1.5: Cómo comparar y contrastar el arte

Comparar pinturas modernas y pinturas históricas trae una comprensión de cómo el pasado influye en el presente. Aprender los elementos del arte, el diseño y los métodos artísticos te ayudará a comunicarte y escribir con un nuevo lenguaje para comparar y contrastar el arte. En este libro de texto, estaremos comparando y contrastando imágenes ordinarias de caballos, figuras, girasoles y puntos. Al igual que un nuevo lenguaje, se vuelve más familiar cuanto más los términos utilizados en las descripciones escritas. Mirar el arte es la base para aprender a escribir ensayos descriptivos. Cuanto más tiempo mires, más información comienzas a ver, como las marcas de pincel. Hacerte preguntas sobre las marcas de pincel puede ayudarte a definir el tipo de arte que estás viendo: El impresionismo utiliza marcas significativas de pincel ancho con losas de pintura visibles. Mientras que los artistas renacentistas usaban pintura al óleo con marcas de pincel casi ocultas dando un aspecto realista a la pintura. Estas observaciones te ayudarán a decidir en qué periodo de la pintura artística puede pertenecer cuando no conoces la respuesta.

Comparando Caballos

Los dos cuadros, Relevos Hunting (1.9) y Foundation Sire (1.10) fueron creados con 170 años de diferencia pero son tan realistas como las fotografías tomadas ayer. En casos similares, los caballos se enfrentan predominantemente lejos del espectador mostrando las robustas patas traseras y los músculos tensos. El sol resplandeciente marca sus abrigos, reflejando reflejos y enfatizando la estructura muscular de los animales. Ambos artistas representan de manera realista a los caballos haciendo que el espectador eche un segundo vistazo a los exquisitos detalles de los caballos y los alrededores.

1.9 Caza de relevos

1.10 Fundación Sire

En pinturas realistas, ambos artistas se enfocaron en el detalle a partir de su estudio de la anatomía del caballo. Rosa Bonheur, quien pintó los tres caballos en Relevos Hunting (1.9), en realidad fue a plantas procesadoras de carne y estudió la anatomía de los caballos mientras ella diseccionaba a los animales. La mayoría de los artistas estudian la anatomía humana como parte de su educación. Comprender la estructura muscular y ósea del cuerpo beneficia la capacidad de los artistas para dibujar personas y animales realistas.

1.11 Imagen de un caballo de las Cuevas de Lascaux

1.13 Estudio de los Caballos, Leonardo

La representación de caballos a lo largo del tiempo humano comenzó en la pared de la cueva, Imagen de Caballo (1.11). Vemos caballos inmortalizados en estatuas de bronce, capturados en película, o dibujados en Estudio de caballos (1.13). Pintado en Caballos Azules (1.14), grabado al agua fuerte en Caballero, Muerte y Diablo (1.12), y coloreado. Los caballos han sido un medio de transporte durante miles de años, y la imagen equina ha sido el retrato tradicional a lo largo de los siglos. Estos cuadros de diferentes tipos de caballos demuestran que pueden ser dibujados o pintados en muchos tipos de estilos. Los detalles en el grabado Knight, Death, and the Devil (1.12) establece al artista como una persona orientada a los detalles en oposición a los Caballos Azules (1.14), que tiene un estilo de pintura más flojo y colores más atrevidos.

1.12 Caballero, la muerte y el diablo

1.14 Caballos Azules

Comparando figuras

A primera vista, El nacimiento de Venus (1.15) y Rara Avis 19 (1.16) se ven completamente diferentes entre sí, ¿o son? Veamos más de cerca estas dos figuras: ¿cuál es el único objeto en ambas pinturas que es similar? ¡La mujer del centro! Ambas poses son similares, inexpresivas excepto lo que el espectador lee en ella, y no muestran ningún movimiento, una pose muy estática con piernas y pies alargados. Ninguno de los artistas le da peso al cuerpo ni utiliza ningún tipo de espacio de perspectiva profunda. Ambas figuras tienen una pose imposible, el desplazamiento de peso sobre una cadera. Ambos parecen estar emergiendo del agua como si hubieran nacido del mar.

1.15 El nacimiento de Venus

1.16 Rara Avis 19

Ambos son coloridos y tienen la impresión de un fondo; tierra, mar y árboles. Sin embargo, estas dos pinturas tienen más de 500 años de diferencia, el Nacimiento de Venus de Sandro Botticelli en 1486 y Rara Avis 19 de Jylian Gustlin en 2014. Botticelli pintó en óleos sobre lienzo, y su Venus es distante y desinteresada en su entorno. Gustlin trabaja en pinturas acrílicas y al óleo sobre tabla, utilizando los efectos de las capas para lograr sus pinturas distintas e intrincadas. Las figuras del paisaje muestran frecuentemente una figura malhumorada y mediocre, pero al mismo tiempo, que representa un sentido de futuro. Una figura ambientada en una traducción literal y la otra en una visión moderna, sin embargo cada una se escapa de la realidad.

Comparando Girasoles

Estas dos piezas de arte muestran el magnífico girasol a la altura de su floración. Los pétalos amarillos se abren hacia el sol, ofreciendo semillas a las aves que pasan. El toque de color marrón en las hojas le dice al espectador que el clima otoñal está en camino. Estas dos piezas de arte tienen unos 140 años de diferencia, una está en pintura y la otra es de tela pintada. Los girasoles (1.17) en el jarrón es de Vincent Van Gogh en 1887, y la colcha de girasol (1.18) es de una colcha desconocida, 2004.

1.17 S unflowers

Las dos piezas tienen muchos componentes similares, por ejemplo, los colores de los girasoles son amarillos, vainas de semillas marrones en los centros, ambas imágenes llenan el espacio, y ambas pintadas. Las diferencias son más significativas porque los girasoles acolchados contrastan mucho con la tela marrón oscuro; las flores en el jarrón se encuentran sobre un fondo azul pálido. La colcha muestra flores dispuestas en el espacio no ancladas a tallos o en un jarrón, como se ve en la pintura.

El proceso de pintura también es diferente. Van Gogh pintó sus girasoles sobre lienzo con pinturas al óleo. La tela de colcha pintada se convirtió en la paleta de los girasoles con mayormente amarillos, con marrones, verdes y naranjas en una variedad aleatoria de colores para reflejos, cortados en hojas individuales y dispuestos en la tela de fondo. Ambas piezas son obras de arte similares creadas en diferentes épocas con diferentes materiales.

1.18 Colcha de girasol

Comparar puntos

Los puntos o puntos son formas primarias individuales en el art. En el arte, los puntos pueden ser uno o muchos miles de puntos abstraídos en imágenes que podemos o no reconocer. Los puntos pueden estar muy separados o cercanos entre sí, de diferentes colores, monocromáticos o de un solo color. Todos los dibujos comienzan con un solo punto desde la punta del lápiz, y a medida que el lápiz se mueve, se convierte en una línea continua de puntos, convirtiendo así al punto en uno de los elementos esenciales en el arte.

Los puntos se convierten en el punto focal del arte, y el espacio entre los puntos es tan crucial como el punto mismo. El punto puede causar tensión o armonía dependiendo del color, tamaño y qué tan cerca esté el punto de otro punto. A medida que los puntos se colocan más juntos, comienzan a convertirse en un objeto, una forma reconocible.

Yayoi Kusama (nacida en 1929) es considerada la 'Princesa de los Polka Dots' utilizando grandes lunares distintos en sus dos esculturas Flores (1.19) y La vida es el corazón de un arco iris (1.20). Son lunares rojos y blancos que rodean los árboles o toda la habitación. Los lunares son claramente círculos, especialmente en la habitación, ya que están muy separados y sólo en dos colores contrastantes. Los árboles envueltos en rojo con lunares blancos están más cerca entre sí pero aún distintos en varios tamaños en el alto contraste. Los puntos no se tocan, y el espacio negativo entre ellos es aproximadamente del mismo tamaño en todas partes.

1.19 Flores

1.20 La vida es el corazón de un arco iris

1.21 Un domingo por la tarde en la Isla de La Grande Jatte

George Seurat desarrolló una técnica de pintura con diminutos puntos coloreados llamada Puntillismo como él cuando se ramificó fuera del Impresionismo. El puntillismo se basa en pequeños puntos de color que se mezclan en la mente del espectador creando una gran escena. De cerca, cada punto coloreado y marca de pincel son visibles; sin embargo, cuando el espectador retrocede varios pies, el espectador se sorprende con una pintura realista. La pieza a gran escala, A Sunday Afternoon on the Island of La Grande Jatte (1.21), transformó el arte a principios del siglo XX e inspiró a los artistas a trabajar con puntos.

Las tres pinturas están todas creadas a partir de puntos, puntos pequeños, puntos grandes, puntos de colores en el lienzo, en paredes, suspendidos del techo o suspendidos en el espacio. El tamaño y el color del punto sí importan y pueden dar al espectador una experiencia completamente diferente.

Video: Cómo hacer análisis visual (formal) en la historia del arte

El arte está donde mires, todo lo que usas y el arte es belleza. Basta con mirar a su alrededor...