8.3: Modernismo

El modernismo en las artes se refiere a un período específico que comienza alrededor de 1900 y que se vuelve propio en la década de 1920. Se expresó un conjunto de actitudes y supuestos comunes que se centraban en un rechazo a la autoridad establecida. Fue un movimiento de escepticismo dirigido hacia la clase media posvictoriana, una revisión de todo el legado de comodidad, seguridad, paranoia, rigidez y jerarquía. Rechazó la premisa del melodrama, es decir, claros mensajes morales en el arte y la literatura que estaban destinados a edificar e instruir. Socialmente, fue una reacción contra la complacencia de la burguesía, de su disposición a iniciar guerras por imperio y nociones de nacionalismo.

El arte y la literatura modernistas a veces atacaban abiertamente los valores morales de la sociedad dominante, pero a veces experimentaban con la forma misma y simplemente ignoraban cuestiones morales. Esta era de l'art pour l'art (“arte por el arte”), de la creación desenterrada del deber social o intelectual. Los artistas rompieron con la idea de que el arte debía “representar” algo noble y hermoso, y en cambio muchos se entregaron a experimentos salvajes y crearon deliberadamente piezas perturbadoras destinadas a provocar a su audiencia. A veces, los modernistas eran realmente “modernos” en glorificar el industrialismo y la tecnología, mientras que otras veces eran modernos en el sentido de que estaban experimentando con enfoques de creación completamente novedosos.

Uno de los movimientos modernistas por excelencia fue el futurismo. Comenzando en Italia antes de la Primera Guerra Mundial, el futurismo fue un movimiento de poetas, dramaturgos y pintores que celebraban la velocidad, la tecnología, la violencia y el caos. Su objetivo declarado era destruir los restos del arte pasado y reemplazarlo con el arte del futuro, un arte que reflejaba el mundo moderno, industrial. El futurismo buscaba algo nuevo y mejor de lo que se le había ocurrido a la burguesía victoriana: algo heroico.

En 1909, F.T. Marinetti, fundador del movimiento, escribió el Manifiesto Futurista. En ella, tronó que los futuristas querían “cantar el amor al peligro, el hábito de la energía y la precipitación”, y que “la poesía debe ser un asalto violento a las fuerzas de lo desconocido”. El Manifiesto continuó proclamando, ominosamente, que “queremos glorificar la guerra, la única cura para el mundo” y que los futuristas se dedicaron a demoler “museos y bibliotecas” y buscaron “combatir la moral, el feminismo, y toda cobardía oportunista y utilitaria”. El Manifiesto, en definitiva, fue una profunda expresión de insatisfacción con la cultura dominante de Europa previa a la Primera Guerra Mundial, y sus defensores eran orgullosos partidarios de la violencia, el elitismo y la misoginia.

El arte futurista en sí era a menudo extraño y provocativo: una obra futurista consistió en una apertura de cortina a un escenario vacío, el sonido de un disparo y un grito fuera del escenario, y el cierre del telón. Las pinturas futuristas a menudo representaban vastas nubes de humo oscuro con imágenes abstractas de trenes y torres de radio, o a veces simplemente mezclas de colores. Si bien su política era tan turbia como parte de su arte desde el principio, después de la Primera Guerra Mundial la mayoría de los futuristas abrazaron el fascismo, viendo en el fascismo un movimiento político que reflejaba su deseo de una política nueva, viril y despectiva de la democracia.

Los futuristas eran solo una rama del modernismo en las artes visuales. Otras escuelas existían en toda Europa, incluyendo el vorticismo en Inglaterra, el expresionismo en Austria y el cubismo en Francia. Pablo Picasso (1881 - 1973), el mayor pintor y escultor cubista, fue uno de los pintores modernistas por excelencia en que retrató objetos, personas, incluso obras de maestros pasados, pero lo hizo desde varias perspectivas diferentes a la vez. Los vorticistas ingleses, por su parte, intentaron capturar la impresión de movimiento en pinturas estáticas, sobre todo representando explosiones literales en su arte.

Entre los creadores de las imágenes más llamativas, a veces bellas, pero otras veces grotescas asociadas al modernismo se encontraban los expresionistas austriacos. El principal punto del expresionismo era exhibir la vida interior del artista a través de imágenes abstractas, a menudo perturbadoras. El concepto rector no era representar las cosas “tal como son”, sino reflejar las inquietantes realidades de la mente y el espíritu del artista. El más grande expresionista austriaco fue Gustav Klimt (1862 - 1918), quien creó retratos hermosos pero inquietantes y a menudo altamente erotizados, el más famoso de los cuales se convirtió en una de las decoraciones de dormitorio por excelencia de la colegiada América: El beso.

Figura 8.3.1: El beso de Klimt de 1908.

En 1901, la Universidad de Viena encargó a Klimt la creación de pinturas para celebrar las tres grandes ramas de la erudición académica tradicional: filosofía, medicina y derecho. En cada caso, Klimt creó imágenes aterradoras en las que el tema nominal estaba de alguna manera presente, pero se vio eclipsado por la grotesca representación de cómo se estaba llevando a cabo o cómo no abordaba adecuadamente su tema. La filosofía, por ejemplo, representa una columna de figuras desnudas y desgraciadas aferradas unas a otras sobre un abismo estrellado, con un rostro siniestro y translúcido visible en el fondo. Las pinturas eran todas hermosas y hábilmente renderizadas, pero también oscuras e inquietantes (los originales fueron destruidos por los nazis durante su ocupación de Austria - el modernismo fue considerado “arte degenerado” por el partido nazi).

Figura 8.3.2: Filosofía de Klimt, de 1907.

Uno de los alumnos de Klimt fue Egon Schiele (1890 - 1918), quien subvirtió los temas de Klimt (que, aunque muy oscuros, también eran hermosos) y celebraba abiertamente lo feo y amenazante. Sus autorretratos en particular estaban destinados a retratar su propia perversidad y depresión; normalmente se pintaba desnudo luciendo demacrado, amenazante y sombrío. Mientras que Klimt buscó capturar al menos algunos aspectos positivos o placenteros del espíritu humano y de la mente que existían a nivel inconsciente, la obra de Schiele retrató casi brutalmente la fealdad incrustada en su propia psique.

Sin embargo, el modernismo no se limitaba a la literatura y a las artes visuales. Algunos compositores y músicos en las primeras décadas del siglo XX buscaron romper tradiciones musicales, desafiando las expectativas de sus oyentes alterando las escalas, notas y tempos que el público occidental estaba acostumbrado a escuchar. Algunas de las piezas resultantes finalmente se convirtieron en clásicos por derecho propio, mientras que otras tendían a formar parte de la historia de la música más que la música que mucha gente realmente escuchaba.

Uno de los compositores modernistas más notables fue Igor Stravinsky (1882 — 1971). Compositor ruso, Stravinsky era mejor conocido por su Rito de la Primavera. El Rito de la Primavera era un ballet que representaba los ritos de fertilidad de los antiguos escitas, los nómadas nativos del sur de Rusia en el pasado antiguo. Escenificado por bailarines de ballet clásico, el Rito de la Primavera escandalizó por completo a sus primeros públicos; en su primera actuación en París, miembros del público sisearon a los bailarines, y arrojaron escombros a la orquesta, mientras que la prensa la calificó de pornográfica y bárbara. Los bailarines se tambaleaban en el escenario, a veces de manera abiertamente sexual, y la música cambió su tempo y abandonó su tema central. A los pocos años, sin embargo (y tras un cambio en su salvaje coreografía), el Rito pasó a formar parte del canon de grandes piezas del ballet.

En contraste, el compositor austriaco Arnold Schoenberg (1874 - 1951) inventó una forma de música orquestal que sigue siendo más una influencia importante para los músicos y compositores de vanguardia que algo escuchado activamente por el público principal. Las principales innovaciones de Schoenberg consistieron en experimentos con la atonalidad -música sin una clave central y vinculante- y una escala de doce tonos recién inventada de su propia creación. Schoenberg fue de los primeros en desafiar toda la tradición de la música occidental en sus experimentos. Desde el Renacimiento, los músicos occidentales habían trabajado básicamente en el mismo conjunto de escalas. En consecuencia, los oyentes fueron “entrenados” desde el nacimiento para esperar ciertos sonidos y ciertos ritmos en la música. Schoenberg subvirtió deliberadamente esas expectativas, insertando disonancia y notas inesperadas en muchas de sus obras.

Similar en cierto modo a las innovaciones en las artes visuales y la música, la literatura modernista creó un nuevo enfoque de la poesía y la prosa. Autores como Virginia Woolf, Marcel Proust, Franz Kafka y James Joyce (cuyos lugares de origen abarcaron desde Dublín hasta Praga) crearon una nueva forma de literatura en la que la trama nominal de una historia era menos importante que la vida interior del protagonista y la experiencia de su entorno e interacciones. La novela de Joyce (increíble difícil de leer), Ulises, describió un solo día sin importancia en la vida de un hombre en Dublín, Irlanda, centrándose en la amplia gama de pensamientos, emociones y reacciones que pasaron a través de la conciencia del hombre en lugar de en los eventos del día mismo. Proust y Woolf también escribieron obras centradas en la vida interior más que en el evento exterior (Woolf también fue una escritora feminista seminal). La obra de Kafka satilizó brillante y trágicamente la experiencia de perderse en el mundo moderno, encerrada por burocracias impersonales y desconectada de otras personas: su historia más famosa, Metamorfosis, describe la experiencia de un joven que un día despierta para descubrir que tiene convertirse en un insecto gigantesco, pero cuya preocupación inmediata es que no podrá llegar a su trabajo.

En última instancia, el modernismo artístico en las artes, la música y la literatura cuestionó la obsesión (post) victoriana con la moral tradicional, la jerarquía y el control. La vida interior no era sencilla, era un complicado lío de valores, instos e impulsiones contradictorios, y la moral tradicional era a menudo una cortina de humo sobre un sistema de represión y violencia. Ciertos artistas modernistas atacaron el sistema, mientras que otros expusieron su vacuidad, su vacío o su superficial, contra la realidad más oscura y compleja que pensaban que yacía debajo.