9.3: Pierrot Lunaire

Pierrot Lunaire es un ciclo de canciones. Está escrito en tres partes con cada parte conteniendo siete canciones. La pieza de nuestra lista de reproducción, “Madonna”, es la canción número 6 de la primera parte. Se compuso durante el segundo periodo de Schoenberg después de que el compositor hubiera recurrido a la atonalidad pero antes de que desarrollara su método de doce tonos. El enfoque psicológico interior del texto y la espeluznante combinación de atonalidad y sprechstimme marcan esto como una obra claramente expresionista. Sprechstimme es una técnica expresionista en la que el cantante interpreta la línea musical en un estilo medio cantado y medio hablado. Las notas escritas en la página se utilizan como guía pero sólo son aproximadas por el cantante.

Introducción

Dreimal sieben Gedichte aus Albert Girauds “Pierrot lunaire” (“Tres veces siete poemas del 'Pierrot lunaire' de Albert Giraud”), comúnmente conocido simplemente como Pierrot Lunaire, Op. 21 (“Pierrot impresionado por la luna” o “Pierrot a la luz de la luna”), es un melodrama de Arnold Schoenberg. Se trata de un escenario de 21 poemas seleccionados de la traducción alemana de Otto Erich Hartleben del ciclo de poemas franceses del mismo nombre de Albert Giraud. El estreno de la obra, que tiene entre 35 y 40 minutos de duración, fue en el Choralion-Saal de Berlín el 16 de octubre de 1912, con Albertine Zehme como vocalista.

El narrador (tipo de voz no especificado en la partitura, pero tradicionalmente interpretada por una soprano) entrega los poemas al estilo Sprechstimme. Schoenberg había utilizado anteriormente una combinación de texto hablado con acompañamiento instrumental, llamado “melodrama”, en la narrativa veraniego del Gurre-Lieder, y era un género muy en boga a finales del siglo XIX. La obra es atonal pero no utiliza la técnica de doce tonos que Schoenberg idearía ocho años después.

Historia

La obra se originó en un encargo de Zehme para un ciclo para voz y piano, configurando una serie de poemas del escritor belga Albert Giraud. Los versos habían sido publicados por primera vez en 1884, y posteriormente traducidos al alemán por Otto Erich Hartleben. Schoenberg comenzó el 12 de marzo y completó la obra el 9 de julio de 1912, habiendo ampliado las fuerzas a un conjunto compuesto por flauta (doblando sobre un piccolo), clarinete (doblando en clarinete bajo), violín (doblando onviola), violonchelo y piano. Después de cuarenta ensayos, Schoenberg y Zehme (vestidos de Columbine) dieron el estreno en el Choralion-Saal de Berlín el 16 de octubre de 1912. La reacción se mezcló. Según Anton Webern, algunos en la audiencia estaban silbando y riendo, pero al final “fue un éxito incalificado”. Hubo algunas críticas a la blasfemia en los textos, a lo que Schoenberg respondió: “Si fueran musicales, ni a una sola le importarían un comino las palabras. En cambio, se irían silbando las melodías”. El espectáculo salió a la carretera por toda Alemania y Austria más tarde en 1912. Se presentó por primera vez en el hemisferio occidental en el Teatro Klaw de la ciudad de Nueva York el 4 de febrero de 1923, con la asistencia de George Gershwin y Carl Ruggles.

Estructura

“Pierrot Lunaire” consta de tres grupos de siete poemas. En el primer grupo, Pierrot canta de amor, sexo y religión; en el segundo, de violencia, crimen, y blasfemia; y en el tercero de su regreso a casa a Bérgamo, con su pasado atormentándolo.

Primera parte	Segunda parte	Tercera Parte
Mondestrunken (Moondrunk) Columbine Der Dandy (El Dandy) Eine blasse Wäscherin (Una Lavadora Etérea) Valse de Chopin (Vals Chopin) Madonna Der kranke Mond (La luna enferma)	Noche (Passacaglia) (Noche) Gebet an Pierrot (Oración a Pierrot) Raub (Robo) Rote Messe (Masa Roja) Galgenlied (canción de Gallows) Enthauptung (decapitación) Die Kreuze (Las Cruces)	Heimweh (Nostería) ¡Gemeinheit! (Vulgaridad) Parodie (Parodia) Der Mondfleck (El punto lunar) Serenata Heimfahrt (Barcarole) (Con destino a casa) O Alter Duft (O Fragancia Antigua)

Schoenberg, que estaba fascinado por la numerología, también hace un gran uso de los motivos de siete notas a lo largo de la obra, mientras que el conjunto (con director) está compuesto por siete personas. La pieza es su obra 21, contiene 21 poemas, y se inició el 12 de marzo de 1912. Otros números clave en la obra son tres y 13: cada poema consta de 13 líneas (dos versos de cuatro líneas seguidos de un verso de cinco líneas), mientras que la primera línea de cada poema ocurre tres veces (repitiéndose como líneas siete y 13).

Música

Pierrot Lunaire utiliza una variedad de formas y técnicas clásicas, incluyendo canon, fuga, rondo, pasacaglia y contrapunto libre. La poesía es una versión alemana de un rondeau del antiguo tipo francés con doble estribillo. Cada poema consta de tres estrofas de 4 + 4 + 5 líneas, con la línea 1 un Estribillo (A) repetido como línea 7 y línea 13, y línea 2 un segundo Estribillo (B) repetido para la línea 8.

Las combinaciones instrumentales (incluyendo duplicaciones) varían entre la mayoría de los movimientos. Todo el conjunto juega juntos sólo en los ajustes 11, 14 y 4 finales.

Los escenarios atonales, expresionistas del texto, con sus ecos del cabaret alemán, dan vida a los poemas vívidamente. Sprechgesang, literalmente “canto del habla” en alemán, es un estilo en el que el vocalista utiliza los ritmos y tonos especificados, pero no sostiene los tonos, permitiéndoles caer o subir, a la manera de hablar.

Análisis

Pierrot Lunaire es una obra que se puede interpretar a través de la sexta canción “Madonna”. En esta canción se presenta como muerto a la única persona que pudo salvar a Pierrot, Jesús. Después de un breve periodo de dolor en “Der kranke Mond” Pierrot en la Parte II del ciclo de la canción se vuelve más depravado en sus hazañas y al final es crucificado por sus pecados en “Die Kreuze”. Con la esperanza de redimirse en la Parte III, Pierrot intenta volver a la persona anterior como la “vieja pantomima de Italia” pero finalmente falla sin mucha esperanza de redención al final de la obra.

Nacht

Estructuras de Pitch

Todo en “Nacht” se genera a partir de un motivo de diez notas, introducido en canon a partir de la cuarta barra. Esta pieza utiliza predominantemente la colección de brea (014). Esta colección se introduce en el primer compás con el piano. Si tomas en cuenta cada nota que toca el piano en los tres primeros compás obtienes una escala octatónica (0134679T). Se trata de solo cuatro grupos de (014) transpuestos por T3. En la medida 4, vemos un conjunto de (014) en la línea de clarinete bajo. Siempre que vemos esta colección de pitch suele estar en uno de dos ritmos. El primero, como lo ilustra el clarinete bajo en la medida 4, es de tres medias notas. Posteriormente aparece como notas de tres cuartos, simplemente una versión comprimida del original. El otro ritmo son tres notas octavas, generalmente esto viene en grupos de tres. Por ejemplo, en la medida 8 el clarinete bajo tiene la colección tres veces, cada vez como un descanso de octava nota seguido de tres notas octavas. Si nos fijamos en esa medida como un todo, y en cualquier otra ocasión en que aparezca este patrón, vemos que el segundo grupo es transpuesto desde el primero por T4. El tercer grupo de notas se transpone del primer grupo por T1. Así, toda la medida está usando realmente (014), no solo en cada grupo, sino dentro de cada grupo. Es decir, si tomas la primera nota de cada tres obtienes (014), si tomas la segunda nota de cada uno obtienes (014), y si tomas la tercera nota también obtienes (014). Para las dos primeras estrofas de texto, solo vemos (014) transpuesta por varios Tx. A partir de la tercera estrofa, comenzamos a ver inversiones de (014). En la medida 19, la mano derecha en el piano comienza con una inversión de (014) y luego pasa a una transposición de (014). Esto continúa durante la totalidad de la carrera en ambas manos del piano.

Estructura Formal

Después de una breve introducción, el movimiento cae en tres estrofas de siete, seis y siete compases, con cortes de sección ocurridos en los compases 11 y 17, articulados por un cambio de tempo a etwas rascher para la segunda estrofa, y de nuevo al tempo inicial para el tercero. Estas siguen las estrofas del poema, y son seguidas por una coda. La primera estrofa es canónica en cuatro voces; la segunda también es canónica, pero en sólo tres voces; la tercera estrofa consiste en una rápida sucesión de fragmentos canónicos ambiguos.

Aunque los sets de la clase de tono son prácticamente los mismos a lo largo de todo el movimiento, cada sección tiene distintos elementos musicales que los diferencian entre sí. Al mirar la transición de la primera sección a la segunda, se producen un par de cambios importantes. En primer lugar, la marca de tempo “Etwas rascher” marca un incremento en la velocidad y la energía rítmica. Esto se exagera aún más por el aumento de la densidad rítmica en las partes de piano, clarinete y violonchelo. Además de los cambios rítmicos, los registros del violonchelo, piano y líneas vocales son notablemente más altos en la segunda sección. La tercera sección vuelve al tempo original, y el registro y la densidad rítmica cambian nuevamente para parecerse mucho a la primera sección. Este análisis proporciona evidencia para organizar la pieza en una forma ABA', ya que la primera y última sección tienen muchos elementos similares mientras que la sección media difiere sustancialmente. Sin embargo, debido a las similitudes del conjunto de clases de tono, se podría argumentar una organización cuasi temática y variación, con secciones A, A' y A.

Estructura musical a elementos extramúsicos

El expresionismo es un movimiento modernista que comenzó en Alemania y Austria a principios del siglo XX. Schoenberg, de ascendencia austriaca, se asoció con el movimiento expresionista en la poesía y el arte alemanes. Siendo de Austria en este momento, su música a menudo fue etiquetada como música degenerada ya que Schoenberg es judía. La música expresionista está dominada por la disonancia más que por la consonancia, y puede crear un sentimiento “inquietante” entre sus oyentes Para muchos, la música expresionista significó un rechazo al pasado y una aceptación del futuro innovador y desconocido. El texto de “Nacht” puede describirse como ominoso, y representa las alas de polillas negras que cubren el sol. Estos puntos de vista son característicos de la poesía expresionista.

“Nacht” también emplea el uso ocasional de la pintura de palabras a través de su música donde usa la música para ilustrar el significado literal de una palabra en particular [4]. Estas expresiones textuales hacen asociaciones generales entre el texto y el entorno musical. Esto se puede ver con la palabra “duft” traduciéndose a “olor” en la medida 12. La frase poética completa “Steigt ein Duft” significa “surge un aroma”, y esto se representa con un salto hacia arriba en la voz de la A a la G ♭. De igual manera, la palabra “verschwiegen” se traduce libremente como “mutely” o “hushed”, y es interpretada por canto convencional en lugar de Sprechstimme, junto con un silencio prolongado con un fermata, aunque la palabra significa más precisamente “discretamente” o “de boca cerrada”.

Grabaciones notables

Entre las grabaciones notables de esta composición se incluyen:

Sprechstimme	Ensemble	Conductor	Compañía discográfica	Año de Grabación	Formato
Erika Stiedry-Wagner		Arnold	Columbia Records	1940	n/a ^[11]
Helga Pilarczyk	Integrantes de la Orquesta de Conciertos de la Sociedad Conservatoria	Pierre Boulez	Ades	1961	CD
Bethany Beardslee	Ensamble de Cámara Columbia	Robert Craft	Columbia/CBS	1963	CD
Jan DeGaetani	Conjunto de Cámara Contemporánea	Arthur Weisberg	Nonesuch	1970	CD
Yvonne Minton	Ensemble InterContemporain	Pierre Boulez	Sony Música	1977	CD
Bárbara Sukowa	Ensamble Schoenberg	Reinbert de Leeuw	Koch Schwann	1988	CD
Jane Manning	Nash Ensemble	Simón Sonajero	Chandos	1991	CD
Phyllis Bryn-Julson	Ensemble Modern	n/a	BMG	1991	CD
Phyllis Bryn-Julson	Nueva York New Music Ensemble	Robert Black	Grabaciones GM	1992	CD
Karin Ott	Cremona Musica Insieme	Pietro Antonini	Era Nuova	1994	CD
Christine Schäfer	Ensemble InterContemporain	Pierre Boulez	Deutsche Grammophon	1997	CD ^[12]
Anja Silja	Ensemble Clásicos del Siglo XX	Robert Craft	Naxos	1999	CD ^[13]

El propio Arnold Schoenberg realizó grabaciones de prueba de la música con un grupo de músicos de Los Ángeles del 24 al 26 de septiembre de 1940. Estas grabaciones fueron finalmente lanzadas en LP por Columbia Records en 1949, y reeditadas en 1974 en el sello Odyssey.

La estrella vanguardista Björk, conocida por su interés en la música de vanguardia, interpretó a Pierrot Lunaire en el Festival Verbier de 1996 con Kent Naganoconducting. De acuerdo con el cantante en una entrevista de 2004, “Kent Nagano quería hacer una grabación de ello, pero realmente sentí que estaría invadiendo el territorio de las personas que cantan esto para toda la vida”. Sólo se han hecho disponibles pequeños fragmentos grabados (posiblemente bootlegs) de su actuación.

El cantante de jazz Cleo Laine grabó Pierrot Lunaire en 1974. Su versión fue nominada a un premio Grammy clásico. Otra cantante de jazz que ha interpretado la pieza es Sofia Jernberg, quien la cantó con Norrbotten NEO.

En marzo de 2011, Bruce LaCruz dirigió una actuación en el Teatro Hebbel am Ufer de Berlín. Esta interpretación de la obra incluyó diversidad de género, escenas de castración y consoladores, así como una mujer a hombre transgénero Pierrot. Posteriormente LaCruz filmó esta adaptación como la película teatral de 2014 Pierrot Lunaire.

Legado como conjunto estándar

El quinteto de instrumentos utilizados en Pierrot Lunaire se convirtió en el conjunto central de The Fires of London, quien se formó en 1965 como “The Pierrot Players” para interpretar a Pierrot Lunaire, y continuó concertando con un variado repertorio clásico y contemporáneo. Este grupo interpretó obras arregladas para estos instrumentos y encargó nuevas obras especialmente para aprovechar los colores instrumentales de este conjunto, hasta que se disolvió en 1987.

A lo largo de los años, otros grupos han seguido utilizando esta instrumentación profesionalmente (los grupos actuales incluyen Da Capo Chamber Players, octavo mirlo) y el grupo contemporáneo finlandés Uusinta Lunaire, y han construido un amplio repertorio para el conjunto.

Contenido con licencia CC, Original

• Autor: Elliott Jones. Proporcionado por: Colegio Santa Ana. Ubicado en: http://www.sac.edu. Licencia: CC BY: Atribución

Contenido con licencia CC, Compartido anteriormente

• Pierrot Lunaire. Proporcionado por: Wikipedia. Ubicado en: http://en.wikipedia.org/wiki/Pierrot_Lunaire. Licencia: CC BY-SA: Atribución-CompartirIgual