14.4: Ópera italiana
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La Era Barroca
A pesar de sus orígenes, la ópera no permaneció confinada al público de la corte por mucho tiempo. En 1637 surgió en Venecia la idea de una “temporada” (Carnaval) de óperas públicas apoyadas por la venta de entradas. Monteverdi se había trasladado a la ciudad desde Mantua y compuso sus últimas óperas, Il ritorno d'Ulisse in patria y L'incoronazione di Poppea, para el teatro veneciano en la década de 1640. Su seguidor más importante Francesco Cavalli ayudó a difundir la ópera por toda Italia. En estas óperas barrocas tempranas, la comedia amplia se mezcló con elementos trágicos en una mezcla que agitaba algunas sensibilidades educadas, desatando el primero de los muchos movimientos de reforma de la ópera, patrocinados por la Academia Arcadiana, que llegó a asociarse con el poeta Metastasio, cuyos libretos ayudaron a cristalizar el género de la ópera seria, que se convirtió en la forma principal de la ópera italiana hasta finales del siglo XVIII. Una vez firmemente establecido el ideal Metastasiano, la comedia en la ópera de la época barroca se reservó para lo que llegó a llamarse ópera buffa. Antes de que tales elementos fueran expulsados de la ópera seria, muchos libretos habían presentado una trama cómica que se desarrollaba por separado como una especie de “ópera dentro de una ópera”. Una de las razones de esto fue un intento de atraer a miembros de la creciente clase mercantil, recién adinerados, pero aún no tan cultos como la nobleza, a los teatros públicos de ópera. Estas tramas separadas resucitaron casi de inmediato en una tradición en desarrollo separado que se derivó en parte de la comedia dell'arte, una tradición escénica improvisadora de larga floración de Italia. Así como la intermedi había sido interpretada una vez entre los actos de las obras de teatro, las óperas del nuevo género cómico de “intermezzi”, que se desarrolló en gran parte en Nápoles en los años 1710 y 20, se escenificaron inicialmente durante los entretenimientos de la ópera seria. Se hicieron tan populares, sin embargo, que pronto se les ofrecían como producciones separadas.
Los personajes cómicos habían formado parte de la ópera hasta principios del siglo XVIII, cuando la “ópera buffa” comenzó a emerger como un género separado. Opera buffa fue un desarrollo paralelo a la ópera seria y surgió en reacción a la llamada primera reforma de Zenón y Metastasio. Se pretendía, en parte, como un género con el que el hombre común pudiera relacionarse más fácilmente. Mientras que la ópera seria era un entretenimiento que se hizo y representaba a reyes y nobleza, la ópera buffa se hizo para y representó a gente común con problemas más comunes. Generalmente se evitaba el lenguaje de alto vuelo a favor del diálogo con el que se relacionaría la clase baja, a menudo en el dialecto local, y los caracteres comunes a menudo se derivaban de los de la comedia dell'arte italiana.
A principios del siglo XVIII, las óperas cómicas a menudo aparecían como interludios cortos de un acto conocidos como intermezzi que se interpretaban entre actos de ópera seria. Estos dieron paso a la ópera buffa de pleno derecho más tarde en el siglo XVIII. La serva padrona de Giovanni Battista Pergolesi (1710—1736), es el intermezzo que aún se realiza con alguna regularidad en la actualidad, y proporciona un excelente ejemplo del estilo.
Aparte de Pérgolesi, los primeros grandes compositores de ópera buffa fueron Nicola Logroscino, Baldassare Galuppi y Alessandro Scarlatti, todos ellos radicados en Nápoles o Venecia.
La importancia de la ópera buffa disminuyó durante la época romántica. Aquí, las formas eran más libres y menos extendidas que en el género serio y los números establecidos estaban vinculados por secco recitativo, la excepción fue Don Pasquale de Donizetti en 1843. Con Rossini, se alcanza una distribución estándar de cuatro personajes: una prima donna soubrette (soprano o mezzo); un tenor ligero y amoroso; un bajista cantante o barítono capaz de expresión lírica, en su mayoría irónica; y un basso buffo cuyas habilidades vocales, en gran parte confinadas a una clara articulación y la capacidad de” golpeteo”, también debe extenderse al barítono a efectos de duetos cómicos.
El tipo de comedia podía variar, y el rango era grande: desde El barbero de Sevilla de Rossini en 1816 que era puramente cómico, hasta Las bodas de Fígaro de Mozart en 1786 que agregaba drama y patetismo. Otro ejemplo de ópera buffa romántica sería L'elisir d'amore de Donizetti de 1832.
Escucha: Opera Buffa
Mira el siguiente videoclip de El barbero de Sevilla:
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Mientras que la ópera seria trata de dioses y héroes antiguos y solo ocasionalmente contenía escenas cómicas, la ópera buffa implica el uso predominante de escenas cómicas, personajes y tramas en un escenario contemporáneo. El modelo tradicional de ópera seria tuvo tres actos, trató temas serios en escenarios míticos, como se dijo anteriormente, y utilizó voces altas (tanto sopranos como castrati) para los personajes principales, a menudo incluso para los monarcas.
En contraste, el modelo que generalmente sostenía para la ópera buffa estaba teniendo dos actos (como, por ejemplo, El barbero de Sevilla), presentando escenas cómicas y situaciones como se dijo anteriormente y utilizando las voces masculinas inferiores con exclusión de los castrati. Esto llevó a la creación del característico “basso buffo”, un especialista en golpeteo que fue el centro de la mayor parte de la acción cómica.
Escucha: Basso Buffo
Un conocido papel de basso buffo es Leporello en Don Giovanni de Mozart. Puedes escuchar un ejemplo a continuación:
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La ópera seria fue elevada en tono y muy estilizada en forma, generalmente consistiendo en secco recitativo intercalado con largas arias da capo. Estos brindaron una gran oportunidad para el canto virtuoso y durante la edad de oro de la ópera seria el cantante realmente se convirtió en la estrella. El papel del héroe solía escribirse para la voz castrato; castrati como Farinelli y Senesino, así como sopranos femeninos como Faustina Bordoni, se hicieron de gran demanda en toda Europa ya que la ópera seria gobernaba el escenario en todos los países excepto Francia. En efecto, Farinelli fue uno de los cantantes más famosos del siglo XVIII. La ópera italiana marcó el estándar barroco. Los libretos italianos eran la norma, incluso cuando un compositor alemán como Handel se encontró componiendo artistas como Rinaldo y Giulio Cesare para el público londinense. Los libretos italianos siguieron siendo dominantes también en el período clásico, por ejemplo en las óperas de Mozart, quien escribió en Viena cerca del cierre del siglo. Entre los principales compositores italianos de ópera seria se encuentran Alessandro Scarlatti, Vivaldi y Porpora.
Reforma: Gluck, el ataque al ideal metastásico y Mozart
La ópera seria tenía sus debilidades y críticas. El gusto por el embellecimiento en nombre de los cantantes magníficamente entrenados, y el uso del espectáculo como reemplazo de la pureza dramática y la unidad atrajeron ataques. Ensayo sobre la ópera de Francesco Algarotti (1755) demostró ser una inspiración para las reformas de Christoph Willibald Gluck. Abogó por que la ópera seria tuviera que volver a lo básico y que todos los diversos elementos —la música (tanto instrumental como vocal), el ballet y el escenario— deben estar subordinados al drama primordial. En 1765 Melchior Grimmpublicó “Poème lyrique”, un artículo influyente para la Encyclopédie sobre libretos líricos y óperas. Varios compositores de la época, entre ellos Niccolò Jommelli y Tommaso Traetta, intentaron poner en práctica estos ideales. El primero en triunfar sin embargo, fue Gluck. Gluck se esforzó por lograr una “hermosa simplicidad”. Esto es evidente en su primera ópera reformista, Orfeo ed Euridice, donde sus melodías vocales no virtuosas se apoyan en armonías simples y una presencia orquestal más rica en todas partes.
Escucha: Gluck
Puedes escuchar un aria de Orfeo ed Euridice a continuación:
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Las reformas de Gluck han tenido resonancia a lo largo de la historia operística. Weber, Mozart y Wagner, en particular, fueron influenciados por sus ideales. Mozart, en muchos sentidos el sucesor de Gluck, combinó un magnífico sentido del drama, la armonía, la melodía y el contrapunto para escribir una serie de comedias, en particular Così fan tutte, Las bodas de Fígaro y Don Giovanni (en colaboración con Lorenzo Da Ponte), que se mantienen entre los óperas más queridas, populares y conocidas hoy en día. Pero la contribución de Mozart a la ópera seria era más mixta; para su época estaba desapareciendo, y a pesar de obras tan finas como Idomeneo y La clemenza di Tito, no lograría volver a dar vida a la forma de arte.
Bel Canto, Verdi y Verismo
El movimiento de la ópera bel canto floreció a principios del siglo XIX y es ejemplificado por las óperas de Rossini, Bellini, Donizetti, Pacini, Mercadante y muchas otras. Literalmente “canto hermoso”, la ópera de bel canto deriva de la escuela italiana de canto estilístico del mismo nombre. Las líneas de bel canto son típicamente floridas e intrincadas, requiriendo agilidad suprema y control de tono. Ejemplos de famosas óperas al estilo bel canto incluyen Il barbiere di Siviglia y La Cenerentola, de Rossini, así como Lucia di Lammermoor de Donizetti.
Siguiendo la era del bel canto, Giuseppe Verdi popularizó rápidamente un estilo más directo y contundente, comenzando con su ópera bíblica Nabucco. Las óperas de Verdi resonaron con el creciente espíritu del nacionalismo italiano en la era posnapoleónica, y rápidamente se convirtió en un ícono del movimiento patriótico (aunque su propia política quizás no fuera tan radical). A principios de la década de 1850, Verdi produjo sus tres óperas más populares: Rigoletto, Il trovatore y La traviata. Pero continuó desarrollando su estilo, componiendo quizás la mayor Gran Ópera francesa, Don Carlos, y terminando su carrera con obras inspiradas en TwoHakespeare, Otello y Falstaff, que revelan hasta qué punto la ópera italiana había crecido en sofisticación desde principios del siglo XIX siglo.
Después de Verdi, el sentimental melodrama “realista” del verismo apareció en Italia. Este fue un estilo introducido por Cavalleria rusticana de Pietro Mascagni y Pagliacci de Ruggero Leoncavallo que llegó prácticamente a dominar los escenarios de la ópera mundial con obras tan populares como La bohème, Tosca, Madama Butterfly de Giacomo Puccini y Turandot. Posteriormente compositores italianos, como Berio y Nono, han experimentado con el modernismo.
- Revisión y adaptación. Proporcionado por: Lumen Learning y Natalia Kuznetsova. Licencia: CC BY-SA: Atribución-CompartirIgual
- Ópera. Proporcionado por: Wikipedia. Ubicado en: https://en.wikipedia.org/wiki/Opera. Licencia: CC BY-SA: Atribución-CompartirIgual
- Opera Buffa. Proporcionado por: Wikipedia. Ubicado en: https://en.wikipedia.org/wiki/Opera_buffa. Licencia: CC BY-SA: Atribución-CompartirIgual
- Janet Baker canta Che faro senza Eurídice. Escrito por: inwit. Ubicado en: https://youtu.be/C1B85UQT4AY. Licencia: Todos los Derechos Reservados. Términos de la licencia: Licencia estándar de YouTube
- El barbero de Sevilleu2014Aria de Fígaro. Autor: Gioreto1. Ubicado en: https://youtu.be/7qHZkkgowdY. Licencia: Todos los Derechos Reservados. Términos de la licencia: Licencia estándar de YouTube
- Mestasio de Batoni. Proporcionado por: Wikimedia. Ubicado en: https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Metastasio_by_Batoni.jpg. Licencia: Dominio Público: No Conocido Derechos de Autor
- Fete Musical de Giovanni Paolo Pannini. Proporcionado por: Wikimedia. Ubicado en: https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Pannini,_Giovanni_Paolo_-_Musical_F%C3%AAte_-_1747.png. Licencia: Dominio Público: No Conocido Derechos de Autor
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