7.2: Fotorrealismo (finales de los 60 -1980)
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Introducción
El fotorrealismo se basa en el concepto de una imagen que se asemeja mucho a una fotografía. Los artistas incorporaron múltiples tipos de medios, incluyendo pintura, dibujo o técnica mixta, para crear la misma vista que una cámara. Como uno de los muchos estilos artísticos de esta época, el fotorrealismo se desarrolló a partir del Pop Art y rechazó los ideales del expresionismo abstracto o el minimalismo. La cámara y la fotografía fueron más refinadas, y a medida que el costo de las fotos en color se hizo asequible, la cámara se convirtió en un objeto popular. Los fotorrealistas utilizaron la base de las fotos reales para obtener información e intentaron recrear la imagen. El artista tenía que ser muy preciso y generalmente copiaba los contornos proyectando la foto en el lienzo o usando líneas de cuadrícula tradicionales. Los resultados fueron detallados y precisos. La mayoría de los artistas eran masculinos, y frecuentemente se enfocaban en maquinaria o regiones industriales. Sólo una hembra, Audrey Flack, fue considerada una de las artistas fotorealistas, e incorporó más emoción a sus obras.
Los fotorrealistas aceptaron el realismo de la popularidad de las fotografías sin dejar de reconocer su dependencia de las imágenes fotográficas como base de su trabajo excepcionalmente realista. Los artistas también se centraron en la interacción entre la luz y el color y capturaron cómo la luz reflejaba las superficies, especialmente el acero, el vidrio y el cromo. Su trabajo trajo el regreso de la planeación deliberada y la mano de obra exacta. El movimiento comenzó en Estados Unidos, y la mayoría de las pinturas eran escenas de nostalgia que representaban objetos cotidianos o escenas y retratos familiares. Generalmente, las pinturas eran grandes y pintadas o aerografiadas. A diferencia de otros movimientos de la época, el artista fotorrealista produjo superficies muy lisas sin pinceladas para retener la imagen foto-parecida. Para crear el detalle en su trabajo terminado, realizaron pequeñas imágenes para detallar la colocación del color y el aspecto total de la composición. Después volvieron a dibujar la obra sobre el lienzo grande y agregaron pintura al óleo o acrílica.
Portabrocas Cerrar
Chuck Close (1940-2021) nació en el estado de Washington. Su familia era considerada de clase baja, su padre sólo tenía una educación de octavo grado, y su madre estudió para ser pianista. No obstante, durante la depresión, ninguno tuvo mucho éxito, y su padre murió cuando Close tenía once años. Cuando era niño, sufría de múltiples condiciones físicas que lo obligaban a faltar gran parte de su educación temprana. Sus padres sí reconocieron su interés por el arte, comprarle suministros y darle lecciones. En una entrevista, Close incluso le dijo al New York Times que utilizó una lupa cuando miraba revistas para entender cómo se hacían las imágenes.
Close asistió al colegio comunitario local antes de recibir un título de la Universidad de Washington y un MFA de Yale. Incluso se le concedió una beca Fulbright para estudiar en Europa y enseñó en la Universidad de Massachusetts cuando regresó a América. Para 1967, se fue a la ciudad de Nueva York y estableció su estudio y éxito como artista. En 1988, mientras asistía a una ceremonia para honrar a los artistas, Close sufrió dolores en el pecho. En el hospital, tuvo una convulsión, dejándolo paralizado del cuello para abajo. Después de completar la fisioterapia, pudo obtener algo de movimiento en sus brazos, convirtiéndose en silla de ruedas por el resto de su vida. Close adaptó su mundo artístico y pintó sujetándole un pincel al brazo. Con el tiempo, desarrolló un proceso ayudado por un caballete de dos pisos con un mando a distancia que podría usar en su silla de ruedas. Close fue uno de los primeros artistas en enfocarse en imágenes realistas en medio del expresionismo abstracto como movimiento principal en el arte. Su trabajo con fotografías, cuadrículas y retratos cambió la dirección de otros artistas.
Al principio de su carrera, trabajó con múltiples medios para dibujar, pintar o imprimir, en blanco y negro seguido del color. Creía que sus conceptos e ideas eran atemporales mientras que los materiales eran utilizables en cualquier forma para crear sus imágenes. Close a menudo declaró que padecía prosopagnosia o ceguera facial y no reconocía a las personas incluso después de pasar tiempo con la persona. Empezó a enfocar su arte en el retrato. Close pudo recordar imágenes percibidas como planas y utilizó la fotografía y la imagen plana como fuente de su obra. Afirmó, “con fotografías, puedo memorizar un rostro. La pintura es el medio perfecto, y la fotografía es la fuente perfecta porque ya han traducido tres dimensiones en algo plano. Yo sólo puedo afectar la traducción”. [1] Close utilizó las fotografías e hizo intrincadas cuadrículas antes de ampliarlas en el lienzo cuadrado por cuadrado. Close también trabajó colocando colores uno al lado del otro en lugar de ponerlos en capas. No sintió que su obra fuera como Seurat, en vez de más como mosaicos bizantinos, ya que trozos de mosaico se colocaban unos por otros, formaba una imagen. Close dijo: “Descubrí que alrededor de 150 puntos es el número mínimo de puntos para hacer una persona específica reconocible”. [2] Su color hacía que sus pinturas parecieran estar cubiertas de vidrio grueso o agua ondulante, las pinturas cambiaban cuando se veían a diferentes distancias.
Lucas (7.2.1) es una representación de un artista amigo de Close. Las imágenes bajo el retrato demuestran la información visual de cómo Close pintó las partes componentes. Utilizó una fotografía de Lucas para dibujar la cuadrícula y luego definió los increíblemente pequeños guiones y puntos visibles al estar de pie directamente frente al cuadro. El espectador tiene que retroceder para ver correctamente la imagen enfocada de Lucas.
El cuadro de William Jefferson Clinton (7.2.2) tiene 2.74 metros de altura, un retrato para la exhibición de Presidentes de Estados Unidos. La imagen que representaba solo los hombros y la cabeza de Clinton era tan alta como las imágenes de cuerpo completo de los otros presidentes. Si bien Close utilizó su método de cuadrícula habitual, las pequeñas secciones de la pintura tienen forma de diamante en lugar de cuadrados, cada segmento sólo 6.3 centímetros. Llenó los segmentos con círculos, rectángulos o formas de gotas de lluvia y colores anidados dentro de cada segmento. Curiosamente, hay un pequeño segmento parecido a frijol dentro del área de los dientes del presidente. Los colores Close utilizados son vibrantes, y claramente, los colores de piel son diferentes del resto de los colores. Toda la imagen parece estar cubierta de agua ondulante.
Para celebrar la apertura de una de las principales líneas de metro de Nueva York en 2017, el gobernador había encargado a artistas la creación de instalaciones de arte público. Cuatro artistas fueron elegidos para crear arte para las cuatro nuevas estaciones principales. Close fue seleccionado para producir las obras para la estación de la Calle 86, e hizo doce obras de arte, cada una de casi 2.74 metros de altura, de todas las diferentes imágenes de personas. Close dijo: “Quería que las imágenes reflejaran el número de pasajeros en el piso de abajo. Yo quería afroamericanos y asiáticos, ancianos y jóvenes”. [3] Utilizando imágenes que había tomado a lo largo de varios años, realizó las imágenes a partir de mosaicos para que la gente pudiera tocarlas y sentirlas, aportando una fisicalidad a su obra. Utilizó a sus amigos como modelos porque no quería hacer una audición para encontrar temas. Diez de los retratos fueron hechos de mosaicos y dos de baldosas cerámicas. Una de las imágenes incluía el propio Close (7.2.3) y Tara Walker, (7.2.4) una artista muy conocida.
Figura\(\PageIndex{4}\): Chuck Cerrar imagen en el 86 St. Subway, por MTaPhotos, CC BY 2.0Richard Estes
Richard Estes (1932-) nació en Illinois y estudió arte en el Instituto de Arte de Chicago. La mayor parte de su tiempo se dedicó a estudiar pintores realistas, y cuando se mudó a la ciudad de Nueva York, trabajó en publicidad como artista gráfico, pintando en cualquier tiempo extra que tuviera. Estes se mudó a España en 1962 y finalmente pudo darse el lujo de pintar a tiempo completo. Siempre siguió su interés por las obras realistas y utilizó fotografías para su inspiración. A pesar de trabajar en un lienzo bidimensional, Estes intentó crear el concepto de tres dimensiones basado en el uso de imágenes reflectantes de vidrio, metal, o la hora del día. Estes siempre trató de pintar exactamente lo que veía en la fotografía. Se centró en las actividades del típico residente de la ciudad mientras se desplazaban por la ciudad, los principales elementos reconocibles entre la miríada de visuales que se ven en el pueblo. No obstante, la gente no estaba incluida en la pintura. Un espectador necesita examinar cuidadosamente las pinturas para comprender los múltiples detalles que Estes agregó en cada imagen.
Las pinturas y grabados de Este reflejaban las vistas geométricas de Nueva York, centrándose en los barrios y los reflejos de la vida que se ven en las ventanas y superficies metálicas. También desarrolló un proceso de serigrafía para aplicar las tintas a la perfección, ya sea que parte de la imagen fuera profunda y oscura o clara y reflectante. Estes siguió un método específico de pintura, aplicando secciones de color con pintura acrílica diluida y agregando las sombras o reflejos necesarios. El paso final fue la aplicación de pintura al óleo para crear los detalles finos, un proceso calculado y desafiante. Por todo el detalle que pintó, Estes no produjo muchos cuadros en un año. Le gustaba esconder su firma en lugares insólitos, un menú o un letrero de algún tipo. Estes mostró los panoramas de la ciudad de Nueva York a través de la belleza reflexiva del vidrio y el metal. No obstante, las escenas están llenas de ambigüedades, incluso ¿dónde está la gente?
En The Candy Store (7.2.5), Estes caracteriza la mercancía azucarada y exhibe letreros que se encuentran en una tienda de golosinas local. La imagen también contenía reflejos de las fachadas del edificio en el barrio exterior, incluso la camioneta estacionada al otro lado de la calle. El espectador tiene la experiencia vicaria de las maravillosas elecciones cuando parecen estar mirando por la ventana.
Figura\(\PageIndex{5}\): The Candy Store (1969, óleo y acrílico sobre lino, 121.9 x 174.9 cm) de hermien_amsterdam, CC BY-NC-SA 2.0Nedick's (7.2.6) trajo una vista de la hamburguesería local, el vidrio expansivo que refleja el vecindario. Las ventanas laterales permitieron al espectador ver la calle lateral. Estes pintó la corta profundidad de la calle del café y la longitud distante moviéndose por la calle perpendicular. En la década de 1970, Estes se convirtió en uno de los principales artistas del fotorrealismo.
Ralph Goings
Ralph Goings (1928-2016) nació en California, viviendo durante la Gran Depresión. Siempre recordaba la dificultad de su padre para encontrar trabajo; la mayoría de los trabajos eran temporales con salarios muy bajos. Afortunadamente, Goings tomó una clase de arte como estudiante de primer año de secundaria y se inspiró en los libros que Goings leyó sobre Rembrandt. Una de sus tías le ayudó a comprarle libros y suministros, y usó sábanas viejas para lienzos. Goings estaba en el ejército, luego se inscribió en el Colegio de Artes y Oficios de California, particularmente estudiando artistas fotorealistas. También completó un MFA de Sacramento State College, estudiando a los artistas del Área de la Bahía de San Francisco, especialmente Nathan Oliveira y Wayne Thiebaud. Goings se centró en pintar imágenes fotorrealistas cuando decidió que el Pop Art estaba mal hecho. Creía que si un artista estaba pintando algo realista, el objeto debía parecerse mucho a la realidad. Junto con Audrey Flack, Richard Estes y Robert Bechtle, ayudó a crear el movimiento del fotorrealismo.
Los primeros años de vida de Goings influyeron en su trabajo y se enfocaron en la vida estadounidense ordinaria y los entornos de la gente de clase trabajadora. Había rechazado el expresionismo abstracto a favor del realismo. Afirmó: “Mis pinturas son sobre la luz, sobre la forma en que se ven las cosas en su entorno y sobre todo sobre cómo se ven las cosas pintadas. La forma, el color y el espacio están al capricho de la realidad, su descubrimiento y organización son las tareas del pintor realista”. [4] Goings utilizó múltiples fotografías que ensambló en una sola imagen terminada. Proyectó la imagen sobre el lienzo antes de pintar. Goings se destacó por sus pinturas de camiones, comensales y otros ambientes de clase trabajadora que encontró en toda California.
En Amsterdam Diner (7.2.7), los taburetes y el mostrador se mueven a través de la diagonal de la pintura. Los reflejos metálicos rebotan a lo largo de la imagen, las omnipresentes urnas de café, las estanterías y los taburetes sin respaldo con bandas. La persona solitaria viste ropa sencilla de obrero y se encuentra sentada al final del movimiento diagonal, anclando la pintura. Las ventanas en la pared opuesta daban fuertes sombras de los taburetes y se reflejaban en el gabinete en el medio. Los objetos del comensal se reflejan en el mostrador mientras la única botella de ketchup espera frente al hombre. Los asistentes pintaban frecuentemente a los comensales y los accesorios en su interior, explotando especialmente las características reflectantes. Goings siempre estuvo interesado en las partes únicas de Sacramento en California, especialmente los edificios vacíos, las ideas de lugares de comida rápida y los tipos de transporte que encontró en la región.
El cuadro del Aeropuerto de Sacramento (7.2.8) fue uno de los edificios locales interesantes. Las filas de ventanas en el frente y la torre única proporcionaron la imagen vertical y horizontal perfecta. El pequeño avión ancla el frente sentado en la pista a través de la parte inferior de la pintura. Un espectador puede ver a través de las ventanas de la sala de espera y las ventanas de la torre, demostrando la atención de Goings al realismo de la imagen.
Duane Hanson
Nacido en Minnesota, Duane Hanson (1925-1996) era hijo de un granjero lechero. Se graduó de Macalester College en Minnesota y enseñó en escuelas secundarias en Iowa e Idaho antes de recibir su MFA en 1951. Durante este periodo, también se casó, su esposa una cantante de ópera. En 1957, Hanson se fue a Alemania Occidental para dar clases en una escuela secundaria del ejército y conoció al escultor George Grygo quien estaba experimentando con diferentes materiales escultóricos. Cuando Hanson regresó a Miami en 1960, comenzó a trabajar con yeso de parís para construir estatuas realistas. Para 1967 perfeccionó sus habilidades hechas en resina de poliéster, fibra de vidrio y vinil. Sus esculturas de soldados muertos en la guerra de Vietnam, el aborto y los disturbios raciales crearon mucha controversia y dieron a conocer su obra. Posteriormente, Hanson destruyó muchas de estas primeras obras porque quería ser conocido por su posterior trabajo más sutil y se enfocó en menos violencia en lugar de crear parodias basadas en la vida en Estados Unidos. Si bien Hanson no utilizó fotografías para crear su obra, el estilo hiperrealista se superpuso con el fotorrealismo.
Para la década de 1970, la obra de Hanson era figuras muy realistas, de tamaño natural y completamente vestidas. Las figuras solían estar desenganchadas de cualquier emoción, luciendo aburridas, cansadas del mundo o desinteresadas. Las figuras se colocaron sin límites en el espacio de los espectadores. Las esculturas son excepcionalmente realistas, y los espectadores interactúan frecuentemente con la imagen, sin darse cuenta de que es una estatua. A partir de las poses naturales de una modelo en vivo, realizó un molde de yeso del cuerpo de la modelo y utilizó resina de polivinilo o fibra de vidrio para crear la estatua básica. Hanson fue excepcionalmente detallado, agregando cabello y uñas naturales o dando a la piel manchas, verrugas o venas levantadas. Sus figuras estaban meticulosamente vestidas con ropa representativa que compró en tiendas de segunda mano, junto con los accesorios apropiados. Hanson declaró: “Mi arte no se trata de engañar a la gente; es la actitud humana que me persigue: fatiga, un poco de frustración, rechazo. Para mí, hay una especie de belleza en todo esto”. [5]
Ejecutivo (7.2.9) retrata al hombre con su maletín pareciendo estar descansando en la silla, usado por sus responsabilidades laborales. Su vestimenta refleja los tiempos; la corbata marrón y amarilla altamente contrastada representó la década de 1970, un sombrero que todavía forma parte de la vestimenta de la jornada laboral. Su maletín está desgastado y mellado, símbolo de la duración de su carrera laboral. Se sienta solo, las preocupaciones de su trabajo dejaron atrás. Aún así, la imagen hace dudar al espectador; ¿por qué el hombre está sentado solo, se limita a revisar su día, o le ha superado el agotamiento?
The Bowery Derelicts (7.2.11) representa a tres hombres, probablemente sin hogar, acostados o sentados desplomados; cada figura tiene una botella de alcohol, sembrada de basuras alrededor de los hombres. La escena demuestra el punto bajo de los alcohólicos y su incómoda existencia. ¿Qué pasó con estos hombres para terminar en esta posición, y cómo maneja la sociedad los temas complejos y desafiantes? La atención al detalle de Hanson demuestra las pésimas condiciones a las que se enfrentan estos hombres.
Audrey Flack
Audrey Flack (1931-) nació en la ciudad de Nueva York y recibió su licenciatura en arte de la Universidad de Yale. Al igual que con muchos artistas en su momento, la obra de Flack siguió los conceptos del expresionismo abstracto en la década de 1950. Durante la década de 1960, pasó a un estilo fotorrealista trabajando con Richard Estes y Ralph Goings. Flack utilizó fotografías como su modelo para la pintura; sin embargo, no pintó una escena completa. Incorporó diferentes imágenes e ideas basadas en un concepto integrado. Algunas partes de la pintura podrían tener retratos y otros componentes incluían objetos inanimados. Flack fue la única mujer en el movimiento fotorrealista. Ella descartó sus ideas de autos, camiones o imágenes de calles vacías y en su lugar quiso agregar más imágenes emocionales y simbólicas. Flack también aportó una perspectiva más femenina a las obras, utilizando símbolos idealizados superpuestos con objetos femeninos asertivos. A pesar de que fue criticada por su tema feminista, los críticos suelen llamar vulgar su obra, Flack siguió comprometida con sus ideales.
Marilyn (Vanitas) (7.2.13) es una de una serie de pinturas sobredimensionadas que Flack pintó y se centró en la presentación realista de los símbolos estratificados del feminismo contemporáneo e histórico. Ella hizo que un fotógrafo capturara cada objeto con una cámara y luego hiciera diapositivas de 35 mm, combinando las imágenes para la base de la pintura. La fotografía de Marilyn Monroe fue el punto focal. La mayoría de los objetos de alto contraste son redondeados, siguiendo conceptos de curvas femeninas; solo la fotografía de los niños tiene los bordes duros del rectángulo. Muchos de los objetos reflejan la luz con un brillo notable, mientras que el espejo refleja la cara de Monroe. Los cosméticos son elementos que se esperaba que Monroe utilizara como otros objetos como el calendario o el reloj, indicando el paso del tiempo.
Invocación (7.2.14) demuestra cómo Flack utilizó colores vibrantes y saturados para pintar una compilación de objetos y formar una composición unificadora. Afirmó: “Mis colores son brillantes, mi tema es apasionado y humanista, lo opuesto a lo fresco y sobrio, lo opuesto a los otros Fotorealistas”. [6] Flack utilizó el cráneo para representar la fragilidad de la vida y la muerte inevitable. Las flores y las velas también se descomponen con el tiempo.
Vija Celmins
Vija Celmins (1938-) nació en Letonia. Durante la Segunda Guerra Mundial, tras la invasión soviética de Letonia, su familia huyó a Alemania. Después del fin de la guerra, la familia vivía en un campo de refugiados antes de trasladarse a Indiana en América. En este momento, Celmins tenía diez años y no hablaba inglés, por lo que recurrió al dibujo para comunicar sus sentimientos. Recibió un título de la John Herron School of Art, incluyendo una pasantía en Yale, donde conoció a Chuck Close. Recibió un MFA de la UCLA en 1965 y enseñó en algunos de los colegios locales. En 1981, Celmins se mudó a la ciudad de Nueva York y regresó a la pintura y al grabado. En las décadas de 1960 y 1970, dejó de pintar para centrarse en imágenes hechas con un lápiz de grafito basado en fotografías. A lo largo de las siguientes décadas, los Celmins pintaron, crearon esculturas e hicieron diferentes tipos de impresiones.
Sin título (Océano) (7.2.15) demostró su atención al detalle y cómo desarrolló el océano y la superficie de las olas, llevando la luminosidad del agua al horizonte. El gris de la obra es impersonal, una paleta neutra. Su laboriosa serie de océanos sin título le valió el reconocimiento temprano. Ella explicó: “Parte de lo que hago es documentar otra superficie y una especie de traducirla. Son como traducciones, y luego parte de ella es ficción, que es invención”. [7]
Web #3 (7.2.16) es una de las imágenes monocromáticas de Celmins. Ella utilizó fotografías como base para la telaraña. La web es un atisbo en el tiempo como captado por una cámara, su trabajo desarrollando la translucidez y fragilidad de la web. Los Celmins dijeron que se identificó con las arañas porque trabajaban en algo una y otra vez. Se hizo conocida por su telaraña, los cielos nocturnos o las olas interminables. A diferencia de otros artistas fotorrealistas, su obra no tenía ningún punto de referencia haciendo imposible determinar ningún contexto o ubicación.
Robert Bechtle
Robert Bechtle (1932-2020) nació en San Francisco, California, donde su madre daba clases a la escuela y su padre trabajaba como electricista. Empezó a dibujar a temprana edad y fue alentado por sus padres y las escuelas. Bechtle recibió un BFA y un MFA de las escuelas de arte y fue inscrito en el ejército después de graduarse. Estuvo estacionado en Berlín y trabajó como diseñador gráfico, aprovechando la oportunidad de visitar múltiples museos europeos. A partir de 1956, Bechtle impartió clases en algunas de las universidades de California y pasó del trabajo comercial a la pintura. También conoció a algunos de los pintores figurativos del Área de la Bahía, fuertemente influenciados por la obra de Richard Diebenkorn. En la década de 1960, Bechtle comenzó a trabajar a partir de fotografías para crear sus pinturas, y Bechtle se centró principalmente en escenas familiares, locales de calles y autos, todo parte de la vida común ordinaria. Fue considerado uno de los fotorrealistas fundadores, y en 1966 tomó sus fotografías para und se como base de su trabajo. Aunque influenciado por Diebenkorn y otros artistas del área de la bahía, quería un estilo objetivo de realismo. Trabajó magistralmente tanto en pintura al óleo como en acuarelas.
Watsonville Olympia (7.2.18) fue una instantánea tomada del primo de Bechtle en el patio trasero, una imagen muy ordinaria. Demuestra un momento congelado en el tiempo, nunca para ser reproducido con precisión en otra fotografía. La silla de flores marrones y blancas denotaba la época como la década de 1970, la cerveza en su mano la marca Olympia, una escena familiar en el patio trasero de cualquiera. La fotografía capturó a la persona en medio de la escena, sus pantalones cortos blancos y camisa roja el foco en medio de los marrones al fondo.
61 Pontiac (7.2.19) representa no sólo a la familia todo-estadounidense, sino que la pintura también subraya el concepto del automóvil como representante del estatus y la riqueza. La camioneta cubre el ancho de la pintura, demostrando su capacidad para sostener a la familia con comodidad. Toda la obra se asemeja a una fotografía real; sin embargo, un examen minucioso revela minúsculas pinceladas y las líneas de tres paneles. El resplandor del sol aplana los colores, casi pareciéndose a una foto vieja y descolorida. Su hijo dijo que Bechtle pintó lo que le rodeaba, y conducía camionetas, tema familiar en sus pinturas. En este cuadro, incluso incluyó a su esposa e hijos.
Algunas imágenes de los artistas fotorealistas se basaban en los entornos en los que vivía la gente, pintadas de forma exigente como si la cámara captara la visión específica. Otros artistas fotorrealistas utilizaron los mismos conceptos de capturar múltiples imágenes y compilarlas en una imagen cohesiva diferente del entorno real. Todos los artistas crearon el realismo exacto de su obra independientemente del medio utilizado.
[1] Close, C., & Yuskavage, L. (1995). Cierre de portabrocas. BOMBA, 52, 30—35. http://www.jstor.org/stable/40425606
[2] Recuperado de https://www.theartstory.org/artist/close-chuck/
[3] Recuperado de https://www.architecturaldigest.com/...nst-public-art
[4] Recuperado de https://www.theartstory.org/artist/goings-ralph/
[5] Recuperado de https://nga.gov.au/hyperreal/artists...rtistirn=48374
[6] Recuperado de https://www.kingsnews.org/articles/audrey-flack
[7] Recuperado de http://www.artnet.com/artists/vija-celmins/