4.2.3: Wolfgang Amadeus Mozart - La flauta mágica

Durante su vida, Monteverdi vio a la ópera convertirse en entretenimiento popular convencional en Venecia. A lo largo de los siglos siguientes, la ópera se convirtió en la forma más destacada de entretenimiento público en toda Europa. Aunque la práctica se desarrolló por primera vez en ciudades de habla italiana, pronto se extendió a Francia, Inglaterra y Alemania, donde se desarrollaron nuevas formas de ópera que se adaptaban a los gustos e idiomas locales. La ópera italiana seguía siendo tan dominante, sin embargo, que se realizaba —la mayoría de las veces en su idioma original— en todos los países europeos. La ópera no fue realmente destronada como la forma de entretenimiento favorita de Occidente hasta que las imágenes parlantes se generalizaron en la década de 1930.

Si bien la variedad y riqueza de la tradición de la ópera europea pueden recompensar toda una vida de estudio, aquí solo examinaremos un ejemplo más. Este ejemplo fue elegido por su significado histórico, su interés intrínseco, y las múltiples formas en que contrasta con Orfeo. Si bien Orfeo es una ópera seria escrita para interpretación de corte en el estilo barroco temprano, La flauta mágica (1791), compuesta casi doscientos años después, es una ópera cómica creada para la representación comercial, pública, y ejemplifica el pináculo del estilo clásico. También es obra del compositor de ópera más importante de la época: Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791).

Carrera de Mozart

Mozart nació en el seno de una familia musical en la ciudad de Salzburgo. Su padre Leopold fue compositor y violinista en la corte del arzobispo de Salzburgo. Leopoldo tuvo éxito en su carrera, pero pronto se dio cuenta de que sus hijos poseían mayor talento que él. Posteriormente abandonó la composición para enfocarse en su educación. Mozart tenía una hermana mayor, Marianne, que era su igual como niño prodigio. Ambos niños dominaron el clavecín y el fortepiano (predecesor del piano moderno), mientras que Mozart también se convirtió en un experto violinista. A partir de 1762, Leopold llevó a sus hijos a extensas giras para actuar para jefes de estado por toda Europa. Marianne, sin embargo, se vio obligada a abandonar la representación pública cuando tuvo la edad suficiente para casarse. Si bien hay alguna evidencia de que compuso música más tarde en la vida, nunca se le dio la oportunidad de seguir una carrera.

Imagen 4.16: Este retrato, titulado El niño Mozart, fue pintado en 1763 por Pietro Antonio Lorenzoni. Fuente: Wikimedia Commons Atribución: Pietro Antonio Lorenzoni Licencia: Dominio público

Se esperaba que Mozart, en cambio, siguiera los pasos de su padre, y al concluir su gira final en 1773 tomó un trabajo en la corte de Salzburgo. Mozart, sin embargo, estaba insatisfecho con la vida provincial que llevaba. Su exposición de niño a las grandes ciudades y cortes de Europa le había abierto el apetito por la emoción cosmopolita. También quería una mayor libertad personal, y le molestaba estar subordinado a un patrón. En 1781, se peleó con el arzobispo de Salzburgo y fue liberado de su cargo. A pesar de que su padre estaba decepcionado y preocupado, Mozart estaba eufórico. Inmediatamente se mudó a Viena, un importante centro de política y cultura en el mundo de habla alemana, y se propuso construir una carrera independiente para sí mismo.

Imagen 4.17: La ciudad austriaca de Salzburgo tal y como aparece hoy. Fuente: Wikimedia Commons Atribución: Henry Vagrant Licencia: CC BY-SA 3.0

A finales del siglo XVIII, había pocas oportunidades para que un músico freelance se ganara la vida. La mayoría de los compositores estaban empleados por una corte o iglesia. Mozart, sin embargo, pudo capitalizar su fama como niño prodigio, y tenía muchas habilidades comercializables. Impartió clases privadas de piano, aunque solo a las jóvenes de élite de la ciudad, y por una tarifa alta. Escribió música para publicación y aceptó encargos. Y realizaba conciertos regulares de su música, cada uno de los cuales contó con una aparición del propio compositor al piano en la interpretación de un nuevo concierto.

Figura 4.2.3.1 : (izquierda) Esta pintura de 1764 captura a Leopoldo Mozart actuando con sus dos hijos prodigiosos. Fuente: Wikimedia Commons Atribución: Jean-Baptiste Delafosse Licencia: Dominio público. (derecha) Aunque esta pintura de 1819 de Barbara Krafft fue producida algún tiempo después de la muerte de Mozart, su hermana la aprobó. Fuente: Wikimedia Commons Atribución: Barbara Krafft Licencia: Dominio público

Por último, Mozart escribió óperas en todos los géneros de su época. Tuvo fluidez en diversos estilos operísticos y vivió en las convenciones del escenario musical: Mozart, después de todo, había compuesto y estrenado su primera ópera a los 13 años. En Viena de finales del siglo XVIII, hubo audiencias tanto para ópera italiana como alemana. La ópera italiana se dividió en la antigua ópera seria (“ópera seria”), que contaba historias heroicas de dioses y reyes, y la ópera buffa más nueva (“ópera cómica”), que retrataba a personajes de diversas clases sociales en situaciones humorísticas. La flauta mágica, sin embargo, es un ejemplo de un Singspiel (“sing-play”): una ópera cómica en alemán con diálogo hablado y canciones pegadizas. De los tres géneros, Singspiel fue el menos respetable y sofisticado.

Mozart vertió la mayor parte de su energía en la ópera buffa. En colaboración con el libretista de corte Lorenzo da Ponte, creó tres obras —Las bodas de Fígaro (1786), Don Giovanni (1787) y Todas las mujeres lo hacen (italiano: Cosí fan tutte; 1790) —que han mantenido un lugar central en el repertorio operístico siempre ya que. Si bien las tres óperas contienen personajes y situaciones cómicas, cada una transmite una moral y es esencialmente grave en su propósito. Lo mismo ocurre con la última ópera de Mozart, La flauta mágica (1791).

En los últimos años de su carrera, Mozart luchó por ganarse la vida. A pesar del éxito temprano, descubrió que su público se había evaporado en gran parte hacia 1787. Esto se debió tanto a los caprichos de la moda como a las dificultades económicas. Cualquiera que sea la causa, ya no podía vender entradas para conciertos, y se vio obligado a abandonar su estilo de vida bastante fastuoso. Él y su esposa se trasladaron a alojamientos menos costosos, renunciaron a su carruaje y vendieron muchas de sus pertenencias. En su momento Mozart recibió el encargo de escribir La flauta mágica, por lo tanto, estaba ansioso por aumentar sus ingresos. A pesar de que 1790 vio una mejora general en las fortunas de Mozart, enfermó mientras estaba en Praga para el estreno de su última serie de ópera, La clemencia de Titus (1791), y murió el 5 de diciembre, apenas unas semanas después del estreno de La flauta mágica.

La flauta mágica

La Flauta Mágica fue concebida en gran parte por el hombre que encargó la participación de Mozart en el proyecto, Emanual Schikaneder. Schikaneder era el jefe de una compañía teatral que actuó en el Theater auf der Wieden, que estaba ubicado en el distrito Wieden de Viena. Él y Mozart se conocían desde hacía muchos años, y Mozart había contribuido con música a varias de sus producciones colaborativas. Al actuar en su papel de empresario, Schikanader participó en cada paso del desarrollo de la ópera: se le ocurrió la idea de poner en escena una serie de óperas de cuento de hadas, escribió el libreto para La flauta mágica, asumió la responsabilidad financiera, actuó como director e interpretó a uno de los protagonistas . Incluso se informa que le hizo sugerencias a Mozart que fueron incorporadas a la partitura.

Si bien La flauta mágica ciertamente puede describirse como un cuento de hadas, es un cuento de hadas con un mensaje político. En particular, La flauta mágica encarna los valores de la Ilustración, celebrando el triunfo de la razón sobre la superstición y la igualdad moral de individuos de diferentes clases sociales. También contiene múltiples referencias a la masonería, que, a finales del siglo XVIII, se comprometió con la promoción de los ideales de la Ilustración. Tanto Mozart como Schikaneder eran masones. Los elementos masónicos incluyen varios símbolos que aparecen en el escenografía original, referencias a los cuatro elementos (tierra, aire, agua y fuego), la fijación en el número tres y el escenario del cuento en Egipto. Mozart también incorporó el toque rítmico del ritual de iniciación masónica a su obertura.

Imagen 4.20: Este grabado de 1784 captura a Schikaneder en uno de sus papeles teatrales. Fuente: Wikimedia Commons Atribución: Hieronymus Löschenkohl Licencia: Dominio público

La trama, en una forma muy simplificada, es la siguiente: El telón se levanta sobre el príncipe Tamino huyendo de una serpiente. A pesar de que es rescatado por tres mujeres asistentes de la Reina de la Noche, se despierta para encontrar a Papageno, un atrapapájaros, quien se lleva el crédito por derrotar al monstruo. Cuando las mujeres regresan, castigan a Papageno y muestran a Tamino un retrato de la princesa Pamina, la hija de la reina. De inmediato se enamora de ella, pero le dicen que ha sido secuestrada por el malvado hechicero Sarastro. La propia Reina parece decirle a Tamino que puede casarse con su hija si la rescata. Los asistentes de la Reina dan a cada uno de los hombres un instrumento mágico para ayudar en su búsqueda: una flauta para Tamino y un juego de campanas para Papageno.

Imagen 4.21: Esta pintura de 1815 captura un escenario ambientado para una aparición de la Reina de la Noche. Fuente: Wikimedia Commons Atribución: Karl Friedrich Schinkel Licencia: Dominio público

Al final del Acto I, Tamino encuentra su camino hacia el templo de Sarastro, pero ahí se entera de que el hechicero es de hecho benevolente, y que es la Reina de la Noche quien tiene malas intenciones. Sarastro se había llevado a Pamina para protegerla de la influencia de su madre. Tamino y Pamina finalmente se encuentran, y Pamina le corresponde su afecto. Sarastro, sin embargo, se niega a permitir la unión antes de que Tamino haya completado una serie de pruebas (basadas en el ritual masónico) para demostrar su dignidad espiritual.

El acto II ve conflicto entre Pamina y su madre y sufrimiento mientras Pamina espera el exitoso paso de Tamino por los juicios. La flauta mágica y las campanas sirven cada una a sus respectivos titulares mientras buscan la realización personal. Al final, los dos amantes rechazan la malvada influencia de la Reina de la Noche y se unen a la hermandad ilustrada de Sarastro. Y Papageno, que llora su solitaria existencia, es recompensado por su fidelidad con una esposa: Papagena.

La flauta mágica es rica en comedia, proporcionada por Papageno (y, en algunas escenas, la igualmente ridícula Papagena), y la ópera en su conjunto es muy entretenida. La mayoría de los personajes, sin embargo, tienen un propósito serio, y la historia misma ciertamente lleva un mensaje.

La Reina de la Noche representa fuerzas que buscan suprimir el conocimiento y la claridad en favor del miedo, la insularidad y la irracionalidad. Algunos estudiosos la han identificado con la emperatriz católica romana María Teresa, y han interpretado la ópera como un ataque al catolicismo. Esto es polémico, sin embargo: Por un lado, la Iglesia Católica se oponía a la masonería, pero por otro, el propio Mozart era un católico devoto. Cualesquiera que sean los detalles, la Reina de la Noche ciertamente encarna valores anti-Ilustración. Sarastro, en cambio, es el jefe de Estado sabio, generoso y benevolente. Ejemplifica el principio político de gobernar por un monarca ilustrado, que muchos en su momento creían que era la forma ideal de gobierno. Otorga agencia y libertad a sus súbditos, pero exige que se mantengan a altos estándares intelectuales y morales. Al final, los protagonistas—tamino y pamina— eligen el pensamiento moderno e iluminado sobre las seductoras supersticiones del pasado.

La ópera también transmite otros mensajes, no todos los cuales son tan apetecibles. Ciertamente, las mujeres no son retratadas de manera positiva. El reino gobernado por la Reina malvada es enteramente femenino, mientras que la corte llena de luz de Sarastro es predominantemente masculina. Aunque Pamina finalmente se une a Tamino en sus juicios, su papel es apoyarlo: La salvación de la pareja se basa principalmente en su fuerza de carácter, y varios números musicales refuerzan la idea de que una esposa debe estar subordinada a su marido. La otra protagonista femenina, Papagena, es literalmente un regalo para un personaje masculino.

Asimismo, la ópera adopta una postura ambivalente hacia las distinciones de clase. Por un lado, retrata personajes de clase baja bajo una luz esencialmente positiva. Papageno podría ser un bufón, pero está del lado del bien y capaz de exhibir un fuerte carácter moral. Se trata de un avance sobre óperas anteriores, en las que los sirvientes existían sólo para servir. Al mismo tiempo, los personajes de clase baja y de clase alta se mantienen a distancia unos de otros. Si bien Pamina y Papageno son amigos y en un momento cantan a dúo sobre el valor del matrimonio, no hay duda de que terminen juntos. Una princesa debe casarse con un príncipe, mientras que un cazador de pájaros debe casarse dentro de su propia clase social. Papageno es tratado con la condescendencia amorosa que supuestamente merecen todos los miembros de su clase.

La Flauta Mágica, como muchas óperas, también tiene un problema de carrera. En la sinopsis anterior se omitió el personaje de Monostatos, un hombre negro que repetidamente amenaza a Pamina con agresión sexual. A pesar de que inicialmente sirve a Sarastro como jefe de sus esclavos, defectos al lado de la Reina con la esperanza de ganar a Pamina para sí mismo. Y claro, el hecho de que Sarastro tenga esclavos también debería levantar las cejas.

La Flauta Mágica fue producto de su tiempo y lugar, pero todos estos temas deben ser abordados en escenarios modernos. Una de las fortalezas del teatro en vivo es que los guiones pueden ser reinterpretados por directores y actores. Los retos de hacerlo, sin embargo, no han sido triviales. Muchas narrativas operísticas promueven valores sociales que ya no son ampliamente aceptados. Muchos también retratan personajes o sociedades no occidentales de maneras degradantes. La inclusión de personajes no blancos también proporciona desafíos interpretativos. Si bien la práctica de la interpretación de cara negra, en la que un actor blanco usa maquillaje para retratar a un personaje de ascendencia africana, ha sido condenada como racista en casi todos los ámbitos durante el último medio siglo, todavía se usa a veces en el escenario de la ópera.

Las compañías de ópera siguen interpretando La flauta mágica, sin embargo, porque la música es deliciosa. (Un director inteligente puede abordar la mayoría de sus problemas de mensajería, por ejemplo, Monostatos no tiene que ser negro). Las arias que Mozart produjo para esta ópera son inusualmente diversas y entretenidas. Este fue el caso por varias razones. Para empezar, estaba escribiendo para un teatro comercial que atrajo a un público de clase media. La mayoría de sus oyentes buscaban una noche divertida, no una experiencia artística trascendente. Además, no todos los actores de la compañía de Schikanader tenían capacidades musicales equivalentes. Algunos eran cantantes de ópera altamente entrenados, pero otros —incluido el propio Schikander, que interpretaba a Papageno— apenas podían llevar una melodía. Mozart, por lo tanto, adaptó cuidadosamente su escritura a cada cantante individual.

“Soy un atrapapájaros”

Con esto en mente, examinaremos cuatro selecciones de La flauta mágica. Comenzaremos con el primer número de Papageno, “Soy un atrapapájaros” 5 Este es el aria que Papageno canta para presentarse a Tamino. En ella, canta sobre su vida sencilla, deambulando por el campo en busca de aves, y expresa su deseo de ser igualmente adepto en capturar los corazones de las jóvenes. La música creada por Mozart comunica efectivamente el personaje de Papageno, pues escribe lo que efectivamente es una canción folclórica estrófica. Está en un modo mayor alegre y contiene sólo la más simple de las armonías, mientras que el tempo alegre establece la actitud despreocupada de Papageno. Escuchamos la flauta de Papageno, que utiliza para atraer aves, en la segunda mitad de cada uno de los dos versos.

“Soy un atrapapájaros” de La flauta mágica 5. Compositor: Wolfgang Amadeus Mozart Interpretación: Hermann Prey con la Staatskapelle Dresden, dirigida por Otmar Suitner (1967)

Además de ser dramáticamente apropiada, esta música también es fácil de cantar. La orquesta comienza tocando toda la melodía, y el cantante, al entrar, es doblado por los violines. Ambas características habrían ayudado enormemente a Schikaneder a dar una actuación exitosa. Además, el rango vocal es muy pequeño, abarcando solo una octava, y posicionado cómodamente para un macho promedio (no demasiado alto o bajo). Por último, la melodía se mueve mayormente a paso, con pocos saltos difíciles. Si bien el papel de Papageno siempre es cantado por un profesional altamente capacitado en las producciones modernas, sus arias podrían ser aprendidas fácilmente por casi cualquier persona.

Otros miembros de la compañía de Schikaneder fueron más hábiles. De hecho, las insólitas capacidades de los actores que interpretaron a la Reina de la Noche y Sarastro inspiraron a Mozart a escribir arias que siguen desafiando a los cantantes modernos. Al mismo tiempo, la música cantada por estos dos personajes refleja con precisión sus respectivos papeles en el drama.