3.1: Introducción

Introducción

En 1794, el mapa del mundo en formato de doble hemisferio (3.1.1) y realizado por el matemático Samuel Dunn de Inglaterra incluía todas las tierras descubiertas por los exploradores europeos. El mapa estaba rodeado de cálculos científicos, gráficos estelares, un mapa presumido de la luna y del sistema solar, un gráfico estacional y otros conceptos diversos. Poco era conocido por los cartólogos europeos sobre la extensión geográfica de América del Norte; sin embargo, el capitán Cook había explorado parte del noroeste y mapeó su concepto de la costa. El área al oeste del Mississippi seguía siendo desconocida, especialmente la masividad de las Montañas Rocosas, ya que los exploradores continuaban buscando el escurridizo paso del río hacia el oeste, hacia el Pacífico y a través de Asia. Poco se sabía sobre el interior de Sudamérica, aunque la costa oriental estaba bien mapeada. En el Océano Pacífico, algunas islas fueron señaladas en el mapa. Curiosamente, el mapa no incluía la Antártida; aunque la región fue designada en mapas anteriores, la zona seguía siendo especulativa y no había sido explorada. La exploración y colonización crearon un conocimiento geográfico global del contorno general del mundo durante este período.

El movimiento poblacional cambió las sociedades del viejo mundo a medida que se establecían nuevas culturas, causando una agitación masiva entre los indígenas en todo el continente americano. La gente había atravesado Europa y Asia durante siglos, librando guerras, comerciando y continuamente realineando fronteras. Sin embargo, las intrusiones de los europeos durante la exploración y colonización en los nuevos continentes fueron devastadoras para las poblaciones indígenas. Los europeos trajeron diferentes conceptos de propiedad, armas destructivas de guerra y nuevos tipos de materiales. Muchos de los habitantes locales de las Américas fueron forzados a la servidumbre o esclavitud, convertidos a nuevas religiones, sus tierras y riquezas confiscadas.

 

Figura\(\PageIndex{1}\): Mapa del Mundo, 1794, Dominio Público

 

África

África, a través de la antigüedad, había desarrollado civilizaciones y sociedades diferentes y exitosas. En el vasto y variado continente, algunos gobiernos eran estructuras pequeñas, basadas en pueblos. En contraste, otros eran grandes reinos gobernados por reyes, todos con organizaciones gubernamentales, reglas sociales, sistemas económicos, creencias religiosas y establecimientos artísticos. Inicialmente, cada cultura diversa utilizó los recursos naturales de la región, expandiéndose finalmente a asociaciones comerciales a lo largo de las rutas comerciales dentro de las áreas geográficas y luego a Europa y Asia. La esclavitud, como en muchas otras civilizaciones, suele formar parte de diferentes culturas africanas. Los esclavos, generalmente capturados por escaramuzas durante la guerra regional, construyeron pirámides, cosechaban cultivos y extraían oro. A partir de los años 1500 y alcanzando su punto máximo en 1800, la trata transatlántica de esclavos devastó sociedades africanas, despobló grandes franjas de los países, interrumpió el comercio y las estructuras sociales. La adición de la intrusiva colonización europea, el dominio colonial y la ignorancia de la historia, los estándares culturales o las instituciones africanas, trajeron una disrupción generalizada a la mayoría de los países africanos, un problema que aún existe en la actualidad.

La esclavitud entre las regiones africanas se practica desde hace mucho tiempo; sin embargo, no se basa en la raza. Capturaron a personas en guerras o que cometieron crímenes. Los esclavos fueron utilizados para la agricultura o la industria local y frecuentemente un término específico, no una sentencia de por vida. A medida que crecía la necesidad europea de mano de obra en las nuevas regiones coloniales, el impacto en África occidental y central fue significativo. Los principales gobernantes africanos capturaron a las poblaciones vecinas en incursiones a gran escala, intercambiando a los humanos por textiles, alimentos o tabaco, y especialmente acceso a armas de fuego y alcohol.

“La trata transatlántica de esclavos también se puede entender a través de su magnitud: durante 366 años, los esclavistas europeos cargaron aproximadamente 12.5 millones de africanos en los barcos de esclavos del Atlántico. Alrededor de 11 millones sobrevivieron al Paso Medio hasta tocar tierra y vivir en las Américas”. [1]

Las excesivas ganancias obtenidas de la trata de esclavos por estadounidenses y europeos impulsaron el crecimiento económico excepcional en esas regiones. El comercio estaba muy organizado; España controlaba todas las importaciones de esclavos a la América española y el Caribe; Francia, Inglaterra y los Países Bajos controlaban América del Norte y otras regiones. Se construyeron grandes puertos y se construyeron barcos para importar esclavos y exportar de vuelta a Europa artículos de lujo, textiles manufacturados, armamento y licores; se obtuvieron ganancias excesivas sobre el esclavo importado y la mano de obra del esclavo.

Las intrusiones y perturbaciones europeas también fueron devastadoras para el arte africano. Los europeos veían el arte como algo único e insustituible. El arte no occidental fue juzgado como simplemente utilitario, simple, no único, y por lo tanto, no arte. Los europeos llevaron artefactos africanos a Europa, recuerdos de sus viajes, objetos para museos de historia natural. A las “otras personas” no se les consideraba civilizadas y no creaban arte “real”, solo curiosidades. En el siglo XX, “otro arte” se clasificó como arte y se trasladó a galerías y museos. Aunque gran parte del arte fue confiscado, derretido, quemado, perdido o descompuesto por la naturaleza, el arte era una parte significativa y vital de las historias económicas y sociales de la cultura africana. El medio aplicado, cuánta decoración se involucró o cómo se utilizó podría definir su importancia económica; si el marfil era un medio valioso, generalmente estaba hecho y operado por un gobernante o persona de élite. Si el arte se ubicaba principalmente alrededor de un edificio religioso o un estadito, el lugar era influyente en la estructura social. El arte personal, ya sea ropa, sombrero o máscara, definía las costumbres sociales y la situación económica. La obra no solo era algo de belleza y creatividad sino que “en última instancia, la historia del arte es relevante para la historia general debido a dos propiedades especiales: el carácter concreto de las obras de arte y el hecho de que las tendencias en el arte documentan directamente el cambio significativo en general”. [2]

Europa

Europa estaba en constante agitación por las batallas por los derechos territoriales y de expansión. A principios del siglo XVIII, Carlos II de España murió sin heredero, dejando las posesiones de la Corona española al duque francés de Anjou y nieto de la media hermana de Carlos II, Marie-Thérèse. Sin embargo, Carlos II era un Habsburgo, y los Habsburgo austriacos creían que debían heredar el dominio de España e iniciaron la larga guerra de sucesión contra los franceses. En Rusia, Pedro el Grande tomó territorio de Suecia, incluida la región de San Petersburgo. Prusia y Austria tuvieron sus batallas de sucesión. Cerca de finales de siglo, los conceptos para la Revolución Francesa comenzaban a fomentarse, dando lugar a la agitación en Francia y seguidos por el ascenso de Napoleón.

Si bien la competencia por el territorio aumentó en toda Europa, la batalla por las rutas comerciales y el territorio extranjero también se expandió. ^{Portugal y España invadieron y colonizaron partes de América, las costas de África, los puertos de la India y parte del este de Asia en los siglos XVII y XVIII.} España controlaba rígidamente sus colonias enviando todos los tesoros y ganancias de regreso a España. Cuando los franceses, holandeses e ingleses vieron el éxito de España, también entraron en el lucrativo negocio, estableciendo organizaciones comerciales en India y China mientras enviaban oleadas de gente para colonizar y vivir en las Américas. Los europeos practicaron la colonización de colonos trasladando a sus ciudadanos a territorios y diezmando, reasentando o esclavizando a la población indígena, o entraron en una forma de colonización de explotación, utilizando la fuerza militar para controlar a la población y extraer los recursos naturales.

A mediados de siglo, los europeos pasaron del concepto de importar productos extranjeros a los mercados, necesitando ahora importar grandes cantidades de materias primas para alimentar los exigentes procesos de fabricación industrializados. Las entidades europeas controlaban tanto a las poblaciones coloniales como a las poblaciones indígenas con armamento superior y transporte avanzado. Cerca de finales de siglo, los franceses fueron derrotados por los británicos. Francia perdió la mayor parte de sus colonias, dejando a Inglaterra y España como las principales potencias del mundo. Gran Bretaña estaba ahora en condiciones de controlar la mayor parte de la India, derrotar a las poblaciones indígenas de Canadá y moverse por el resto del mundo, un concepto primero molesto por la revolución en las colonias americanas.

En Europa, jóvenes refinados se embarcaron en el Grand Tour como su rito de paso, viajando por Europa y especialmente por Italia para estudiar arte y antigüedades. Mientras recorrían, comprar una pintura, un vidrio veneciano o un jarrón griego se convirtió en parte de la atracción y educación. En Francia, los marchantes de arte o marchand mercier y el comisario-priseur o subastador ganaron protagonismo y más influencia que los salones. Hasta el ^siglo XVIII, Inglaterra no era un mercado de arte primario. En 1735, promulgaron un nuevo fallo de propiedad intelectual que protege las artes visuales, ley ya aplicada a la literatura. La subasta de arte se convirtió en un nuevo mercado y el comienzo de las principales casas de subastas de Sotheby y Christie. El arte era una inversión para quienes tenían ingresos flexibles, vendiendo cuando necesitaban dinero o compraban en mejores circunstancias. El uso de marchantes de arte y casas de subastas trajo flexibilidad al mundo del arte.

India

La India lleva mucho tiempo en medio de las rutas comerciales entre Asia y Europa, aunque ha mantenido sus estructuras gubernamentales y controles. A principios del ^siglo XVIII, el Imperio mogol colapsó, dejando múltiples estados indios débiles encabezados por líderes individuales. A medida que crecía el control del comercio en la región entre las potencias europeas, el deseo y la capacidad de dominar llevaron a la intervención militar y eventual control por parte de los británicos. Inglaterra utilizó a la India como puesto comercial en el siglo XVII. A principios del ^siglo XVIII, bajo el poder de la Compañía Británica de las Indias Orientales, establecieron fuertes, sitios de fabricación, puertos de envío y asentamientos en Calcuta (Calcuta), Mumbai (Bombay) y Chennai (Madras). Mientras comerciaban con materiales de algodón y seda, también comenzaron a competir con el control holandés del comercio de especias. A lo largo de la década de 1700, Inglaterra expandió cada vez más el control como potencia gobernante de India y Birmania junto con los lucrativos puertos de Singapur y Hong Kong. En la India, a finales del siglo XVIII, gobernaron la mayor parte de la parte sur de la India.

A mediados de la década de 1760, la East India Company utilizó ejércitos privados. Se convirtió en el principal gobernante en la India hasta que el gobierno inglés tomó el control, explotando y gravando al pueblo, controlándolo con fuerza militar. Los documentos comerciales registraron ventas de textiles de la India, lo que representa el sesenta por ciento de la East India Company, una compañía que se hizo rica a espaldas de los trabajadores mal pagados.

“La compañía compró muchos textiles indios finos, entre ellos muselinas, chintz y palampas pintadas o estampadas, baftas lisas blancas, pañales y peto, allejaes rayados, algodón mixto, y ginghams de seda, en colchas bordadas. Los artesanos indios eran maestros de las técnicas de teñido que no destiñen y muchas telas mostraban maravillosos diseños y combinaciones de colores producidos por la pintura a mano y el bloqueo de madera”. [3]

Bajo el imperialismo de Gran Bretaña, los artistas vinieron de múltiples países europeos para no abrazar o estudiar el arte que encontraron en la India; el arte nativo generalmente no se consideraba arte propio. Los artistas que vinieron iniciaron un nuevo género de arte, la acuarela, ilustrando escenas de la vida en la India de gente común que trabaja en los campos a actividades de la corte. El mercado de este género fue sobresaliente en Europa, y algunos artistas pintaron con éxito la cultura local y vendieron su trabajo en Europa.

Japón

Japón, en la década de 1700, continuó el periodo Edo bajo el control del gobierno feudal militar del shogunato Tokugawa. El gobierno continuó con la política de aislamiento mientras crecía la economía dentro del país. Se promulgaron códigos de derecho estrictos, definiendo todos los tipos de conducta desde cómo se realizaban los matrimonios, la vestimenta apropiada, cuántos castillos se podían construir y el estilo de las armas. El comercio se limitó a puertos específicos y se prohibieron las religiones cristianas europeas. La estructura social se estableció sobre posiciones heredadas rígidas y estilizadas con el emperador, los nobles de la corte y el poderoso shogun considerado la élite y la clase dominante. El segundo nivel lo sostenían los formidables samuráis, el poderío militar del país. Debajo de ellos estaban campesinos, artesanos y comerciantes. Cada grupo entendió y vivió dentro de las reglas que rigen su posición. El budismo y el sintoísmo fueron las religiones predominantes; sin embargo, durante este periodo, resurgió el neoconfucianismo, influyendo en las leyes.

También se definió el papel de la mujer; las mujeres casadas manejaban el hogar, el amor no formaba parte del requisito. Los shogun estaban rodeados de esposas y concubinas, hijas y madres, y sirvientas, todas parte del hogar. Otros hombres generalmente encontraron amistades sexuales o románticas con cortesanas que vivían en áreas específicas fuera del hogar. Durante el ^siglo XVIII, los centros de placer se convirtieron en arenas de entretenimiento, y comenzó la nueva profesión especializada de geishas. Inicialmente, las geishas eran machos que entretenían a los hombres que esperaban a una cortesana; luego, la palabra geisha fue adoptada por las hembras. La geisha era hábil en cantar y bailar, trabajando como animadoras en lugar de solo prostitutas, vistiendo ropa específica de moda.

Las artes y el entretenimiento se convirtieron en una parte esencial del estilo de vida japonés. Junto con la geisha, el teatro kabuki, los teatros de marionetas y la literatura, la pintura y las impresiones en madera fueron una forma importante de arte. Ukiyo-e fue el género del grabado responsable de la inconmensurable diversidad de imágenes de este período en Japón, ilustrando todos los aspectos de la vida; paisajes, gente común, folclore, escenas militares, o la naturaleza misma. Ukiyo originalmente se basaba en el significado budista temprano —“ mundo del dolor”; sin embargo, para el periodo Edo, la palabra representaba “el mundo flotante” y una actitud más hedonista, quizás ambas se han aplicado al sentimiento de necesidad de escapar. En el libro Cuentos del mundo flotante, Asai Ryoi escribió:

“viviendo solo por el momento, saboreando la luna, la nieve, los cerezos en flor y las hojas de arce, cantando canciones, bebiendo sake, y desviándose solo en flotar, despreocupado por la perspectiva de pobreza inminente, flotante y despreocupada, como una calabazada llevada junto con la corriente del río: esto es lo que llamamos ukiyo.” [4]

México

México continuó bajo el calamitoso control de los españoles en el siglo XVIII como parte del gran Imperio español, La Nueva España (Nueva España). La población indígena estaba diezmada, en la pobreza, y continuamente controlada por el clero y el creciente número de personas nacidas en México de ascendencia europea, los criollos. El sistema de encomienda, una concesión de tierras definida por el rey de España, otorgó a los colonos el derecho de propiedad y el trabajo forzoso de la población nativa de la zona. El rey en España supervisó las actividades económicas, tomó su veinte por ciento de la actividad minera, determinó políticas comerciales y obligó a la conversión al catolicismo. Los españoles tuvieron que importar esclavos africanos para rectificar la escasez de mano de obra. Los jesuitas, una orden de sacerdotes católicos, tenían un poder significativo, operando casi como un estado separado dentro de la estructura general de gobierno. La Corona española los hizo expulsar de México, causando disturbios a quienes creían que los jesuitas eran protectores especiales del pueblo de los caprichos de la corona. Tanto la población indígena como la criolla fueron apoyadas por los jesuitas durante los tiempos difíciles y resentieron la expulsión. En este periodo, los territorios españoles también produjeron la misma cantidad de plata que todo el mundo combinado. El increíble rendimiento provino de la mano de obra nativa que trabajaba horas excesivas con un alto número de muertos, sumándose a los disturbios en el campo. El control colonial por parte de España duró hasta 1810, y llegó la revolución.

A finales de siglo, existía un sistema de castas significativo y establecido y aplicado por las leyes. El nivel más alto fueron los de España (peninsulares) que generalmente viajaban de ida y vuelta, las únicas personas que ocupaban puestos de control. Debajo de ellos estaban los descendientes de europeos que nacieron en México (criollos). No ocupaban cargos, en general eran prósperos y podían usar ropa de seda. Otros niveles fueron definidos por una compleja combinación de orígenes étnicos de esclavos europeos, nativos y africanos. Por ejemplo, un mestizo tenía un progenitor europeo y uno nativo, un castizo tenía un progenitor mestizo y un progenitor criollo. Otras personas fueron clasificadas como cholo, mulatos o zambos, dependiendo de sus identidades parentales. La sociedad se dividió aún más por las características físicas predominantes. Los niveles más bajos fueron los esclavos propiedad de otra persona y de los indígenas, quienes fueron considerados pupilos de organizaciones religiosas y de la Corona.

A principios del ^siglo XVIII, la mayoría de los artistas ahora nacieron en el nuevo mundo o indígenas y comenzaron a divergir de los estándares tradicionales europeos ya que las imágenes de la Virgen marrón de Guadalupe se convirtieron en un tema central en las pinturas. Los artistas también incorporaron la historia de los aztecas o héroes nativos. Las tallas en madera de santos y figuras religiosas fueron un importante modelo de arte y movimiento para contrarrestar el clasicismo europeo con fachadas e interiores excesivamente ornamentados y excesivos de iglesias.

América del Norte

América del Norte estuvo dominada a lo largo de la costa este por colonos de Inglaterra y Francia, mientras que España se trasladó de México al suroeste. En algunas regiones, Francia y España mantuvieron su control de los territorios mientras que a fines del siglo XVIII, los disturbios de las colonias con el dominio inglés se convirtieron en una revolución y el establecimiento de Estados Unidos, asociación conflictiva con algunos de los estados y sus principales terratenientes. El norte estaba poblado con ciudades más grandes y pequeñas granjas, ya que la economía de los estados del sur se basaba en grandes plantaciones dependientes del trabajo esclavo.

Los pueblos originarios no tenían concepto de propiedad de la tierra; creían que la tierra y sus recursos estaban al alcance de todos, viviendo en zonas con suficientes fuentes de agua y alimentos, moviéndose cuando fuera necesario. Los europeos creían que la tierra pertenecía a un individuo, y al establecer colonias, construyeron casas, definieron campos y erigieron cercas, demarcando la propiedad como perteneciente a ellos. Las tribus nativas ya no tenían libertad de circulación, lo que provocó conflictos con los colonos. Para el 1700, las poblaciones nativas de las colonias comenzaron a perder el control de sus territorios y forma de vida. Los productos básicos europeos inundaron las regiones, y los nativos adoptaron los textiles, los utensilios e incluso el pedernal y el acero para iniciar un incendio. Las armas trajeron un cambio significativo a la práctica de la guerra ya que los metales importados hicieron obsoletos las puntas de flecha y hachas de piedra; la preciada posesión se convirtió en el mosquete o una pistola de cañón largo. El acceso a las armas cambió el equilibrio tradicional entre tribus, grupos más débiles o desarmados casi eliminados.

A principios del siglo XVIII, existían muchas colonias en poblaciones segmentadas, ya fueran controladas por Inglaterra, Francia o España. Los nuevos territorios trajeron tierra y espacio para cultivar cultivos altamente valiosos en las rutas comerciales, particularmente el azúcar, el tabaco y el algodón, todos requiriendo mano de obra. En Inglaterra, la mayor parte de la mano de obra se basaba en los conceptos de un sirviente de bajos salarios, sin embargo, incluso cuando importaban sirvientes contratados a las colonias, la demanda de trabajadores excedía la disponibilidad y rápidamente recurrieron a esclavos importados de África. Entre 1600 y 1800, más de nueve millones de esclavos [5] fueron traídos de África a América del Norte y del Sur y el Caribe, alrededor de 500 mil a Estados Unidos, la mayor migración forzada jamás registrada.

Museos en Europa

La palabra museo deriva de las nueve Musas de la mitología griega, las deidades que inspiraron la creación en filósofos y escritores ya que tradicionalmente apelaban a las Musas antes de comenzar a escribir. Las Musas no fueron absorbidas en las actividades humanas, sino que dedicaron su vida a las artes. Algunos museos se establecieron a lo largo de los primeros siglos cuando los conquistadores exhibieron su saqueo o unas pocas personas prósperas recolectaron artefactos y los exhibieron en gabinetes privados. Los museos establecidos anteriormente incluían el Museo Capitolino temprano construido en 1471 para albergar una colección de arte romano antiguo y hallazgos arqueológicos seguidos por el Museo Vaticano en 1506 para contener la vasta colección de la Iglesia Católica, incluyendo muchos del Renacimiento.

El concepto moderno de museo floreció en el ^siglo XVIII en Europa, una época de iluminación para ellos mientras colonizaban otras partes del mundo, encontrando nuevas ideas, nuevas culturas, nuevos animales y plantas. No obstante, ¿cuáles fueron las ramificaciones reales de los objetos expuestos en los nuevos museos? El Museo Británico comenzó en 1750, basado inicialmente en especímenes de colonias en el oeste de la India, expandiéndose para incorporar materiales y artefactos tomados de otros territorios. En Roma, el Museo Capitolino ampliado abrió sus puertas en 1734, originalmente para albergar las estatuas romanas recogidas por el Papa Sixto IV. Después de que Luis XIV se mudó a Versalles, el Palacio del Louvre albergó la colección de arte real. Con el advenimiento de la Revolución Francesa, el edificio se convirtió en un museo nacional que se inauguró en 1793, exhibiendo las obras confiscadas a la realeza y a la iglesia. Se abrieron otros museos; el Museo del Prado en Madrid (1785), el Hermitage en San Petersburgo (1764), la Galería de los Uffizi en Florencia (1744), así como los de otras ciudades.

Anteriormente, los elementos considerados arte no se hacían para exhibir en museos; fueron creados para instituciones religiosas, el uso personal de los ricos, o artefactos confiscados de otros lugares. Al mover la ubicación original, los museos se llenaron de pinturas, esculturas, muebles o elementos arquitectónicos. Los museos se convirtieron en repositorios, colecciones de culturas y sus historias y estructuras, organizados y divididos por movimientos o definiciones nacionales. Los museos se convirtieron en influencers en el arte y el mercado del arte; qué es el arte o la percepción del arte, y qué debe incluirse. Suerte fue el artista cuya obra fue colgada en el museo.

Paño Kente en África

Si bien se desconocen los orígenes de la tela Kente y sus estrechos patrones, las leyendas pasaron de generación en generación sobre la inspiración original. La leyenda más popular describió a dos hermanos que observaron una araña tejiendo una telaraña y quisieron recrear el patrón. Sea cual sea la inspiración para la tela Kente, el proceso y las definiciones son una parte especial de los textiles y prendas de vestir de la región, una práctica que continúa hoy en día. En el ^siglo XVIII, la tela estaba hecha de seda o algodón con patrones y colores únicos, la tela tejida reservada para las familias reales durante ceremonias especiales. La tela de seda fue importada; sin embargo, los patrones lisos fueron inaceptables. Las mujeres tomaron la tela, desentrañaron cuidadosamente los hilos de seda en los telares e hicieron tela de Kente.

La tela Kente se teje con un telar horizontal estrecho de aproximadamente cuatro pulgadas de ancho para crear una banda de tela delgada. En el telar, las hileras de hilo de urdimbre (vertical) se cruzan con las hileras de hilo de trama (horizontales). Cada telar tiene de dos a seis setos (bucles para sujetar el hilo) para controlar los hilos de urdimbre. El tejedor utiliza pedales y una lanzadera para tejer el hilo. Tanto los colores del hilo de trama como de urdimbre se utilizan para crear los patrones. Cada patrón tiene un nombre, generalmente asignado por el tejedor o una persona principal, y un nombre puede significar cualquier evento especial, valores, logros o ideales. Los colores y sus significados simbólicos son una parte vital de la tela. Cuando se completó una pieza muy larga de tela, se cortó en trozos a intervalos específicos y se cosió junto con los bordes del orillo. Algunas de las piezas podrían girarse en ángulo recto o espejo, produciendo las diversas telas de Kente.

Grabados en Madera en Japón

La producción de las impresiones en madera ukiyo-e fue un proceso complejo con múltiples etapas, cada una generalmente completada por una persona experta diferente. El proceso comenzó con el artista (acreditado con la obra) y un contrato con el editor. Como en cualquier esfuerzo artístico a lo largo del tiempo, a veces el artista trabajó para un solo editor, un editor puede descubrir a un artista o artistas independientes. Los artistas iniciaron el proceso haciendo un boceto (gako) y agregando detalles en algunas áreas críticas. Si se hicieron adiciones, el artista pegó papel en el área y volvió a dibujar las correcciones. Cuando el artista completó su obra, un copista creó un dibujo perfeccionado en blanco y negro que los censores revisaron antes de ir al tallador. El tallador utilizó un bloque de madera de cerezo envejecido y pegó el dibujo boca abajo sobre el bloque; se retiró el papel, dejando las líneas como guía para tallar. El tallador de bloques tuvo que crear un bloque por color, y una impresión ordinaria puede tener más de una docena de colores. El tallador maestro terminó cualquier patrón detallado. Un bloque clave definió las marcas de registro para cada bloque. Las impresoras fueron el tercer conjunto de artesanos, moliendo pigmentos, mezclando con agua para producir tinta y aplicando la tinta al bloque. Generalmente, se imprimieron varias hojas de papel antes de pasar a otro color en una secuencia fija de claro a oscuro y al final los negros, cualquier sombreado aplicado con brocha o paño. Cada impresión de la impresión varió en una sola tirada, y una impresión puede tener doscientos o mil copias.

Churrigueresque en México

Churrigueresque es un elaborado estilo barroco mexicano arquitectónico de ornamentación escultórica en la arquitectura que resulta en ningún espacio llano desperdiciado. El nombre de José Benito de Churriguera, un arquitecto y escultor en España que llenó obsesivamente cualquier espacio de una fachada. Las superficies planas de la fachada exterior, las columnas o el altar de la iglesia se convirtieron en lienzos para que los artistas los llenaran de ornamentación elaborada. El trabajo decorativo fue moldeado, pintado o dorado estuco o azulejos formando conchas o guirnaldas, cornisas enrollables o volutas revisadas. Cuando el estilo fue importado al nuevo mundo, la columna churrigueresca o estipita se convirtió en el motivo estándar. Tenía la forma de un cono invertido con un eje ancho a través del medio y adornado con adornos vegetativos ornamentados.

Arquitectura Barroca Mexicana en México

Las interacciones entre la estética del diseño español europeo y los conceptos tradicionales de diseño nativo se convirtieron en la mezcla que condujo a las ideas y estructuras hibridadas de la nueva arquitectura, particularmente en las catedrales. La iglesia era integral y el centro de una comunidad, representando en parte la influencia de la iglesia católica y las creencias identitarias de la población, “el estilo barroco en México evoluciona según su propia naturaleza particular”. [6] El excesivo adorno y los nuevos métodos se convirtieron en el estándar, especialmente el uso de yeserías combinando líneas curvas, rectas y entremezcladas que cubren columnas y altares con pequeños motivos tallados exagerados ya sean ángulos o dioses aztecas, pergaminos, arabescos; no quedó espacio sin llenar. La yesería elevada generalmente está hecha de yeso de cal; la cal fue transportada desde minas en Hidalgo en mula y bote a lo largo de los lagos. Mezclada con agua, la cal creó una mezcla relativamente seca; en ocasiones, los grumos se dejaron como agregado para sostener el yeso.

Arte Colonial en América

Los primeros colonos tenían poco tiempo para el arte, la supervivencia y la religión dominaba la vida de la gente. Tan pronto como las colonias se estabilizaron y llegaron más colonos, se desarrolló la artesanía y creció el arte. No existían iglesias y palacios grandes y ornamentados; las enormes esculturas de mármol carecían de importancia en las iglesias pequeñas y claramente pintadas. Los nuevos colonos volvieron sus habilidades a esfuerzos más pequeños y portátiles; pintura de retratos, orfebrería, fabricación de muebles, salidas adecuadas para personas creativas. Cientos de plateros florecieron, convirtiendo útiles artículos cotidianos en elegantes obras de arte, diseñadas y elaboradas a mano. En cada pueblo se encontraron artesanos del mueble, haciendo muebles que encajaban en la cultura y el entorno de las nuevas tierras. Gran parte de la obra era sencilla para su pueblo local, sin embargo, parte de la obra pasó a la categoría de bellas artes realizadas por artistas profesionales, generalmente creadas para una clientela más rica.

Pintar retratos se convirtió en uno de los primeros papeles importantes de artista, un artículo de lujo y reflejando el estatus económico o religioso de una persona. Una persona suele posar con una posesión favorita, desarrollando aún más su posición en la comunidad. A medida que crecía el interés por los retratos, aumentaba la formación de los artistas, ya no era competencia de un pintor iterante de arte folclórico, la educación y las habilidades de los artistas florecieron, y los retratos se convirtieron en una forma de arte significativa para las nuevas colonias.

 

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[1] Recuperado de http://slaveryandremembrance.org/articles/article/?id=A0002

[2] Vansina, J (2014). Historia del arte en África: una introducción al método, Routledge. Recuperado a partir de https://books.google.com/books?id=_MYFBAAAQBAJ&pg=PT219&lpg=PT219&dq=african+art+1700s&source=bl&ots=joTbCXrlP8&sig=ACfU3U2e4T8QofvfkkYI0yGatMlzowl41w&hl=en&sa=X&ved=2ahUKEwibpbWXnonpAhUWoZ4KHSDUAYU4ChDoATAIegQIChAB#v=onepage&q=african%20art%201700s &f=falso

[3] Recuperado de https://www.bl.uk/learning/langlit/texts/empire/india/bengal/bengalgoods.html

[4] Recuperado de https://languagelog.ldc.upenn.edu/nll/?p=23624

[5] Recuperado de https://www.slavevoyages.org/assessment/estimates

[6] Bondi, C. (2011). Principios y prácticas de diseño Una revista internacional, Shaping an Identity: Hybridity Cultural in Mexican Barroca Architecture, Vol 5, Número 5, p. 449.