1.2: Evolución del Arte Moderno y Contemporáneo
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La revolución industrial cambió el mundo para siempre en el siglo XIX. La era industrial trajo poder económico a los comerciantes y a una creciente clase media. La capacidad de cruzar océanos en barcos y trenes propulsados por máquinas para atravesar países amplió el intercambio de bienes económicos e ideas intelectuales. El mundo también se redefinió en las palancas del poder, los viejos imperios comenzaron a declinar y surgieron nuevos países independientes. El Imperio Otomano se derrumbó y el dominio británico comenzó a declinar. Estados Unidos era un nuevo país, y América Latina inició su camino hacia la independencia. Asia estaba en crisis con la colonización de los países europeos y la pobreza.
El arte también cambió dramáticamente en este siglo. Con el crecimiento de la industria, se crearon nuevas tecnologías y productos para artistas. Las capacidades ampliadas para viajar llevaron a los artistas de sus arenas locales al mundo y la intersección de diferentes metodologías. Los artistas se volvieron portátiles con la invención de tubos para sujetar pintura y caballetes fáciles de transportar. La luz y el color, el tema y la representación de las personas cambiaron a medida que surgieron nuevos movimientos artísticos. Las Américas estuvieron influenciadas por los estilos europeos hasta más tarde en el siglo, cuando la fotografía y los grabados se popularizaron.
Para el siglo XX, la globalización se produjo a nivel mundial, ya que los países estaban conectados a través de tecnologías, acumulación de capital y sistemas gubernamentales. El mundo desarrolló reglas y regulaciones a principios de siglo que se convirtieron en normas establecidas a finales de siglo. Durante este periodo, ocurrieron dos guerras mundiales, algunos países acumularon vastas ventajas económicas y otros cayeron en la pobreza. Algunos gobiernos fueron fuertes, y otros colapsaron. En las primeras partes del siglo XX, la dominación europea era evidente. En la segunda mitad del siglo, la guerra fría se desarrolló con el poder acumulado por Estados Unidos y Rusia. La gente migró del campo y la agricultura a las ciudades y los empleos industrializados a medida que las poblaciones aumentaban y el orden mundial cambiaba.
El arte también cambió, y se descartaron los controles del viejo mundo del arte. Los artistas respondieron al caos, depresiones, guerras y dominio económico del mundo con múltiples estilos y géneros de arte. Las ideas de arte se movieron rápidamente alrededor del mundo. El arte cambió de imágenes de personas, paisajes o naturaleza a elementos de líneas, color y dimensiones, a medida que los artistas experimentaban con la abstracción, la expresión y la fantasía.
El siglo XXI trajo un mundo genuinamente integrado a través de la comunicación, la fabricación encadenada y el transporte. Las capacidades de la tecnología de la información crearon la capacidad de las personas de cualquier lugar del mundo para comunicarse. Los productos fluyeron desde varios países enviados a otros en un mercado global. Las poblaciones aumentaron significativamente debido a que la tecnología médica alargó la vida humana. Con el crecimiento de la población y la necesidad de alimentos, se han eliminado los bosques, y las tierras de cultivo previamente fértiles se han convertido en desiertos de la sobre-agricultura. Las civilizaciones en este siglo han contaminado y cambiado las formaciones de la naturaleza, provocando que los efectos del calentamiento global pongan en peligro el futuro de la tierra.
El mundo del arte también está integrado, y las artistas femeninas y artistas de color son aceptadas y exitosas, trayendo visiones alternativas del arte. El arte en este periodo suele integrar imágenes digitales y medios mixtos. Algunos artistas crean instalaciones espectaculares, mientras que otros crean imágenes discortantes o expresiones sociales. Debido a la disponibilidad de los medios masivos e internet, los artistas están influenciados por la historia, la moda moderna o los materiales reciclados; todo es posible en el arte. Gran parte del arte en el nuevo siglo se basa en relaciones feministas, raciales o culturales. La difusión del arte a menudo se expresa a través de las redes sociales, sitios web y otras tecnologías.
Arte Premoderno 1800 — 1860
En el siglo XIX, el arte se basaba en interpretaciones románticas o imágenes realistas, conceptos e ideas que condujeron a la aparición de cambios significativos en el mundo del arte. Cada uno de los diferentes movimientos se basaba en colores similares; sin embargo, los significados de las imágenes cambiaron del idealismo a los ideales románticos a los acontecimientos realistas de la vida. En todo el mundo, los artistas de otros países estaban más aislados y aún utilizaban conceptos más antiguos. El arte colonial en América solía seguir al Neoclasicismo, pintando héroes de la Revolución. En México, los estilos de arte barroco continuaron influyendo en los artistas.
El neoclasicismo surgió a partir de los excesos de los períodos rococó y barroco con estilos griegos más clásicos. Imágenes perfeccionadas de figuras heroicas, posadas en posiciones estáticas, fueron decoradas con ropa brillante y adornada. Napoleón Cruzando los Alpes (1.2.1) tiene la dramática imagen de Napoleón en el esplendor de su emperador mientras se sienta a hordas del caballo en medio de los Alpes, un homenaje a su heroísmo.
El romanticismo comenzó en Francia e Inglaterra, centrado en el lado incontrolado de las luchas de la humanidad. Ya no se incluyeron figuras heroicas; en cambio, las emociones se retrataron en colores oscuros y sombríos. La balsa de Medusa (1.2.2) representa la futilidad y los sentimientos de las emociones humanas a medida que la balsa tambaleante y abarrotada se hunde lentamente. Cada figura demuestra una agonía diferente a medida que intentan captar la atención de otro barco.
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A mediados del siglo XIX, el realismo se convirtió en un nuevo concepto a medida que los artistas pintaron las escenas de personas reales que veían a su alrededor, en los campos o en el trabajo. El realismo pasó de las imágenes ideológicas a las visiones realistas y fue el precursor de los impresionistas. El arado en Nevers (1.2.3) es un retrato de la vida, el agricultor utiliza su ganado para preparar el suelo para la siembra. Las pinceladas del artista se volvieron más dinámicas y texturales.
Arte Moderno 1860 — 1970
A mediados del siglo XIX, los artistas comenzaron a rebelarse contra la aplicación de los estilos artísticos europeos por parte de la Academie des Beaux-Arts, técnicas establecidas desde el Renacimiento. Surgieron múltiples estilos modernos basados en los principios subyacentes que rechazaban la historia y las representaciones realistas, en lugar de pasar al color, las líneas, las dimensiones enfatizando la abstracción. Este período fue un tiempo de muchos estilos de arte diferentes, un tiempo de experimentación, invención y el uso de materiales únicos. El impresionismo fue el primer movimiento de arte moderno basado en Sunrise de Claude Monet. La imagen contenía un cambio radical en el uso de pinceladas, colores vivos y luz. Algunos de los movimientos únicos incluyeron: Impresionismo, Post Impresionismo, Fauvismo Art Nouveau, Expresionismo, Dada, Surrealismo, Expresionismo Abstracto, Arte Cinético, Arte Pop, Arte Op y Minimalismo. Cada uno de estos tenía diferentes definiciones y cualidades.
El impresionismo es el estilo que inicia cambios en el arte. Paul Cézanne es considerado el inventor del arte moderno, iniciando el impresionismo y trasladándose a otros tipos. La invención de caballetes portátiles y pintura en tubos trajo la capacidad de pintar afuera, capturando escenas naturales con luz real. Utilizaron pinceladas rápidas y amplias para pintar rápidamente antes de que cambiaran la luz y los reflejos. El color y su aplicación también fueron parte esencial del impresionismo. El Día de Verano (1.2.4) es afuera en un entorno natural, y las dos mujeres se sientan junto al agua. Los reflejos y sombras de luz se ven fácilmente en la imagen.
El post impresionismo pronto siguió al impresionismo, extendiendo el uso del color con pinceladas cortas y rotas. Pintaban lo que veían sólo con cierta distorsión ya que expresaban sus sentimientos y emociones. Campo de Trigo con Cipreses (1.2.5) se pintó con la parte realista de la obra en el fondo como las rocas y la hierba y moviéndose hacia arriba a las emociones propias vistas en el movimiento del cielo.
El surrealismo trajo un cambio significativo al mundo del arte. En lugar de arte basado en la vida cotidiana, los artistas pintaron para reflejar la mente subconsciente con poco control. Trajeron una visión de locura, excentricidad y desconcierto basada en sueños o emociones, yuxtaponiendo elementos inusuales juntos. La persistencia de la memoria (1.2.6) es una imagen que no se encuentra en el mundo normal más bien una colección de relojes que reflejan los aspectos del subconsciente.
Los artistas del expresionismo abstracto crearon arte dinámico y altamente abstraído. Los artistas querían que sus gestos de cómo aplicaron la pintura se incluyeran en el proceso de imagen y pensamiento. Algunos lo llamaron pintura de acción ya que muchos artistas caminaban alrededor de su lienzo goteando y vertiendo pintura, dejándola aterrizar y agregando pinceladas rápidas. Todo el lienzo se involucró en la aplicación de pintura o partes desnudas del lienzo. Lady Bug (1.2.7) aparece espontáneo sin embargo se hizo con una aplicación planificada de la pintura, algunos corriendo, algunos aplicados con el pincel.
El arte pop fue la consecuencia del interés de los artistas por los medios masivos en expansión, la publicidad y la cultura actual. Los colores brillantes eran importantes, realistas y con frecuencia se imprimían o recreaban imágenes. Su arte difuminó las líneas del arte. Campbell Soup Can (1.2.8) utilizó un artículo común y ordinario que se encuentra en la tienda de abarrotes y lo convirtió en arte. La persona común se relacionaba con latas de sopa y entendió la imagen.
El Op Art se basó en los conceptos de ilusiones y efectos ópticos. Las líneas y formas se utilizan para proporcionar imágenes que aparecen tener dimensión o movimiento. Los colores repetitivos ayudan a desarrollar efectos dimensionales o vibratorios. Vega-gyongly-2 (1.2.9) tiene colores brillantes con círculos y cuadrados de diferentes tamaños para traer la idea de una bola emergiendo del fondo.
Arte posmodernista 1970-2000
El posmodernismo comenzó como una resistencia a los conceptos del Modernismo. Los artistas posmodernos quisieron superar los límites anteriores y comenzaron a deconstruir el Modernismo, experimentando con ideas teóricas y el uso de las nuevas tecnologías. Los artistas reemplazaron lentamente los conceptos del arte moderno como parte de la resistencia general de la sociedad a la autoridad y el rechazo de paradigmas establecidos. Los movimientos en esta sección incluyen el fotorrealismo, el neoexpresionismo, el videoarte, el arte indígena moderno, el arte feminista, los jóvenes artistas británicos, la escultura
El fotorrealismo se basó en el concepto de pintar una imagen que se asemejara a la exactitud de una fotografía. Los artistas trabajaron con detalles precisos y exactos de la vista frente a ellos. Por lo general, se enfocaban en ubicaciones cotidianas como restaurantes, escaparates o imágenes industriales. Amsterdam Diner (1.2.10) retrata el área del mostrador de un restaurante como un trabajador ordinario esperando su pedido. Cada detalle de los elementos en el restaurante es exacto, representando la vida cotidiana. Incluso las secciones plateadas brillantes del restaurante son increíblemente realistas.
Figura\(\PageIndex{10}\): Amsterdam Diner (1980, óleo sobre lienzo, 111.8 x 151.8 cm) de hermien_amsterdam CC BY-NC-SA 2.0
El neoexpresionismo fue influenciado por movimientos anteriores y elementos combinados del Arte Pop, el Expresionismo Abstracto y el Expresionismo. El neoexpresionismo utilizó colores vibrantes; la obra de arte estaba frecuentemente distorsionada y emocionalmente intensa. Flash en Nápoles (1.2.11) representa a dos héroes basados en personajes de un cómic. El diseño es abstraído expresado en diferentes imágenes.
El Arte Cinematográfico se basa en el uso de elementos de la nueva y moderna tecnología y la capacidad de tomar piezas y piezas electrónicas y crear esculturas de arte. La tecnología evolucionó y se volvió más barata, permitiendo a los artistas hacer videos y reproducirlos. La Autopista Electrónica (1.2.12) es una imagen de Estados Unidos hecha de televisores, neón y cables que muestran diferentes imágenes en las pantallas.
Arte Contemporáneo 2000-presente
En el siglo XXI, el mundo era verdaderamente global e integrado a través de capacidades de comunicación y cadenas de suministro de productos. El transporte movió a la gente para interactuar y aprender sobre otras culturas. El arte también viaja por todo el mundo, conceptos e ideas fluyendo a través de internet. Los artistas pueden vender su arte en todo el mundo. Los nuevos tipos de materiales manufacturados también traen nuevos materiales para que los artistas los usen, ya sean nuevos o reciclados. En el nuevo milenio, los cambios sociales crearon un nuevo enfoque para los artistas. Las mujeres tienen una voz más destacada en el mundo del arte. Los artistas de color crean imágenes de sus propias identidades sociales. El arte contemporáneo incluye arte de instalación, arte figurativo contemporáneo, arte africano contemporáneo y arquitectura contemporánea
El arte de instalación fue un nuevo concepto en el siglo XXI con construcciones a gran escala realizadas a partir de técnicas inusuales y mixtas. Las instalaciones eran específicas del sitio y encajaban en habitaciones únicas o exteriores. Los espectadores recorren la instalación y frecuentemente forman parte de la obra de arte. Dot Obsession (1.2.13) utiliza espejos para ayudar a aumentar las imágenes en un espacio grande. Un espectador puede entrar en escena y sumergirse en la formación.
Jettisons figurativos contemporáneos ideas estándar de figuras europeo-occidentales. Los artistas utilizaron escenas figurativas para crear imágenes que reflejaban cambios sociales y nuevas narrativas. Las artistas femeninas pudieron cambiar la forma en que se retrataba el cuerpo de las mujeres, y las artistas de color incorporaron su identidad y experiencias a su arte. Escuela de Belleza, Escuela de Cultura (1.2.14) representa el salón de belleza local, un lugar social para reunirse e interactuar. Un artista negro está mostrando la vida en una comunidad rara vez retratada en el pasado.
