2.2: Principios y consideraciones de diseño

Figura 113. Esta tela está unida por su esquema general de color y el uso de rectángulos, pero varía en las dimensiones de los rectángulos y los patrones que los llenan. Tela Adinkra, Pueblo dagomba (Akan), Ghana, siglo XIX. © Museo Británico, Af1818,1114.23. Creative Commons CC BY-NC-SA 4.0.

Los elementos del diseño que acabamos de examinar actúan como bloques de construcción del artista. Trabajan juntos en un arreglo que sigue principios y consideraciones básicas. Esa combinación se conoce como la composición.

Figura, principios del siglo XX. 25″ x 8.25″ x 6.5″. Museo Brooklyn, 2004.75.1. Regalo de Dorothea y Leo Rabkin. Creative Commons- POR.

Unidad y Variedad

¿Qué hace que una obra sea mejor que una similar? Si bien el gusto personal es sin duda un factor, este tipo de juicio se basa en el artista equilibrando con éxito la unidad y la variedad dentro de una composición. Si los elementos del diseño no se unifican por algún medio, parecerán haber sido incluidos aleatoriamente, sin cohesión visual. Las formas variadas pueden unirse a través de un uso similar de línea o vía color, o una textura integral podría unir formas dispares (Figura 1130.

Demasiada unificación, sin embargo, puede ser aburrida. Si una obra está dominada por rectángulos, por ejemplo, un elemento unificador, pueden variar en tamaño para proporcionar variedad. Si el color unifica, como en una pintura monocromática, puede variar en su saturación, o a través de un espectro de tintes y matices. A veces los componentes individuales de una pieza pueden ser bien ejecutados, pero si no se logra el delicado equilibrio de unidad y variedad, puede parecer falto.

Saldo

Hay otro tipo de equilibrio que los artistas consideran: un equilibrio de elementos que evitan que una obra parezca visualmente desequilibrada. Esto se puede lograr de diversas maneras.

Simetría

Figura 115. En el arte africano, la simetría bilateral a veces no es absoluta. Este colgador de pared de lana y algodón es bastante simétrico, equilibrado a ambos lados de un eje horizontal, pero hay pequeñas variaciones de patrón y color. Aún así, es más simétrico que no. Fulani (?) tejedor, norte de Ghana o Malí, siglo XIX. H. 51″ x W 120″. Museo Metropolitano de Arte, 1971.30. Fondo Rogers, 1971. Dominio público.

Una de las formas más efectivas de lograr una composición equilibrada es a través de la simetría, principio de formas idénticas o similares que se equilibran entre sí alrededor de un eje. Existen varios tipos de simetría, pero la simetría bilateral es la opción más estándar, quizás porque nuestros propios cuerpos siguen este tipo de organización. En simetría bilateral, los objetos a un lado de un eje imaginario son la imagen especular de los del otro. Es decir, si trazaste una línea desde la mitad de tu cabeza hasta el espacio entre tus pies uniformemente espaciados, un lado es exactamente igual que el otro: un ojo a cada lado del eje, media nariz y media boca, un brazo a cada lado, una cadera en cada lado, una pierna colocada de manera similar. En el arte, esa línea imaginaria puede ser vertical u horizontal (o, en composiciones cuadradas, diagonal) para crear simetría bilateral (Figura 114).

En el arte africano, la simetría no siempre es un espejo preciso, sino más a menudo una aproximación cercana (Figura 115).

Figura 116. Esta tapa de latón Edo del Reino Benín del siglo XIX, Nigeria, es un ejemplo de simetría radial (aunque la única cabeza de serpiente demuestra que esta obra solo se aproxima a la simetría completa). De A.H.L. Pitt-Rivers, Obras de Arte Antiguas de Benin (1900). Dominio público.

Si bien la simetría bilateral es el tipo de equilibrio formal más común en el arte africano, no es el único tipo. La simetría radial irradia desde un punto central, con formas o motivos equilibrándose entre sí alrededor de ese punto Figura 116).

Si bien la simetría es una manera efectiva de lograr el equilibrio y, particularmente en el caso de la simetría bilateral, lograr la estabilidad, puede parecer soso a los ojos occidentales porque hemos sido entrenados para favorecer un equilibrio más informal en muchos medios. La simetría, sin embargo, tiene ciertas ventajas si un artista tradicional está tratando de transmitir, por ejemplo, un sentido de dignidad y permanencia en una figura tallada o moldeada. Su elección tiene menos que ver con producir una composición “emocionante” que con un resultado que satisface los requisitos sociales.

Asimetría o Equilibrio Informal

En una composición asimétrica, dos mitades cualesquiera de una obra no son iguales. Si mal hecho, el trabajo pierde atractivo y parece inconcluso y desequilibrado, pero si se hace bien puede ser una elección dinámica. El reto del artista es satisfacer la vista y la mente equilibrando a través del uso de formas, color, tono o textura. Una gran área opaca, por ejemplo, podría estar compensada por una pequeña sección brillante o una gran área lisa con una pequeña sección texturizada. Nuestros ojos son captados por la zona que es diferente, que contrasta de alguna manera con su entorno.

A veces el equilibrio informal funciona con elementos que atraen a la mente. Nuestros cerebros están entrenados para reconocer rostros, y una composición llena de una variedad de formas geométricas simples podría equilibrarse con una cara colocada en otra parte de la composición, ya que eso nos destaca. De igual manera, estamos capacitados para ser atraídos por el texto, y la aparición de una palabra relativamente pequeña podría resultar un contrapeso efectivo a una gran área de textura compleja.

Si observamos a continuación la instalación temporal de Victor Ekpuk (Figura 117 y video), notarás una gran forma oscura a la derecha, que encierra una figura abstracta. Esa zona oscura es la forma más grande y oscura de la obra, y está colocada a un lado. ¿Cómo se logra el equilibrio informal? Se necesitan tres cifras para equilibrar su peso visual. El que está en el extremo izquierdo funciona más duramente: se diferencia por la segunda extensión negra más grande, su cuerpo relleno y por la gran forma blanca que lo respalda. Además, se coloca en diagonal, a diferencia de las otras figuras, lo que llama la atención.

Figura 117. Victor Ekpuk, “Mickey en Broadway”. Instalación de rendimiento específico del sitio, Washington, DC, 2011. Ibibio, Nigeria. 21st c. Un solo fotograma de video a continuación.

vimeo.com/36424841

El punto focal y el movimiento a través de la composición

Figura 118. El punto focal consiste en las dos figuras de pie a la derecha, pero nuestro ojo es conducido a la izquierda por el gesto del blanco'uniformado y las armas de sus soldados. Incluso los bordes diagonales del techo de la iglesia en la parte trasera llevan nuestra mirada hacia las víctimas del tiroteo o de regreso al dúo de pie. Tshibumba Kanda Matulu. “Los Mártires de la Unión Minière du Haut Katanga en el Estadio Anteriormente Llamado 'Albert I'; ahora 'Mobutu'”. República Democrática del Congo, ca. 1975. Museo Brooklyn, 2010.1. Adquirido con fondos cedidos por Ellen y Jerome L. Stern. Creative Commons- POR.

Un artista puede distribuir formas o colores o texturas o tonos uniformemente a lo largo de una composición simétrica. Sin contraste, nuestro ojo tiende a mirar el centro de tal obra. El artista, sin embargo, tal vez desee obligar al espectador a mirar primero un área en particular. Eso se llama punto focal, y puede estar en cualquier lugar dentro de una composición. Los artistas utilizan los elementos del diseño para dirigir nuestros ojos hacia el punto focal. A menudo es un área de contraste, o nuestro ojo es conducido a ella a través de línea o forma. Después de que el punto focal nos llame la atención, otros elementos pueden llevarnos a explorar diferentes puntos de la composición. ¿Cómo? podemos movernos a lo largo de una trayectoria dirigida de líneas, colores, formas o texturas, o buscar aleatoriamente elementos similares en otra parte de la composición (Figura 118).

“Mickey on Broadway” de Ekpuk logra esto usando la gran forma oscura y su figura encerrada como punto focal. A continuación podemos mirar la forma blanca y su figura encerrada a la izquierda, porque tiene tanto una gran extensión negra como una gran extensión blanca. A continuación, probablemente miramos las dos figuras en el medio, porque las formas humanas siguen dibujando nuestra atención. Después de eso, ¿dónde? Las marcas negras en el fondo pueden hacernos rebotar a través de la composición, pero la probabilidad de que el primer conjunto de estos que notemos consista en las formas circulares ligeramente más grandes con líneas radiantes es bastante alta, de como a como, la salida rodeada, espiral similar al sol en la mitad de la parte superior, dibujos de líneas más pequeñas parecidas al sol en la parte superior izquierda y media derecha.

Figura 119. Tela asante kente, Ghana, 1925-1950. H 113 3/8″ W 79 5/8″. Museo de Arte de Indianápolis, r; 2007.125. La Colección Budd Stalnaker de Textiles Africanos. Dominio público.

Ekpuk (Figura 117) unifica la obra con anchos de línea similares, aunque varía su longitud, espaciado y dirección. Sus formas dibujadas se hacen eco en varias partes del fondo y los pequeños patrones generales son todos negros, unificando el total. Las cuatro figuras de forma similar varían en tamaño, ubicación y color. Observe otras formas en que Ekpuk unifica la obra. Un lavado rojo opaco está detrás de los puntos que llenan el cuerpo de la segunda figura por la derecha, uniéndola con color a la cabeza de la figura en el extremo derecho. Puntos más grandes de la misma varilla opaca actúan como botones en la figura al extremo izquierdo. Más puntos (mismo tipo de línea) lo unen a la segunda figura desde la izquierda, pero esta vez se colocan en el envolvente blanco. Si bien esos puntos son azules, cambian de color de arriba a abajo; el azul superior es el de la cabeza de la figura extrema izquierda, mientras que los puntos azules inferiores son los del cuerpo en el extremo derecho. Los únicos dos colores que aparecen una vez son los de las cabezas amarilla y verde, pero se colocan en medio de la composición y no la arrojan fuera de balance.

Ritmo

Figura 120. La tela de tiras para hombre Ewe de Ghana sincopa sus elementos, creando una apariencia viva. 1925-1975. Museo de Arte de Indianápolis, 1984.212. Dominio público.

Cuando formas, colores o texturas similares vuelven a aparecer en una obra, nuestros movimientos oculares a medida que nos movemos de uno a otro crean una especie de ritmo. Algunos ritmos tienen una regularidad absoluta (Figura 119), con intervalos, intensidad y tamaño iguales. Otros construyen a un crescendo o disminuyen a un descrescendo, mientras que otros aparecen de manera irregularmente escalonada, sincopada (Figura 120). Miramos de un componente rítmico al siguiente, nuevamente a la melodía manipuladora del artista. Los componentes rítmicos no son necesariamente prominentes o incluso aparentes en todas las obras de arte, pero cuando lo son, emplean uno o más elementos de diseño.

Escala

Escala es un término que se relaciona con el tamaño, particularmente con el tamaño de un ser humano. Es decir, una obra de arte a pequeña escala

Figura 121. Esta silla
Akan de Ghana del siglo XVII y XIX es en realidad un contrapeso en miniatura de latón para polvo de oro, solo mide 1.5 ″ de alto. Instituto de Artes de Detroit, 2014.1029. Don de Douglas H. Mayhew y Roberto J. Caballero en memoria de Catherine Baker Mayhew.

Figura 122. Yinka Shonibare (Bretaña/Nigeria) “Nelson's Ship in a Bottle” (2010) mide aproximadamente 17.55 pies de largo, mucho más grande que un barco típico en botella. Su escala insiste en la atención del espectador. Hecho para Trafalgar Square; ahora en el Museo Marítimo Nacional de Londres. Foto Tony Hisgett. Creative Commons CC BY 2.0.

es pequeña en comparación con una persona (Figura 121), mientras que una pieza a gran escala es algo que un adulto consideraría grande. En las reproducciones, este concepto tiene poco significado. En persona, sin embargo, el tamaño significa mucho. Los objetos grandes tienden a tener un mayor impacto visual que los pequeños, sin importar otras consideraciones. Al igual que muchos elementos y principios de diseño, la escala puede agregar al estado de ánimo o personalidad de una obra. ¿Impone al espectador o su diminutivo tamaño es admirable por la capacidad del artista para crear una miniatura detallada?