foto fue tomada usando un método de impresión sencillo, sin retocar. El enfoque suave de la foto proviene de la luz de la madrugada, y el primer plano está casi garantizado con los pequeños y apretados canales venecianos.

13.58 Terminal

13.59 Katherine Stieglitz

13.60 Canal Veneciano

Cuando Stieglitz estaba cerca del final de su vida, le preguntaron cuál le pareció la fotografía perfecta y respondió:

“Estaré sentada con el plato de una foto que acabo de tomar en mis manos. Será la foto que siempre he sabido que algún día podría tomar. Será la fotografía perfecta, encarnando todo lo que siempre he querido decir. Yo solo lo habré desarrollado; solo lo habré mirado; solo he visto que era exactamente lo que quería. El cuarto estará vacío, tranquilo. Las paredes estarán desnudas — limpias. Me sentaré mirando la foto. Se me resbalará de las manos, y se romperá a medida que cae al suelo. Voy a estar muerto. Ellos vendrán. Nadie jamás habrá visto el cuadro ni sabrá lo que era” [2].