9.2: Arnold Schoenberg

Arnold Schoenberg es uno de los compositores más influyentes del siglo XX. Abogó por la atonalidad en la composición musical, primero a través de obras expresionistas libremente compuestas como Pierrot Lunaire (una canción de ese ciclo, “Madonna”, está en nuestra lista de reproducción), y más tarde a través de su propio sistema de composición comúnmente conocido como música de doce tonos (la Suite Piano, una porción de la cual es en nuestra lista, se compuso utilizando este método). Este sistema de composición atonal se convirtió en el modismo musical dominante en los conservatorios de música de América y Europa durante la segunda mitad del siglo XX. Aunque la influencia de la composición de doce tonos parece estar menguando, su impacto en la música del siglo pasado es enorme. Me encanta o lo odia, la música de Schoenberg camina grande en el escenario de la historia.

Biografía

Vida Temprana

Figura 1. Arnold Schönberg en Payerbach, 1903

Arnold Schoenberg nació en una familia judía de clase media baja en el distrito de Leopoldstadt (en épocas anteriores un gueto judío) de Viena, en “Obere Donaustraße 5”. Su padre Samuel, originario de Bratislava, era comerciante, y su madre Pauline era originaria de Praga. Arnold fue en gran parte autodidacta. Solo tomó lecciones de contrapunto con el compositor Alexander von Zemlinsky, quien iba a convertirse en su primer cuñado.

A los veinte años, Schoenberg se ganaba la vida orquestando operetas, mientras componía sus propias obras, como el sexteto de cuerda Verklärte Nacht (“Noche transfigurada”). Posteriormente realizó una versión orquestal de ésta, la cual se convirtió en una de sus piezas más populares. Tanto Richard Strauss como Gustav Mahler reconocieron la importancia de Schoenberg como compositor; Strauss cuando se encontró con Gurre-Lieder de Schoenberg, y Mahler después de escuchar varias de las primeras obras de Schoenberg.

Strauss recurrió a un modismo más conservador en su propia obra después de 1909, y en ese momento despidió a Schoenberg. Mahler lo adoptó como protegido y continuó apoyándolo, incluso después de que el estilo de Schoenberg llegara a un punto que Mahler ya no podía entender. A Mahler le preocupaba quién lo cuidaría después de su muerte. Schoenberg, que inicialmente había despreciado y burlado la música de Mahler, fue convertido por el “rayo” de la Tercera Sinfonía de Mahler, que consideró una obra de genio. Después “habló de Mahler como un santo”.

En 1898 Schoenberg se convirtió al cristianismo en la iglesia luterana. Según MacDonald esto fue en parte para fortalecer su apego a las tradiciones culturales de Europa occidental, y en parte como medio de autodefensa “en una época de resurgimiento del antisemitismo”. En 1933, después de una larga meditación, volvió al judaísmo, porque se dio cuenta de que “su herencia racial y religiosa era ineludible”, y para tomar una posición inconfundible del lado opuesto al nazismo. Se identificaría a sí mismo como miembro de la religión judía más adelante en la vida.

En octubre de 1901 se casó con Mathilde Zemlinsky, hermana del director y compositor Alexander von Zemlinsky, con quien Schoenberg había estado estudiando desde aproximadamente 1894. Mathilde le dio a luz dos hijos, Gertrud (1902—1947) y Georg (1906—1974). Gertrud se casaría con el alumno de Schoenberg, Félix Greissle, en 1921. Durante el verano de 1908, su esposa Mathilde lo dejó durante varios meses por un joven pintor austriaco, Richard Gerstl. Este periodo marcó un claro cambio en la obra de Schoenberg. Fue durante la ausencia de su esposa que compuso “Te apoyas contra un sauce plateado” (alemán: Du lehnest más ancho eine Silberweide), la decimotercera canción del ciclo Das Buch der Hängenden Gärten, op. 15, basada en la colección homónima del místico alemán poeta Stefan George. Esta fue la primera composición sin ninguna referencia en absoluto a una clave. También en este año, completó una de sus composiciones más revolucionarias, el Cuarteto de Cuerdas No. 2, cuyos dos primeros movimientos, aunque cromáticos en color, utilizan firmas clave tradicionales, pero cuyos dos últimos movimientos, también escenarios de George, debilitan atrevidamente los vínculos con la tonalidad tradicional. Ambos movimientos terminan en acordes tónicos, y el trabajo no es completamente no-tonal. Rompiendo con la práctica previa de cuarteto de cuerdas, incorpora una línea vocal soprano.

Durante el verano de 1910, Schoenberg escribió su Harmonielehre (Theory of Harmony, Schoenberg 1922), que sigue siendo uno de los libros de teoría musical más influyentes. Desde aproximadamente 1911, Schoenberg pertenecía a un círculo de artistas e intelectuales que incluían a Lene Schneider-Kainer, Franz Werfel, Herwarth Walden y la esposa de este último, Else Lasker-Schüler.

En 1910 conoció a Edward Clark, periodista musical inglés que entonces trabajaba en Alemania. Clark se convirtió en su único estudiante de inglés, y en su posterior calidad de productor para la BBC se encargó de introducir muchas de las obras de Schoenberg, y el propio Schoenberg, a Gran Bretaña (así como a Webern, Berg y otros).

Otra de sus obras más importantes de esta época atonal o pantonal es el altamente influyente Pierrot Lunaire, Op. 21, de 1912, un ciclo novedoso de canciones expresionistas ambientado en una traducción alemana de poemas del poeta belga-francés Albert Giraud. Utilizando la técnica de Sprechstimme, o recitación hablada melodramáticamente, la obra empareja a una vocalista femenina con un pequeño conjunto de cinco músicos. El conjunto, que ahora se conoce comúnmente como el conjunto Pierrot, consiste en flauta (doblando en piccolo), clarinete (doblando en clarinete bajo), violín (doblando en viola), violonchelo, altavoz y piano.

Wilhelm Bopp, director del Conservatorio de Viena desde 1907, quería un descanso del ambiente rancio personificado para él por Robert Fuchs y Hermann Graidener. Habiendo considerado muchos candidatos, ofreció puestos docentes a Schoenberg y Franz Schreker en 1912. En su momento Schoenberg vivía en Berlín. No estaba completamente aislado del Conservatorio de Viena, habiendo impartido un curso privado de teoría un año antes. Consideró seriamente la oferta, pero declinó. Escribiendo después a Alban Berg, citó su “aversión a Viena” como la razón principal de su decisión, mientras contemplaba que podría haber sido la equivocada financieramente, pero habiéndola hecho se sintió contento. Un par de meses después le escribió a Schreker sugiriendo que también podría haber sido una mala idea para él aceptar el puesto de profesor.

Primera Guerra Mundial

Figura 2. Arnold Schoenberg, de Egon Schiele 1917

La Primera Guerra Mundial trajo una crisis en su desarrollo. El servicio militar le interrumpió la vida cuando a los 42 años se encontraba en el ejército. Nunca pudo trabajar ininterrumpidamente ni durante un periodo de tiempo, y como resultado dejó muchas obras inconclusas y “comienzos” sin desarrollar. En una ocasión, un oficial superior exigió saber si era “este notorio Schoenberg, entonces”; Schoenberg respondió: “Suplica que informe, señor, sí. Nadie quería ser, alguien tenía que serlo, así que dejé que fuera yo” (según Norman Lebrecht (2001), esta es una referencia al aparente “destino” de Schoenberg como el “Emancipador de la Disonancia”).

En lo que Ross llama un “acto de psicosis de guerra”, Schoenberg hizo comparaciones entre el asalto de Alemania a Francia y su asalto a los valores artísticos burgueses decadentes. En agosto de 1914, mientras denunciaba la música de Bizet, Stravinsky y Avel, escribió: “¡Ahora viene el ajuste de cuentas! Ahora lanzaremos a estos mediocres kitschmongers a la esclavitud, y les enseñaremos a venerar el espíritu alemán y a adorar al Dios alemán”.

El deterioro de la relación entre los compositores contemporáneos y el público le llevó a fundar la Sociedad de Interpretaciones Musicales Privadas (Verein für musikalische Privataufführungen en alemán) en Viena en 1918. Buscó proporcionar un foro en el que las composiciones musicales modernas pudieran ser cuidadosamente preparadas y ensayadas, y debidamente interpretadas bajo condiciones protegidas de los dictados de la moda y las presiones del comercio. Desde sus inicios hasta 1921, cuando terminó por razones económicas, la Sociedad presentó 353 actuaciones a miembros remunerados, a veces a razón de una por semana. Durante el primer año y medio, Schoenberg no dejó que se realizara ninguna de sus propias obras. En cambio, el público en los conciertos de la Sociedad escuchó composiciones contemporáneas difíciles de Scriabin, Debussy, Mahler, Webern, Berg, Reger y otras figuras destacadas de la música de principios del siglo XX.

Desarrollo del Método de los doce tonos

Figura 3. Arnold Schoenberg, 1927, de Man Ray

Posteriormente, Schoenberg iba a desarrollar la versión más influyente del método dodecapfónico (también conocido como doce tonos) de composición, al que en francés e inglés se le dio el nombre alternativo de serialismo por René Leibowitz y Humphrey Searle en 1947. Esta técnica fue retomada por muchos de sus alumnos, quienes constituyeron la llamada Segunda Escuela Vienesa. Entre ellos figuraban Anton Webern, Alban Berg y Hanns Eisler, todos los cuales fueron profundamente influenciados por Schoenberg. Publicó una serie de libros, que van desde su famosa Harmonielehre (Teoría de la Armonía) hasta Fundamentos de la Composición Musical, muchos de los cuales todavía están impresos y utilizados por músicos y compositores en desarrollo.

Schoenberg vio su desarrollo como una progresión natural, y no despreció sus obras anteriores cuando se aventuró en el serialismo. En 1923 escribió al filántropo suizo Werner Reinhart:

Por el momento, me importa más si la gente entiende mis obras más antiguas... Ellos son los precursores naturales de mis obras posteriores, y sólo aquellos que comprendan y comprendan estas podrán obtener una comprensión de las obras posteriores que va más allá de un mínimo desnudo de moda. ¡No le doy tanta importancia a ser un hombre bogey-man musical como a ser un continuador natural de la buena tradición bien entendida!

Su primera esposa murió en octubre de 1923, y en agosto del año siguiente Schoenberg se casó con Gertrud Kolisch (1898—1967), hermana de su alumno, el violinista Rudolf Kolisch. Escribió el libreto de la ópera en un acto de Schoenberg Von heute auf morgen bajo el seudónimo de Max Blonda. A petición suya, la pieza de Schoenberg (en última instancia inacabada), Die Jakobsleiter fue preparada para la actuación del estudiante de Schoenberg, Winfried Zillig. Después de la muerte de su marido en 1951 fundó Belmont Music Publishers dedicada a la publicación de sus obras. Arnold utilizó las notas G y E ♭ (alemán: Es, es decir, “S”) para “Gertrud Schoenberg”, en la Suite, para septeto, Op. 29 (1925).

Tras la muerte en 1924 del compositor Ferruccio Busoni, quien se había desempeñado como Director de una Clase Magistral de Composición en la Academia Prusiana de las Artes de Berlín, Schoenberg fue nombrado para este cargo al año siguiente, pero debido a problemas de salud no pudo asumir su cargo hasta 1926. Entre sus notables alumnos durante este periodo estuvieron los compositores Roberto Gerhard, Nikos Skalkottas y Josef Rufer.

Junto con sus obras de doce tonos, 1930 marca el regreso de Schoenberg a la tonalidad, con los números 4 y 6 de las Seis Piezas para Coro Masculino Op.35, siendo las otras piezas dodecaphónicas.

Tercer Reich y Mudarse a América

Schoenberg continuó en su cargo hasta que los nazis llegaron al poder bajo Adolf Hitler en 1933. Mientras estaba de vacaciones en Francia, se le advirtió que regresar a Alemania sería peligroso. Schoenberg reclamó formalmente la pertenencia a la religión judía en una sinagoga de París, luego viajó con su familia a Estados Unidos. No obstante, esto ocurrió sólo después de que sus intentos de trasladarse a Gran Bretaña no llegaron a nada. Consiguió la ayuda de su exalumno y gran campeón Edward Clark, ahora productor senior de la BBC, para ayudarlo a obtener un puesto de profesor británico o incluso un editor británico, pero fue en vano.

Su primer puesto docente en Estados Unidos fue en el Conservatorio Malkin en Boston. Se mudó a Los Ángeles, donde impartió clases en la Universidad del Sur de California y en la Universidad de California, Los Ángeles, las cuales posteriormente nombraron a un edificio de música en sus respectivos campus Schoenberg Hall. Fue nombrado profesor visitante en la UCLA en 1935 por recomendación de Otto Klemperer, director musical y director de la Orquesta Filarmónica de Los Ángeles; y al año siguiente fue ascendido a profesor con un sueldo de 5.100 dólares anuales, lo que le permitió en mayo de 1936 o 1937 comprar un Renacimiento Español casa en 116 North Rockingham en Brentwood Park, cerca del campus de UCLA, por $18,000. Esta dirección estaba justo al otro lado de la calle de la casa de Shirley Temple, y allí se hizo amigo del compañero compositor (y socio de tenis) George Gershwin. Los Schoenberg pudieron emplear ayuda doméstica y comenzaron a celebrar reuniones los domingos por la tarde que eran conocidas por su excelente café y repostería vienesa. Entre los invitados frecuentes se encontraban Otto Klemperer (quien estudió composición en privado con Schoenberg a partir de abril de 1936), Edgard Varèse, Joseph Achron, Louis Gruenberg, Ernst Toch y, en ocasiones, actores conocidos como Harpo Marx y Peter Lorre. Los compositores Leonard Rosenman y George Tremblay estudiaron con Schoenberg en este momento.

Después de su traslado a Estados Unidos en 1934, el compositor utilizó la ortografía alternativa de su apellido Schoenberg, en lugar de Schönberg, en lo que llamó “deferencia a la práctica estadounidense”, aunque según un escritor hizo el cambio por primera vez un año antes.

Allí vivió el resto de su vida, pero al principio no estaba asentado. Alrededor de 1934, solicitó un puesto de profesor de armonía y teoría en el Conservatorio Estatal de Nueva Gales del Sur en Sydney. El director, Edgar Bainton, lo rechazó por ser judío y por tener “ideas modernistas y tendencias peligrosas”. Schoenberg también en un momento exploró la idea de emigrar a Nueva Zelanda. Su secretario y alumno (y sobrino de la suegra de Schoenberg, Henriette Kolisch), fue Richard (Dick) Hoffmann Jr, nacido en Viena pero que vivió en Nueva Zelanda 1935-47, y Schoenberg había estado fascinado desde la infancia con las islas, y con Nueva Zelanda en particular, posiblemente por la belleza de la sellos postales emitidos por ese país.

Durante este último periodo, compuso varias obras notables, entre ellas el difícil Concierto para violín, Op. 36 (1934/36), el Kol Nidre, Op. 39, para coro y orquesta (1938), la Oda a Napoleón Buonaparte, Op. 41 (1942), el inquietante Concierto para piano, Op. 42 (1942), y su memorial a las víctimas del Holocausto, Un sobreviviente de Varsovia, Op. 46 (1947). No pudo completar su ópera Moses und Aron (1932/33), que fue una de las primeras obras de su género escrita completamente utilizando composición dodecapfónica. Junto con la música de doce tonos, Schoenberg también volvió a la tonalidad con obras durante su último periodo, como la Suite para cuerdas en sol mayor (1935), la Sinfonía de Cámara No. 2 en mi ♭ menor, Op. 38 (iniciada en 1906, terminada en 1939), las Variaciones sobre un recitativo en re menor, op. 40 (1941). Durante este periodo sus notables alumnos incluyeron a John Cage y Lou Harrison.

En 1941 se convirtió en ciudadano de Estados Unidos.

Años Posteriores y Muerte

Figura 4. La tumba de Schoenberg en el Zentralfriedhof, Viena

La naturaleza supersticiosa de Schoenberg puede haber desencadenado su muerte. El compositor tenía triskaidekaphobia (el miedo al número 13), y según su amiga Katia Mann, temía morir durante un año que era múltiplo de 13. Temía tanto su sexagésimo quinto cumpleaños en 1939 que un amigo le pidió al compositor y astrólogo Dane Rudhyar que preparara el horóscopo de Schoenberg. Rudhyar hizo esto y le dijo a Schoenberg que el año era peligroso, pero no fatal.

Pero en 1950, en su septuagésimo sexto cumpleaños, un astrólogo escribió a Schoenberg una nota advirtiéndole que el año era crítico: 7 + 6 = 13. Esto sorprendió y deprimió al compositor, pues hasta ese momento sólo había desconfiado de múltiplos de 13 y nunca consideró sumar los dígitos de su edad. Murió el viernes 13 de julio de 1951, poco antes de la medianoche. Schoenberg se había quedado en la cama todo el día, enfermo, ansioso y deprimido. Su esposa Gertrud informó en un telegrama a su cuñada Ottilie al día siguiente que Arnold murió a las 11:45 horas, 15 minutos antes de la medianoche. En una carta a Ottilie fechada el 4 de agosto de 1951, Gertrud explicó: “Alrededor de un cuarto a doce miré el reloj y me dije: otro cuarto de hora y luego se acabó lo peor. Entonces me llamó el doctor. La garganta de Arnold se estremeció dos veces, su corazón dio un latido poderoso y ese fue el final”.

Las cenizas de Schoenberg fueron enterradas más tarde en el Zentralfriedhof de Viena el 6 de junio de 1974.

Música

Escucha: Segundo Cuarteto de Cuerdas

Por favor, escuchen el siguiente archivo de audio para escuchar el cuarto movimiento interpretado por el Cuarteto Carmel con la soprano Rona Israel-Kolatt, en 2007

Un elemento de audio ha sido excluido de esta versión del texto. Puedes escucharlo en línea aquí: http://pb.libretexts.org/map/?p=366

Las importantes composiciones de Schoenberg en el repertorio de la música de arte moderno se extienden a lo largo de un período de más de 50 años. Tradicionalmente se dividen en tres períodos aunque esta división es posiblemente arbitraria ya que la música en cada uno de estos períodos es considerablemente variada. La idea de que su período de doce tonos “representa un cuerpo estilísticamente unificado de obras simplemente no está sustentada por la evidencia musical”, y características musicales importantes, especialmente las relacionadas con el desarrollo motivista, trascienden completamente estas fronteras. El primero de estos períodos, 1894—1907, se identifica en el legado de los compositores alto-románticos de finales del siglo XIX, así como con movimientos “expresionistas” en la poesía y el arte. El segundo, 1908-1922, se caracteriza por el abandono de centros clave, un movimiento que a menudo describe (aunque no por Schoenberg) como “atonalidad libre”. El tercero, a partir de 1923, comienza con la invención de Schoenberg del método compositivo dodecaphónico o de “doce tonos”. Los estudiantes más conocidos de Schoenberg, Hanns Eisler, Alban Berg y Anton Webern, siguieron fielmente a Schoenberg a través de cada una de estas transiciones intelectuales y estéticas, aunque no sin considerable experimentación y variedad de enfoques.

Primer Periodo: Romanticismo Tardío

Comenzando con canciones y cuartetos de cuerda escritos alrededor del cambio de siglo, las preocupaciones de Schoenberg como compositor lo posicionaron de manera única entre sus pares, ya que sus procedimientos exhibieron características tanto de Brahms como de Wagner, quienes para la mayoría de los oyentes contemporáneos, fueron considerados polos opuestos, representando direcciones mutuamente excluyentes en el legado de la música alemana. Seis canciones de Schoenberg, Op. 3 (1899—1903), por ejemplo, exhiben una claridad conservadora de organización tonal típica de Brahms y Mahler, reflejando un interés en frases equilibradas y una jerarquía imperturbada de relaciones clave. Sin embargo, las canciones también exploran inusualmente audaz incidentalcromatismo, y parecen aspirar a un enfoque wagneriano “representacional” de la identidad motívica. La síntesis de estos enfoques alcanza un ápice en su Verklärte Nacht, Op. 4 (1899), una obra programática para sexteto de cuerda que desarrolla varios temas distintivos como “leitmotiv”, cada uno eclipsando y subordinando al último. Los únicos elementos motívicos que persisten a lo largo de la obra son aquellos perpetuamente disueltos, variados y recombinados, en una técnica, identificada principalmente en la música de Brahms, a la que Schoenberg llamó “variación en desarrollo”. Los procedimientos de Schoenberg en la obra se organizan de dos maneras simultáneamente; a la vez sugiriendo una narrativa wagneriana de ideas motívicas, así como un enfoque brahmsiano del desarrollo motivista y la cohesión tonal.

Segundo Periodo: Atonalidad Libre

La música de Schoenberg a partir de 1908 experimenta de diversas maneras con la ausencia de claves tradicionales o centros tonales. Su primera pieza explícitamente atonal fue el segundo cuarteto de cuerda, Op. 10, con soprano. El último movimiento de esta pieza no tiene firma clave, marcando el divorcio formal de Schoenberg de las armonías diatónicas. Otras obras importantes de la época incluyen su ciclo de canciones Das Buch der Hängenden Gärten, Op. 15 (1908—1909), sus Cinco piezas orquestales, Op. 16 (1909), el influyente Pierrot Lunaire, Op. 21 (1912), así como su dramático Erwartung, Op. 17 (1909). La urgencia de las construcciones musicales carentes de centros tonales, o relaciones tradicionales de disonancia-consonancia, sin embargo, se remonta a su Sinfonía de Cámara No. 1, Op. 9 (1906), obra notable por su desarrollo tonal de armonía de tono entero y cuartal, y su iniciación de dinámicas y relaciones de conjunto inusuales, que implican una interrupción dramática y lealtades instrumentales impredecibles; muchas de estas características tipificarían la estética de la música de cámara orientada al timbre-orientada al siglo venidero.

Tercer Periodo: Obras de Doce Tonos y Tonales

A principios de la década de 1920, trabajó en la evolución de un medio de orden que hiciera que su textura musical fuera más simple y clara. Esto dio como resultado el “método de componer con doce tonos que se relacionan sólo entre sí”, en el que los doce tonos de la octava (composicionalmente no realizados) se consideran iguales, y a ninguna nota o tonalidad se le da el énfasis que ocupaba en la armonía clásica. Lo consideró como el equivalente en la música de los descubrimientos de Albert Einstein en la física. Schoenberg lo anunció característicamente, durante una caminata con su amigo Josef Rufer, cuando dijo: “He hecho un descubrimiento que asegurará la supremacía de la música alemana durante los próximos cien años”. Este periodo incluyó las Variaciones para orquesta, Op. 31 (1928); Piezas para piano, Op.33a & b (1931), y el Concierto para piano, Op. 42 (1942). Contrariamente a su reputación de rigor, el uso de la técnica por parte de Schoenberg varió ampliamente según las demandas de cada composición individual. Así, la estructura de su ópera inconclusa Moses und Aron es diferente a la de su Fantasía para Violín y Piano, Op. 47 (1949).

Diez características de la práctica madura de doce tonos de Schoenberg son características, interdependientes e interactivas:

1. Combinatorialidad inversional hexachordal
2. Agregados
3. Presentación de conjunto lineal
4. Particionado
5. Partición isomórfica
6. Invariantes
7. Niveles hexachordales
8. Armonía, “consistente y derivada de las propiedades del conjunto referencial”
9. Metro, establecido a través de “características pitch-relacionales”
10. Presentaciones de conjuntos multidimensionales

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