5.2: Minivestido de Cunneen

Vestido Noruego-Americano Oljanna Cunneen, finales de los 60 Lana Regalo de Nancy Vogel MHAHS 1990.014.0003

Oljanna Cunneen hizo un vestido para Nancy Vogel en 1970. Los registros del catálogo mantenidos por la Sociedad Histórica del Área de Mount Horeb describen el vestido como un “Mini línea A de lana unida a óxido con bordado de lana en el dobladillo y el escote. Diseño de romos multicolores y está entubado en terciopelo verde.” Si bien es precisa, esa breve descripción no logra captar la importancia del vestido de rombo. Esa significación es el foco y objetivo de este trabajo. A través de un estudio del fabricante del vestido, Oljanna, y de la usuaria Nancy, este artículo analiza el vestido en el contexto del Monte Horeb de la década de 1960 para revelar las fuerzas y dinámicas que dieron sentido al vestido.

Antes de estudiar a su creador y portador, es útil examinar el objeto mismo. El vestido es de una línea A en forma. Es ceñida en la parte superior, estrecha en la cintura y más ancha en el dobladillo. Doblado por encima de la rodilla, el vestido es “mini” de largo. Mangas largas y sueltas que se ensanchan gradualmente desde el hombro hasta el puño llegan a la mitad de la falda. Varios juegos de dardos conforman una parte superior ajustada. En la parte frontal del vestido, los dardos van desde la costura lateral de la cintura hasta la parte más completa del busto. Un juego más corto de dardos comienza en la costura lateral debajo del brazo, se extienden hacia el centro de la cintura y se cruzan con el dardo cintura-busto justo debajo de la parte más completa del busto. En la parte posterior del vestido, una cremallera va desde el escote hasta la mitad de la falda. Los dardos a ambos lados de la cremallera se mueven varios centímetros hacia arriba desde la cintura. Juntos, los dardos delantero y trasero forman un top a medida que se estrecha desde el busto hasta la cintura. Comenzando por la parte más estrecha de la prenda, el vestido se ensancha desde la cintura hasta el dobladillo, creando una falda completa que se asemeja a la letra “A” Provisiblemente, la parte superior (escote a cintura) y falda (cintura a dobladillo) son casi iguales en longitud.

Hay una textura visible a la lana adherida de color óxido de la que está hecho el vestido. Aunque está compuesto por dos capas de tela, el textil de aspecto suave es más ligero y de movimiento más libre de lo esperado. Los ribetes verdes decoran el cuello y los dobladillos así como los puños de las mangas. La característica más distintiva del vestido es el diseño de rosemaul multicolor de bordado crewel que adorna el cuello y los dobladillos. Una flor de cinco pétalos situada por encima de la parte más completa del busto es el punto focal de la crewelwork del escote, una forma de costura superficial con lana. De la flor azul, azul claro y amarilla, un patrón de tallos, hojas y flores más pequeñas se extienden a lo largo del escote. El diseño asimétrico crea una “V” a medida que llega a los hombros. Un patrón similar pero lineal es paralelo al dobladillo de la falda. Nuevamente, la flor de cinco pétalos es central. De ella, los vapores verdes y verdes oscuros se extienden sobre la parte delantera de la falda, alcanzan las costuras laterales y se estiran varios centímetros hacia la espalda. Pares de pequeñas flores celeste se suman al diseño. Flores amarillas y rojas ligeramente más grandes completan el diseño rosemaul.

Como se mencionó anteriormente, Oljanna confeccionó el vestido en la década de 1960, probablemente en la segunda mitad de la década. Oljanna fue un miembro destacado del área de Blue Mounds y Mount Horeb. Muchos se han interesado en su historia a lo largo de los años, tanto durante su vida como después de su repentina muerte en 1988 a la edad de 64 años. Ya en 1962, Capitol Times publicó un artículo sobre los pasatiempos y proyectos que mantenían ocupada a la “esposa de la granja”, como el rosemaling y el bordado. Artículos posteriores en periódicos locales relataron su participación comunitaria, mientras que los estudiosos se centraron en su vida como narradora y artista folclórica étnica. A pesar de que muchos han documentado diversos aspectos de la vida de Oljanna, ninguno ha estudiado a fondo el vestido romelado que hizo para Nancy. Al explorar la vida de Oljanna, esta sección examina el vestido con romos desde la perspectiva de su creador para mostrar cómo era parte de la misión de Oljanna compartir su herencia noruega. Además, esta sección considera el vestido en relación con su gran cuerpo de trabajo para demostrar que el vestido es una expresión creativa del arte popular.

En 1983, Oljanna le dijo a un reportero local “es 'terriblemente importante' que todas las culturas se mantengan en contacto con sus herencias. 'Lo que eres es de donde vienes. '” Si Oljanna vivía por un lema, era ese. Ella era de donde venía. Oljanna era noruega, por un lado. Su padre, Henry Venden, era hijo de padres nacidos en Noruega. Su madre, Gerharda Forshaum, emigró de Noruega en 1908. Al igual que los otros miembros de la gran cohorte de noruego-americanos en el centro sur de Wisconsin, Oljanna también era un Midwesterner, por otro lado. Nacida en Vermont, Wisconsin en 1923, rara vez se alejaba del condado de Dane. Oljanna era de donde venía. Ella era Viejo Mundo y Nueva. Su arte refleja eso.

Oljanna tenía muchos talentos. Ella “sacó de los repertorios combinados de sus padres de tradiciones verbales y de trabajo manual para llegar a ser extraordinariamente hábil en un espectro de expresiones artísticas, desde el chiste y la narración noruegoamericana hasta la costura, el bordado, el tejido, la pintura y la creación de figuras troll en miniatura que integraban todos de estas habilidades.” Oljanna construyó y expresó su identidad noruego-estadounidense a través de la práctica de esas habilidades. También recurrió a ellos para mantener a sí misma y a su familia. Después del fracaso de su primer matrimonio, Oljanna se casó con Vernon “Jiggs” Cunneen. La pareja vivía en una granja lechera de 123 acres cerca de Blue Mounds donde formaron una familia. Para la década de 1960, tanto Oljanna como Jiggs buscaban trabajo estacional para complementar sus ingresos. Oljanna vendió boletos en Norway Basin Ski Area en invierno. A partir de 1961, trabajó como guía turística en Little Norway durante los veranos. Además, ella “comenzó a pintar y rosemaling por paga”, según Janet Gilmore. Los primeros trabajos la encontraron decorando letreros agrícolas y objetos personales como esquís. En algún momento a mediados de la década de 1960, los Vogels encargaron a Oljanna que decorara el exterior de su tienda de regalos noruega, Open House Imports. Después de eso, comenzó a vender “kits de bordado para manteles y pequeñas piezas rosadas incluyendo letreros Velkommen, platos y muebles para niños” en Open House.

Además de usar sus habilidades para ganar dinero, Oljanna se basó en sus múltiples habilidades mientras “se dedicaba a la autopromoción en su propio beneficio, lo que a su vez benefició a la comunidad”. En 1966, Oljanna y su esposo, junto con el esposo de Nancy, Lee Vogel, iniciaron una campaña para conmemorar la herencia noruega de la zona. Estos esfuerzos dieron como resultado el Festival de la Canción de Noruega al verano siguiente. Durante la celebración comunitaria de un mes de la cultura noruega conocida como “Días de la Canción”, tanto los lugareños como los turistas pudieron explorar exhibiciones de romos, comprar productos auténticos de Noruega y probar platos noruegos. Las actuaciones de fin de semana de la “Canción de Noruega” —un musical al aire libre de la vida del compositor noruego Edvard Grieg— fueron lo más destacado del festival. Además de formar parte de su junta directiva, Oljanna cosió disfraces para los noventa miembros del elenco de “Canción de Noruega” en los primeros años de producción. Al mismo tiempo, se hizo conocida por sus trolls, de los que sigue siendo recordada por hoy.

Si bien Oljanna es menos conocida por su rosemaling, también fue productiva en esa arena del arte popular. Rosemaling comenzó como una forma de arte campesino en la década de 1700. En “Rosemaling: El arte de pintar rosas”, George Bushnell describe el rosemaling en Noruega como un “arte rural sin tutoría” practicado inicialmente por hombres que confiaban en su imaginación para concebir las “flores, hojas, enredaderas, pergaminos y adornos fantasiosos”. Si bien la práctica creció en popularidad a lo largo de finales del siglo XVIII y principios del XIX, cayó en desgracia debido al auge de la pintura de retratos y paisajes a mediados del siglo XIX. Para la década de 1870, el rosemaling “casi se había extinguido en el país de su origen”. A medida que la práctica disminuyó en Noruega, echó raíces en otros lugares. Marion Nelson explica que, “Durante el período de cuarenta años de 1836 a 1876, casi doscientos mil noruegos, la mayoría de ellos de comunidades rurales aisladas, abandonaron Noruega y llegaron a Estados Unidos donde se asentaron principalmente en las tierras praderas no desarrolladas de Illinois, Wisconsin, Iowa y Minnesota”. Con los inmigrantes noruegos llegó la práctica del roemaling al centro-sur de Wisconsin.

El Rosemaling no se practicó ampliamente en el Medio Oeste hasta la década de 1930, cuando el aumento del interés por el arte popular facilitó su ascenso. A raíz de la Segunda Guerra Mundial, el rosemaling disminuyó en popularidad hasta que experimentó un renacimiento en la década de 1960 debido al creciente interés por la etnia. Durante esa década, el rosemaling se practicó ampliamente entre los noruego-americanos. Como Nelson caracteriza el recrudecimiento de la década de 1960 en el roemaling, fue un “movimiento folclórico” porque conservó “cepas de la actividad artística popular anterior” pero ganó “nuevo ímpetu y amplitud”. Oljanna pertenecía a ese movimiento. Aprendió de niña a rosemal de su madre. De adulta, experimentó con la práctica. En lugar de rosar en colores tradicionales, a menudo pintaba en tonos de gris. En general, sin embargo, utilizó colores más habituales y mantuvo la práctica tradicional de roscar artículos para el hogar, como lo demuestran sus gabinetes y sillas decorados. Al mismo tiempo, parecía dispuesta a adornar cualquier cosa si se le encargaba. Cualesquiera que sean sus motivaciones o sentimientos sobre el rosemaling, es fácil ver que esta práctica, así como otras formas de arte popular, fueron un medio a través del cual Oljanna expresó y compartió su herencia, sea con fines de lucro o no. Además, al expresarse a través del arte popular, Oljanna se unió a una comunidad de noruegoamericanos que compartían su interés por una etnia común. De esta manera, el vestido da a conocer las formas en que Oljanna se identificó como miembro de una etnia.

Al mismo tiempo, este vestido revela cómo Oljanna se destacó de otros roseros. Cuando Oljanna romeció el vestido, adaptó el arte folclórico a la moda de una manera que era única la suya. Visto en este marco, el vestido revela cómo pueden ser las expresiones tradicionales creativas del patrimonio. Por distinta que fuera, apenas era la única persona creativa para rosemal. Las imágenes de objetos retenidos en la Sociedad Histórica de Wisconsin incluían artículos no tradicionales roscados como un señuelo de pato y una bolera. Al igual que el mini vestido de rombo, estos bienes materiales demuestran cómo la gente fusionó la tradición con la modernidad. Mientras que algunos practicaban el arte folclórico de manera creativa, pocos experimentaron con la moda como lo hizo Oljanna. El vestido marca así a Oljanna como una original artista folclórica étnica noruego-estadounidense.

El fabricante y el usuario del vestido tenían muchas cosas en común. Tanto Oljanna como Nancy nacieron y se criaron en el centro sur de Wisconsin. Las mujeres eran tanto esposas como madres. Cada uno de ellos se dedicó e invirtió en compartir y promover la herencia noruega del monte Horeb. Pero a diferencia de Oljanna, ninguno de los padres de Nancy Vogel emigró de Noruega. Además, ni la madre ni el padre de Nancy nacieron de inmigrantes noruegos. De hecho, no es evidente que ninguna parte del árbol genealógico de Nancy tuviera raíces en Noruega. A diferencia de Oljanna, para quien el vestido puede verse como expresión de su herencia noruega, el objeto representa algo diferente para su portador. Esta sección examina el vestido con romos desde la perspectiva de Nancy para comprender lo que podría haber significado para ella. Si bien este marco genera mucha especulación, evaluar el vestido en el contexto de la moda femenina de los sesenta proporciona una base para la afirmación de que Nancy utilizó el vestido para fusionar el arte popular con la moda. Al comparar el vestido con los estilos populares de la década, a continuación se muestra cómo Nancy utilizó el vestido para identificarse como miembro de la comunidad y expresar su propio sentido del estilo.

Nancy nació en Arena, Wisconsin en 1932. Sus padres, Robert y Ethel (Allen) Hodgson habían nacido en Wisconsin, al igual que sus padres, Ralph y Elizabeth (Hamilton) Hodgson y Francis y Wilhelmina (Schuldt) Allen, respectivamente. Nancy se casó con John Sievers en 1953. La pareja tuvo dos hijos juntos. A los 26 años, Nancy era viuda y madre soltera después de que John y el hijo mayor de la pareja fallecieran en 1958. Después de varios años de criar a su hijo menor, George, por su cuenta, Nancy conoció a Lee Vogel. La pareja se casó en 1962 y poco después se instaló en el monte Horeb. En 1966, Nancy y Lee abrieron “una tienda de regalos tradicional noruega” en una casa de la época victoriana a lo largo de Main Street. Llamaron a su tienda Open House Imports y se dedicaron a su éxito.

Open House, que se convirtió en un negocio familiar, ofrecía una amplia gama de bienes. La tienda atrajo a los transeúntes con “el pan de jengibre naranja ardiente al frente”. Originalmente pintado de púrpura, el repintado del pan de jengibre inició “una larga permanencia [de] promover el turismo y el patrimonio noruego”. Esa tenencia incluyó la participación de Nancy en el establecimiento de la Trollway Mount Horeb. Visto en este contexto, el vestido puede verse como una extensión de los esfuerzos de Nancy para promover la Casa Abierta. Sin saber más sobre lo que despertó el interés de Nancy por la cultura noruega, sin embargo, esta es una evaluación superficial.

Además de su trabajo en Open House, Nancy estuvo activa en la comunidad. Fue miembro charter de Sons of Norway Vennelag 513, se desempeñó como tesorera y presidenta de la junta del comité de publicidad de la Cámara de Comercio del Área de Mount Horeb, y actuó en la “Canción de Noruega”. Independientemente de la razón por la que Nancy se sintió inclinada a dirigir tanto de su tiempo y energía hacia una herencia noruega que no era suya, claramente deseaba ser parte de la comunidad. Considerando su implicación, es fácil imaginar que valoró a la comunidad del Monte Horeb, a la gente del mismo, y su lugar dentro de ella. Dentro de ese contexto, el vestido puede verse como un esfuerzo entre muchas Nancy que hizo para pertenecer. Como no noruega entre las personas de ascendencia noruega, el vestido podría haber marcado a Nancy como miembro de la comunidad.

Por lo menos, el vestido representa el deseo de Nancy de fusionar el arte folclórico tradicional con la moda de los sesenta. Refleja ciertos aspectos de la moda femenina de los años sesenta. En primer lugar, su forma era común de la época. Como explica Hilary Radner, el 'prêt-à-porter' producido en masa llegó a dominar el mercado después de la Segunda Guerra Mundial. Para la década de 1960, el auge del prêt-à-porter había cambiado la noción de 'estilo', reinterpretándola “en términos de la nueva economía del bien de consumo no duradero. Lo 'nuevo' más que el 'bien hecho', la innovación más que la calidad, se convirtieron cada vez más en los significantes del 'estilo'”.

Sin complicaciones y por lo tanto ideal para la producción en masa, el mini vestido A-line se convirtió no solo en un elemento básico del prêt-à-porter, sino que también se convirtió en un símbolo de estilo en la década de 1960. Como prenda confeccionada, el mini vestido A-line y la moda femenina de los años 60 marcaron el triunfo de la producción en masa y también expresaron un nuevo ideal femenino. Prêt-à-porter asumió una mujer joven y económicamente independiente para la que la moda era placentera pero el tiempo era limitado. Este tema, “formulado a través de la publicación de obras tan populares como Sex and the Single Girl de Helen Gurley Brown en 1962”, fue activo, empleado y deseaba la atención masculina. Para ella, el mini vestido A-line fue perfecto. Así, a través de la Chica Soltera, el mini vestido A-line significó un nuevo ideal que, según Radner, “define [d] feminidad fuera de una construcción patriarcal tradicional” y “establecía [d] el consumismo como el mecanismo que sustituye a [d] la maternidad en la construcción de lo femenino”.

Si bien el mini vestido con romácula es claramente de forma A-line, es importante considerar hasta qué punto reflejó patrones de producción así como nociones dominantes de género en la década de 1960. Dado que el vestido fue hecho, más que producido en masa, cae fuera de la categoría de prêt-à-porter. Pero el hecho de que la gente replicara la forma A-line muestra hasta qué punto el diseño simple se convirtió en sinónimo de estilo. Por el contrario, el aspecto hecho de la vestimenta rosmada también podría interpretarse como un rechazo a bienes de consumo no duraderos. Nancy hosca podría haber pedido a Oljanna que bordara un vestido comprado. El hecho de que Nancy comisionara a Oljanna para que hiciera y bordara el vestido sugiere que Nancy lo prefirió de esa manera, tal vez porque confiaba en que el vestido de Oljanna estaría bien hecho. En relación con el nuevo ideal femenino encarnado por el mini A-line de los años 60, el vestido rosmado es dividido. Para 1962, Nancy era una madre y esposa de 30 años. De esa manera, ella y su vestido de línea A fueron contrarios al ideal de Single Girl. Como mujer trabajadora, sin embargo, Nancy encajaba de lleno dentro del modelo. Ver el vestido de rombo y su portador como ni completamente alineados ni completamente separados de la noción de feminidad de los años sesenta muestra cuán flexible puede ser la categoría.

Un estudio detallado del mini vestido con rombo sugiere lo que podría haber representado para su creador y portador. Para Oljanna, el vestido era una forma de arte popular, práctica a través de la cual la noruego-estadounidense expresaba su identidad. Para Nancy, el vestido era un camino de pertenencia en el monte Horeb. Si bien el significado del vestido difería entre el fabricante y el usuario, representa no sólo una parte de Oljanna y Nancy, su sentido de sí mismo y de sus deseos, sino también un tiempo y un lugar. El vestido rosemaul muestra así cómo un objeto puede ayudarnos a comprender tanto a los individuos como a la sociedad, ya que ambos navegan por las formas en que involucran la tradición a lo largo del tiempo.

Bibliografía

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Centinela de Milwaukee

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