2.1: Las dimensiones del sonido

Ya sea que estemos escuchando ruido o música, percibiremos los mismos elementos: ritmo, tono, volumen, articulación y timbre. Estos elementos se combinarán en el tiempo para producir un objeto sónico de una textura dada que exhibe o carece de forma. En las siguientes secciones, definiremos cada una de estas dimensiones y exploraremos los roles que cada uno juega en la creación y percepción de la música.

Ritmo

El ritmo es el aspecto temporal del sonido. Es el patrón de estados “on” y “off” exhibidos por cualquier sonido a medida que pasa el tiempo. El ritmo no es de ninguna manera exclusivo de la música. Cuando hablas, las consonantes de tus palabras producen ritmo. Cuando pasa un automóvil, los sonidos oscilantes de las llantas y los motores crean ritmo.

La música a menudo (aunque no siempre) presenta patrones rítmicos. El más básico de estos es el pulso, que, como el pulso producido por tu propio corazón, es una secuencia de sonidos regularmente espaciados. La frecuencia de los pulsos determina el tempo, que puede variar de muy lento a muy rápido. Tiene sentido que la música tienda a organizarse alrededor de un pulso, ya que nuestra propia existencia se organiza en torno a pulsos. Nuestros corazones laten al pulso, a menudo respiramos al pulso, caminamos a un pulso y organizamos el tiempo en pulsos (segundos). Por lo general, no es difícil detectar el pulso en una obra musical: simplemente toca tu pie o aplauda, y ahí está.

Video 2.1.1 : Este video demuestra pulso.

Sin embargo, los pulsos no suelen ser todos de igual peso. Algunos tienen un significado musical mayor que otros. Cuando los pulsos se organizan en grupos que contienen latidos fuertes y débiles, se establece el medidor. Cada grupo métrico se llama medida o barra. En la música anotada, estos grupos están físicamente separados por líneas de compás, lo que ayuda a los intérpretes a percibir fácilmente cómo se agrupan los pulsos y a identificar cuál es el más fuerte. Si bien las medidas pueden contener cualquier número de pulsos, los agrupamientos más comunes son dos, tres y cuatro. Estas agrupaciones se denominan metro duple, triple y cuádruple. Cada medida en los tres metros comenzará con un pulso fuerte, denominado el downbeat. En duple meter, el patrón de pulsos es [fuerte-débil]. En triple, es [fuerte-débil-débil]. Y en cuádruple, es [fuerte-débil-medio-débil].

Video 2.1.2 : Este video demuestra el tempo

Pitch

El tono se refiere a la “alteza” o “bajeza” del sonido. El sonido, por supuesto, no se encuentra físicamente en espacios altos o bajos, pero la mayoría de los oyentes pueden percibir fácilmente la diferencia entre un sonido agudo y un sonido de tono bajo. Nuestro uso de los términos alto y bajo para describir el tono refleja las características de las ondas sonoras.

Figura 2.1.2 : Este video introduce el concepto de tono en el contexto de una melodía familiar.

Todos los sonidos son producidos por cuerpos vibrantes, que a su vez producen ondas sonoras que pueden ser percibidas por mecanismos en tu oído y decodificadas por tu cerebro. El tono está determinado por la frecuencia de esas ondas sonoras. Un tono alto es producido por una onda de sonido de alta frecuencia, y un tono bajo es producido por una onda de sonido de baja frecuencia. La frecuencia de las ondas sonoras está a su vez determinada por las características del cuerpo vibratorio que las chispea a la acción. Siendo iguales todos los demás parámetros, una cuerda larga, una vez arrancada y puesta en movimiento, producirá un tono más bajo que una cuerda corta. Asimismo, una cuerda gruesa producirá un paso más bajo que una cuerda delgada de la misma longitud. Los mismos principios se aplican cuando soplas a través de los extremos de los tubos, golpeas campanas o golpeas tambores: cuanto más grande, más largo y más pesado sea el cuerpo vibratorio, menor será el sonido que producirá.

Elemento Interactivo

Este osciloscopio en línea permite visualizar sonidos. El tono se refleja en la distancia entre las olas, que disminuirá a medida que aumente el nivel de tono. El volumen se refleja por el tamaño de las ondas, que crecerán en amplitud a medida que aumente el nivel dinámico.

Video 2.1.3 : Este video demuestra la relación entre la frecuencia de tono y los tubos de forma de onda, campanas de percusión o tambores de ritmo: cuanto más grande, más largo y más pesado sea el cuerpo vibrante, menor será el sonido que producirá.

La música suele caracterizarse por la cuidadosa organización de los lanzamientos. Para empezar, la mayoría de los sistemas musicales reconocen lo que se denomina equivalencia de octava. Este es el consenso de que se puede reducir a la mitad o duplicar la frecuencia del tono sin cambiar su identidad esencial. Para ver este principio en acción, asiste a cualquier fiesta de cumpleaños en la que estén presentes tanto mujeres como hombres. Cuando los invitados cantan “Feliz cumpleaños”, no cantarán exactamente los mismos lanzamientos. En cambio, las mujeres tenderán a cantar en una octava alta, y los hombres tenderán a cantar en una octava baja. En términos técnicos, esto significa que las mujeres probablemente cantarán tonos que tengan frecuencias iguales al doble de las cantadas por los hombres. No obstante, todos los participantes estarán de acuerdo en que todos están cantando los mismos tonos, o al unísono. Una octava es un ejemplo de un intervalo, que es la distancia entre dos pasos.

Video 2.1.4 : Este video demuestra la equivalencia de octava en el contexto de “Feliz cumpleaños”.

6.

7. Este video introduce el concepto de gama melódica.

En el sistema occidental, reconocemos este fenómeno mediante el uso de los mismos nombres de letras para designar tonos en diferentes octavas. Por ejemplo, los tonos a las frecuencias de 110 hz, 220 hz, 440 hz, 880 hz y 1,760 hz se denominan “A”. Sin embargo, las frecuencias específicas siguen siendo importantes. La música que contiene principalmente tonos altos tiene un efecto diferente en los oyentes que la música que contiene principalmente tonos bajos, incluso si los ritmos y la secuencia de tonos son los mismos. Adicionalmente, el rango melódico (la distancia entre tonos bajos y altos) y los cambios en el registro (el uso de tonos altos o bajos) pueden ser elementos musicales importantes.

El sistema occidental —es decir, el sistema de organización musical que se desarrolló por primera vez en la Europa medieval y que hoy sigue dominando la escucha global— va bastante más allá en sus esfuerzos por organizar el pitch. Volvamos a la octava. Entre la A a 220 Hz y la A a 440 Hz, hay un surtido casi infinito de posibles frecuencias en las que podría sonar un tono intermedio. Sin embargo, no utilizamos todos esos tonos cuando creamos música. En su lugar, identificamos un número limitado de tonos específicos para ser utilizados. El sistema occidental está mejor representado por el teclado de piano, que es a la vez familiar y útil.

Figura 2.1.1 : A cada tecla blanca de un piano se le asigna un nombre de letra. Esos nombres de letras se repiten en cada octava, reflejando nuestro acuerdo de que cada A (por ejemplo), ya sea alta o baja, es en algún sentido la nota “misma”. Las teclas negras llevan el nombre de las teclas blancas contiguas: simplemente agregue “plano” al nombre de la llave blanca a la derecha o “agudo” al nombre de la llave blanca a la izquierda. Fuente: Fotos de Dominio Público Atribución: Karen Arnold Licencia: CC0

8. Este video demuestra el conjunto de tono cromático.

9. Este video demuestra una escala mayor.

Como puede ver, el espacio entre la A a 220 Hz y la A a 440 Hz se divide en doce teclas de piano. Esto se llama el conjunto cromático de 8 tonos, e incluye todos los tonos utilizados en la música occidental. Sin embargo, los compositores rara vez usan todo el conjunto de tono cromático. Cuando escuches música que usa todas las notas disponibles, probablemente encontrarás que te incomoda. Esto se debe a que estamos acostumbrados a escuchar música construida usando un conjunto de solo siete tonos que se llama escala. La mayor parte de la música se basa en una de dos escalas: la escala mayor9 y la escala menor10. Si los tonos de una pieza musical se dibujan de una escala mayor, se describe como en el modo mayor. De igual manera, si los tonos se dibujan a partir de una escala menor, se encuentra en el modo menor. Una escala puede comenzar en cualquier tono, que luego determina la clave de la música que se basa en esa escala. Por ejemplo, la música creada usando tonos extraídos de la escala A mayor está en la clave de A mayor.

10. Este video demuestra una escala menor.

11. Este video demuestra la melodía de “Oda a la Alegría” de Beethoven.

12. Este video demuestra melodía y una posible armonía con “Oda a la alegría” de Beethoven.

13. Aquí, se puede escuchar la melodía y armonía de Beethoven en el contexto de su composición original.

14. Este video introduce el concepto de forma melódica.

15. Este video introduce el concepto de movimiento melódico.

En la mayoría de las piezas musicales, los tonos se asignan a dos roles diferentes: melodía y armonía. Las melodías se construyen a partir de una secuencia de tonos. Esta es la parte de una obra musical con la que podrías cantar o que podría quedar atascado en tu cabeza. Las melodías tienen diversas características, entre ellas la forma y el movimiento, que pueden ser conjuntivas (en las que la melodía se mueve principalmente hacia arriba y hacia abajo de la escala) y disjunción (en la que la melodía contiene intervalos y saltos más grandes). Las armonías se construyen a partir de grupos de tonos que generalmente sonan simultáneamente y constituyen acordes, mientras que una secuencia de armonías se denomina progresión de acordes. En una obra musical, la armonía suele ser discreta y puede ser repetitiva. Una melodía y una armonía suenan bien juntas cuando se basan en la misma escala y contienen algunos de los mismos tonos. Sin embargo, cada melodía puede armonizarse de muchas maneras diferentes, utilizando varios acordes. De igual manera, se puede utilizar una sola armonía para acompañar muchas melodías diferentes.

16. Este video demuestra acordes, los cuales se utilizan para armonizar melodías.

Si bien este texto no ofrecerá una explicación técnica de la armonía (que en verdad puede llegar a ser muy complicada), suele ser central para la experiencia auditiva. Una cierta progresión de acordes puede sorprenderte, excitarte, o romperte el corazón. No es necesario entender las armonías desde una perspectiva teórica para sentir su impacto. Tampoco se necesita un trasfondo teórico para entender el papel que juega la armonía en establecer y luego satisfacer o frustrar expectativas. Mientras una pieza musical esté en clave, un acorde, el acorde construido sobre la nota que lleva el nombre de la clave, servirá como base de operaciones, mientras que otros acordes en la clave facilitarán los viajes lejos o de regreso hacia esa base de operaciones. Nos acostumbramos a escuchar ciertas progresiones de acordes y llegamos a esperarlas, así que a menudo tenemos una idea de hacia dónde va a ir la música. Si escuchamos un acorde inesperado o —lo más impactante de todo— un acorde que no está en la clave de la pieza musical, tendemos a responder emocionalmente.

Volumen

Al igual que el tono, el volumen, la sonoridad o la suavidad de un sonido, es un parámetro de cada onda sonora. El volumen está determinado por la amplitud de la onda, de tal manera que las ondas con una gran amplitud producen sonido de alto volumen y las ondas con una pequeña amplitud producen sonidos de bajo volumen. Si bien el volumen es sencillo de entender y evaluar (todos podemos decir si la música es “fuerte” o “suave”), su significado en la creación del significado musical no puede pasarse por alto. Por un lado, ciertos géneros musicales dependen del volumen para su identidad. No se puede apreciar el impacto del heavy metal escuchándolo con la esfera apagada, así como no puedes cantar a un bebé para que duerma en la parte superior de tu voz. Los cambios en el volumen también pueden comunicar significado en la música. Un aumento gradual en el volumen puede indicar una creciente excitación, mientras que un cambio repentino en el volumen puede indicar un cambio dramático del estado de ánimo.

Unos términos nos ayudarán a hablar de volumen, al que también se le conoce como nivel dinámico. Un aumento en el volumen se denomina crescendo, mientras que una disminución se denomina decrescendo o diminuendo. Músicos en orquestas, bandas y coros describen el volumen usando términos italianos como fortissimo (muy fuerte), forte (fuerte), mezzo forte (medio alto), mezzo piano (medio suave), piano (suave) y pianissimo (muy suave). Si bien este libro no empleará estos términos, es posible que los encuentre en otro lugar.

Articulación

La articulación tiene que ver con cómo se inician, sostienen y liberan los lanzamientos, y es impulsada principalmente por cambios en el nivel dinámico. En el lenguaje de producción musical, esta dimensión del sonido se conoce como la envolvente. La envolvente es independiente del tono, pero determina el carácter de ese tono. Por ejemplo, un tono puede comenzar con un aumento suave en el volumen, o una disminución repentina, o ningún cambio dinámico. Una vez que ha comenzado a sonar, un tono podría mantenerse durante mucho tiempo, o podría cortarse abruptamente. Y cuando termine, podría liberarse con una disminución en el volumen, y un aumento de volumen, o sin cambio dinámico.

17. Este video explica los cuatro elementos del sobre: ataque, decaimiento, sustento y liberación.

Si bien la descripción anterior fue altamente técnica, los efectos de la articulación son fáciles de percibir. En un extremo del espectro, una serie de tonos pueden estar muy puntuados, con inicios contundentes y sin sustain. El término tradicional italiano para esta articulación es staccato, un término que significa corto y acentuado, y que es difícil de reemplazar con un equivalente inglés. En el otro extremo, una serie de lanzamientos podrían estar conectados sin problemas, con suaves inicios y una gran cantidad de sustain. El término para esta articulación es legato. Entre estos extremos hay una enorme variedad de enfoques para comenzar, sostener y liberar notas, muchas de las cuales son exclusivas de los instrumentos que las producen.

Timbre

La característica final que es universal a todos los sonidos es el timbre (Tam-ber), que describe la calidad de un sonido. Ya sea que uno no tenga formación musical o sea un intérprete consumado, todos somos expertos en identificar variaciones menores en el timbre. Esta habilidad te permite saber que tu madre te está llamando desde la otra habitación, no desde tu hermana. Te ayuda a distinguir entre una guitarra y un piano. No solo cada voz y cada instrumento exhiben un timbre único, sino que los intérpretes pueden alterar el timbre que producen cambiando su técnica. Timbre también es parte integral del género y el estilo: Una orquesta sinfónica produce una gama de timbres, mientras que una banda de rock produce otra.

Las variaciones en el timbre son posibles gracias a la existencia de la serie armónica, que es una secuencia de frecuencias de tono más alto que se activan cada vez que se produce un tono. Cuando pulsas una tecla en el piano, por ejemplo, no solo estás sonando el tono asociado a esa tecla, también estás activando docenas de tonos a intervalos establecidos por encima de ese tono, cada uno de los cuales podría sonar a un volumen relativamente alto o bajo. La combinación de estos armónicos produce timbre. Dos instrumentos que tocan el mismo tono suenan diferentes, por lo tanto, porque están activando diferentes tonos en la serie armónica a diferentes volúmenes. La complejidad de este proceso permite una variedad casi infinita en timbres.

Figura 2.1.2 : Estos son los tonos de la serie armónica ya que podrían ser anotados en un pentagrama. Incluso si no puedes leer la notación, puedes ver que los lanzamientos se acercan a medida que van subiendo. Cuando uno toca una C baja en cualquier instrumento, la mayoría de estos tonos sonan hasta cierto punto. Los tonos en azul estarán fuera de tono. Fuente: Wikimedia Commons Atribución: Usuario “Jacinto” Licencia: CC BY-SA 3.0

Si te involucras con cada ejemplo de este volumen, experimentarás una extraordinaria gama de timbres contrastantes. Las audiencias de diversos géneros desarrollan preferencias y expectativas únicas para el timbre, y el timbre suele ser una de las características más distintivas de una tradición musical. Las variaciones en el timbre a menudo no son difíciles de identificar: Un trío de piano, por ejemplo, tenía una calidad de sonido diferente a la de una banda de thrash metal. Estas diferencias, sin embargo, pueden ser muy difíciles de expresar con palabras. Si bien el timbre es fácil de percibir y medir, es difícil de describir.

En su mayor parte, consideraremos el timbre en el contexto de ejemplos individuales. Investigaremos diferentes formas de producir sonido con la voz humana (que es capaz de una diversidad extraordinaria), los diversos instrumentos que son responsables de los sonidos característicos de las tradiciones clásicas no occidentales, y los instrumentos eléctricos y técnicas de procesamiento de sonido que tienen contribuyó a la música popular de los últimos setenta años. Hay una fuente sonora en particular, sin embargo, que impregna este volumen: la orquesta sinfónica. Para una visión general de los instrumentos que integran la orquesta, véase el Apéndice A.

Textura

Ahora estamos realmente para pasar del sonido a la música, que suele exhibir algunas características adicionales. Una de ellas es la textura 18, que se refiere a los contenidos e interacciones entre varias capas o voces en una obra musical. Usamos cuatro términos básicos para describir la textura, aunque estos términos pueden decirnos poco sobre cómo suena realmente una pieza musical. La música monofónica tiene una sola línea melodía, interpretada por un solista o al unísono, sin acompañamiento. Si agregas un acompañamiento que tiene diferentes tonos (probablemente acordes) pero que es secundario a la melodía, tienes música homofónica. En la música polifónica, cada voz es independiente pero igualmente importante, y no hay distinción entre melodía y armonía. Y en la música heterofónica, múltiples instrumentos o voces interpretan cada uno una versión única de la misma melodía, de tal manera que no se logra el unísono. Encontraremos estos términos en el contexto de ejemplos específicos a lo largo de este volumen.

18. Este video introduce el concepto de textura.

19. Este video explora la variación en la textura.

Además, la textura se puede describir utilizando términos cualitativos. Puede ser gruesa o densa, lo que significa tal vez que hay muchas partes independientes y altamente activas, o puede ser delgada o escasa, lo que significa quizás que hay pocos instrumentos, cada uno de los cuales puede ser claramente identificado y rastreado. Consideremos, por ejemplo, dos canciones de la Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, discutidas en el Capítulo 8. Los treinta segundos concluyentes de “Estar en beneficio del señor Kite” son irrefutablemente densos: Están sucediendo tanto que es difícil identificar fuentes individuales de sonido, y el enfoque del oyente es constantemente atraído por nuevas y variadas voces. El primer verso de “Un día en la vida”, por otro lado, tiene una textura delgada, compuesta únicamente por guitarra, bajo y shaker. Es posible enfocarse en partes instrumentales individuales y escuchar la articulación única de cada una.

Formulario

Por último, necesitamos una forma de hablar sobre cómo se desarrolla la música a lo largo del tiempo. Este elemento se conoce como forma. La mayoría de las composiciones musicales exhiben características formales, aunque algunas piezas son muy amorfas o difíciles de describir en términos de forma. Por lo menos, los creadores de música suelen planear las dimensiones formales de su obra. El 4'33” de John Cage no tiene forma, per se, ya que sus contenidos sonoros siempre son diferentes, pero al menos el compositor decidió cuánto iba a durar la pieza.

En la mayoría de los casos, los creadores de música se basan en tres principios organizacionales que producen forma. Estos son la repetición, la variación y el contraste. La repetición ocurre cuando escuchamos lo mismo dos veces, ya sea una melodía larga y complicada, un fragmento melódico corto, un ritmo o un patrón armónico. La variación ocurre cuando el material musical regresa, pero con alteraciones. Contraste, naturalmente, se refiere a material musical que no se había escuchado antes.

La repetición es clave para nuestra capacidad de entender y disfrutar de la música. Cuando escuchamos algo nuevo, la repetición interna permite que la música se familiarice rápidamente y nos ayuda a predecir lo que va a suceder a continuación. Por ello, toda la música popular cuenta con repeticiones de diversos tipos. Cuando una canción desconocida sale en la radio, puedes esperar escuchar el coro (la parte pegadiza con palabras y melodía que ambas repiten) varias veces. Las canciones más populares también tienen progresiones repetitivas de acordes y algún tipo de acompañamiento repetitivo, conocido formalmente como ostinato. Los ostinatos son importantes en muchos tipos de música y jugarán un papel a lo largo de este libro.

20. La línea de bajo al inicio de “Seven Nation Army” de White Stripe proporciona un buen ejemplo de ostinato. Esta figura melódica de siete notas se escucha a lo largo de la canción.

La variación y el contraste son los que hacen interesante la música. Disfrutamos y confiamos en la repetición, pero sólo podemos tomar tanto. Sin embargo, la música que contiene variación constante o carece de repetición en conjunto requiere más del oyente. La mayoría de la gente no puede relajarse y disfrutar de una música que cambia constantemente y que ofrece algo nuevo y diferente con cada momento que pasa. Al mismo tiempo, esa música puede comunicar mucho y ser particularmente gratificante para un oyente comprometido.

El grado en que la música se basa en la repetición o el contraste suele estar vinculado a su propósito. La música dance, por ejemplo, tiende a ser repetitiva. Cuando la gente está bailando, no quiere mucho contraste. Quieren que la música mantenga un tempo constante, carácter rítmico y estado de ánimo. Variaciones menores pueden hacer que el baile sea más interesante, pero cambios importantes pueden hacer imposible bailar. Además, cuando bailas no prestas mucha atención a los matices de la música. La música perteneciente a una tradición teatral cantada, sin embargo, es mucho más probable que exhiba contraste. En primer lugar, probablemente se esté utilizando para expresar emociones o para retratar a un personaje matizado. La variación y el contraste permiten una comunicación más compleja y significativa. En el segundo, los miembros de la audiencia están prestando plena atención a la música, y, por lo tanto, tienen una mayor tolerancia al contraste y al cambio.