13.3: Esculturas

Escultor	País	Medio Habitual
Auguste Rodin	Francia	Bronce
Henry Moore	Inglaterra	Bronce, fibra de vidrio fundida
Alexander Calder	Estados Unidos	Metal
Ellen Neel	Canadá	Madera
Gastón Lachaise	Estados Unidos	Bronce
Isamu Noguchi	Estados Unidos	Acero
George Segal	Estados Unidos	Bronce
Käthy Kollwitz	Alemania	Bronce
Elizabeth Catlett	Estados Unidos	Bronce
Maya Lin	Estados Unidos	Granito
Louise Bourgeois	Francia, Estados Unidos	Multimedia

La escultura moderna provocó un cambio considerable en el arte al desviarse de las formas clásicas, dejando a los artistas explorar y divergir del período renacentista. Muchos de los escultores modernos de principios del ^siglo XX pudieron crear lo que deseaban y experimentar, redefiniendo la escultura, inculcando la libertad de usar materiales modernos e ideologías modernas del diseño. Se considera que la escultura moderna comenzó con la obra del escultor francés, Auguste Rodin (1840-1917). Optando por renunciar a los temas tradicionales y clásicos de alegoría o mitología, Rodin dio forma al cuerpo humano con realismo, fisicalidad y personalidad excepcionales.

El Pensador (13.23) fue quizás la obra más famosa de Rodin, conocida en todo el mundo como el símbolo clásico de un hombre profundo en el pensamiento. La obra es una figura masculina desnuda sentada sobre una roca fundida en bronce de unos 186 centímetros de altura. El cuerpo musculoso crudo es retratado con la cabeza bajada sobre la mano, luchando por comprender la condición humana, tratando de entender cómo el pensamiento y la razón impactan en el mundo. Veintiocho piezas fundidas de bronce de tamaño completo se encuentran en museos de todo el mundo. Los burgueses de Calais (13.24) se basaba en la larga guerra entre Inglaterra y Francia, los burgueses se rindieron y esperaban la muerte. Sus pies están sobredimensionados como si todavía quisieran estar anclados en este mundo, se les quitaron los sombreros y las cuerdas colgaban de sus cuellos. Las vidas de las figuras de bronce ilustradas en la escultura emocional finalmente se salvaron.

13.23 El Pensador

13.24 Burghers de Calais

Un escultor y artista inglés semiabstracto Henry Spencer Moore (1898 —1986) creó esculturas monumentales de bronce ubicadas en todo el mundo, designadas como obras de arte públicas. Figura Sentada Drapada (13.26) es una forma humana abstraída de bronce caprichosa de una mujer en posición reclinada. Moore fue muy influenciado por la piedra Chac Mool (13.25) en Chichén Itzá en la Península de Yucatán. La figura reclinada fue un tema común en muchas de las obras de Moore y se volvió más estilizada, como se demostró en la versión de fibra de vidrio Reclining Figure (13.27).

13.25 Chac Mool

13.26 Figura sentada drapeada

13.27 Figura reclinada

“Toda mi teoría sobre el arte es la disparidad que existe entre la forma, las masas y el movimiento”. ^[1]

13.28 Konigstrasse

13.29 Grande Arrugado

Utilizando materiales modernos como chapa pintada y varillas metálicas, el artista estadounidense Alexander Calder (1898 —1976), quien inicialmente se formó como ingeniero, fue el creador del móvil cinético. Respondiendo únicamente a las corrientes de aire, los móviles estaban delicadamente equilibrados o suspendidos, creando esculturas móviles (13.28), (13.29). El audaz uso del color de Caldor en sus esculturas y los requisitos de ingeniería para el equilibrio le dan a su arte una apariencia única. Algunos de sus móviles hicieron un sonido, otros se movían con el viento, y varios eran grandes esculturas estáticas (13.30).

13.30 Grand Rapids Calder

La primera mujer conocida en tallar tótems profesionalmente fue la escultora Ellen Neel (1916-1966), una artista Kwakwaka'wakw de Columbia Británica. Aprendiendo a tallar Northwest de su abuelo materno, comenzó tallando pequeños tótems para vender, teniendo el éxito suficiente como para tallar postes más grandes. El arte del Kwakwaka'wakw es similar a otro arte del noroeste, pero se hacen cortes más profundos en la madera del tótem. La pintura se utiliza para enfatizar una figura o motivo, y la adición de picos y alas para piezas en la parte delantera y laterales, sobresalen hacia afuera, dando la sensación de un pájaro volador.

13.31 Parte superior del tótem

Neel probablemente usó cedro rojo occidental para los tótems más imponentes, un árbol abundante y considerable en el noroeste americano. Los cedros amarillos se utilizaron generalmente para proyectos más pequeños. Los tótems se colocaron fuera de la casa y se utilizaron para mostrar información sobre la familia, mientras que otros tótems podrían usarse como postes de bienvenida, postes conmemorativos o postes avergonzados. Cada uno de los símbolos, tallas y pinturas tenía un significado particular. La parte superior del poste muestra el pico del águila ampliamente curvado (13.31), un cuervo tendría un pico recto, el castor incisionado con grandes dientes frontales. Las figuras talladas en el poste (13.32) estaban entrelazadas, conectadas por significados simbólicos. Algunos de los tótems de Neel se exhiben en Stanley Park, así como en museos.

13.32 Tótem

Gastón Lachaise (1882-1935) fue un escultor estadounidense en el período modernista temprano del ^siglo XX. Educado en su Francia natal, se enamoró de una mujer, la siguió a Estados Unidos, y usó con adoración ese amor para definir sus conceptos de estatua femenina. Creada en 1932 en bronce, la escultura Standing Woman (13.33), es una voluptuosa mujer desnuda que se convirtió en su pieza distintiva. Influenciado en los valores estadounidenses por su esposa, redefinió el desnudo femenino en una figura influyente y empujó los límites, innovando la definición del cuerpo femenino. Su pie derecho sale, la cadera hacia adelante en una postura tradicional de contrapposto con las manos sobre las caderas, al mando del espacio. Figura Flotante (13.34) también retrata la fuerza de la figura, sentada a gusto con las piernas cruzadas, su mano gesticulando como si demostrara sus pensamientos.

13.33 Mujer de pie

13.34 Mujer Flotante

Isamu Noguchi (1904 —1988) fue un destacado artista japonés-estadounidense que comenzó su carrera esculpiendo bustos, luego recurrió al arte abstracto en la década de 1930 antes de ser internado voluntariamente en el Posto Camp en 1942, continuando con sus diseños y dibujos mientras en el campamento regresó a la ciudad de Nueva York después la guerra. El Cubo Rojo (13.35) es un paralelogramo tridimensional, no un cubo. El cubo está hecho de acero y diseñado para colaborar con la definición horizontal y vertical de los edificios circundantes, el cubo ubicado en la diagonal, pareciendo estar rodando. Zwillingsplastik (13.36) está hecho en dos partes, la pequeña parte que parece soportar la sección más significativa, el área faltante iguala a la parte más pequeña, dando a la escultura una sensación de flotación.

13.35 El Cubo Rojo

13.36 Zwillingsplastik

George Segal (1924 — 2000) fue un pintor y escultor estadounidense asociado al movimiento Pop Art. Segal es mejor conocido por sus esculturas de tamaño natural fundidas con vendajes de yeso. Segal envolvería un modelo en yeso, retiraría las formas endurecidas y las volvería a unir para formar una impresión hueca del modelo. Utilizando la textura rugosa de los vendajes de yeso a su favor, moldearía la forma final en bronce.

Segal no colocó sus figuras en pedestales ni en el centro de una plaza, y las colocó en situaciones de la vida real demostradas en Depression Bread Line (13.37). La vestimenta de los hombres y su postura indican sus situaciones nefastas mientras esperan en la fila el pan. Él echó las estatuas de bronce a partir de yeso para darle un aspecto desgastado a la ropa masculina, realzando el aspecto de indigencia. El Memorial del Holocausto (13.38) en San Francisco, los cadáveres sembrados en el suelo, el superviviente demacrado parado en la barda. Segal creó la escultura en bronce patinado en blanco, sumando al impacto de la escena.

13.37 Línea de Pan Depresión

13.38 Memorial del Holocausto

Las esculturas modernas demuestran nuestra necesidad de entender el mundo, especialmente en el complejo mundo moderno y en constante cambio, y Käthe Kollwitz (1867 - 1945), un artista alemán, creó un cuerpo de obra que retrata relatos elocuentes pero complejos de la vida humana, especialmente sobre la tragedia de la guerra. Utilizando múltiples medios, entre ellos grabado, xilografía, dibujo, pintura y escultura, reprodujo las emociones de la guerra.

La muerte del hijo de Kollwitz la llevó a crear el memorial Madre con Su Hijo Muerto (13.39) para él. Similar a la Pieta, Kollwitz posicionó a su hijo acostado entre sus rodillas mientras ella acunaba su cuerpo. Su rostro muestra un reflejo de su dolor, la pérdida de su hijo en la guerra. La estatua se posiciona en el centro de una habitación grande (13.40) creando una sensación de aislamiento que solo potenció las emociones de sufrimiento y tristeza. El monumento de bronce es un homenaje a todas las víctimas de la guerra y la tiranía.

13.39 Madre con su hijo muerto

13.40 Instalación de escultura

Elizabeth Catlett (1915-2012) fue una artista estadounidense que supo desde temprana edad que quería ser artista, asistiendo a la Universidad Howard. También vivió en México y fue influenciada por el arte de Rivera y Kahlo y creó grabados abstractos y esculturas centrándose en las experiencias de mujeres de minorías que trabajaban en trabajos difíciles y mal pagados. Sus esculturas se conformaron en bustos y figuras de pie, entre ellas las de Mahalia Jackson (13.41) y Stepping Out (13.42), la mujer lista para salir por la noche.

13.41 Mahalia Jackson

13.42 Bajando

13.43 Monumento a Vietnam

Maya Lin (nacida en 1959) era una estudiante universitaria que estudiaba arquitectura cuando presentó su diseño para un concurso nacional por conceptos de un nuevo monumento a los veteranos de Vietnam. Su diseño era muy inusual y a diferencia de la tradición general de los homenajes conmemorativos. Ella propuso construir un muro de granito en forma de V, con los nombres de cada soldado que fue asesinado o aún desaparecido, inscritos en la pared. El muro se inclinaba por debajo del nivel del suelo (13.43) visto desde el aire, la larga pasarela a lo largo de la pared altamente pulida (13.44). El nuevo muro polémico, se ha convertido en un homenaje aceptado y esencial a los veteranos de la polémica guerra, a la que asistieron muchos para visitar a un soldado caído (13.45), colocar flores o colgar banderas. El muro diseñado por Lin se convirtió en un modelo para monumentos y esculturas nuevos e inusuales. El Memorial de Derechos Civiles (13.46) en Alabama también fue diseñado por Lin utilizando el granito profundo y oscuro e inscribiendo los homenajes a los lados.

13.44 Muro en monumento

13.45 Soldado lee nombres

13.46 Memorial de Derechos Civiles, Alabama

Louise Bourgeois (1911-2010) nació en París y aprendió a dibujar ayudando en el negocio de tapices de sus padres. Cuando se casó y se mudó a Nueva York, inicialmente se centró en la pintura y el grabado antes de trabajar con esculturas. Uno de sus temas significativos para las esculturas fue la araña (13.47). Ella esculpió múltiples tamaños de arañas, desde inmensas imágenes al aire libre hasta pequeñas estatuas íntimas, todas utilizando diferentes materiales. Consideró que las arañas eran feroces pero frágiles en su diseño y la fragilidad se refleja en las patas irregulares y delgadas de las esculturas de araña, de pie torpemente en posición.

13.47 Araña