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1.4: El papel del espectador

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    Un artista o artesano tiene una audiencia en mente a la hora de crear una obra de arte. A veces el público es el artista. La mayoría de las veces, sin embargo, el público —el espectador— es otra persona. Puede ser un individuo o un grupo de personas que el artista conozca personalmente, o personas que el artista conozca estarán viendo la obra en un contexto específico o con un propósito determinado. El artista también puede considerar qué significado o impacto tendrá la obra de arte para las personas que la vean en un momento o lugar desconocido en el futuro, tal vez con poca información sobre el artista o la obra misma. O bien, el artista puede sentir la necesidad o el deseo de expresar una emoción y no tener preocupación por cómo reaccionará el espectador ante la obra, o incluso si el espectador va a entender la obra y por qué fue creada.

    Como espectador de una obra de arte, entonces, muchas veces somos conscientes de que no tenemos pleno conocimiento de lo que pretendía el artista o, en ocasiones, incluso de lo que el artista representaba. No tener esa información, sin embargo, no es necesariamente frustrante ni amortigua nuestro disfrute de la pieza. En cambio, podemos encontrar los colores vibrantes, o el tema intrigante, o la composición relajante; en otras palabras, podemos simplemente disfrutar mirando la obra de arte sin sentir la necesidad de detalles sobre ella o el artista. Pero, hay otras ocasiones en las que es útil tener alguna información sobre el artista o obra de arte para que podamos entender y apreciar mejor lo que estamos viendo.

    Existen sitios alrededor del mundo donde las imágenes fueron pintadas o inscritas en las paredes de las cuevas durante el Paleolítico Superior, c. 40,000-12,000 a.C. La mayoría de las imágenes son de animales, pero también se pueden encontrar contornos de manos, figuras humanas, instrumentos como arcos y flechas, y diseños como ruedas de radios o líneas paralelas. Poseen una serie de rasgos notables, entre ellos el hecho de que estas imágenes fueron pintadas a lo largo de decenas de miles de años en todos los continentes excepto la Antártida. A pesar de diferencias significativas, los tipos de sujetos representados durante todo ese tiempo y en todos esos lugares son notablemente similares. Pero, como se hicieron durante el periodo prehistórico, es decir, antes de que los humanos llevaran registros escritos, todo lo que sabemos de ellos es lo que podemos interpretar mirando las imágenes mismas y estudiando otros objetos que hemos encontrado de los mismos lugares y periodos de tiempo.

    Los estudiosos han expuesto numerosas ideas sobre por qué se hicieron las imágenes y qué podrían significar. Los animales representados incluyen caballos, toros, bisontes y venados, todos los cuales fueron cazados durante ese lapso de aproximadamente 30,000 años. Por ello, algunos estudiosos plantean la hipótesis de que las pinturas actuaron como una forma de magia simpática, expresando la esperanza o dando gracias por una exitosa cacería al representar a los animales cazados. Si las imágenes estaban asociadas con tales actividades, cruciales para la supervivencia de quienes las crearon, entonces sus creadores, como especulan aún más los estudiosos, eran chamanes, o líderes espirituales del grupo. Un chamán es un individuo con el poder de interactuar con el mundo físico y el otro mundo de los espíritus para mantener la armonía entre ambos, predecir el futuro, lanzar hechizos y curar a los enfermos. Aventurarse en una cueva, donde toda la luz del mundo exterior desaparece rápidamente, es parecido a un viaje a otro reino de la existencia. Las imágenes pintadas, vistas sólo por el fuego, habrían parpadeado y bailado en las paredes como si representaran a visitantes de otro mundo. No sabemos quién vio las pinturas aparte de quienes las crearon, pero en el Panel de Caballos Manchados dentro de la Capilla del Bisonte en la Cueva Pech-Merle de Cabrerets, Francia, las huellas de manos también presentes son evidencia de que hubo otros que las vieron. (Figura 1.15) Las impresiones se realizaron colocando una mano en la pared y soplando pintura a su alrededor, tal vez a través de un objeto hueco en forma de cañas. ¿Están destinados a identificar o documentar a quienes estuvieron presentes, para indicar sus poderes esperados como cazadores o su inclusión como parte de una experiencia chamánica? No lo sabemos, pero incluso con la poca información que tenemos como espectadores hoy en día, sin embargo podemos disfrutar de la belleza y el misterio de la pintura.

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    Figura 1.15 Réplica de la pintura rupestre Pech-Merle de Cabrerets, (dominio público, “HTO”)

    Un laberinto, o laberinto, como el del piso de la nave de la catedral de Chartres (1194-1250), Francia, es otro ejemplo de una imagen u objeto que se encuentra en varios lugares, pero del que tenemos poca información. (Figura 1.16) Un laberinto es similar a un laberinto pero generalmente tiene solo un camino intrincado y retorcido hacia el centro. (Figura 1.17) Hay laberintos en los pisos de numerosas catedrales góticas medievales en Europa que se construyeron en los siglos XII al XV. El laberinto de la Catedral de Chartres fue construido en el siglo XIII y, a 42.3 pies de diámetro, llena el ancho de la nave, o área central de una iglesia. Si bien hay documentación de que el clero realizó danzas durante las celebraciones de Semana Santa sobre laberintos encontrados en otras catedrales en Francia, no existen tales registros con respecto a Chartres. Lo que sí parece tener en común con otros laberintos, sin embargo, está siendo utilizado como un camino para circunvalar, o caminar, por los visitantes de la iglesia que estaban en peregrinación o viaje de fe. Como era el caso de muchas iglesias góticas, la Catedral de Chartres sostenía una reliquia, objeto que se pensaba que pertenecía o formaba parte del cuerpo de una persona santa, en este caso, una prenda que se cree que es la túnica que llevaba la Virgen María cuando dio a luz. Los peregrinos viajaron a Chartres para venerar esta reliquia como demostración de su devoción religiosa. Mientras esté allí, peregrinos y otros visitantes podrían seguir las piedras del laberinto mientras están en oración o en un estado de meditación; el inevitable desenlace del complejo y giro camino que conduce al centro refleja la certeza de que la oración conducirá al creyente a Dios. El movimiento repetitivo y enfocado de caminar mientras se absorbe en la oración realzó la experiencia devocional para el adorador—quien también era el espectador del laberinto— tanto a nivel físico como espiritual.

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    Figura 1.16 Laberinto en la Catedral de Chartres, (CC BY-SA 3.0, “Maksim”)

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    Figura 1.17 Diagrama del Laberinto de la Catedral de Chartres, (CC BY-SA 3.0, “Ssolbergj”)

    John Haberle (1856-1933, EUA) fue un pintor que nació y pasó la mayor parte de su vida en New Haven, Connecticut. Era bien conocido por sus obras de trompe l'oeil como A Bachiller's Drawer: pinturas que eran tan realistas que “engañaron a la vista”. (Figura 1.18) Precisamente renderizando objetos sobre una superficie bidimensional como si estuvieran en un espacio tridimensional, pudo crear una ilusión de realidad que estaba destinada a dibujar en sus espectadores, quienes brevemente desconocían el truco que les estaba jugando. Reconocer rápidamente la pintura era en verdad una apariencia increíblemente precisa de objetos reales, el espectador se convirtió entonces en un participante en el juego de engaño del artista.

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    Figura 1.18 Un cajón de licenciatura, Artista: John Haberle, Autor: Met Museum, (OASC)

    Los diversos objetos en A Bachiller's Drawer, entre ellos fotografías, papel moneda, talones de boletos de teatro, recortes de periódicos, un termómetro y un peine para el cabello, que parecen estar fijados al azar a un frente de cajón de madera son visualmente interesantes porque son muy reales. Una vez que el espectador cambia de enfoque para mirar estos artículos cotidianos y comunes, el tipo de cosas que sacas de tu bolsillo al final del día, a menudo con la intención de tirarlos, y pensar en lo que son, también nos preguntamos qué podrían significar. Y, eso es exactamente lo que Haberle pretendía que hicieran sus espectadores.

    El artista incluso premia a sus espectadores por su gran atención a los muchos detalles de su pintura al colocar algunos importantes en el centro: varios fragmentos de artículos periodísticos, entre ellos uno que afirma, “Un artista de New Haven se ha sumido en problemas al hacer billetes verdes demasiado perfectos al óleo”. Los espectadores que conocían la obra de Haberle probablemente habrían sido conscientes de que la afirmación era cierta. Haberle frecuentemente representaba papel moneda en sus pinturas, a pesar de haber sido advertido de que dejara de hacerlo por el Servicio Secreto de Estados Unidos, que se formó en 1865 para detener la distribución de dinero falsificado. Quienes apreciaron su trabajo sabían que Haberle se complació en dejar claro que estaba ignorando esa exigencia.

    Un Cajón de Licenciatura, pintado 1890-1894, resultaría ser la última pintura de moneda del artista trompe l'oeil, sin embargo, ya que la exigente obra le había tensado los ojos hasta el punto de que ya no podía pintar tan finos detalles. Algunos de los otros objetos que Haberle incluyó, y el título de la obra en sí, parecen estar refiriéndose al final de una era. El folleto titulado “Cómo nombrar al bebé”, que se muestra de manera destacada en la parte superior derecha, cubre parcialmente la postal que muestra a un dandy finamente vestido con su apuesto bigote que se coloca directamente encima de una fotografía discretamente cubierta de una mujer desnuda. Todos conducen a una pequeña fotografía que parece estar pegada en el marco inferior (pintado), que es un retrato del artista. ¿Fue él el soltero que alguna vez tuvo la libertad de asistir al teatro, pero que ahora está tomando la vida de un padre joven? Este rastro de pistas es típico del humor seco en la obra de Haberle, aquí se volvió contra sí mismo, con una invitación abierta para que sus espectadores compartieran la broma con él.


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