5.7: Jóvenes artistas británicos (1980-2000)

Introducción

En 1988, un grupo de jóvenes artistas en Gran Bretaña realizó dos exhibiciones pop-up, Freeze en 1988 y Sensation en 1997. El arte era diferente de lo tradicional, ya que los artistas utilizaban materiales inusuales y a veces imágenes impactantes. El arte era distintivo, casi notorio, y los artistas se ganaron el nombre, Jóvenes Artistas Británicos. La cobertura negativa de la prensa inglesa les ganó publicidad. Muchos artistas asistieron o se graduaron del Goldsmiths College of Art de Londres, entre ellos Damien Hirst, uno de los más conocidos. La escuela ayudó a desarrollar el movimiento y cultivó nuevas formas de arte al abolir la separación típica de la pintura, el grabado, la escultura u otros métodos artísticos. Animaron a los estudiantes a combinar conceptos para nuevos temas en estudios mixtos y ser más emprendedores en marketing y mostrar obras de arte.

Estilísticamente, los artistas utilizaron ideas del Minimalismo y el Conceptualismo; sin embargo, frecuentemente incorporaron las propiedades más oscuras de la vida moderna. Cada artista desarrolló un enfoque diferente. Algunos artistas utilizaron materiales encontrados; otros emplearon video, película, grabado, pintura o fotografía, y otros crearon instalaciones extensas. Los Jóvenes Artistas Británicos han usado objetos apropiados, animales muertos, muebles de su casa, comida, bloques de cemento, cigarrillos u otro material. No había límites ni parámetros que tuvieran que seguir; los artistas estaban abiertos a desarrollar un proceso y seleccionar objetos que pudieran ser impactantes o desafiantes. Los artistas desarrollaron una reputación por hacer lo que quisieran con cualquier material que eligieran, lo que no siempre fue una idea aceptable para muchos en el mundo del arte.

Damien Hirst fue considerado el líder de facto de los conceptos artísticos inventivos, su inusual escultura del tiburón ganándole publicidad y premios. La mayoría de los artistas tenían veintitantos años y reconocieron la oportunidad de traer un cambio al estancado mercado del arte inglés, cada uno con ideas diferentes. La Galería Tate Modern también fue parte de la sensacional aceptación de las nuevas formas de arte. Londres no tenía un museo público de arte moderno, y donantes privados apoyaron los fondos para adquirir arte moderno contemporáneo y construir una galería. Los Jóvenes Artistas Británicos fueron una parte importante del paso a la modernidad.

Damien Hirst

Damien Hirst (1965-) nació en Inglaterra, estudió arte, y luego asistió a Jacob Kramer College. Después de trabajar en obras de construcción durante dos años, acudió a Goldsmiths College. Mientras estuvo en Goldsmiths, Hirst trabajó en una morgue, influyendo en sus conceptos futuros. En el colegio, fue el principal organizador de la exposición estudiantil y de las nuevas ideas revolucionarias del arte. Una de las representaciones más simbólicas de los Jóvenes Artistas Británicos es el tiburón de Hirst. Titulado La imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien que vive (7.7.1), el tiburón está suspendido en formaldehído. El tiburón aparece vivo, sin embargo todos saben que está muerto. La imagen era conocida por su valor de choque y reacción de un espectador ante el símbolo de la muerte. El tiburón original fue comprado a un alto precio por un coleccionista, y cuando el tiburón comenzó a deteriorarse, el coleccionista pagó por un reemplazo. Esto llevó a que el argumento —seguía siendo la misma obra de arte o algo nuevo— que alteraba el concepto de conservación del arte.

Figura\(\PageIndex{1}\): La imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien vivo (1991, tiburón tigre, vidrio, acero, solución de formaldehído al 5%, 213 x 518 x 213 cm) CC BY-SA 2.0

Lejos del Rebaño (7.7.2) se encuentra otra escultura compuesta por un tanque de paredes de vidrio y una oveja muerta en solución de formaldehído. La oveja está posicionada para parecer que sigue viva. Hirst realizó diferentes versiones de la escultura con ovejas distintivas posadas en diversas posiciones, todas muertas pero aparentemente conmovedoras. Las ovejas y los tiburones formaban parte del espectáculo de Hirst, con animales, peces e insectos encerrados en tanques o cajas.

Hirst ha generado una cantidad significativa de críticas por el número de animales muertos que ha utilizado en su obra, incluyendo grupos de derechos de los animales. Artnet News realizó un estudio sobre el uso de animales por Hirst y encontró que Hirst utilizó treinta y seis animales de granja diferentes: ovejas, caballos, vacas, cerdos e incluso un oso y una cebra. En la categoría de peces, Hirst utilizó diecisiete tiburones y 668 otros peces. Hirst también agregó miles de insectos diferentes a su arte, entre ellos 17 mil mariposas, 45 mil insectos de 3 mil especies y cinco aves. [1]

 

Figura\(\PageIndex{2}\): Alejado del Rebaño (1994, vidrio, acero inoxidable, Perpex, pintura acrílica, solución de cordero y formaldehído, 96 x 149 x 51 cm) CC BY-SA 2.0

Hirst hizo la inmensa estatua de bronce pintada de seis metros de altura, Himno (7.7.3), creada después del juguete anatómico que compró para su hijo. A Hirst le encantaba la forma en que todas las partes del cuerpo encajaban entre sí; los colores de las partes permitían que cada elemento distinto se destacara. No obstante, Hirst hizo su escultura precisamente como el juguete que compró, creado para el set Young Scientist Anatomy. A pesar de que sí escaló la imagen más grande y cambió del plástico del juguete al bronce, Hirst fue acusado de plagio y tuvo que pagar un acuerdo a la compañía de juguetes. El título Himno es una obra de teatro sobre la palabra 'él'. La estatua recuerda a las esculturas griegas, brazos cercanos al cuerpo con una forma desnuda que demuestra la belleza del cuerpo. Los griegos también favorecieron usar bronce y colocar pesos de plomo en los pies para mayor estabilidad, así como Hirst usó bronce.

Figura\(\PageIndex{3}\): Himno (1999-2005, bronce pintado, oro, plata, 595.3 x 334 x 205.7 cm) de ToGa Wanderings, CC BY 2.0

Hirst utilizó generalmente la repetición en su obra y creó una serie de cualquiera de sus temas. Hirst declaró,

“La gente le teme al cambio, así que se crea una especie de creencia para ellos a través de la repetición. Es como respirar. Siempre me han atraído las series y los pares. Una cosa única es un objeto bastante aterrador”. [2]

Pintó más de mil pinturas Spot como Dantrolene (7.7.4) con manchas multicolores. Hirst usó fondos blancos y pintó las manchas a mano con pintura brillante para la casa. Quería que las manchas parecieran como si una máquina las aplicara; solo las imperfecciones sutiles reflejan el uso de la mano de un artista. La serie Spot de Hirst a veces aparece calmante o desconcertante, presentando al espectador una dicotomía visual. Hirst nombró su serie Spot en honor a los farmacéuticos. El dantroleno fue un relajante muscular utilizado para tratar espasmos musculares o rigidez. Hirst comenzó a fabricar una serie de Gabinetes de Píldora llenos de frascos y frascos farmacéuticos y médicos. Cuidadosamente dispuestas, la mayoría de las botellas tenían sus etiquetas de advertencia expuestas.

Figura\(\PageIndex{4}\): Dantroleno (1994, pintura doméstica brillante sobre lienzo, 150.2 x 155.3 cm) CC BY-SA 2.0

Pretty Vacant (7.7.5) es uno de sus gabinetes, montado en la pared y lleno de artículos que Hirst compró en tiendas. La serie convierte a los espectadores en voyeurs ya que parecen estar buscando en las medicinas privadas de una persona, nuestras medicinas un concepto muy personal, especialmente pastillas adictivas. En la serie, Hirst examina la creencia de la sociedad en las drogas como una cura para todos. El éxito de los diferentes botiquines llevó a su instalación de una farmacia completa.

Figura\(\PageIndex{5}\): Pretty Vacant (1989, vidrio, aglomerado con revestimiento, ramin, plástico, aluminio y envases farmacéuticos, 137.2 x 101.6 x 22.9 cm) CC BY-SA 2.0

Tracey Emin

Tracey Emin (1963-) nació en Londres. Su padre era turcochipriota, y su madre de ascendencia rumana. Estudió diseño de moda e impresión en diferentes colegios antes de recibir una maestría en pintura por el Royal College of Art. Desafortunadamente, Emin fue violada cuando solo tenía trece años, algo que dijo era muy familiar en su vecindario. La tragedia influyó significativamente en su obra, y es conocida por su estilo de arte autobiográfico y confesional. Emin trabaja en múltiples tipos de medios, escultura, película, pintura, fotografía y otros. Una de sus primeras exposiciones significativas fue sobre su cama, trayendo su mayor reconocimiento.

Para su instalación de My Bed (7.7.6), Emin tomó la cama de su habitación, junto con todos los detritos que la rodeaban, y la instaló en la galería. Emin declaró que el espacio era una reconstrucción precisa de su habitación después de que ella se deprimió. Pasó semanas en la cama bebiendo, fumando, teniendo relaciones sexuales o comiendo, todo para lidiar con su angustia emocional. Derrado alrededor de la cama, Emin incluía condones usados, ropa interior sucia, sábanas manchadas, Kleenex viejo y colillas de cigarrillos. [3] Ella calificó a este arte confesional, revelando partes potencialmente vergonzosas de su vida. La prensa y la crítica estaban alborotados declarando que la instalación no era arte. Otros pensaron en la cama como una definición de los límites de una mujer joven.

Figura\(\PageIndex{6}\): My Bed (1998, marco de caja, colchón, sábanas, almohadas y objetos diversos) CC BY-SA 2.0

Psyco Slut (7.7.7) se hizo sobre una manta. Emin aplicó diferentes palabras y frases en parches de texto que escribió a mano. La manta se convirtió en una historia de la vida de Emin con detalles íntimos. Ella inscribió su abuso infantil y el dolor de un aborto. Emin hizo otras cobijas con telas que sentía que le traían comodidad, incluyendo su ropa, la ropa de sus padres y otros restos encontrados alrededor de la casa. Emin hizo múltiples arte de neón digital de sus pensamientos poéticos. Escribió sobre las tensiones de las relaciones y cómo las interdependencias afectan la vulnerabilidad o los sentimientos de empoderamiento de una persona.

Figura\(\PageIndex{7}\): Pysco Slut (1999, aplique sobre manta, 243.8 x 198.1 cm) de rocor, CC BY-NC 2.0

Fantastic to Feel Beautiful Again (7.7.8) demuestra su recuperación de una mala relación. Todos sus dichos reflejaban sus sentimientos abiertos, a veces juguetones u otras veces confrontativos y constantemente provocadores a la reflexión.

Figura\(\PageIndex{8}\): Fantástico volver a sentirse bella (1997, neón, 111.7 x 140, 8.26 cm) CC BY-NC 2.0

 

Sarah Lucas

Sarah Lucas (1962-) fue una de las integrantes posteriores de los Jóvenes Artistas Británicos reconocidos en la década de 1990 por su extraordinaria temática. Su trabajo fue sexual y borrosa masculinidad y feminidad; Lucas declaró que le gustaba la androginia. Nació en Londres y estudió arte en diferentes universidades antes de graduarse de Goldsmiths College con su licenciatura en Bellas Artes. El trabajo de Lucas formó parte de la exhibición temprana de Freeze y fue considerado uno de los miembros más impactantes del grupo. Experimentó con materiales e imágenes, incluyendo hacer un baño con cigarrillos. Lucas utilizó materiales encontrados que manipuló y alteró. Ella aplicó algunos de los materiales más extraños como frutas o verduras para retratar partes del cuerpo. La obra de Lucas se basó en objetos cotidianos para representar su exploración de la ambigüedad sexual y cómo algo familiar o extraño trae una tensión desorientadora.

Figura\(\PageIndex{9}\): ¡Oh! Soldado (2005, tirantes, colgador de alambre, botas militares de hormigón fundido, medias de nylon, 193 x 45.7 x 27.9 cm) CC BY-NC-ND 2.0

Lucas rellenó medias de nylon para formar el cuerpo del soldado en su escultura, ¡Oh! Soldado (7.7.9). Antiguos tirantes usados forman la parte superior del cuerpo ya que las piernas están puestas en botas militares, ella echó de concreto. Dos perchas ayudan a mantener las formas en su lugar. Automáticamente, el soldado es percibido como un varón, una reacción al título de la obra y las botas pesadas. No obstante, el cuerpo está hecho de mallas que llevan las mujeres, lo que hace que esta escultura esté abierta para la interpretación sexual. Titti Doris (7.7.10) está hecho de mallas rellenas de pelusa y encorvadas en una silla. La figura demuestra y se centra en la objetivación de los pechos femeninos, un grupo de formas caídas montadas como un montón de melones, cada forma de gran tamaño anunciando su derecho a existir.

Figura\(\PageIndex{10}\): Titti Doris (2015, medias, pelusa, silla, zapatos, 82 x 90 x 90 cm) CC BY-NC 2.0

Aya Gallaccio

Anya Gallaccio (1963-) nació en Escocia, donde su padre era productor de televisión y su madre actriz. Gallaccio asistió a Goldsmiths College y formó parte de la exposición Young British Artists Freeze. Creó instalaciones basadas en materiales orgánicos que se transforman y decaen en obras de arte impredecibles. Debido a que usa objetos como flores, hielo, azúcar, árboles u otro material natural, los materiales pueden oler bien o ser excepcionalmente coloridos cuando se establecen por primera vez. Los elementos pueden fundirse, marchitarse, colapsar o descomponerse de sus procesos biológicos a medida que pasa el tiempo. Gallaccio se refirió a su obra de arte como performance porque la actividad ocurría, incluso lentamente. Una de sus instalaciones incluyó ensamblar una tonelada de naranjas sobre el piso y observar la progresión natural de la descomposición, el desempeño de la naturaleza interactuando con las naranjas.

En su instalación, The Light Pours Out of Me (7.7.11), Gallaccio dijo: “Me gustaría que fuera inquietante para la gente cuando la encuentre por primera vez. Me gustaría que se cuestionaran si deberían entrar por la puerta o no. Entonces, cuando entran al espacio, es muy formal, bastante grandioso pero íntimo, un lugar tranquilo para una o dos personas”. [4] Gallaccio quería que los espectadores vieran la obra de arte personalmente y de cerca. Ella creó una gruta como las que se encuentran en los paisajes ingleses más antiguos.

Figura\(\PageIndex{11}\): La luz se derrama de mí (2012, amatista, obsidiana, oro, hormigón) CC BY-NC-ND 2.0

Las paredes (7.7.12) ondulan con amatista y grupos de cristales, todos ellos luciendo lisos pero peligrosamente dentados.

Figura\(\PageIndex{12}\): Rocas en la luz vierte, CC BY 2.0

En el fondo se encuentra un pequeño charco de agua (7.7.13) de piedra de obsidiana negra. La instalación cambia según la estación, la lluvia, el crecimiento de la vegetación, o incluso a medida que las personas retiran pequeños trozos de piedra. Gallaccio imaginó que la instalación cambiaría con el tiempo geológico en lugar del tiempo humano.

Figura\(\PageIndex{13}\): El agua en la luz vierte, CC BY 2.0

La instalación de Gallaccio de Rojo sobre Verde (7.7.14) estuvo compuesta por 10,000 rosas rojas colocadas como una alfombra al otro lado del piso de la galería. Inicialmente, las rosas eran de color rojo brillante, suaves y emitían el aroma voluptuoso de las rosas. No obstante, las espinas seguían en los tallos, peligrosas para caminar descuidadamente por el suelo o recoger un puñado de flores. Las rosas comenzaron a descomponerse en un tiempo relativamente corto (7.7.15) hasta que se volvieron mohosas y oscuras. Las rosas se transforman de belleza y romance a feas y cariadas.

Figura\(\PageIndex{14}\): Rojo sobre Verde (2012, 10,000 rosas rojas) CC BY 2.0

Figura\(\PageIndex{15}\): Primer plano de rosa, CC BY 2.0

Angus Fairhurst

Nacido en Inglaterra, Angus Fairhurst (1966-2008) se graduó de Goldsmiths College en Fine Art al mismo tiempo que Damien Hirst. Fairhurst e Hirst se hicieron amigos y colaboraron en múltiples proyectos. Fairhurst trabajó en diferentes medios; su trabajo incluía chistes prácticos y visuales distorsionados o exagerados. Era conocido por sus esculturas de gorila de bronce en representaciones inusuales. Fairhurst fue descrito como brillante, ingenioso e intensamente inteligente. Tristemente, a la edad de cuarenta y un años, se suicidó. Damien Hirst dijo: “Fue un gran artista y un gran amigo, siempre me apoyó con buen tiempo y falta. Brillaba como la luna y como artista tenía la cantidad justa de ligeramente alrededor de la curva. Yo lo amaba”. [5] Un par de diferencias entre pensar y sentir I (7.7.16) representa la extraña combinación del gorila de gran tamaño que sostiene un pez bajo el brazo. El gorila gigante parece estar mirando a lo lejos con poca emoción. La estatua se plantea en una vista frontal completa.

Figura\(\PageIndex{16}\): Un par de diferencias entre pensar y sentir I (2000, bronce, 210 x 173 x 132 cm) de Beata May, CC BY-SA 3.0

El inmenso gorila en Un par de diferencias entre pensar y sentir II (7.7.17) se para sobre sus piernas y un brazo mientras mira fijamente su brazo izquierdo tendido en el suelo frente a él. Las estatuas muestran la práctica de Fairhurst de trabajar con el pensamiento y el sentimiento o lo sublime y absurdo. Fairhurst realizó múltiples dibujos de diferentes ideas de estatuas de gorila, jugando con lo absurdo y cómico.

Figura\(\PageIndex{17}\): Un par de diferencias entre pensar y sentir II (2003, bronce, objeto: 166 x 113 x 137 cm, objeto: 30 x 117.5 x 59.5 cm) CC BY-NC-ND 2.0

Fairhurst's Underdone/Overdone (7.7.18) se compone de un conjunto de treinta pinturas. Utilizó fotos en blanco y negro del bosque. Superpuso las diferentes imágenes y ramas con colores primarios, entrecruzándose entre sí para crear una matorral de árboles.

Figura\(\PageIndex{18}\): Underdone/Overdone (1998, serigrafía acrílica sobre paneles, 90.1 x 59.6 cm por panel) CC BY-NC 2.0

La primera imagen (7.7.19) utilizó un solo color con algunas ramas superpuestas. Cada imagen de la línea se volvió más abstracta a medida que se desarrollaban las capas, se agregaban más ramas y los paneles al final de la línea se convirtieron en una masa de color. Fairhurst cambió lo conocido al principio por lo irreconocible en la final. Exploró los límites y una antítesis de que los formados se volvieran sin forma. El tema de los árboles revela el amor de Fairhurst por el aire libre, ya que pasó gran parte de su tiempo explorando las tierras altas escocesas. Desafortunadamente, los mismos bosques son donde Fairhurst se quitó la vida.

Figura\(\PageIndex{19}\): Primer plano, CC BY-NC 2.0

Jenny Saville

Nacida en Inglaterra, Jenny Saville (1970-) se licenció en Glasgow School of Art y se fue a Estados Unidos para estudiar en la Universidad de Cincinnati. Saville tomó una clase de estudio de mujeres en la universidad y estuvo expuesta a diferentes puntos de vista políticos y feministas. Mientras estaba en Ohio, observó: “Viste a muchas mujeres grandes. Gran carne blanca en shorts y playeras, todos los cuales tenían la fisicalidad que me interesaba”. [6] Saville también fue a Nueva York y vio trabajar a un cirujano plástico, ayudándola a comprender las formas y formaciones anatómicas de cuerpos humanos extremos. Las imágenes y sus estudios influyeron en el arte desvergonzadamente feminista de Saville sobre mujeres grandes u obesas. Su primer espectáculo en Inglaterra fue exitoso, y la galería comenzó a mostrar su trabajo con los otros Jóvenes Artistas Británicos. Las pinturas de Saville eran más grandes que las de tamaño natural, y la piel estaba muy marcada y distorsionada. Sus pinturas ilustran el cuerpo voluminoso, incapaz de ocultar las proporciones distorsionadas. Apoyada (7.7.20) era una imagen temprana, la mujer desnuda de gran tamaño con la cabeza arrojada hacia atrás. Sus ojos están cerrados mientras sus manos le agarran los grandes muslos como si sus pensamientos fueran dolorosos. La mujer parece ser repugnada por su imagen, escondiéndose del desdén de la mirada masculina. Saville aplicó la pintura en capas gruesas, convirtiéndose en carne visceral, generando una respuesta emocional.

Figura\(\PageIndex{20}\): Propped (1992, óleo sobre lienzo, 213.3 x 182.8 cm) CC BY-NC 2.0

Saville era un maestro de los constructos del cuerpo. Ella demuestra cómo la carne fluye y rueda sobre sí misma, cómo el exceso de piel se cuela y causa diferentes sombras. Saville pinta el cuerpo como una entidad completa y cómo se estira en un lugar y cae en otro. En Estrategia (7.7.21), Saville representa a las mismas mujeres en diferentes posiciones. Pintó a la persona vista desde el suelo exagerando el tamaño de sus muslos y estómago, el ángulo ascendente en la pintura masiva empequeñece al espectador. La carne con hoyuelos tiene matices de grises que retratan a la carne como enfermiza y magullada. La imagen no es la persona idealizada y la vista generalmente esperada en las pinturas; en cambio, el espectador se siente incómodo con las imágenes porque no cumple con el estándar, cuerpo femenino impecable. Saville también pintó una serie de obras a gran escala que retratan cabezas.

Figura\(\PageIndex{21}\): Estrategia (1994, óleo sobre lienzo, 274.3 x 638,8 cm) CC BY-NC-ND 2.0

Rosetta II (7.7.22) y Bleach (7.7.23) son dos de las pinturas de la serie. Ambas imágenes exigen la mirada del espectador, incapaz de apartar la mirada. Las mujeres no tienen una piel suave y sedosa que se ve en anuncios, películas u otros medios. Llevan las marcas y cicatrices obtenidas a lo largo de años de las acciones subjetivas de la sociedad contra las mujeres. La mujer en Rosetta II es ciega; sus ojos parecen ser globos, su cabeza posicionada como muchas de las imágenes religiosas del sufrimiento. Bleach mira directamente hacia atrás al espectador, su boca parece hinchada en el rostro marcado. Saville se interesó por lo conscientes de la imagen de las personas en el país, estas mujeres no cumplen con la imagen adecuada de la población de cirugía plástica.

Figura\(\PageIndex{22}\): Rosetta II (2005-06, óleo sobre papel sobre cartón, 249 x 185 cm) CC BY-NC-SA 2.0

Figura\(\PageIndex{23}\): Blanqueador (2008, óleo sobre lienzo, 252.3 x 187.3 cm) CC BY-NC-SA 2.0

Michael Landy

Michael Landy (1963-) era de Londres y asistió a Goldsmiths College. Formó parte de la exposición Freeze que Damien Hirst organizó y se convirtió en uno de los Jóvenes Artistas Británicos. Como artista, Landy se centró frecuentemente en el consumismo y sus efectos en la sociedad. Uno de sus espectáculos, Break Down, fue una exhibición de todas las posesiones que destruyó. Landy reconoció que todos los artistas no tienen éxito con todo lo que hacen, y decidió crear una estructura gigantesca en una galería del sur de Londres, un contenedor para contener obras de arte desechadas. Planeaba tener la estructura llena de fallas creativas. Los crecientes descartes pueden haber parecido un montón de basura; sin embargo, todavía se podrían identificar partes de artistas conocidos. Se invitó a estudiantes de arte y coleccionistas a agregar a la papelera, una actividad popular. The Art Bin (7.7.24) demostró cuánto trabajo tenían que crear los artistas para lograr el éxito; no importa cuán famoso se volviera el artista, todavía tenían fracasos. Landy declaró: “Nadie descarta el arte que tiene algún tipo de valor intrínseco, por lo que la papelera se convierte en un monumento al fracaso creativo”. [7]

Figura\(\PageIndex{24}\): Art Bin (2010) CC BY-NC-SA 2.0

La exposición de Landy, Saints Alive, estuvo compuesta por siete esculturas cinéticas diferentes que se movieron según las operaciones de los visitantes. Las esculturas se basaban en pinturas antiguas o imágenes de santos religiosos del pasado. Landy hizo estatuas fundidas y las combinó con una variedad de conjuntos de materiales reciclados, incluidos juguetes, basura y maquinaria. En la exposición, colgó los originales retratos inspiradores de las estatuas. Landy quería que la exhibición fuera interactiva con los espectadores al tiempo que incluía una crítica al santo representativo. Una de las primeras estatuas de la exposición fue Santa Apolonia (7.7.25), vestida con indumentaria renacentista. El espacio en su torso reveló una congregación de ruedas y engranajes, un juego de tenazas en su mano. Como parte de su martirio por la santidad, le sacaron todos los dientes. En la exhibición, el espectador puede presionar un botón y ver las tenazas golpearle la cara. Su rostro quedó significativamente marcado cuando Landy estructuró a Santa Apolonia para finalmente desfigurarse a sí misma.

Figura\(\PageIndex{25}\): Santa Apolonia (2012, técnica mixta, 2.2 m) CC BY-SA 2.0

San Francisco Lucky Dip (7.7.26) era una imagen de San Francisco de Asís, quien vestía una túnica marrón y estaba descalzo. La estatua es sin cabeza y hueca. Landy construyó un botón pulsador para que el espectador dejara caer una garra de agarre en el espacio hueco. De vez en cuando, la garra agarraba una playera estampada con 'Poverty-Chasitity-Obedience. Landy se refirió a San Francisco, quien hizo un voto de pobreza y regaló todas sus posesiones mundanas.

Figura\(\PageIndex{26}\): San Francisco Lucky Dip (2012, técnica mixta) CC BY-SA 2.0

Chris Ofili

Chris Ofili (1968-) nació en Inglaterra. Su padre regresó a Nigeria cuando Ofili tenía sólo once años. Ofili terminó su curso fundacional en una universidad y luego se fue a Londres a estudiar en la Chelsea School of Art y el Royal College of Art. Cuando asistió a un taller en Puerto España, Trinidad, decidió trasladarse allí de forma permanente. Ofili también mantiene una residencia y estudio en Londres y Brooklyn. Algunos de los neoexpresionistas fueron muy influyentes en Ofili, especialmente Jean-Michel Basquiat y Georg Baselitz. Pinturas intrincadas con diseños caleidoscópicos fueron el estilo que Ofili utilizó para crear imágenes figurativas pero abstractas. Su trabajo es vibrante, colorido y multicapa; los materiales que utiliza son inusuales, como brillo, resina, cuentas e incluso estiércol de elefante.

Ofili quería que su trabajo transmitiera la cultura negra y la historia mientras mantenía un sentimiento de exotismo. No Woman, No Cry (7.7.27) representa a una mujer llorando lágrimas de gran tamaño. El fondo amarillo está estampado con una delgada línea marrón y círculos marrones. Ofili utilizó pintura fosforescente como capa para el fondo, y cuando la mujer fue pintada, utilizó pintura al óleo diluida con trementina para lograr un aspecto translúcido. La mujer se posiciona encima del fondo mostrando a través. Su brillante sombra de ojos azul y su lápiz labial rojo destacan contra su piel oscura. Su estrecho collar negro tiene un trozo de estiércol de elefante para el colgante. Cada lágrima que desciende de sus ojos contiene una fotografía del rostro de un niño, demostrando su tristeza por la pérdida del niño. La muerte de un adolescente influyó en Ofili durante un asalto racista en Londres. La imagen entre las lágrimas era una foto del joven.

Figura\(\PageIndex{27}\): No Woman, No Cry (1999, pintura al óleo, pintura acrílica, grafito, resina poliéster, papel impreso, purpurina, alfileres de mapa y estiércol de elefante sobre lienzo, 243.8 x 182.8 cm) CC BY-SA 2.0

Princess of the Posse (7.7.28) se basó en la batalla por definir la identidad de uno, principalmente a través de la raza y el género. Ofili utilizó una amplia variedad de materiales, incorporó múltiples capas mientras pintaba y raspaba. Al igual que en otras pinturas, utilizó el fondo como parte de la imagen completa ya que la ropa de la mujer sigue el mismo patrón. Ofili utilizó pintura acrílica, resina, trozos de papel, alfileres de mapa y excremento de elefante.

Figura\(\PageIndex{28}\): Princesa del Posse (1999, pintura acrílica, collage, purpurina, resina, alfileres de mapa y estiércol de elefante sobre lienzo, 243.8 x 182.9 cm) CC BY-NC 2.0

Formó la caca de elefante en una bola, la pintó, y luego la unió a la pintura como el colgante (7.7.29) en su collar con alfileres de mapa. También utilizó grandes bolas de popó de elefante para mantener la pintura del suelo durante la exhibición. Al momento de la exposición en el Museo de Brooklyn, el alcalde de la ciudad intentó demandar al museo por exhibir la obra de Ofili. El alcalde declaró la obra como “horrible y asquerosa”, [8] El alcalde perdió y Ofili tuvo mucha publicidad.

Figura\(\PageIndex{29}\): Primer plano de Princesa del Posse, CC BY-NC 2.0

Gary Hume

Nacido en Kent, Inglaterra, Gary Hume (1962-) se graduó de Goldsmiths College, donde asistió junto a los otros Young British Artists y formó parte de la exposición Freeze. Reside y trabaja tanto en Londres como en Nueva York. Al igual que con los otros artistas, Hume rechazó los métodos estándar de las artes visuales para experimentar con diferentes tipos de materiales y técnicas. Le gustaba usar paneles de aluminio para gran parte de su trabajo, aplicando pintura de alto brillo porque no era tradicional. A Hume le gustaba decir que estaba haciendo fotos en lugar de solo pintar, desarrollando su sentido de autonomía de los artistas convencionales. La mayor parte de los primeros trabajos de Hume se basaron en “pinturas de puertas”. Las pinturas parecían ser imágenes minimalistas; sin embargo, sus primeras se basaron en las puertas de los hospitales británicos. En Cuatro Puertas I (7.7.30), Hume realizó cuatro puertas de diferentes colores y tamaños. Cada puerta es como la que se encuentra en entornos industriales, con pequeñas ventanas en las puertas para ver quién entra o va por la puerta como en un restaurante. Hume utilizó pintura de alto brillo para reflejar la luz, los colores cambian a medida que cambia la luz. Se centró en los bordes, rectos y abruptos. Utilizó el concepto de pintura de alto brillo sobre paneles de aluminio para hacer otras imágenes, siempre creando límites absolutos entre los colores de las puertas. Hume tuvo que colocar sus paneles horizontales cuando trabajaba en ellos para distribuir el peso de manera uniforme y que la pintura permaneciera suavemente en su lugar. Cuando empezó a usar aluminio en lugar de otros materiales, describió el panel como “algo absolutamente encantador, este gran rectángulo brillante que estás a punto de arruinar, en lugar de un pedazo de lienzo que ya dice, estoy vacío, hazme algo. Con mi primera marca la belleza se ha ido para siempre”. [9] La idea de Hume de arruinar la superficie ocurrió cuando tuvo que hacer rugosa la prístina superficie brillante para agregar la pintura brillante. Para iniciar las imágenes de la puerta, Hume dibujó los detalles sobre el acetato y los proyectó sobre el aluminio. Después de que el contorno esté listo, define los colores para existir en planos adyacentes.

Figura\(\PageIndex{30}\): Cuatro Puertas I (1989-1990, óleo sobre cuatro paneles, 2.3 x 5.9 metros) CC BY-NC-SA 2.0

Hasta principios de la década de 2000, Hume solo creó “pinturas de puertas”. A primera vista, las piezas parecen ser pinturas minimalistas. Son obras conceptuales, recreaciones realistas en tamaño real de puertas en hospitales británicos, que ofrecen una buena ilustración de la inteligente versión del artista sobre las principales tendencias del arte contemporáneo. Incluso hoy, como Hume trabaja con una gama más amplia de temas, continúa desdibujando los límites entre lo abstracto y lo figurativo, manteniendo una postura crítica donde permanece en la frontera sin pertenecer a ninguno de los dos. Aunque las obras de Hume pueden parecer abstractas, representan cosas observadas en la vida cotidiana. En sus pinturas conceptuales, el objeto existe como un icono, un símbolo fijo. Al buscar temas para su obra, Hume se inspira en cosas que evocan emociones contradictorias. Hume creó la serie American Tan, incluyendo pinturas, esculturas y grabados relacionados con el pasatiempo estadounidense de las porristas. A pesar de que Hume era de Inglaterra, pasó los veranos visitando el norte del estado de Nueva York. Cada una de las obras de la serie enviaba mensajes mixtos, diferentes entre sí a la vez que se basaban en las mismas formas. American Tan III (7.7.31) es simbólico, las piernas de la animadora se forman cuidadosamente a medida que la persona salta o hace divisiones o de otra manera se plantea indiscretamente. Hume utilizó bronce pintado para la escultura, haciendo los pompones a partir de piezas de chapa unidas al extremo de una de las extremidades.

Figura\(\PageIndex{31}\): American Tan III (ca 2006-2007, bronce pintado y chapa metálica con zócalo de madera, 119.4 x 87 x 93 cm) CC BY-NC-ND 2.0

Rachel Whiteread

Rachel Whiteread (1963-) nació en Essex, Inglaterra, su madre una artista y su padre un maestro. Su primera educación artística fue en el Cyprus College of Art, seguida por la Slade School of Art, donde estudió escultura. Whiteread formó parte del segundo espectáculo de Young British Artists, Sensation. La mayoría de sus obras se basan en objetos ordinarios que ella proyecta. Whiteread es conocido por hacer un molde de una silla o mesa existente, interesada en la línea y la forma que crea el objeto. Construye esculturas desde pequeños elementos hasta edificios totalmente fundidos. Una de las obras más famosas de Whiteread es el interior de una casa victoriana fundida en concreto. Los objetos fundidos se convierten en una réplica de lo original, formando representaciones fantasmales. Una de sus principales obras al aire libre es el Memorial del Holocausto Judenplatz (7.7.32) en Viena, un monumento a los 65 mil austriacos asesinados en el Holocausto bajo el régimen nazi en la Segunda Guerra Mundial. Por fuera, cada fila es un conjunto de libros sin nombre que representan a la gente. Las páginas de los libros están orientadas hacia afuera, las espinas del libro son hacia adentro, y se desconoce la identidad de los títulos. Las puertas del frente están cerradas permanentemente y de adentro hacia afuera sin asas, la finalidad de la vida de las personas asesinadas. Incisos sobre la amplia base de concreto se encuentran los nombres de los diferentes campos de concentración de exterminio donde las personas fueron enviadas para su ejecución. Hubo cierta polémica sobre la apariencia del monumento: no era hermoso. En la inauguración, Simon Wiesenthal declaró: “Este monumento no debería ser hermoso; debe doler”. [10]

Figura\(\PageIndex{32}\): Memorial del Holocausto Judenplatz (2000, acero, hormigón fundido, 10 x 7 x 3.8 m) por lightsgoingon, CC BY 2.0

Terraplén (7.7.33) se construyó a partir de 14,000 cajas de polietileno blanco translúcido apiladas en múltiples formaciones. Algunos piensan que podrían ser icebergs, con otros creen que son pueblos apilados de cubos de azúcar. Whiteread quedó fascinada con las cajas cuando estaba limpiando las pertenencias de su madre. Ella llenó diferentes cajas con yeso para la instalación y luego despojó la caja real, dejando la caja de yeso fundido. Cada caja era única con cicatrices, secciones rotas, o incluso grapas; todas las imperfecciones se mostraron en el yeso y permanecieron. A continuación, rehizo las cajas con polietileno translúcido, proceso que siguió para miles de cajas. La instalación real proyectaba sensaciones diferentes e inusuales de espacio y escala. Algunas de las pilas de cajas eran excepcionalmente altas; una vista vertiginosa, otras pilas permitieron al espectador tocarlas. Whiteread también era conocida por sus moldes de muebles.

Figura\(\PageIndex{33}\): Terraplén (2005, cajas de polietileno translúcidas, blancas) CC BY-NC-SA 2.0

Sin título (100 espacios) (7.7.34) es una exposición compuesta por 100 moldes de resina de los bajos de diferentes sillas. Están dispuestos en veinte filas, con cinco objetos en cada fila. Las piezas forman una cuadrícula, los colores translúcidos. El crítico de arte Craig Berry afirmó, “la escultura oscila entre abstracción y referencia. Pasa de ser una acumulación de formas cúbicas mudas a un índice reluciente de la vida cotidiana”. [11]

Figura\(\PageIndex{34}\): Sin título (100 espacios) (1995, resina) CC BY-NC 2.0

Inglaterra estaba lista para un nuevo estilo artístico cuando los Jóvenes Artistas Británicos realizaron su primer espectáculo, su trabajo sorprendente, provocativo e inusual, desarrollando una nueva audiencia y una atmósfera para el arte moderno. El éxito de sus obras de arte llevó al desarrollo de la Tate Modern y el Premio Turner. Hoy la Tate es una galería de arte moderno excepcionalmente exitosa, y los artistas han seguido impulsando el significado del arte.

 

---

[1] Recuperado de https://news.artnet.com/art-world/da...ur-beef-916097

[2] Recuperado de https://gagosian.com/artists/damien-hirst/

[3] Recuperado de https://www.theartstory.org/movement...itish-artists/

[4] Recuperado de https://www.jupiterartland.org/art/a...urs-out-of-me/

[5] Recuperado de https://www.theguardian.com/artandde...08/mar/31/art2

[6] Recuperado de https://www.theguardian.com/artandde...igallery.art10

[7] Recuperado de https://www.theguardian.com/artandde... -tierra-art-bin

[8] Recuperado de https://www.sartle.com/artwork/princ...se-chris-ofili

[9] Recuperado de https://www.tate.org.uk/research/pub...ings-gary-hume

[10] Recuperado de https://www.theguardian.com/world/20...6/kateconnolly

[11] Recuperado de https://craigberry93.medium.com/rach...n-135c9482f024