15.2: Instalación y Escultura

Con la globalización del arte y los artistas, el arte público se ha ampliado, ya no es una pintura en la pared o la estatua en la plaza pública. Las instalaciones de arte y esculturas incluyen ideas experimentales, instalaciones de gran tamaño que cubren una sala del museo o áreas de grandes espacios públicos, acercando al público a la obra de arte con vistas multidimensionales. El artista, los arquitectos de la construcción o los artesanos locales que hacen las partes de la instalación artística ahora colaboran para crear un resultado exitoso.

Nombre	País Nativo
Ai Weiwei	China
Yayoi Kusama	Japón
Kara Walker	Estados Unidos
Dale Chihuly	Estados Unidos
Nam June Paik	Corea
Andy Goldsworthy	Inglaterra
Anatsui	Ghana
Mona Hatoum	Palestina
Judy Chicago	Estados Unidos
Christo	Bulgaria
Jeanne-Claude	Marruecos
Ruth Asawa	Estados Unidos
Esther Mahlangu	Sudáfrica

Ai Weiwei (nacido en 1957) es una artista china contemporánea y consultora artística en el Estadio Nacional de Beijing para los Juegos Olímpicos de 2008. Weiwei estudió animación en la Academia de Cine de Beijing y es fundador del grupo de arte Avant-Garde llamado 'Stars'. Explorando los temas de la libertad de expresión y los derechos humanos, expuso con las Estrellas en Beijing. Weiwei asistió a la Parson School of Design en Nueva York y pasó ocho años tomando fotografías. Regresó a China cuando su padre enfermó y comenzó a trabajar en el arte político. En 2010, fue puesto bajo arresto domiciliario por la policía cuando el gobierno se opuso a sus ideas políticas.

En 2014, Weiwei creó una instalación de arte para explorar los temas de la libertad de expresión y los derechos humanos en la isla de Alcatraz, una famosa prisión insular en la bahía de San Francisco. Weiwei no pudo salir de China para asistir a la inauguración pero envió todos los trabajos para la instalación, confiando en otros para instalar adecuadamente su obra, utilizando 12 millones de piezas de Lego (15.1) para crear los 176 cuadros de azulejos de presos políticos, creando un diálogo sobre cómo las personas definen los derechos individuales, la libertad y justicia y responsabilidad personal. Añadió flores de porcelana y cometas chinas, (15.2) incorporándolas en toda la prisión. En una de las habitaciones grandes, una cometa dragón sobredimensionada y colorida colgaba del techo y en otra habitación carpetas sobre los disidentes proporcionaban información junto con postales que los espectadores podían enviar.

15.1 Ai Weiwei en Alcatraz, Trace

15.2 Ai Weiwei en Alcatraz, Con Viento

El arte de Marchel Duchamp, quien utilizó objetos utilitarios para crear su obra de arte, influyó en Weiwei al principio de su vida. Forever Bicyles (15.3) es una instalación Weiwei hecha a partir de casi 1,300 bicicletas. Su concepto se basaba en las bicicletas producidas en masa en su ciudad natal, pero demasiado caras para aquellos sin recursos económicos. La estructura de las bicicletas de acero formó un túnel para que los espectadores vieran el interminable rompecabezas de partes entretejidas contra el cielo. Los árboles (15.4) eran esculturas Weiwei hechas de alcanfor y ramas de cedro y troncos que recolectó de las montañas en China. Ensambló las partes para parecerse a árboles reales, una fuente de contemplación y apreciación de la naturaleza.

15.3 Bicicletas Forever

15.4 Árboles

Yayoi Kusama (nacido en 1929) es un artista y escritor japonés que ha trabajado con una variedad de medios. Su trabajo es audaz, psicodélico, repetitivo y lleno de patrón. Conocida en todo el mundo como la Princesa de los Lunares, Kusama refleja los motivos de lunares en su arte. Es una de las mejores artistas pop art y llegó a Nueva York a estudiar y trabajar cuando era joven, regresando a Japón y creando sus excepcionales e inusuales instalaciones artísticas. Es considerada una de las artistas vivas más grandes de Japón.

Ascensión de Lunares en los Árboles (15.5) y Bolas Rosadas (15.6) son lunares rojos/rosados y blanco/negros que rodean los árboles, o una habitación entera llena de lunares. Obsesiva con su arte y su vitalidad, color y estilo son marcas registradas de Kusama. El arte es una combinación de minimalismo, abstracto, surrealismo, conceptual, y simplemente simple Kusama. Usando objetos encontrados en el entorno como su lienzo, ella llena el objeto de brillantes lunares. Las calabazas han sido parte de sus temas desde hace mucho tiempo, ya sea creando salas de calabazas o calabazas gigantes individuales, siempre cubiertas con su motivo de puntos. La solitaria y masiva escultura de Calabaza Amarilla (15.7) se asienta junto al mar, decorada con líneas de puntos grandes y pequeños.

15.5 Lunares en los Árboles

15.6 Bolas Rosadas

15.7 Calabaza Amarilla

Kara Walker (nacida en 1969) es una artista estadounidense con un M.F.A. de Rhode Island School of Design que explora los conflictos de raza, sexo y género con figuras siluetadas significativas que pueden ser humorísticas a la vez que demuestran violencia y supresión. Construye un panorama de siluetas de papel recortadas instaladas contra una pared blanca dando vida a la violencia. Los proyectores superiores iluminan las figuras y hacen que el cuerpo de los espectadores proyecte sombras sobre la escena, agregando profundidad y una sensación fantasmal. En la lista negra: El inquietante arte de Kara Walker (15.8) fue uno de sus espectáculos exhibiendo la esclavitud en verdades históricas de violencia, agresión sexual y sometimiento mientras retrata los mitos de la esclavitud desde el sur de Antebellum.

15.8 En la lista negra: El inquietante arte de Kara Walker

Dale Chihuly (nacido en 1941) es un escultor de vidrio estadounidense que cambió la forma en que se sopla el vidrio, cómo se forma y los efectos únicos de cómo se transforma el vidrio. Chihuly comenzó como estudiante de diseño de interiores en la Universidad de Washington, pero se introdujo en la fabricación de vidrio y se cambió a la Rhode Island School of Design. Constreñido por las reglas de la propiedad de los materiales fundidos, Chihuly tuvo que superar las dificultades técnicas del soplado de vidrio para crear sus coloridas esculturas a gran escala. Fundó la Pilchuck Glass School en Washington, donde practicó la experimentación con el vidrio.

Chihuly crea grandes instalaciones hechas para interactuar con el ambiente (15.9), por ejemplo, en el jardín botánico, grandes esferas y espigas de vidrio se entremezclan con las flores en colores complementarios y contrastantes. El bote de bolas de vidrio (15.10) que flotan en el lago reflejan los colores, mientras que otras vibrantes bolas de vidrio flotan alrededor del bote como si cayeran al agua. El Sol (15.11) es uno de sus conceptos originales en el soplado de vidrio, creando piezas de vidrio largas y retorcidas e instalándolas sobre espigas metálicas construyendo una gran escultura para colgar o levantarse del suelo. El Jardín y Museo del Vidrio Chihuly es una vasta exposición permanente que muestra su obra.

15.9 Jardín de cristal en Seattle

15.10 El Barco de Cristal

15.11 El Sol

Nam June Paik (1932-2006) fue un artista coreano-estadounidense que trabajó con múltiples tipos de medios pero fue considerado el fundador del videoarte. Huyendo de su hogar natal durante la Guerra de Corea, su familia se mudó a Alemania, y luego Paik se mudó a Nueva York para combinar video y música con arte escénico. En una de sus instalaciones, dispersó televisores por todas partes y utilizó imanes que distorsionarían o cambiarían las imágenes y el sonido. En otra instalación, Paik colocó varios acuarios que contenían agua y peces en una línea nadando frente a monitores que mostraban imágenes de otros peces. Es bien conocido por tomar televisores y convertirlos en robots, Pre-Bell-Man (15.12), agregando alambre, metal y partes de radios.

Paik creó una gran instalación titulada, Electronic Superhighway: Continental U.S., Alaska y Hawaii (15.13) actualmente instalada en el Smithsonian. Se trata de una declaración sobre la obsesión de Estados Unidos con la televisión, las imágenes en movimiento y los objetos brillantes y brillantes. A Paik también se le atribuye el término 'supercarretera electrónica', un precursor del término acuñado 'supercarretera de la información'. Para la instalación Video Sculpture (15.14), Paik apiló monitores de video y utilizó luces de neón alrededor de las pantallas, parpadeando y reflejando en las pantallas.

15.12 Pre-Campanario

15.13 Superautopista: Estados Unidos continentales, Alaska y Hawái

15.14 Vídeo

Andy Goldsworthy (nacido en 1956) es un escultor y ambientalista británico que crea land art en entornos naturales y urbanos. Goldsworthy estudió bellas artes en Bradford College of Art y Preston Polytechnic. Utiliza materiales naturales encontrados que son visibles por un corto período para construir una escultura ya sea en el exterior o en una galería (15.16). Utilizando la fotografía para documentar su obra en diferentes etapas de la vida, inmortaliza su trabajo en el cine. Goldsworthy utiliza materiales como flores, hojas, nieve, ramitas, carámbanos, rocas y otros objetos encontrados. Muchos creen que es el fundador del equilibrio de rocas visto en Cairn (15.17) una forma única de rocas sin mortero. Le gusta usar sus propias manos y encontró herramientas para crear, en lugar de herramientas hechas por el hombre. Algunas de sus obras son esculturas permanentes que soportan la prueba del tiempo y la naturaleza, incluyendo el río Stone (15.18) apilado a lo largo del lecho seco del arroyo; sin embargo, la mayoría de las instalaciones sucumben a la decadencia.

“Disfruto de la libertad de solo usar mis manos” — Goldsworthy

15.16 Escultura

15.17 Cairn

15.18 Río Piedra

El Anatsui (nacido en 1944) es un escultor ghanés que enseñó en la Universidad de Nigeria y se afilió al grupo Nsukka desde la década de 1970 para revivir la tradición del uli. Uli es un diseño dibujado por el pueblo igbo de Nigeria y se estaba convirtiendo en un arte perdido. Es un diseño lineal robusto sin muchas perspectivas y es asimétrico. Inicialmente, El Anatsui utilizó arcilla y madera para hacer objetos basados en creencias y sujetos ghaneses, cortando madera con motosierras, dejó que se mostraran las marcas de la motosierra y luego usó una antorcha de acetileno para ennegrecer la pieza.

15.19 Paño de Hombre

El Anatsui se interesó en hacer algo con una gran cantidad de material reciclado disponible. Man's Cloth (15.19) es una escultura grande que se asemeja a tela y las capas de material de instalación como tela Kente (15.20). Utilizó artículos desechados de tapas de botellas o piezas de metal plegadas y arrugadas que se encuentran en las estaciones de reciclaje, las cuales ató con alambre de cobre, dando al material la capacidad de doblarse y cubrir. Sus obras pueden ser significativas y cubrir una pared y la luminosidad del metal y las luces de la galería que se reflejan a través de la habitación, le dan vida propia a la pieza. Peak (15.21) estaba hecho de tapas de botellas encontradas y latas utilizadas para la leche, escombros que llenaban el campo y llenaban los contenedores de basura que El Anatsui recuperó y utilizó para formar la escultura. Los conectó sin apretar (15.22), para que las piezas pudieran crear sus formas y pliegues.

15.20 Closeup de Tela del Hombre

15.21 Pico

15.22 Plano de pico

Mona Hatoum (nacida en 1952) es una palestina que quiso ser artista a lo largo de sus primeros años, incluso ante la desaprobación de los padres. Finalmente estudió en Líbano y Londres, ahora creando arte para explorar los peligros y temas del mundo. Hot Spot (15.23) es un gran globo que representa disturbios políticos en el planeta. El globo de acero se ilumina con luz roja para magnificar los problemas que cualquier espectador percibe sobre el calentamiento global, los problemas humanitarios, las guerras o las personas que huyen de sus tierras natales.

15.23 Hot Spot

Judy Chicago (nacida en 1939) estudió arte en la universidad, y su obra original siguió las ideas del minimalismo antes de incorporar conceptos feministas a su obra, y ayudó a iniciar un movimiento colaborativo para alentar y ayudar a las artistas femeninas. The Dinner Party (15.24) es una de las más conocidas de sus instalaciones, un juego de mesa triangular para treinta y nueve mujeres de la historia. Chicago utilizó motivos que conmemoraban la vida de cada mujer, embelleciendo cada mesa con eventos en la vida de la mujer. Los nombres de otras 999 mujeres están escritos con oro en el piso debajo de la mesa.

15.24 La cena de cerca

Christo (nacido en 1935) y Jeanne-Claude (1935-2009) son un equipo de marido y mujer que creó instalaciones a gran escala; él nació en Bulgaria, y ella era de Marruecos. Trabajaron juntos durante más de treinta y cinco años utilizando materiales para envolver o cubrir grandes partes del paisaje o edificios alrededor del mundo, basados en temas de cambios políticos o económicos. No participaban en la galería habitual ni en los mercados de arte; en cambio, trabajaban fuera del sistema, dibujando críticas. The Gates (15.25) se erigió en la ciudad de Nueva York a lo largo de los caminos de Central Park. A pesar de que la planeación y construcción de las puertas tardaron un año, instalaron 7 mil 503 portones de colores vivos color azafrán en cinco días, logradas sin ningún dinero ni patrocinio de la ciudad. Christo y Jeanne-Claude recaudaron dinero para pagar el proyecto a partir de carteles y camisetas.

15.25 Puertas

15.26 Paraguas (azul)

15.27 Paraguas (amarillo)

Otro proyecto que diseñaron e instalaron fue The Umbrella, los paraguas azules (15.26) se montaron en Japón y los amarillos (15.27) en California, todos planeados para estar listos al mismo tiempo. Se plantaron bases de acero en el suelo para sostener los postes y anclajes antes de que aproximadamente 2 mil trabajadores pudieran insertar los paraguas. En Japón, más de 1,300 sombrillas azules encajaban firmemente en el espacio más pequeño; sin embargo, en California, los más de 1,700 paraguas amarillos se extendieron sobre el espacio mucho más grande. Las instalaciones sombrillas solo permanecieron en su lugar durante unos meses; sin embargo, fue un gran atractivo para turistas, bodas o reuniones familiares.

Ruth Asawa (1926-2013) nació en California, los inmigrantes japoneses de sus padres, y durante la Segunda Guerra Mundial, ella y su familia fueron detenidos en los campos de internamiento. Después de la guerra, comenzó su formación como maestra antes de cambiar al arte. En un momento, aprendió a tejer cestas y comenzó a usar alambre galvanizado para tejer, lo que la inspiró a interesarse por las líneas y cómo una línea puede ir en múltiples direcciones. Trabajó con alambre para hacer sus estructuras tridimensionales tejidas (15.28, 15.29) destinadas a colgar y generar sombras que cambien en la luz y cambien el espacio. Asawa era un apasionado de la educación artística y ayudó a establecer programas para niños, así como programas de capacitación y empleo para artistas.

15.28 Escultura de alambre

15.29 Reflejo de escultura de alambre

Esther Mahlangu (nacida en 1935) nació en Sudáfrica como parte del pueblo Ndebele y comenzó a pintar de niña. Su madre y su abuela eran pintores murales, una habilidad ordinaria para las hembras de la región. Mahlangu pinta sobre fondos a gran escala utilizando patrones que vio en la ropa de la gente, generalmente de colores muy brillantes con formas geométricas. El fabricante de automóviles BMW hizo que artistas como Warhol y Hockney diseñaran un auto cada año para usarlo como su Art Car. Mahlangu fue la primera mujer a la que se le pidió diseñar un automóvil, y su BMW Art Car (15.30) fue pintado con sus diseños geométricos tradicionales y colores. Muchos de sus diseños se encuentran en marcas corporativas, los patrones atrevidos delineados con líneas negras y colores brillantes. Es común que la gente pinte sus casas con colores, y ella pintó su casa (15.31) siguiendo estos conceptos. Mahlangu ha trabajado incansablemente para llevar la educación artística a los niños, dirigiendo una escuela que fundó sin dejar de apoyar a los artistas de su tierra natal. Por su continua dedicación, recibió un doctorado honoris causa de la Universidad de Johannesburgo.

15.30 BMW Art Car

15.31 Homestead